17 Bastard Songs of Metal

Estoy seguro que el problema de SAYCO no es SAYCO como tal sino las intenciones de su junta directiva para recuadar más dinero a como dé lugar y su desconocimiento o carencia de una interpretación consecuente de las leyes del derecho de autor o, tal vez de su posición poderosa, privilegiada y monopolística que tal vez los hace pensar que puede interpretar e imponer su interpretación de esas leyes de manera diferente para obtener un beneficio adicional en el peor momento de la industria de los conciertos que directamente los alimenta y que de seguro pero indirectamente paga hasta los anuncios exculatorios que publica en las portadas de los renombrados periódicos colombianos. En cualquier caso está claro para mi que el departamento jurídico de SAYCO no está ejerciendo una labor ética o por lo menos no está siendo lo suficientemente profesional y responsable ni con SAYCO, ni con su junta directiva, ni con sus mandatarios representados ni con la industria de la música ni con la comunidad en general, convirtiéndose poco a poco de garante a estorbo. Soy empresario de concierto y desde mi lugar puedo describir de qué forma SAYCO está actuando de manera ilegal (debo aclarar que esto esto puede que suceda sin ellos saberlo, o sabiéndolo, eso es algo que en este momento no importa ni quiero abordar). Mi intención es aportar a la discusión para hacerla más clara, más sana y más justa. El modelo de negocios de la ejecución pública de obras creativas en concierto o en vivo establece que los autores de las canciones utilizadas deben ser remunerados directamente o indirectamente a través de sus apoderados, sobre la Ley 23 de 1982, Decisión 351 CAN la corte constitucional ha expresado la interpretación donde se protege de manera principal el derecho universal de personas naturales para explotar sin restricciones su creaciones intelectuales. La manera sensata de hacerlo es a través de tasas porcentuales, lo cual hace indiferente si el evento es pequeño, mediano o grande la retribución es porcentual y en la mayoría de los casos de la misma proporción. Dentro de ese modelo de negocio esa proporción está abierta por ley a todos los creativos autores con deseos de explotar las creaciones que esté presentes en el catálogo de obras ejecutadas en cualquier evento en vivo. Sayco viola los derechos de autor de las personas que no están afiliadas a su organización sobre los cuales ha hecho énfasis recientemente la Corte Constitucional, al pretender exitósa e impunemente acaparar el 100% del rubro destinado para derechos de autor en todos los eventos públicos afirmando que más que representar las obras ejecutadas ellos otorgan licencias de todo su catálogo y es potestad de quien les paga la supuesta licencia incluir en el repertorio 1 o todas las obras que ellos administran. Lo que esto significa claramente es que aquellos autores con obras no representadas por SAYCO quedarían por fuera del modelo de negocio, inhabilitados para poder ejercer su derecho a la remuneración de su trabajo intelectual creativo, y disfrutar de los derechos de sus canciones con una sola excepción: aceptar ser parte de la organización de SAYCO. Esto, suena más o menos como el tendero que para tener una tienda tiene que darle una vacuna al grupo delincuencial que domina el barrio. No importa que el tendero tenga derecho a trabajar debe solucionar la arbitrariedad para poder continuar. Aunque SAYCO es una empresa legalmente constituida ni más faltaba, su poder es tal, que no puede haber evento si la alcaldía y la policía no recibden una luz verde departe de SAYCO, así las obras ejecutadas NO sean administradas por ellos y los derechos a los cuales tienen acceso sean pagados indistintamente a Sayco. Porqué sucede esto?, porque la mayoría de los compositores colombianos están registrados en Sayco y si imposición pasa desapercibida. Sin embargo hay situaciones como en los conciertos de Rock y de artistas menos conocidos donde Sayco pretende recuadar la pr --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

Al aniversario de la muerte de Ronnie James Dio presentamos una reseña de su historia y su discografía. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

17 canciones de Kraken, seleccionadas como la banda sonora de mis recuerdos en la época en que Huella Y Camino fue lanzado por mi compañía en 2001, y algunos más. Elkin Ramirez es la figura más importante del Rock en Colombia, y se cumpleN 3 años de su muerte. Enlace a la playlist: https://open.spotify.com/playlist/6n2x7LQtfjN6f7zHSmzN9K --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

Carlos explica las razones por las cuales a pesar de que el Streaming es lo mejor que le ha pasado al mundo de la música la manera como se calculan las regalías acabará con el negocio o por lo menos con las fuentes de ingreso de artistas y sellos que no se encuentran en los listados de popularidad. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

Here Carlos explains why altough streaming is the coolest thing that has happened to music ever, the way royalties are been calculated is the worst thing that has happened to music ever. It is so bad that soon most labels, and genres will not be possible to survive anymore. the good thing is that together we all can do something about it, take a listen to know more. Link 1: https://www.theverge.com/2019/4/29/18522297/spotify-100-million-users-apple-music-podcasting-free-users-advertising-voice-speakers Link 2: https://qz.com/1507361/mariah-careys-record-breaking-day-shows-how-little-musicians-make-from-spotify/ Link 3: https://musically.com/2019/09/11/deezer-steps-up-its-efforts-to-introduce-user-centric-payments/ --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

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El Rock es la expresión artística y cultural más difícil de imitar, puedes hacer que Britney Spears cante lo que el establecimiento quiera que cante, pero cuando alguna estrella del Rock cae en la trampa del estafetismo todo el mundo sabe el momento exacto en el que vendió su alma al diablo. Aunque el Rock no es nuestro per-sé Latinoamérica lo ha adoptado inmediatamente a sabiendas de que si todo está mal y no lo puedes cambiar tal vez el Rock es sino un antídoto un paliativo, por lo menos un refugio sensorial. En particular no conozco el primer Rockero real que haya llegado a la presidencia, y en ocasiones en que al Rock se le ha usado para “humanizar” alguna candidatura, para disfrazarla de rebeldía, inmediatamente que se logra el cometido aquellos utilizados pasan a ser rechazados y archivados, algo que al parecer le pasó a Barón Rojo durante la campaña de Felipe Gonzalez al poder. Infortunadamente nuestros artistas Colombianos destacados y con influencia mediática no son rockeros, y al parecer el 99% está pasando de agache, y sólo los más dolidos dejan ver entre las sombras que lo de hoy es muy importante. Sin embargo, ningún líder musical ha dicho esta boca es mía, es tal vez su supervivencia la que está en juego, lo digo así, porque todos sabemos que Colombia dista de ser el paraíso y que las cosas distan de estar bien. A punta de encuestas y de elecciones se construye una opinión que ahora con la ayuda de las redes sociales y de la inteligencia artificial y de las cuentas falsas y los anti-influencers, haciendo que el colombiano de a pie se sienta un bicho raro, con el desarrollo de la tecnología este ambiente de aislamiento y separación será cada vez más presente aunque todos vivamos una realidad y pensemos diferente. Si existiera una sola razón para el Paro, para la Marcha que empieza hoy mi mente no encuentra otra diferente a demostrar con carne y hueso que todo lo que los medios de comunicación, las redes y las figuras en el poder nos tratan de vender no es del todo cierto y que tal vez este país y su pueblo tienen intereses más básicos pero más importantes. Pues es el Rock tan contestatario que el día que los que nunca han estado en el poder estén no le quedará otra que mirarlos con dudas. Y sin querer incendiar absolutamente nada queremos que ustedes sepan que tenemos una posición y que aunque pacifistas hasta la médula pensamos que hoy Colombia tiene una oportunidad, una gran oportunidad. Es por eso que por lo menos aquí en rockero.org no queremos pasar de agache en nuestra opinión sobre el Paro o la marcha que empiezan hoy. hoy Colombia y sus gobernantes tienen una gran oportunidad, sobre todo aquellos en el poder, sabrán de primera mano sobre el descontento de la gente y sus dimensiones, si sus operarios tienen algún compromiso con entidades globales o particulares que pongan en riesgo su estatus sabrán moderar las clavijas de este experimento social extremo. Nos preocupa ver que ciertas medidas tratan de romper el entusiasmo, es triste pensar que el militarizar una ciudad o un país para garantizar la seguridad del pueblo en el día de la Marcha a la cual aparentemente un bloque mayoritario más bien pacífico de los Colombianos ve con buenos ojos, sea interpretado totalmente al revés, muestra clara de la brecha de comunicación entre la gente y sus mandatarios, o simplemente que el grupo de funcionarios en el poder no quiere en absoluto escuchar o interpretar ningún mensaje de lo que se viene fraguando y continuar a como de lugar con su agenda. Es cierto, Ecuador y Chile países donde el nivel de vida es mucho más alto que el nuestro han sufrido extensos problemas y conflictos en la oleada global de protestas con su gente y esta realidad podría exacerbar las voluntades de los más inconformes… sin embargo al mismo tiempo actitudes como esta simplemente dan pie para pensar que en Colombia no existen salidas negociadas o por lo menos que la voluntad... --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

Oscar Dronjak nos cuenta en primera persona sobre la historia del Metal Sueco que ayudó a escribir, sobre su banda, sobre el Heavy Metal, sobre la historia de Hammerfall, sus accidentes en motocicleta, y en general sobre el Metal. Definitivamente un testigo y protagonista de la historia del Metal. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

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Escucha la playlist del especial en SPOTIFY: https://open.spotify.com/playlist/25qxszYUERrvfsjI1MXZvH Escucha la playlist del especial en DEEZER: https://www.deezer.com/playlist/6116449924?utm_source=deezer&utm_content=playlist-6116449924&utm_term=133930843_1561372124&utm_medium=web Hammerfall es una banda de Power Metal que surgió improbablemente desde el Swedish Metal de Gotemburgo, Suecia y cuyos fundadores precisamente empezaron ese movimiento en bandas como Crystal Age, Ceremonial Oath, Dark Tranquility e In Flames. Su importancia histórica y musical trasciende a lo comercial gracias a surgir también en un nicho de fans acostumbrados a escuchar Metal Pesado Underground, y cuyo éxito abrió las puertas a material más melódico en esta escena. Hammerfall es hoy una banda legendaria, como más de 20 años de historia y una discografía y números a su haber que hablan de su talento y relevancia. Si no los conoces, aquí te damos algo de contexto y te recomendamos algunas canciones para escuchar, todo el repertorio está en las playlists arriba en Spotify y Deezer. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

A True Belief es el track #10 del álbum Icon de la banda británica Paradise Lost, lanzado en 1993 y encarna un paso evolutivo hacia una nueva ola del Metal. Adelantándose a su tiempo junto sus colegas ingleses Anathema y My Dying Bride y un poco más lejos desde Finlandia con Amorphis y desde suecia con Tiamat y Therion, Paradise Lost añadió melodía a su Death Doom para convertirlo en lo que algún día hace ya muchos años se llamó Gothic Metal. Paradise Lost fue firmado por Music For Nations el sello discográfico que había lanzado la carrera de Twisted Sister, Ratt y toda la escena de Thrash Metal de San Francisco para el mercado europeo incluyendo a Metallica. Con un fuerte músculo financiero la disquera empieza a firmar artistas propios creando un semillero de donde saldrían Paradise Lost, Cradle of Filth, Opeth, solo por nombrar algunas de las bandas de esta generación. La primera de ellas en ganar atención fue precisamente Paradise Lost quienes en su álbum Icon evolucionan su música de la mano de su compositor principal Gregor Mackintosh y la voz de Nick Holmes que ahora es muy similar a la de James Helfield de Metallica. Si escuchas con detenimiento los álbumes Shades of God, Icon y Draconian Times, la guitarra de Alice in Chains parece ser una gran influencia, un elemento que Paradise Lost sabría transformar para añadir a su nuevo melodic Doom. A True Believe es una gema de la historia del Metal que resume toda una generación musical que se atrevió, todavía sin saber qué iba a suceder, también es una historia de religión y suicidio, el tema recurrente en Paradise Lost sobre la prohibición del placer, de conflicto social y personal, de juventud y desesperación que te hace imaginar la situación y que más o menos dice así: Una débil voluntad huesped de placer surrealista Cerró su puerta para dejarlo enterrado. Levantándote o arrodillándote a la orden de tu amo Eres incapaz de aceptar tu redención No sé si hay una verdadera creencia aquí Con las alma perdidas es siempre lo mismo Y yo quiero lo mismo, una verdadera creencia No puedes esperar a convertirte en un recuerdo Con los débiles es siempre lo mismo Y ahi estás abrumado por tu incomprención Un pensamiento de locura te invade Y yo sé que la verdad siempre está bien Pero es el momento para buscar las mentiras Tu eres el único a quien trato de salvar Pero la sangre ya se derrama de tus venas Llama, contando el tiempo que queda hasta el final La sonrisa perversa de La Muerte nunca falla La maldición ha caido y has perdido el pasado, para siempre Aquí ya no arde una vela No se si quiero una vida que dure un siglo Cuando el amor de las generaciones va muriendo Pero No veo ningún bien en quitarse la vida Cuando la muerte llama en cualquier momento… Todo lo que quiero es lo mismo que tu, ser parte del juego Todo lo que quiero es una verdadera creencia. A pesar de sus altibajos la búsqueda artística de Paradise Lost los hizo convertirse en una verdadera institución de la música, de sus discografía quiero mencionar Icon ( 1993), Draconian Time (1995), One Second (1997), Symbol of Life (2002), y sus últimas producciones donde con un sonido increible recorren sus pasos Doom: Faith Divide Us - Death Unites Us (2009), The Plague Within (2015) y Medusa (2017) Esto fue A True Believe del álbum Icon de Paradise Lost aquí en 17 Bastard Songs Of Metal. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

Desde su primer álbum Rata Blanca a su Tormenta Eléctrica esta es una reseña de canciones escogidas que considero escenciales. https://www.deezer.com/playlist/5326998202?utm_source=deezer&utm_content=playlist-5326998202&utm_term=133930843_1547258362&utm_medium=web --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

God Save The Queen es el track #4 en el álbum Never Mind The Bullock de 1977, el único álbum de los Sex Pistols, quienes a pesar de esta corta carrera fueron incluso llamados al Rock And Roll Hall Of Fame, a lo cual rechazaron su nominación. Quiero salirme un poco del tema y quiero pedirles disculpas, porque el Punk a pesar de tener algunas de las mejores canciones de todos los tiempos, siendo en muchos casos herederos de la primera época de canciones de los Beatles y el Rock N Roll en general siempre he visto este género con mucha… desconfianza. Sobre todo a los Sex Pistols. El simple título de su canción más famosa Anarchy In The UK podría ser incluso una especie de propaganda negra en contra del mismo significado de la palabra Anarquía. Déjenme que onde aún más en esta idea. El filosofo Aleman Immanuel Kant, desde 1798 en su Antropología desde un Punto de Vista Pragmático identifica 4 tipos de gobierno: Despotismo: Ley sin libertades y uso de la fuerza. Barbarismo: Uso de la fuerza sin ley o libertades. Republica: Uso de la fuerza con libertades y leyes. Anarquía: Ley y libertades sin el uso de la fuerza. Aunque para Kant, desde su entorno, la Anarquía se quedaba corta para ser un verdadero estado civil ya que la ley aparecería sólo como una recomendación vacía sin el uso de la fuerza para hacer la ley eficaz o sin generar el temor a la ley, sin la legitimación, al extrapolar una República sofisticada la perfección y el progreso llevaría la República a la Anarquía. Sin embargo en la canción Anarchy in The UK Johnnie Rotten canta: Soy un anticristo, soy un anarquista! Inmediatamente igualando los dos términos, haciendo que la Anarquía de la que habla en su mensaje esté en contra de la Iglesia y de hecho amenazándola, y sigue diciendo, No sé lo que quiero, pero sé cómo obtenerno, quiero destruir al que pase por ahí, porque quiero ser anarquía… Una vez más en lugar de señalar la Anarquía como un estado superior de hecho la ubica por debajo de cualquier estado social, e igualando sus partidarios al de bárbaros violentos criminales. Detrás de esta imagen destructiva y rebelde, de hecho encuentro más bien un mensaje difamatorio de una de las ideologías alternativas que hacen un llamado a la igualdad, la educación y la hermandad… Los Sex Pistols disfrazados de rebeldes están en realidad inyectando un sutil mensaje… destructivo no de lo que está impuesto, sino de lo que podría cambiar para bien el mundo, o para donde el mundo debería dirigirse, un estado donde las leyes y las libertades no tendrían que ser impuestas ni siquiera en casos inevitables, por eso no confío en esta banda, y a pesar de que solo tienen un disco, por eso los escogí para este capítulo, no creo en los Sex Pistols y tengo la certeza que quisieron destruir lo que el Rock se había ganado con esfuerzo. Creo que son traidores incluso de su género y que no son realmente rockeros, ese único disco que lograron a pesar de tener grandes canciones es uno de los capítulos más oscuros del Rock, ya que por muchos años su mensaje manchó al resto de las bandas… y hoy todavía rebervera en la mente de muchos, ellos no tuvieron que sufrirlo ya que desaparecieron extrañamente por donde vinieron, contrataron a un músico para que les compusiera las canciones, Glen Matlock que ni siquieras las grabó, para hacer aún más real el caos Sid Vicious el remplazo de Matlock no recordaba haber apuñaleado a su novia la noche anterior… pocos meses después en medio de la sobriedad alguien de los Misfits le había conseguido heroina… nunca despertaría, su madre lo encontró muerto. Así como vinieron así se fueron, The Sex Pistols dejaron varios himnos, hicieron historia, una historia infame y sospechosa para este quien les habla, y a pesar de que creo que le hicieron mucho daño al Rock, no podemos negar... --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

Encuentra On Lucid Wings: Spotify: https://open.spotify.com/track/6jrUWloF9pcJmgJSW9eCQm?si=8WOQLvx0ToCI__NBvPxWcg Deezer: https://www.deezer.com/track/792734?utm_source=deezer&utm_content=track-792734&utm_term=133930843_1527810303&utm_medium=web Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=QhuR6yd-DSU Si una canción o incluso un artista simbolizan el concepto de 17 Bastard Songs of Metal es la que presentamos a continuación, una banda increíble que se perdió en el olvido, un olvido casi de muerte… precisamente debido a la muerte. De manera dramática el tema de la canción justamente es el de escapar de la vida bajo el mando de la lucidez… Precedida por una pequeña introducción instrumental llamada Escape, On Lucid Wings es el track #4 del álbum Stormbirds lanzado en 1998 por Evereve una banda Alemana de Gothic Metal fundada en 1993. El origen del nombre Evereve está inspirado en el nombre que Bilbo Baggins, personaje del Señor de los Anillos, le da en un poema-canción a la región de Aman, el reino de inmortales al que son llevados aquellos que han luchado junto a los Elfos para que descancen y sanen sus heridas. Hoy Evereve es prácticamente desconocida, perdida en el olvido, pero en su momento fueron una de las nuevas promesas del Metal Gotico, permeando sus influencias musicales más allá de las barreras obligadas impuestas por los puristas del género, con arreglos increiblemente elaborados e intrincados sin sacrificar la melodía, y haciendo que sus álbumes nunca tuvieran silencio entre sus canciones las cuales unían en una sola continuidad musical a través de pequeñas introducciones instrumentales. Y la voz de Tom Sedotshenko que podía hacerlo todo, guturales death, voces black metal, el canto nasal de las bandas góticas, voces bajas melodramáticas, susurros, con su voz increiblemente fluida y expresiva que a veces incluso cantaba en varios idiomas…, sus dos primeras producciones Seasons de 1996 y Stormbirds del ’98 hicieron parte de la revolución melódica que cambió para siempre la escena del Metal, pero poco después del lanzamiento de Stormbirds la banda decide despedir a Tom Sedotschenko, quién aparentemente tendría algunos problemas, un día sus excompañeros lanzaron un mensaje de alerta en línea pidiendo ayuda para localizar a Tom, temían lo que sucedería en realidad, Tom fue encontrado sin el 1 de mayo de 1999. Es increible cómo el Rock y el Metal están lleno de tragedia… La banda nunca se recuperó de la pérdida de su voz líder, y no podemos decir que la industria hizo eco de su aporte ya que cayeron en el olvido con rapidez, sus discos salieron de circulación, solo hoy y poco a poco resucitan gracias a los fanáticos que han publicado su música en Youtube y a los streamers que hace poco relanzaron parte de su discografía de la cual obviamente recomendamos sus dos primeros lanzamientos, Season y Stormbirds. Esto fue Escape …On Lucid Wings del álbum Stormbird de Evereve, aquí en 17 Bastard Songs of Metal. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

Encuentra Caso Perdido: Spotify: https://open.spotify.com/track/6eggNWVEwFYIkK16ZD4Ox1?si=Edlg6GjNTzSup2GKWXXTPg Deezer: https://www.deezer.com/track/996318?utm_source=deezer&utm_content=track-996318&utm_term=133930843_1527809774&utm_medium=web Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=_eOFLxzT60Q Amazon: https://www.amazon.com/Caso-Perdido/dp/B004A3KXB4/ref=sr_1_2?ie=UTF8&qid=1527809929&sr=8-2&keywords=caso+perdido+baron+rojo Caso Perdido es el track #4 del álbum En Un Lugar de la Marcha lanzado en 1985 por la agrupación española Barón Rojo. Barón Rojo es una de las pocas bandas de las que esperamos hacer excepción incluyendo una segunda canción en el futuro, la explicación es bien sencilla, a pesar de que es un cuarteto, una banda que suena con increible cohesión, Baron Rojo es resultado de la unión de dos fuerzas artísticas que con el tiempo probaron ser más bandos que partes: por un lado, y de la banda Coz, Los hermanos Armando y Carlos de Castro guitarristas, y Carlos cantando la mitad de las canciones de Barón, de hecho compuestas por los hermanos y una segunda fuerza creativa en su voz más conocida Jose Luis Campuzano, Sherpa, también en el bajo, quien a su vez compuso la otra mitad de las canciones, tal vez las más conocidas y exitosas de Barón con algunas excepciones, al lado de su esposa Carolina Cortés. Completando la banda en la batería el Uruguayo Hermes Calabria quien junto a Sherpa venían de la banda Psiglo. La época de Oro de Barón Rojo coincidió con los primeros años de la posdictadura entre los años 81 y 90, donde Sherpa y Hermes dejan la banda que siguió con los hermanos De Castro, sin embargo sin el brillo de antes, no tan solo por la salida de los otros dos integrantes originales, sino por el abrupto cambio o cambios que se dieron en la estética y en la temática del Rock en general. Barón es una banda de letras increiblemente sugestivas, reaccionarias, reflexivas, romáticas y serias, inteligentes si se quiere y su música intrincada pero cautivadora, tal vez a cada quien le llega su tiempo, sin embargo con el pasar de los años y la venida de los streamers la música de Barón ha resucitado de entre las bibliotecas digitales del mundo en nuestro idioma y un rescate musical se da justamente mientras escuchas estas líneas. Infortunadamente no podemos decir que los cambios en la música seperaron a Barón, los bandos cada vez más separados con el tiempo chocaron una y muchas veces, tal vez algún desequilibrio de poderes desencadenó en una situación en la que la banda perdiera a su voz más conocida, sin embargo, así mismo es muy diciente que los hermanos eso sí, cobijados por la propiedad del nombre Baron Rojo continuaran hasta hoy, mientras los otros integrantes por mucho tiempo se mantuvieron en el silencio. El año 2009 vio cómo los integrantes originales se reunían para celebrar 30 años de existencia, sin embargo a pesar de su cohensión musical, una vez más la distancia opacaba el júbilo de la celebración de una leyenda histórica del Rock, como si fueran inmortales, como si hubiera tiempo para volver en otra oportunidad la banda permitiría que se les filmase para un documental que mostraba tristemente que el tiempo a veces no enseña. Caso Perdido, una de tantas canciones perdidas entre tantas buenas canciones de Barón, justo en uno de sus álbumes más aclamados En Un Lugar de La Marcha muestra lo mejor del trabajo de guitarra de los hermanos De Castro y para este servidor... --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

Aquiles Last Stand es la canción que abre el álbum Presence de Led Zeppelin, lanzado el 31 de marzo de 1976. El único álbum de la banda sin teclados y solo una canción con guitarras acústicas, por muchos considerado el peor álbum de la banda, sin embargo, la inclusión de, justamente Aquiles Last Stand lo hacen indispensable. Led Zeppelin es tal vez el supergrupo más exitoso de todos los tiempos, un super grupo es aquel que incluye músicos que ya han sido exitosos en otros proyectos, si bien Jimmy Page alcanzó la cima de su éxito con Zeppelin, junto a John Paul Jones, bajista e instrumentalista de Zeppelin, tenían una prestigiosa carrera como músicos de estudio, y la participación de Page en la última época de los Yarbirds lo ubicó en ese pedestal donde solo cabían Clapton, Beck, Blackmore y Jimmy. Disfrutando de su estatus como la banda más grande del Rock, y de la independencia discográfica que pudieron lograr al lanzar, con su propio bolsillo y sello discográfico el álbum doble Physical Grafiti, Zeppelin se preparaba para ir de gira en agosto de 1975. Esta gira incluía 110.000 entradas vendidas para dos estadio totalmente llenos en Oakland y presentaciones en los más importantes escenarios de los Estados Unidos, Europa y Japón. Los ensayos para la gira estaban programados para empezar en París, el 14 de agosto, sin embargo el día 4 de agosto, en la isla griega de Rhodos, Robert Plant, voz líder de la banda de viaje junto a su familia, sufre un grave accidente automobilistico que lo deja en silla de ruedas, una multiple lesión en el tobillo, huesos del pié y codo, obligando a posponer indefinidamente la esperada gira. Con claras intenciones de mantener a la banda vigente y de unirla ahora en medio de la convalecencia de Plant y la incertidumbre de su condición Page y Plant empiezan a componer un nuevo álbum, el cual se graba en un tiempo record de 18 días en noviembre del mismo año y que es lanzado en marzo de 1976 siendo un éxito instantáneo pero una derrota a largo plazo, su portada muestra escenas de la vida en sociedad invadidas por un artefacto de color negro, inspirado en el que aparece en 2001:Odisea Espacial, y que seguramente es una alegoría a la influencia que ejerce Zeppelin en sus fans. Pocos meses después la banda lanzaría The Song Remains The Same, una película que remplazaría de alguna forma la ausencia de la banda en concierto acompañada de la banda sonora en vinilo, y que opacarla y dejaría a Presence como plato de segunda mesa… más bien en el olvido. Sin embargo, tal vez la joya más importante de la banda brilla inmortal desde su recóndito paraje en este Presence, tal vez la situación límite donde la banda se ve forzada a luchar por su supervivencia hace aflorar la intensidad del Heavy Metal que siempre estuvo ahí pero matizado con todas las demás influencias e inquietudes de sus creadores, una situación tal vez de vida o muerte, los induciría a crear esta pieza que escribe gran parte del manual del Metal Melódico contemporáneo. Zeppelin una banda de Heavy Blues, Folk y Prog que todo lo tuvo incluso antes de existir, hipnotizaría al mundo hábido de algo más, transformó la música de viejas tonadas de Blues y las mezcló con su Black Country, con su conocimiento esotérico de la estructura musical para escribir una declaración diferente en cada canción en la búsqueda increíble de la no repetición. Siempre refugiados en el silencio, en la ausencia incluso de su nombre en las portadas de sus discos más apetecidos fueron mito en vida, su progresión musical es clara pero siempre al servicio de la música con sus primeros dos álbumes que son un claro rescate musical y al tiempo una nueva propuesta. Es a partir de su tercera producción donde abren sus alas ya conscientes de que la intelectual generación sobreviviente del movimiento hippie también quería ir más allá, cuando Zeppelin despliega toda su artillería musical para llevarnos a... --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

Invisible Enemy es el track #5 en el álbum Phantom Anthem lanzado en el 2017 por la banda August Burns Red de Lancaster, Pensilvania en los Estados Unidos. Precisamente esta canción, Invisible Enemy fue nominada a un Grammy por Mejor Grabación de Metal del Año. August Burns es una banda estadounidense de Melodic Metalcore fundada en 2003, por tres estudiantes, que desde una granja avícola curtieron su oficio hasta afilarlo peligrosamente, y quienes cuentan hasta la fecha con 8 producciones de las cuales su más reciente Phantom Anthem es la más exitosa, de su formación original permanecen Matt Greiner tal vez el mejor baterista vivo representante del Metal Contemporaneo y sus dos guitarristas JB Brubaker y Brent Rambler con una formación estable hace más de 10 años y que es completada por Dustin Davidson en el bajo, los teclados y las voces, y Jake Luhrs en la voz líder. Aunque August Burns Red llegó un poco más tarde que las bandas hoy consideradas pilares del Metal Core y que su imagen recuerda más la Venganza de los Nerds que a los hijos perdidos de Slipknot, su propuesta logra unir de forma increible y exquisita muchas tendencias musicales melódicas sin dejar de ser una de las aplanadoras más contundentes del Metal. Su sonido claramente heredero del Swedish Metal de In Flames, Soilwork, Dark Tranquility y At The Gates evolucionó en favor de la composición de canciones muy fáciles de escuchar aún en medio de los blasts beast más extremos, y de esa complegidad musical que de todas maneras es muy fácil de entender, todo ello con un sonido quirurjicamente preciso y limpio donde cada nota, cada golpe de sus instrumentos tiene un lugar en la mezcla. August Burns Red es más que una banda con muy buenas canciones, el sonido y la calidad de sus grabaciones hacen parte de esa ecuación que encarna esta banda, y esto se debe a la sociedad que desde 2011 han fraguado con Carson Slovak y Grant McFarland genios del sonido del Neo Metal Core. Pero como si todo esto fuera poco August Burns Red es una banda cristiana! Pero no te dejes engañar por la cocacola zero, porque esta banda es más tesa que la mayoría a su alrededor, en tiempos difíciles para todas las bandas emergentes August Burns Red sobresale lejos por la calidad de contenido y estética. Esta banda no tiene ni historias de muerte, drogas o peleas, pero la intensidad de su música habla por sí misma, trata de escuchar todo lo que tienen desde Thrill Seekers su primer álbum, hasta el Phantom Anthem, la descarga de energía y su sutil evolución musical y sonora a través del tiempo es un viaje que vale la pena recorrer, y nunca se sabe podría hacerte ganar unos puntos a favor con San Pedro. Esto es Invisible Enemy del álbum Phantom Anthem de la super banda cristiana de Melodic Metal Core August Burns Red aquí en 17 Bastard Songs Of Metal. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

Erotomania es el track #4 de Awake (1994), el tercer álbum de Dream Theater, y que es el “primer movimiento” A Man Beside Itself. Erotomania es una canción instrumental, la primera en su carrera, compuesta en grupo es una muestra clara de las diferentes fuerzas actuando en la banda: las atmósferas melódicas melancólicas y sutiles de Kevin Moore, el sonido contemporaneo del Metal que afronta la llegada de la estética Grunge, el jazz, el progresivo y toda la academia de John Petrucci, controlada en favor de la canción pero igual virtuosa, el símbolo de bajo poderoso de Metal, tal vez, la presencia de Steve Harris en el subconsciente y un neo-John Bonham en la batería, brutal y genial. Dream Theater es una banda de Boston formada por estudiantes del Berkeley College of Music: John Petrucci (guitarra), Mike Portnoy (batería) y John Myung (bajo), cuyo nombre solía ser Majesty. Kevin Moore compañero de escuela de Petrucci se uniría en los teclados y con el tiempo avanzarían hacia el profesionalismo. Su segundo álbum Images And Words (1992) , el primero dentro de un contrato para grabar 7 producciones bajo el sello Atlantic, lograría que Pull Me Under se convirtiera en una de las canciones más populares en el Metal del momento. La melodía mezclada con pasajes intrincados muy comprensibles a pesar de su complejidad aseguró a Dream un gran éxito con este álbum, el cual encontraron muy difícil de superar. Sin embargo, gracias a su contrato solo tendrían que crear las canciones para sus discos pendientes. Awake es un álbum menos melódico que Images…, Moore compositor de sus temas más “comerciales” anuncia su retiro en medio de las grabaciones y Dream que, una vez más tenía todo asegurado enfrenta el mayor de los retos, el creativo. Awake es melódico pero oscuro, claramente distanciado de Images, luego Falling Into Infinity (1997) es menos intrincado, más grunge, más progresivo en un sentido psicodélico ahora con la participación de Derek Sherinian en los teclados, Dream se acercaba a su manera más hacia Pink Floyd que a la vanguardia de Metal, tal vez un poco sin rumbo buscando que los números les marcaran su destino. Es como en su quinto álbum Metropolis 2 (1999) es un claro regreso a la estética musical de Images… y sucesivamente a través de los años su sonido y música girarían alrededor de los diferentes elementos musicales encontrando refugio en las filas del Metal Extremo y en la complegida melódica, cada vez su sonido era más crudo y los teclados mutaban en su papel. Manteniendo su carácter de culto, Dream ha tenido una carrera sólida con insidentes como la salida de Mike Portnoy de la banda en 2010 siendo remplazado después de una audición pública de diversos bateristas del Metal por Mike Mangini. Dream Theather ha lanzado 14 producciones de estudio y numerosas grabaciones y videos en concierto, recientemente han celebrado los 25 años de Images ya no están con Atco sino con Roadrunner un sello de Metal Extremo. Esto fue Erotomania del álbum Awake de Dream Theater aquí en 17 Bastard Songs of Metal. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

Children of the Damned de Iron Maiden es el track #5 de The Book of Souls: Live Chapter (2017), grabada el 1ero de abril en Montreal, originalmente Children aparece por primera vez en el álbum The Number Of The Beast (1982) y de manera clásica e inmortal en la cara D de la versión en LP de Live After Dead (1985), que es grabada en el Hammersmith Oden de Londres y no en el Long Beach Arena donde se dice que se grabó el resto del disco, que es por cierto, uno de los álbumes en vivo más importantes de la historia del Metal, y que con la llegada del CD y el destierro del LP, desaparecería por casi 10 años de la versión en CD del álbum ya que el concierto de Long Beach cabía completo en un solo disco. Iron Maiden es la creación del bajista Steve Harris quién a finales de los 70s mezclando influencias del Hard Rock, el Progresive, el Punk, el Blues en canciones donde el bajo ocupa tanto el papel rítmico como el armónico, las armonías dobles y triples en sus solos de guitarras, la increíble voz de varitono de su cantante y una propuesta juvenil con letras narrativas, históricas y reflectivas, acompañado de una mascota que aparecería en cada una de sus portadas conquistó el mundo con su música. Nunca centro de escandalo, mal ejemplo o agresión, Maiden se limitó a la música para generar un impácto profundo en el Metal que pocos han logrado superar. Maiden después de 40 años de existencia ha tenido varias etapas, sus dos primeros álbumes Iron Maiden (1980) y Killers (1981) son muestra de una rápida evolución en sonido siendo el último un verdadero clásico, agresivo y poderoso, parte importante de su éxito ha sido la presencia del productor Martin Birch, productor de Deep Purple, Black Sabbath y Dio entre otros, la presencia de su primer guitarrista Dave Murray, la inclusión de Adrian Smith en la guitarra, y la bisarra voz de Paul D’anno cuyo timbre recuerda un poco a la voz de Ian Gillan pero con un rasgado particular. En 1982 es despedido Paul y el baritono Bruce Dickinson cataliza un salto musical que el álbum The Number of the Beast (1982) significaría para su música y su éxito. Dickinson y Smith ahora compiten con su presencia en los créditos de las composiciones que antes y siempre han contado con Harris como su principal contribuyente. En 1983 es el baterista Nicko McBrain de Pat Travers remplaza a Cliff Burr y Maiden ahora se embarga en su segundo momento, con los álbumes Piece of Mind (1983), Powerslave(1984), Somewhere in Time (1986), Seventh Son of a Seventh Son (1988), frutos del trabajo fluido, de giras y de compenetración la música de los ingleses aumentó en complegidad, nivel y efecto, claramente su época de oro con puntos máximos en Powerslave musicalmente hablando y como músicos en Somewhere… para regresar a territorios menos arriesgado en el Seventh Son… tal vez de manera coincidente el Grunge de los 90s afectó también a Maiden, o tal vez no… cuenta la leyenda que al reagruparse para componer lo que sería No Prayer For The Dying (1990) Adrian Smith saldría de la banda por su desacuerdo con Harris, al parecer el bajista quería que la música de Maiden diluyera su complegidad musica hacia canciones más sencillas y directas, Janick Gers guitarrista de Dickinson al solitario entraría como remplazo y la banda se recuperaría en parte con su Fear of the Dark (1992) que incluía la canción del mismo nombre y que hoy es considerada uno de su clásicos más importantes. Pero poco tiempo durarían las cosas, Dickinson dejaría la banda. Contra todo pronostico Harris escogió un remplazo para Bruce que difícilmente podía cantar sus canciones, por esa misma razón Blaze Baylie le daría un nuevo sonido a Maiden, obligaría a Harris a componer para otra banda, pero en vivo su catálogo de clásicos era inviable. Después de 8 años Dickinson y Smith volverían dejando la banda con 3 guitarras y su cantante insignia, grabando 3 álbumes Brave New World (2000), Dance of Death (2003) y A... --- Send in a voice message: https://anchor.fm/onorosaurosrex/message

Burn, originalmente de Deep Purple y grabada por primera vez en 1974 es el track que abre el Doceavo álbum de Whitesnake, The Purple Album. David Coverdale voz líder y fundador de Whitesnake llegó al estrellato de la música remplazando a Ian Gillan en Deep Purple justamente en 1974 y hasta 1976 después de que la banda decidiera terminarse. Esta corta y accidentada estadía le daría el prestigio y la oportunidad de convertirse en artista al solitario. Hacia 1978 después de editar un par de discos al solitario Coverdale forma Whitesnake que finalizando los 70s habría lanzado Trouble (1978), Lovehunter (1979), Ready an' Willing (1980) y comienzos de los 80s con Come an' Get It (1981), Saints & Sinners (1982), Slide It In (1984) incluiría entre sus músicos varios de sus ex-compañeros de Deep Purple: Ian Paice, Roger Glober y el mismo John Lord. Pero Deep Purple se reformaría y ya sin ellos, y sólo hasta 1986, llegó el gran momento para Whitesnake, bajo la dirección de David Geffen el gran productor que convirtió en oro a Aerosmith, Guns’N’Roses y muchos otros, y que después saltaría al cine, y con el sonido de guitarras más pesado que existiera en una banda de rock duro melódico, y la contribución del gran guitarrista John Sykes y de Adrian Vanderverg, Whitesnake lanzaría Whitesnake, que también se conoce como 1987, o Serpes Albus. El resto es historia, una historia que difícilmente podría repetirse. Ahora la masculina y profunda voz de David mezclada con canciones neo-blues, con riffs ultrapesados, teclados atmosféricos y gran sensibilidad convertiría este álbum de Whitesnake en pieza obligada en el Museo del Metal. Con el tiempo infortunadamente las cosas no saldrían tan bien, contratando al gran Steve Vai para continuar su saga, las cosas no resultaron, tal vez la personalidad del virtuoso guitarrista no tenía el mismo espíritu de la leyenda inglesa, o tal vez era simplemente la era Grunge que dejó sin laca las melenas exhuberantes del Hair Metal de los 80s, poco después Whitesnake se sumiría en el silencio. Mientras tanto en 1991 Coverdale y Jimmy Page grababan un disco juntos que no iría muy lejos, pero sugiriendo una carrera para David como artista solista con Restless Heart (1997) compuesto al lado de Adrian Vanderberg y un acústico en Japón Starkers in Tokyo (1998). 10 años después, para su 25 aniversario en 2002, Coverdale revive su banda de manera continua como acto en vivo y tiempo después rompe su silencio creativo con Good To Be Bad (2008) y Forevermore (2011), en sociedad con el virtuoso Dough Aldrige en la guitarra de exDio, Reb Beach exWinger y Dokken, el gran Tommy Aldridge en la batería exThin Lizzy y Ozzy Osbourne. En el aniversario 40 de la grabación de Burn, David Coverdale ha decidido lanzar The Purple Album (2015), conteniendo canciones de los 3 álbumes que grabó con Deep Purple, mientras grabamos este episodio se espera en cualquier momento el lanzamiento de Flesh and Blood el nuevo álbum de Whitesnake. Esto fue Burn de The Purple Album de Whitesnake, aquí en 17 Bastard Songs of Metal. Encuentra Burn: Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=_tDz3VcVuUk Spotify: https://open.spotify.com/track/6iL2EnFqZVXil41a96OefP?si=KNWlPq0-QCKkjvzMSyeZ2Q Deezer: http://www.deezer.com/track/447709952?utm_source=deezer&utm_content=track-447709952&utm_term=133930843_1523823093&utm_medium=web Amazon: