Las 1001 Canciones

En el programa de hoy os voy a hablar de una cantante con una fuerza vocal descomunal. La protagonista en este 1001 Canciones es Janis Joplin, cantante norteamericana de blues y rock. Su vida musical es corta pero muy intensa. En 1967 se dió a conocer en el Monterey Pop Festival, junto a una poco conocida banda de San Francisco de rock psicodélico. A partir de su participación en el mítico festival de Monterey, se convirtió en una de las estrellas más grandes de su época. Su primer trabajo discográfico es junto a los Big Brother & the Holding Company. Un año después publicaron "Cheap Thrills". En 1969 junto a los Kozmic Blues Band, su nuevo grupo editan un nuevo trabajo discográfico. En 1970 Janis Joplin, fallece de una sobredosis de heroina a la edad de 27 años. Tres meses después del fallecimiento la compañía Columbia Records publica de forma póstuma el disco en el que Joplin había estado trabajando antes de morir. Su cuarto y último trabajo discográfico "Pearl" es el disco que vamos a escuchar hoy. La última perla de Joplin empiza con "Move Over". Amiga íntima de Jimi Hendrix, no supo encajar su muerte. A partir de ese suceso empezó a replantearse su propia existencia. De poco sirvieron los ánimos de su otro amigo, amante y también músico Kris Kristofferson. El disco esta producido por el productor musical Paul Rothchild, productor habitual del sellos CBS, produjo también los cinco primeros álbumes de The Doors. La siguiente canción es "Cry Baby". Janis Joplin se convirtió en un símbolo femenino de la contracultura de los años 60. Otro de los temas que encontramos en "Pearl" es "Half Moon". Le damos la vuelta al LP y la cara B del disco empieza con el tema "My Baby". Janis Joplin, durante el periodo de grabación del disco, no estaba bien, abusaba del alcohol y de la heroína y las sesiones de grabación fueron muy duras. El tema que vamos a escuchar a continuación fue grabado la noche antes de su muerte. Janis grabó la única versión de "Mercedes Benz". El disco cierra con "Get it while you can" último tema del disco y el último aullido de la inflamable Janis Joplin. Hasta la semana que viene.

El disco que traigo hoy, ya ha pasado por "Las 1001 Canciones", Cuando hablamos de la relación entre dos buenos amigos, David Bowie y Lou Reed. Escuchamos alguna pieza del álbum "Transformer". "Transformer" es el disco que convirtió a Lou Reed en leyenda. Reed, tras dejar la Velvet Underground, el proyecto musical de Andy Warhol, se traslada a Inglaterra donde es fichado por el sello RCA Records. David Bowie y Mick Ronson, producen su álbum junto al ingeniero Ken Scott en los estudios británicos Trident. "Transformer" marcó la trayectoria musical de Lou Reed. El álbum abre la cara A del LP con este "Vicious". Estamos en 1972 y se trata del segundo álbum en solitario de Lou Reed. El álbum brilla por todos lados a ese Glam Rock de Bowie y Ronson, del que eran unos buenos embajadores. La siguiente canción esta escrita por Lou Reed, "Perfect Day" obtuvo un nuevo reconocimiento cuando en 1996 fue elegida para la banda sonora de la película Trainspotting. La cara A del LP se cierra con una de sus piezas maestras. "Walk on the wild side" la letra de la canción nos cuenta las aventuras que se vivian en The Factory. La guarida neoyorquina de Andy Warhol y los suyos. El tema cuenta con una línea de bajo doble magistralmente ejecutada por Klaus Voormann, bajista de John Lennon y colaborador de The Beatles. También hay que destacar el solo de saxo final, interpretado por Ronnie Ross, antiguo profesor de saxo de David Bowie. Damos la vuelta al disco y nos encontramos con "Make Up" "Maquillaje" tema que abre la cara B. Según he podido leer en algunas de las biografias tanto de David Bowie, como de Lou Reed. El libertino ritmo de vida que llevaban por aquel entonces se esconde dentro de temas como este "Wagon Wheel". Vamos a cerrar el repaso de Transformer, el disco que descubrió el potencial compositivo, gracias a las letras del propio Lou Reed. El LP pone el punto final a la fiesta Glam con "Goodnight Ladies". Hasta la semana que viene!

El protagonista de hoy es un artista en mayusculas. Puedo decir sin riesgo a equivocarme que es de ese tipo de artistas, como los que ya nacen pocos. Se ha atrevido con todo... Ha actuado como actor en obras de teatro, lo hemos visto como actor en peliculas. Y en su momento, decidió involucrarse plenamente en la lucha por los derechos civiles. Realizó campaña politica por Kennedy y cantaba para amenizar los mitines de Martin Luther King. Hoy vamos a hablar de Harry Belafonte. En el mundo del teatro fue compañero de estudios de Tony Curtis y Marlon Brando. Inicialmente su vocación era la interpretación. Pero la música también ocupaba un lugar importante en su vida. Su particular estilo, se basó en mezclar la música de raíz caribeña con toques folk más americanos, dándole así un toque muy especial a la música que creaba. Podemos decir que es uno de los padres del estilo que hoy conocemos como Calypso. Para hacer un repaso de su música y de su estilo. Hoy os traigo un disco que publicó en 1956 y lleva por título "Belafonte". El primer tema que abre este álbum de once canciones, es "Waterboy", se trata de una tradicional canción americana de folk, a la que Belafonte, le da su particular toque personal. Vamos a escucharla. Como podemos escuchar una canción que en la voz de Harry Belafonte, le pone un gran sentimiento. La siguiente propuesta es un tema original de 1930 grabada originalmente por Norman Span, artísticamente conocido como King Radio, otra de las figuras importantes y auténtico pionero del calypso. "Matilda" trata sobre el lamento de una mujer que quiere a un hombre por todo lo que vale. Publicada en 1953 como single obtuvo un gran éxito. Uno de los temas más importantes para Harry Belafonte, un hit que lo ha acompañado a lo largo de toda su carrera musical. Encontramos varias versiones de "Matilda" realizada por el mismo Belafonte. Esta que vamos a escuchar pertenece a la versión que realizó para este disco. Ahora vamos a escuchar de la voz de Belafonte un historia milagrosa hecha canción. Un padre escucha rezar a su pequeña hija por unas cintas escarlatas para su pelo. El padre no puede conseguir esas cintas para su hija. A la mañana siguiente el padre descubre esas cintas escarlatas enredadas en el pelo de la niña de forma misteriosa. La siguiente propuesta es un clásico de 1955. un tema que fue escrito por Hy Zaret y musicada por Alex North, para la pelicula "Unchained". Belafonte canta "Unchained Melody" "Melodía Desencadenada". Así suena la versión que realizó Harry Belafonte, diez años antes que lo popularizara el dúo, The Righteous Brothers en 1965. Para cerrar el repaso a este Belafonte, uno de los primeros trabajos discográficos de Harry Belafonte, lo vamos a hacer con otra versión que realiza de otro clásico americano. Una canción original de 1933 que servía para motivar a los que se encontraban trabajando en los campos de algodón. Con "Jum Down, Spin Around" ponemos el punto final al segundo disco publicado de Harry Belafonte.

Hoy el protagonista de este capítulo de "Las 1001 Canciones" es el gran Ray Charles. O como a él le gustaba que le llamaran sus compañeros y amigos, el "Hermano Ray". Conocido principalmente como pianista y vocalista. Ray también era saxofonista. Ray Charles empezó a perder la visión a la temprana edad de los cinco años. Un glaucoma lo dejó completamente ciego a los siete años. Con esa edad empezó a interesarse por la músicay tomó clases en la escuela de sordos y ciegos de la Florida. Sus clases eran prinicipalmente de música clásica. Aunque escuchando la radio mostró gran interes por los ritmos del jazz y el blues. A finales de la década de 1940, empezó a editar discos. El prime éxito llegó en 1951 con el tema "Baby, Let Me Hold Your Hand". Pero nosotros hoy no vamos a repasar sus más de cuarenta álbums publicados. De hecho, el álbum que he escogido es quizás el más corto de su carrera. Corto... Pero intenso! Vamos a escuchar "What'd I Say" publicado en 1959. El tema de este disco es curioso. Os voy a explicar su historia. Ray Charles, se encontraba realizando un concierto en un club nocturno de Milwaukee. Se dispone a finalizar con la última canción que tenía preparada en su repertorio y viendo el estado del público, se gira diciendo a su banda y a The Raeletts, sus coristas, que le siguieran y que repitieran todo lo que él a partir de aquel momento dijera. Así empieza el disco: Un tema muy controvertido en la época, fue vetado en muchas emisoras de radio, por su supuesta insinuación sexual. Aunque Ray Charles, no contento con el resultado de ese primer bis, de poco más de tres minutos. Se anima a seguir, dando lugar a la segunda parte. Repitiendo ese pegadizo "What I Say" "Que Dije". De manera frenética. Para completar este EP se incluye el tema "Blackjack". Y es que Ray Charles, era un enamorado de ese juego de cartas. En este tema nos canta sus aventuras y desventuras junto al crupier. Para finalizar este corta duración. La compañía discográfica, Atlantic Records, decide volver a publicar el que fue una cara B en 1953. Con el tema "Heartbreaker" "Rompecorazones" ponemos el punto y final a este EP que fue tan demandado por los propios asistentes al concierto que vio nacer el gran tema "What'd I Say". Feliz semana!

El protagonista de hoy es Sir. Roderick David Stewart, por todos conocido como Rod Stewart. Este rockero incombustible puso patas arriba el mercado musical en 1978, con la publicación de su álbum "Blondes Have More Fun". "Los rubios son más divertidos". Se trata de su noveno álbum de estudio. Y es que Rod es mucho Rod. Tras iniciar su carrera musical como músico callejero, en poco tiempo se enroló en diferentes proyectos musicales que le llevaron a formar parte de supergrupos como The Jeff Beck Group o los Faces. Pero vamos a centrarnos en este disco en el que vemos en su portada a un Rod Stewart abazarse a una chica morena que viste un mono de leopardo. La Warner Bros Records, discográfica que edita el disco, elige para la presentación del álbum "Da Ya Think I'm Sexy?" una forma graciosa de decir "Crees que soy sexy?". Esta es la primera pista del disco. El tema con un toque disco, nos habla de un chico que conoce a una chica en un club. Después de una demanda por temas de derechos de autor. Rod Stewart decidió donar todas las ganancias del tema a UNICEF. Los temas de este disco estan compuestos por Carmine Appice, el propio Rod Stewart. Y temas como este "The Best Days of My Life" junt a Jim Cregan. El nombre del álbum "Blondes (Have More Fun)" "Los Rubios son más divertidos". En el caso de Rod, lo debe decir por él mismo, con el look rockero y su pelo rubio platino. Le dan un aire de pícaro divertido. Así suena el tema que se dedica el propio Rod Stewart. El disco presentado en 1978 ha conseguido diferentes discos de oro y de platino consiguiendo vender más de tres millones de copias. En la siguiente propuesta nos cuenta como le fue durante su etapa estival. En la penúltima pista del disco nos encontramos con un cover que hace de "Standin' in the shadows of love" tema original de los Four Tops. Llegamos al final, cerramos el repaso de este "Blondes Have More Fun" con la canción que pone el punto y final al disco. "Scarred and Scared". Rubios... Rubias... Hasta la semana que viene!

Las protagonistas de estas "1001 Canciones" es un súper trío musical de inicios de los 60. Florence Ballard, Mary Wilson y Diana Ross formaron "The Supremes". Berry Gordy, fundador del sello Motown, puso a su excelente equipo de compositores a trabajar para este proyecto. Diana Ross, era la chica elegida por Gordy para ser la cantante principal. El trío creado fue un auténtico bombazo musical. Se convirtieron en otra mina de oro para el sello Motown. Durante 1964 The Supremes consiguieron cinco números uno y se convirtieron en las chicas que hacian frente a la fiebre de la beatlemania. Para repasar alguno de sus grandes éxitos me he hecho con un álbum que publicaron en 1965. El nombre del álbum es "More Hits by The Supremes". El LP contiene doce temas, entre los que encontramos buena parte de sus hits. El primer tema que abre el disco es "Ask Any Girl". Una primera muestra de lo que estas chicas nos pueden ofrecer. El trío inicialmente fue un cuerteto. Junto a Betty McGlown, se presentaron a Motown y es curioso contar como fueron rechazadas por el sello. "Nothing but Heartaches" traducido como "Nada más que angustias" es el segundo tema que vamos a escuchar de este disco recopilatorio. El sueño de entrar en Motown tuvo que esperar hasta 1961. Por falta de tiempo, no vamos a poder hacer un repaso muy extenso de esas primeras canciones. Motown lo tenia claro con todo el catalogo de artistas que coleccionaban. Pero con The Supremes lo llevaron un paso más allá. Decidieron publicar solamente discos que llegaran al número uno. Escuchamos "Mother Dear". En 1965 año de edición de este LP del que estamos hablando hoy, fue uno de los mejores años de las Supremes. "Stop! In the name of love" "Detente! en nombre del amor" se colocó en el número uno de las listas entre marzo y abril de 1965. El tema fue nominado a los Grammy, aunque finalmente no consiguió llevarse el premio. Los éxitos se sucedian con cada nuevo tema que presentaban. "Back in my arms again". "De vuelta en mis brazos otra vez" es otro de sus top five que llegaron al número uno. Este tema cierra la cara A del recopliatorio. "More Hits by The Supremes" el LP que estamos escuchando recogía lo más importante de ellas hasta 1965. La cara B del LP abre con "Whisper you love me boy". Un susurro dulce con el feeling de las Supremes. Hay que decir que The Supremes continuaron con su actividad musical hasta 1977. Por la formación han pasado una gran variedad de voces. Aunque el trío original es el que estamos escuhcando en este trabajo. Para cerrar el repaso a esta dorada etapa trío, lo vamos a hacer con "I'm in love again" la canción que cierra la cara B del álbum. Consiguieron llegar a lo más alto de las listas y es que por algo son The Supremes. Hasta la semana que viene!

Hoy en "Las 1001 Canciones" la protagonista es una de esas cantantes que no es conocida por su fama o proyección internacional. Más bien, se dedica a hacer lo que tiene que hacer. ¿Qué es? Música. Cuando oímos Sarah McLachlan, quizás a muchos les suene su nombre. A otros puede que no les suene para nada. Sarah McLachlan es una cantante y compositora nacida en Halifax, Nueva Escocia, Canada. Su estilo navega entre el folk, el pop, el rock y la música adulta contemporánea. Tiene una voz muy personal, su particular tono de mezzosoprano lírica, da a sus canciones un estilo delicado e inconfundible. El disco que vamos a escuchar, "Solace", es uno de sus primeros trabajos discográficos. Concretamente su segundo álbum de estudio publicado en 1991. La primera canción que vamos a escuchar es "Drawn to the Rhythm". Abre el álbum y fue el tercer sencillo para la promoción del álbum. Tal y como dice el tema... Al escuchar la canción, no puedes hacer otra cosa que sentirte atraído por el ritmo. Tras la publicación de "Solace" rápidamente se convirtió en toda una corriente musical en Canadá. La siguiente canción es "Into the Fire" tema escrito por Sara McLachlan y producido por Pierre Marchand. Presentado como el segundo single del álbum "Solace". Así suena "En el fuego". La tercera pista del disco, que estamos escuchando. Fue el primer sencillo que se dió a conocer de este trabajo. "The Path of Thorns". "El camino de espinas" se convirtió en un gran éxito en Canada y le abrió las puertas a muchos nuevos oyentes que aún no la conocían. Sus temas transmiten una madurez y profundidad poco usuales. Llegados al ecuador del disco. Nos econtramos con "Back Door Man". "El hombre de la puerta de atrás". Histórias hechas canción que tan bien sabe transmitir Sarah con su música. Sarah McLachlan nació un 28 de enero de 1968. Así que hoy día 28 de enero de 2020. Sarah cumple 52 años. Este álbum "Solace" se publicó en dos ediciones distintas. Podemos encontrar una prévia edición Canadiense editada por el sello Nettwerk. La versión americana editada por Arista Records. Esta última edición contiene una pista extra en su publicación. Nos despedimos con la última pista del álbum, se trata de una versión de "Wear your love like heaven" un tema del cantante escocés Donovan. Hasta la semana que viene.

Los protagnistas de hoy son Franz Ferdinand, cuatro chicos de la ciudad Escocesa de Glasgow que en el año 2001 decidieron unirse como grupo. A partir de ese momento empiezan a hacerse un hueco en un movimiento, al que solo pertenecian los más modernos. El indie rock estaba de moda y ellos eran uno de los grupos que se llevaban una parte del pastel. Sonidos contundentes y con mucha personalidad los colocan en uno de los puestos de honor para los más alternativos. El disco que os traigo hoy está inspirado en lo que supone salir una noche de fiesta y las consecuencias con las que nos podemos encontrar al día siguiente si nos hemos excedido. La música de los Franz Ferdinand repasa hasta el límite lo que podemos llegar a experimentar al escuchar todo el álbum. Tonight: de Franz Ferdinand publicado el 2009, el tercer disco de estudio del cuarteto, navega entre el dance-punk, el electropop y la new wave aderezada por una muy cuidada electrónica. El primer tema que abre el álbum es "Ulysses" Un auténtico primer cañonazo a lo Franz Ferdinand. El tema fue elegido como el segundo single que se publico del disco. Los temas de Franz Ferdinand desprenden una sensualidad salvaje. El tercer single que los chicos de Glasgow presentaron fue "No Girls You" la letra deja ir cosas como "Las chicas no sabéis nada de cómo hacéis sentir a un chico". Los Ferdinand tienen la costumbre de zarandear a los que se topan con su música. Y es que su música no deja a nadie indiferente. A ver quién es capaz, al escuchar "Bite Hard", de no mover el pie siguiendo el ritmo. Los toques electrónicos que le dan al álbum dejan grandes temas como "Live Alone", cuya letra guarda una profunda reflexión. "Para seguir queriéndote tengo que vivir solo". Llegados a este punto, no podemos hacer otra cosa que seguir escuchando el disco. "Can't Stop Feeling" cuarto sencillo del álbum, lo deja bien claro. "No puedo dejar de sentir". Llegamos al amanecer después de una noche intensa y toca relajarse y ponerse tierno. El tema acústico "Katherine Kiss Me" cierra el repaso a una noche de desenfreno vivida junto a los Franz Ferdinand. Quizás, así sea su noche ideal. Aunque para ello hay que tener mucha energía. Lo que ha quedado muy claro es que precisamente eso, es lo que no les falta a Franz Ferdinand.

Las 1001 Canciones nos vamos de concierto. Pero no un concierto cualquiera, Vamos a un concierto un tanto especial, y no únicamente por lo que vamos a escuchar, sinó, más bien, por el sitio donde tiene lugar. Corría el año 1955 cuando un joven Johnny Cash, publica la canción "Folsom Prison Blues". Desde entonces, Cash, soñaba con poder dar un concierto en la prisión estatal de Folsom, en California. En el año 1968 la Columbia Records. El sello discográfico para el que trabajaba en ese momento el Sr. Cash., recibe una autorización para la celebración del concierto en el centro penitenciario. Un frío día de enero, Johnny Cash entró en la prisión estatal de Folsom, para realizar dos conciertos en la misma jornada. Unos conciertos que tuvieron lugar durante la noche y aprovechando la ocasión, los conciertos se grabaron y el resultado es el disco del que vamos a hablar hoy. El lugar elegido para realizar el espectaculo fue la cafetería de la prisión. Los reos del penal tenían ordenes de permanecer en silencio hasta que el Sr. Cash dijera la primera palabra. Después de un escueto "Hola, mi nombre es Johnny Cash". Los asistentes, estallaron en gritos y aplausos, mientras como no podía ser de otra manera empieza el concierto con "Folsom Prison Blues". Johnny Cash no estaba solo en el concierto, contaba con su banda, los Tennessee Three. Cash, sabía que tenía que ofrecer a aquellas personas privadas de libertad y elegío temas clásicos que ya se habían convertido en auténticas canciones carceleras, como este "Cocaine Blues". El siguiente tema que vamos a escuchar "The Long Black Veil" "El largo velo negro" cierra la cara A del LP. Cash era muy poco disciplinado a la hora de grabar nuevos temas. Acudía siempre al estudio de grabación con la intención de crear allí "in situ" nuevos temas, eso deseperaba a los productores. La idea de realizar ese concierto en directo, era para darle un soplo de aire fresco al proceso creativo de Cash. "Send a picture of a mother" "Envíe una foto de la madre" abre la cara B del disco. Como he dicho antes, Johnny Cash no estaba solo en este concierto. Junto a sus inseparables Tennessee Three. Johnny tambíen contó con la companyía de la mujer de su vida, June Carter. Con la que interpretó temas como "Jackson" o "Give My Love to Rose". El tema que cierra el disco y que puso el punto final a la velada del día para los internos de la prisión fue "Greystone Chapel" un tema compuesto por Glen Sherley, uno de los reclusos de la prisión, condenado por robo. Este reo le pasó el tema al parroco de la penitenciaria para que Cash lo interpretara en directo. Aquí tenemos el resultado.... Este disco le supuso a Cash un éxito enorme. Y con el tiempo, se ha convertido en una de las obras maestras del hombre de negro.

Estamos a punto de adentrarnos en ese periodo anual de frío invierno y momentos mágicos, como los días de navidad. Para ambientar esos días en los que nos juntamos con la familia, amigos y conocidos. Que mejor que hacerlo con música de navidad. Es un clásico ya. Todos los años nos encontramos con diferentes propuestas en forma de álbum de navidad. Unos, recopilatorios de clásicos de toda la vida. Otros, enfocados para un público infantil. Tamoco faltan quizás, para darle un giro al ya manido catalogo de temas navideños, los que se atreven a versionar las canciones que ya forman parte de nuestro inconsciente colectivo. Hoy aprovecho para traeros algunas de las propuestas que podemos encontrar este año en las estanterias de las cada vez menos tiendas de discos o de las pocas secciones de discos que encontramos en las grandes superficies comerciales. De todas formas estamos hablando de canciones de navidad y estas en estas fechas las vamos a encontrar por todas partes. Empezamos con la propuesta de unos hermanos que tras lanzar su nuevo álbum "Happiness Begins" sorprendieron con su propuesta navideña. Los Jonas Brothers tras una década sin publicar un villancico. Este año 2019 nos cantan "Like it's Christmas". Otro que ha sorprendido a sus seguidores ha sido el colombiano Sebastian Yatra, versionando un gran clásico que sono por primera vez en 1934 en un show radiofonico en Estados Unidos. La versión que Yattra hace de "Santa Claus Is Comin' to Town" incluye fragmentos en ingles y español. La siguiente propuesta navideña, se presentó a principios de diciembre. Taylor Swift, presenta el sencillo "Christmas Tree Farm". No sólo os traigo propuestas internacionales. El siguiente tema que vamos a escuchar viene de un grupo de Castellón. Los recomendados Lia Pamina e os Peregrinos nos proponen "It's gonna be a cold cold Christmas" "Unas navidades tan frías". Ahora la siguiente propuesta navideña viene de Mabel Alabama Pearl, Malagueña de nacimiento. Sorprendió a todos sus fans con "Loneliest Time Of Year". No has escuchado nunca a Mabel? Esta canción, es una buena carta de presentación, para escuchar la sorprendente voz de la hija de Neneh Cherry. Los Galeses The School presentan este 2019 un EP navideño que lleva por título "Christmas EP". El tema que vamos a escuchar, de los tres publicados es "Shouldn't Be Alone For Christmas". Para cerrar este atracón de villancicos, lo vamos a hacer con la propuesta que nos ha presentado Robbie Williams, este 2019. Un trabajo muy recomendable que incluye 28 canciones de navidad contenidas en dos partes bien diferenciadas. Una llamada "Christmas Past" y otra "Christmas Future". Un doble CD recoje esta interesante propuesta del cantante británico, que desde 2016 no publicaba un álbum de estudio. El tema que he elejido de este disco es "Merry Xmas Everybody" cantada a dúo junto a Jamie Cullum. Felices Fiestas y Feliz entrada al nuevo año.

Hoy en "Las 1001 Canciones" traigo uno de los discos más importantes dentro del mundo del Jazz. John Coltrane, saxofonista nacido en la ciudad de Hamlet, Carolina del Norte. John Coltrane, también conocido como Trane, siempre estuvo interesado en el contexto histórico en el que vivia y con una gran sensibilidad por los derechos civiles de los negros. Su trayectoria musical lo lleva a convertirse en la figura dentro del Jazz que debe ser. Siendo músico de artistas como Dizzy Gillespie, Miles Davis, Thelonious Monk podemos hacernos una idea del nivel de músico del que estamos hablando. Su vida personal se ve marcada por una profunda adicción a la heroina. Eso lo lleva a realizar una serie de viajes espirituales, para intentar encontrar una salida al infierno que lo tenía enganchado. En esa nueva etapa se adentra en creencias espirituales asiáticas. Eso lo lleva a crear el álbum del que os voy a hablar hoy. "A Love Supreme" "Un Amor Supremo" Entre 1964 y 1965 entra en los estudios Englewood Cliffs en Nueva Yersey. Estudio de grabación perteneciente a Rudy Van Gelder, ingeniero de sonido especializado en música Jazz. El disco tiene una duración de poco más de media hora y esta dividido en cuatro partes. Para Trane, las pistas son Suites. Y es que Coltrane concibió todo el álbum como una gran suite espiritual. La primera parte lleva el nombre de "Acknowledgement" "Reconocimiento" donde encontramos el famoso mantra que da nombre a la suite. Este primer tema parece un viaje del cielo a la tierra. El tema que le sigue, la segunda parte cierra la cara A del disco original de vinilo. "Resolution" "Resolución" el tema vuelve a ascendernos de nuevo hacia el cielo. La cara B del disco abre con la tercera suite que lleva por título "Pursuance". La pieza empieza con un gran solo de batería de Elvin Jones. La espiritualidad de Coltrane está a lo largo de todos estos temas que estamos escuchando. Pero aún hay más y Trane nos tiene preparada una sorpresa que tenemos que descubrir. En el álbum, encontramos un poema escrito por el propio John Coltrane. Es una nota de gratitud a Dios, en forma de oración. Lo curioso del caso, es que esta misma nota escrita, a Coltrane le sirve de inspiración, para la suite que cierra el disco. En ella traduce cada sílaba por notas y crea "Psalm" un salmo que suena a saxofón. John Coltrane murió tres años después de la publicación de este trabajo discográfico. Un cáncer fulminante se lo llevó a la temprana edad de los cuarenta años.

En este episodio voy a intentar resumir 40 años de trabajo discográfico. Una trilogía que empieza en 1976 y de la que tuvimos la última entrega en 2016. Se trata de un álbum pionero en la música electrónica, un auténtico viaje sonoro. La obra maestra y conceptual del gran compositor Francés, de música electrónica, Jean Michel Jarre. Siendo hijo del gran compositor de bandas sonoras, Maurice Jarre, creo que aparatos musicales para experimentar no le faltaron. De hecho, Jarre grabó el álbum en su apartamento particular, usando varios sintetizadores analógicos y otros instrumentos electrónicos. Su inspiración para la composición del primer "Oxygène" vino de la pintura del artista Michel Granger, un regalo de una de sus parejas. El cuadro de Granger muestra el planeta tierra perdiendo su manto verde y dejando al descubierto una calavera. La pintura es la portada del primer disco. La obra de Jarre esta compuesta como una obra clásica. Por movimientos. La primera pieza que he elegido de este primer Oxygene es el movimiento número dos. El primer Oxygene de Jarre fue toda una revolución sónica para la época. Francis Dreyfus, marido de una de las compañeras de Jarre en el grupo de buscadores musicales fue quien apostó por Jarre para editar el trabajo discográfico. Inicialmente el sello Dreyfus produjo 50.000 copias del álbum. En la actualidad, este disco ha vendido más de 15 millones de copias en todo el mundo. El primer Oxygene, publicado en 1976, cierra su viaje musical, con el movimiento número IV. Pasados 21 años, en 1997 Jean Michel Jarre, publica la continuación de este proyecto musical bajo el título de "Oxygene 7-13". En su concepto es una continuación del primer Oxygene, aunque en el estilo se orienta hacia las tendéncias sonoras de la época, adentrandose en un sonido que navega entre el Techno y el Trance. Esta continuación del proyecto musical de Jarre, no obtuvo la misma repercusión que su primer trabajo. De este "Oxygene 7-13" he elegido el movimiento número VIII. En 2016 y mientras Jean Michel Jarre estaba liado con otros proyectos musicales, crea una pieza a la que llama Oxygene 19. Eso da lugar a poner en marcha de nuevo el proyecto Oxygene y crea el que vendrá a ser su "Oxygene 3", la tercera parte de esta aventura musical. Pasados 40 años de la publicación de su primer trabajo, esta tercera parte, cierra el que hasta ahora se da a conocer como su trilogía. Para el lanzamiento oficial de este último proyecto se utilizó la pieza "Oxygene 17" que sirvió como single promocional del disco. Hasta pronto...

En "Las 1001 Canciones" últimamente hemos repasado muchos trabajos discográficos que han cumplido ya su 50 aniversario. Esto nos constata el inexorable paso del tiempo. 1969 fue un año grandioso para la música Rock. Hoy el álbum que traigo tamién llega a esa gran cifra del medio siglo. Un frío mes de diciembre de 1969. Los británicos The Rolling Stones presentan "Let it Bleed". "Déjalo sangrar" una posible parodia a "Let it be" el álbum que presentaron los Beatles. Recuerdo que la banda, tenía publicaciones diferentes entre el mercado europeo y el norte americano. Llevando dos álbumes de ventaja el mercado Americano. Así que este disco es su octavo álbum de estudio en el Reino Unido y el décimo en los Estados Unidos. Anécdotas de conquistas comerciales a parte. Estamos ante una de las grandes obras de la formación. Un nuevo concepto nacía y era el del disco larga duración. Eso que quiere decir.... Temas de muchos minutos. El álbum se grabó en un momento de cambios para la formación. Brian Jones, guitarrista de la formación y uno de los miembros fundadores iba a ser substituido por Mick Taylor. En el disco nos encontramos a los dos guitarristas trabajando para el mismo álbum. Brian Jones, participó en dos canciones del álbum. No llegó a ver su publicación. El 3 de julio de 1969 fue encontrado muerto en la piscina de su casa, a la edad de 27 años. El tema que abre el disco es "Gimme Shelter" "Dame refugio". Canción que habla sobre la guerra y las barbaridades que se producen en ella. Se trata de todo un himo Stone. Destacar la colaboración vocal de la cantante Merry Clayton. De las nueve pistas que tiene el LP vamos a escuchar cuatro. La siguiente es la que cierra la cara A del disco. Lleva el mismo título que el álbum. "Let it Bleed" "Déjalo sangrar" tema escrito por Mick Jagger y Keith Richards. Destaco esa manera casi dejada a la hora de interpretar de Jagger y el buen resultado que consigue en la canción. La cara B del disco abre con "Midnight Rambler". "El acechador de media noche". El tema está basado en una historia real. Albert DeSalvo, un acosador que confesó ser el estrangulador de la ciudad de Boston. Vamos a ir poniendo el punto final al repaso de este álbum. Desde el uno de noviembre podemos encontrar una edición especial para conmemorar su 50 aniversario. Se trata de diferentes packs entre los que podemos encontrar, desde un Box Set de lujo, hasta la propuesta de la versión 50 aniversario en diferentes formatos. El tema que cierra el disco es "You can't always get what you want" "No siempre puedes conseguir lo que quieres". Uno de los grandes temas de los Stones en la línea de "Hey Jude" de los Beatles. Destaco la acertada decisión del productor Jimmy Miller, por introducir el coro de la London Bach Choir. Pese a sus 50 años se trata de un disco imprescindible que no envejece. Larga vida al Rock and Roll... Hasta la semana que viene!

Hoy en Las 1001 Canciones tenemos a una de las cantantes más importantes del S.XXI. Pero no solo canta, también compone y se atreve a ejecutar diferentes instrumentos. Laurie Blue Adkins, de nombre Adele es nuestra protagonista hoy. Después de su álbum debut "19" publicado en 2008, y tras conseguir dos premios Grammy. Uno como mejor artista revelación y otro por la mejor interpretación vocal pop femenina por la canción "Chasing Pavements". En 2011 a la edad de 23 años publica su segundo álbum de estudio. Lleva por título "21", edad en la que empezó a trabajar en este disco. Tras la separación sentimental con su novio, empezó a escribir y contactó rápidamente con el productor musical Paul Epworth, ella quería hacer una balada, el productor quería algo más contundente, así es como nace el primer tema del nuevo álbum. "Rolling in the Deep" tema que da inicio al álbum y primer sencillo que vio la luz. De hecho así iba inicialmente a titularse el nuevo disco. La siguiente canción es "Rumor Has It" tema compuesto por Adele y el productor musical Ryan Tedder. Se convirtió en el quinto y último de los sencillos que se usaron para la promoción del disco. La propia Adele describe la canción como "Un tema de blues con tonos de fuerte Pop". A ver que os parece... Ryan Tedder, creó una secuencia de piano, cuando Adele vio la letra, dijo que era lo que estaba buscando. "Turning Tables" "Dar vueltas a las cosas" es la canción en forma de balada que encontramos como la tercera pista del álbum. El momento creativo en el que se encuentra Adele tiene mucho que ver con el estado de ánimo por el que pasa en ese momento. Canta al desamor y se nota. En "Set fire to the rain" describe las situaciones complejas que se dan en una relación y la dificultad de separarse de la otra persona. El siguiente tema que vamos a escuchar es una versión de la banda británica The Cure. "Lovesong" o "Canción de amor" originalmente lanzada en 1989 y publicada en el álbum "Desintegration". No es nada fácil versionar un tema, menos aún un tema que ya en su versión original está tan bien realizado. Adele se atreve con esta versión y de nuevo vulve a sorprender con el resultado que consigue, gracias a su personal interpretación. Llegamos al final y finalizo el repaso de "21" con el tema que cierra el álbum. "Someone Like You" Compuesta por Adele y el productor musical Dan Wilson. Se trata de una de las últimas canciones en ser escritas. Una balada conmovedora, con un marcado piano, que describe un amor perdido. Una relación rota, el tiempo lejos de curar las heridas, hacen que estas esten cada vez más presentes. Un álbum que nace de la desesperación del amor no correspondido y de la angustiosa fase por la que se tiene que pasar para superar una ruptura sentimental.

Su último álbum se publicó un 17 de noviembre de 1980, justo un mes antes de su asesinato en la ciudad de Nueva York. Tras un parón de cinco años, para poder disfrutar del nacimiento de su hijo Sean, John Lennon vuelve a centrarse en la composición. Esta vez como núnca lo había hecho. La mayoría de los temas vienen de un viaje que realiza a Bermudas, siendo él mismo, quien tripula la embarcación que lo lleva hasta la isla. En Bermudas es donde empieza a componer la mayor parte de los temas que forman el álbum, para más tarde finalizarlos en su residencia, el apartamento del edificio Dakota en Nueva York. "Double Fantasy" "Doble fantasía" se trata de un trabajo conjunto entre la pareja John Lennon y Yoko Ono, donde uno le canta al otro. La producción del disco estuvo a cargo del productor Jack Douglas junto a la pareja Lennon y Ono. El trío se puso a trabajar tan en serio que dejaron material suficiente para el futuro álbum "Milk and Honey" del que John Lennon no vería su publicación. Lennon había fichado con David Geffen, empresario de la industria musical, quien había creado su nuevo sello discográfico, Geffen Records, después de fundar Asylum Records. Contar con el esperado regreso musical de John Lennon y la publicación de este disco, suponian un buen primer lanzamiento para el estreno de Geffen Records. El tema que abre el álbum "(Just like) Starting Over" fue el sencillo elegido para la presentación del álbum. Al principio hemos hablado que gran parte del álbum fue originalmente compuesto en la isla Bermudas. Precisamente el siguiente tema que vamos a escuchar "I'm losing you" nace allí, después de que Lennon realiza una llamada telefónica a Yoko Ono y la comunicación falla. "Te he perdido". En el ecuador del álbum encontramos "Beautiful Boy (Darling Boy)" el tema más tierno del álbum. La canción fue escrita para Sean, el hijo de Lennon y Ono. La letra de este tema guarda la famosa frase. "La vida es lo que te pasa mientras estás ocupado haciendo otros planes". Al inicio he comentado que en este disco Lennon y Ono, se cantan el uno al otro, pero aún no hemos escuchado a Ono. En "Every man has a woman who loves him". "Todo hombre tiene una mujer que lo ama". Yoko Ono interpreta este tema que también sirvió como sencillo del álbum, aunque sin demasiada repercusión. Mejor lo escuchamos y decidimos por nosotros mismos. Ono... O no! El ocho de diciembre de 1980. Mark David Chapman, se planta por la mañana en la entrada del edificio Dakota donde pasa todo el día junto a otros fans del ex beatle. Sobre las cinco de la tarde Lennon y Ono abandonan el edificio de apartamentos para ir a una sesión de grabación. Mark David Chapman, aprovecha para dar la mano a Lennon y pasarle una copia del mismo álbum que estamos hablando hoy, para que le firmara un autógrafo. Unas horas más tarde, al regreso de la pareja al edificio, Chapman dispara contra Lennon en plena calle y se sienta a leer esperando a ser arrestado por el asesinato de John Lennon. Con el paso de los años, la copia autografiada que consiguió Chapman, fue subastada en 2003 por un valor que llegó a alcanzar algo más del medio millón de dolares. Hay que destacar la portada del LP, en un riguroso blanco y negro. En ella podemos ver las caras de John y Yoko besandose una tarde de agosto en el Central Park de Nueva York. Se trata de una fotografía del artista japonés Kishin Shinoyama. Una soleada tarde en la isla de Bermudas. Lennon fue iluminado por lo que representaba para él la figura de la mujer en su vida. En este caso Yoko Ono, aunque su sentimiento va más allá "Las mujeres realmente son la otra mitad del cielo". Esto dice el inicio de la canción que vamos a escuchar. "Woman" la versión madura de "Girl" aquella vision adolescente de su etapa Beatle. Un tema en el que John Lennon se permite reconocer su lado femenino. Hasta la semana que viene....

Crear un disco no es tarea fácil... La mayoría de artistas consiguen componer unos cuantos temas para más tarde intentar encajarlos en un mismo trabajo discográfico. Muchas veces sin ningún hilo argumental, son solo eso, temas sueltos que acaban componiendo un álbum. Pero hay una manera bien diferente de componer y es aquella que desde un inicio se pretende dar un sentido a todo el trabajo en su conjunto. Hoy en día, no son muchos los artistas, que conciben así sus trabajos discográficos, pero hace unos años eran muchos los grupos y artistas que tenían la necesidad de explicar algo en todo su conjunto. La historia de la música está llena de buenos ejemplos y en "Las 1001 Canciones" ya hemos podido escuchar alguno. Hoy traigo un álbum que a través de sus siete temas nos muestra el transcurrir de todo un día. El viaje musical recorre desde el alba hasta el anochecer. "Days of Future Passed" es el nombre de este trabajo discográfico. Se trata del segundo álbum y quizás el más conocido de la banda británica The Moody Blues. El disco se publicó en 1967 por el sello Deram Records. Para los Moody Blues este álbum significó su primera incursión en el rock sinfónico. Un estilo que tiene sus inicios precisamente en el Reino Unido y durante finales de los años sesenta. Precisamente este trabajo forma parte de esos primeros discos que aparecen de este género. La cara A del LP abre con "The Day Begins / Morning Glory" el inicio del día / la gloria de la mañana. Una pieza que representa el despertar del día. Como podemos escuchar estamos ante un trabajo conceptual. La cara A del LP cierra con "Lunch Break - Peak Hour" Descanso o parada para el desayuno. La hora pico. El disco está exquisitamente orquestado por la The London Festival Orchestra, bajo la dirección de Peter Knight. Le damos la vuelta al disco y nos encontramos con el movimiento "The Afternoon - Forever Afternoon Tuesday - Evening Time to get away". La hora del atardecer, la hora de escapar. Así da inicio la Cara B del disco. Para cerrar el repaso de este trabajo lo hacemos con el movimiento que cierra el disco. "Nights in white satin / late lament" la canción más célebre de este álbum. El tema fue compuesto por Justin Hayward y en él podemos escuchar los sonidos producidos por el teclado mellotron, utilizado por Mike Pinder. Sonido que formaría parte del sello sonoro de los Moody Blues a partir de entonces. La semana que viene volveré con más historias musicales. Hasta la semana que viene...

Corría el S.XIX cuando los nativos americanos y los colonos llegados a sus tierras, mantenían una tensa y complicada relación que saltaba, con mucha frecuéncia, de la guerra a la paz. Te propongo encender una lakota o calumet. Este es el nombre que le dan los indos americanos a esa pipa alargada, con la que sintonizaban con las fuerzas divinas de la naturaleza para alcanzar la iluminación espiritual. Te estarás preguntando, que tiene que ver todo esto con mi sección musical? En "Las 1001 Canciones" hoy te voy a hablar de un álbum que lleva por título "Pipas de la paz". "Pipes of Peace". En 1983 Paul McCartney, un años después de publicar "Tug of War" uno de sus grandes trabajos post era Beatle y después de dejar a los "Wings", su otro gran proyecto musical. McCartney publica "Pipes of Peace" "Pipas de la paz" el disco que vamos a escuchar hoy. Se trata de un disco que en su mayor parte esta formado por temas que no pudieron incluirse en el anterior trabajo discográfico. Aún así no se ha llegado a valorar como el disco precedente. Pero vamos a dejarnos de tanta historia y vamos a escuchar un poco de música que aquí estamos para eso. La canción que abre el disco es la que da título al álbum. En "Pipes of Peace" McCartney hace referencia a ese momento de tregua, que se tiene que producir, en esos conflictos tensos, que se dan entre posiciones opuestas. El segundo tema del disco fue el sencillo que se utilizó para la presentación del álbum. "Say, Say, Say" cantada a dúo junto a Michael Jackson. Esta canción fue grabada en 1982. Michael Jackson devolvía así el favor a McCartney por el tema "The Girl is mine" que apareció en su álbum "Thriller". El gran superventas de Michael Jackson. Todo esta harmonía y buen rollo, fue años antes que Jackson decidiera comprar, un catalogo de derechos de autor de los Beatles que salieron a subasta y por los que también pujó McCartney, sin conseguir llegar a la cifra de Jackson. A partir de ahí su relación se esfumó como el humo de una pipa. El tema que cierra la cara A del LP es una balada romántica escrita por Paul McCartney. Un años después la canción formó parte de la banda sonora compuesta por McCartney para la película "Give My Regards to Broad", protagonizada por él mismo. El álbum esta producido por un viejo conocido de Paul. George Martin, el productor que ayudó a crear el gran sonido de los Beatles, se pone de nuevo a los mandos de este proyecto de McCartney. La Cara B del álbum abre con "The Man" el segundo y último dúo con Michael Jackson, que encontramos en el disco. La siguiente pista "Hey, Hey, Hey" se trata de una pieza instrumental coproducida junto a Stanley Clarke, bajista de jazz norteamericano. En 2015, el sello Concord Music Group, reeditó "Pipes of Peace" para las ediciones realizadas dentro de la serie (Paul McCartney Archive Collection). Para cerrar el repaso de este trabajo lo hacemos con el tema que cierra el disco "Through Our Love" "Através de nuestro amor" pone fin al gesto ritual iniciado cuando hemos encendido la lakota. Que la paz os acompañe... Hasta la semana que viene!

Cincuenta años han pasado de la publicación del álbum del que vamos a hablar hoy. No es un álbum cualquiera, es un auténtico bombazo de la época. Un trabajo discográfico que llegó a marcar la línea a seguir en el universo del Rock. Para ser más exactos lo que se conoce como Hard Rock o Rock duro. Aunque también consiguió sentar las bases de ese nuevo genero que llegaría unos años más tarde. Genero que se dio a conocer como Heavy Metal. Un 22 de octubre de 1969 se presenta Led Zeppelin II, el segundo trabajo discográfico de la banda de rock británica Led Zeppelin. Este trabajo discográfico fue grabado a ratos durante una de sus primeras giras por los Estados Unidos. La producción del disco estuvo a cargo de Jimmy Page, el guitarrista del grupo junto al ingeniero y productor Eddie Kramer. Según las declaraciones del propio Robert Plant, cantante del grupo. Afirma que la concepción del disco fue una locura. Mientras estaban de gira, escribian las letras en habitaciones de hotel para después ir a Londres a grabar las partes rítmicas, añadian la voz en Nueva York, grababan la armónica en Vancouver y para finalizar la mezcla volvian a Nueva York. Es decir un autentico rompecabezas al que tenian que intentar darle sentido. El primer tema con marcada inspiración blues y toques de soul junto a un riff de guitarra demoledor. Aún le quedaba espacio para añadir sonido que prevenian de un theremin. "Whole Lotta Love" se presentó como el primer sencillo del álbum. La siguiente canción es la tercera pista del dico. Lleva por título "Lemon Song". Originalmente llamada "Killing Floor" tema compuesto por el conocido cantante y guitarrista de blues Howlin Wolf. El tema hace referencia a una insinuación sexual. La cara B del disco empieza con el tema que vamos a escuchar a continuación, "Hertbreaker" es la quinta canción del disco. Un auténtico cañonazo sonoro que llega a su clímax con el gran solo de Jimmy Page. Este trabajo discográfico que estamos escuchando hoy esta conisderado como uno de los álbumes más influyentes de la historia del rock. La canción que vamos a escuchar a continuación debe estar inspirada en una criada, sirvienta o camarera muy amorosa y lo más importante.... Viva. O quizás tan sólo sea un juego de palabras, debido a su título de "Living Loving Maid" y al juego sonoro entre ellas. Para cerrar el repaso de este álbum imprescindible de la historia del Rock más crudo, antes de que el estilo en si, fuera evolucionando hacía otros derroteros. Vamos a quedarnos con "Ramble On" un tema cuya composición está inspirada en "El Señor de ls Anillos". Si, si la famosa novela del filólogo y escritor británico John Ronald Reuel Tolkien. "Las hojas caen a mi alrededor, es hora que me ponga en marcha. Te doy las gracias, estoy muy agradecido por esta estancia tan placentera. Pero ya es hora de irme, la luna de otoño ilumina mi ruta. Seguir adelante, y ahora es el momento, el momento es ahora. Canta mi canción. Voy por todo el mundo, tengo que encontrar a mi chica. Llevo diez años haciendo esto. Debo encontrar a la reina de todos mis sueños."

En las dos temporadas que llevamos haciendo esta sección que dimos por llamar "Las 1001 Canciones". Ya llevamos 109 episodios realizados. Esta es la primera vez que voy a hablar de un álbum de Bruce Springsteen. Y tengo que anunciar que no será la última, lo prometo. Un 17 de octubre de 1980 Bruce Springsteen publica "The river". Se trata de un doble LP con veinte canciones. Fue grabado en los estudios Power Station de Nueva York y publicado por la compañía discográfica Columbia Records. Alguno de los temas de "The River" no eran nuevos, ya los había presentado en directo durante su gira de 1978 y habían sido rechazados para el álbum "Darkness on the Edge of Town" que presentó ese mismo año. El tema que abre el primer disco del doble álbum es "The Ties That Bind" este tema forma parte de su repertorio habitual en sus conciertos. La canción también da nombre a una caja para coleccionistas que que vio la luz en 2015 con 4 CD's, 3 DVD's más un libro de 148 páginas y más de 200 fotos inéditas. Damos un salto en el disco y nos quedamos con el tema que cierra la cara A del primer disco, se trata de "Independence Day" canción que formaba parte del repertorio habitual de Springsteen antes de su publicación en este álbum. La canción aborda las relaciones que se establecen entre los padres y los hijos. Le damos la vuelta al vinilo y la canción que inicia la cara B del primer disco de este "The River" si que es un tema nuevo para este trabajo. "Hungry Hearts" se presentó como el single principal del álbum y rápidamente se convirtió en el primer gran éxito del disco. "Corazón hambriento" ¿El motivo de este gran éxito? Escúchalo y saca tus propias conclusiones! Cerrando el primero de los dos discos del álbum, nos encontramos con el tema que da nombre al trabajo discográfico. "The River" cierra la cara B. Una canción en la que Springsteen describe abiertamente la situación personal por la que pasa su hermana Mary al quedarse embarazada con diecisite años y como este hecho les cambia la vida a ella y a su cuñado. La perdida de la inocencia y la entrada a la dura vida adulta es la raíz de esta canción. Pasamos al segundo disco del álbum y el tema que abre la cara A es "Cadillac Ranch" un tema con claras influencias rockabyllies y en el que hay que destacar el solo de saxo del saxofonista de la E Street Band, Clerence Clemons. Han pasado los años... El año que viene este disco cumple 40 años. Aún así "The river" sigue manteniendo frescura y vitalidad. Vamos a cerrar el repaso de este gran trabajo discográfico con "The Price You Pay" tema de la cara B del segundo disco del álbum. "Tomaste tú decisión, viajas hasta el final de la carretera". Larga vida al Rock and Roll... Hasta la semana que viene!

El protagonista de "Las 1001 Canciones" es un batería. Pero no un batería cualquiera. Peter Edward Baker más conocido a lo largo de la história por su apodo de Ginger, debido a su pelo pelirrojo. Esta considerado el primer batería estrella y es una figura sagrada dentro del mundo musical como el percusionista más influyente de los años 60. Durante su edad adolescente se unió a bandas de jazz tradicional. Como referentes musicales tenía a Phil Seamen, batería de jazz británcio, figura esencial de la música jazz de los años 50 y 60 en todo Reino Unido. El mismo Baker en alguna entrevista ha considerado a Phil Seamen como a su propio padre. Su primer contacto serio con bandas de rythm and blues fue con los Blues Incorporated, después de que un joven también Charlie Watts. El gran batería de The Rolling Stones en 1962 abandonara la formación para montar junto a Mick Jagger, Keith Richards, Bill Wyman, Ian Stewart y Brian Jones. El grupo que no ha dejado aún. Pero esto es para otro programa. Hoy nos toca hablar de Ginger Baker y que legado nos ha dejado como músico marcando el ritmo detrás de unas cajas, platos y un par de baquetas. En 1963 junto a miembros de los Blues Incorporated como Graham Bond y el bajista Jack Bruce forman la Graham Bond Trio que acabaría por llamarse Organisation. Ginger Baker y el bajista Jack Bruce se mantuvieron juntos hasta que Eric Clapton después de estar con bandas como la de John Mayall, los John Mayall Bluesbakers o los Yardbirds. Decide juntarse a ellos dos y forman Cream, considerados el primer supergrupo de la historia por la trayectoria musical y técnica de los tres miembros. Su éxito fue inmediato y en apenas dos años publicaron cuatro trabajos discográficos. Con temas como "Feel Free", "Spoonful" o este "Sunshine of your Love". Después de grandes diferencias entre Bruce y Ginger el futuro de Cream se ve obligado a desaparecer. Eric Clapton monta su nuevo supergrupo bautizado como Blind Faith y vuelve a contar para marcar el ritmo con el Sr. Baker y además se les une Ric Grech y otro de los grandes como es Steve Windwood. Los Blind Faith tuvieron una vida mucho más corta que los Cream. Con solo año de vida y un sólo álbum publicado el grupo se disuelve por la salida de Eric Clapton. Con la desaparición de Clapton los miembros que quedan se tranforman en los Ginger Baker's Air Force. Publicaron a principio de los 70 dos trabajos discogràficos. Y nos dejaron temas como "Twelve Gates Of The City". En su busqueda constante por abrir nuevas vías en la música, decidió en 1971 abrir un estudio de grabación en Lagos (Nigeria) y colaboró con músicos africanos como Fela Kuti. En 1974 monta la Baker Gurvitz Army y graban tres elepés de Jazz-Rock. A mediados de los 80 se muda a la ciudad italiana de Milán donde se junta con músicos americanos y firma con el sello CGD Records. Edita unos cinco trabajos discográficos. A principos de los 90 decide juntarse al supergrupo BBM. Entre sus miembros, un viejo conocido Jack Bruce y el guitarrista Gary Moore. En 1994 editan "Around the next dream" y nos dejan temas como este "City of Gold". Después de esa experiéncia decide publicar un disco de Jazz bajo el título de "Going Back Home" Decide volver a sus raices y presenta temas como este "I lu Kron". A finales de septiembre supimos la noticia de que Ginger Baker estaba hospitalizado en estado crítico, tras haber padecido en los ultimos seis años diferentes problemas serios de salud como una infección respiratoria en 2013 o una grave afección cardíaca en 2016. El gran Ginger Baker se marchaba sin hacer demasiado rudio este pasado 6 de octubre de 2019 a la edad de 80 años. Sus familiares anunciaron la notícia a través de su cuenta de Twitter. Nos vamos a despedir con el último LP que se presentó en 2014 bajo el título de "Why?" "¿Por qué?". Con temas tan buenos y picantes como este "Ginger Spice".