Endorfinart Podcast #10 " El sonido del vacío: 4’33’’ de John Cage"

Todo aquel que habla sin un oído atento está condenado a ser mudo, y cuidado, tened siempre en mente pensamientos alegres. Pero no desesperéis, quedaros, vamos a recrearnos en este rincón en un rincón único, irreverente. Bienvenidos a Endorfinart.

Buenas tardes, amigos, extraños. En 1951, John Cage entró en la cámara anecoica de la Universidad de Harvard buscando escuchar el silencio absoluto. No oyó nada, salvo dos murmullos, uno grave, su circulación sanguínea, y otro agudo, su sistema nervioso.

Estuvo de allí convencido de que el silencio en realidad está lleno de sonidos, lo cual nos puede llevar a plantearnos. ¿Puede una obra silenciosa ser música? ¿Dónde termina el compositor y empieza el oyente? Podríamos pensar que el silencio nunca está vacío.

Al menos eso descubrió John Cage cuando se encerró en esa cámara anecoica.

No esperaba nada, encontró el zumbido persistente de la vida misma. Aquella paradoja, oír su propio cuerpo en un recinto diseñado para acallar al mundo, le reveló que el vacío es en realidad un espacio colmado de posibilidades sonoras que sólo esperan ser atendidas.

Esta intuición late en el corazón de 4 minutos 33 segundos, una pieza célebre por sus tres movimientos de silencio aparente y, al mismo tiempo, por invitar al público a escuchar lo inaudible, el murmullo del entorno, el crujido de las butacas, el rumor de la respiración colectiva. Esa conciencia de que el silencio nunca está realmente vacío alteró para siempre nuestra relación con el sonido. Y nadie exploró sus implicaciones con más audacia que un compositor estadounidense capaz de convertir la quietud en partitura.

Buscamos entonces a John Cage, el hombre que transformó el silencio en materia musical y abrió una fisura definitiva en la tradición occidental.

Silencio y presencia. Dos términos que John Cage volvió inseparables. Pero, ¿quién era este músico que se atrevió a escuchar donde otros sólo oían vacío? Silencio y presencia. John Milton Cage Jr. fue un compositor, teórico y performer estadounidense que revolucionó la música del siglo XX al cuestionar qué cuenta como sonido y quién lo decide. Pionero en la indeterminación, de la electroacústica y del uso no convencional de instrumentos, su influencia se extendió mucho más allá de los círculos clásicos.

Estudió en la Universidad de California y en 1937 se estableció en Seattle, donde fundó uno de los primeros ensambles de percusión. Allí empezó a experimentar con objetos cotidianos tales como latas, frenos de auto o radios como instrumentos. A comienzos de los años cuarenta introdujo tornillos, gomas y piezas metálicas entre las cuerdas de un piano convencional para convertirlo en un laboratorio de timbres. Obras como Sonatas e Interludios de 1948 lo consolidaron como figura vanguardista. Influido por el budismo Zen y el maestro Suzuki, empezó a usar el I Ching para tomar decisiones compositivas al azar, eliminando la voluntad autoral.

La pieza emblemática de esta etapa y que da título a este podcast es 4 minutos 33 segundos, estrenada en 1952. Tres movimientos y notas que enmarcan el ruido ambiental. Con ella postuló que el silencio absoluto no existe. Formó pareja artística.