Acercándonos a escuchar UACh-Sede Puerto Montt

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 7 de septiembre de 1936 nacía en Lubbock, Texas, Buddy Holly, uno de los grandes pioneros del rock and roll. Desde muy pequeño mostró interés por la música y aprendió a tocar distintos instrumentos, entre ellos el piano, el violín y la guitarra. Durante su adolescencia comenzó a presentarse junto a otros músicos y, poco a poco, su estilo fue evolucionando desde la música country y western hacia el emergente rock and roll. En 1955 tuvo la oportunidad de compartir escenario con Elvis Presley, una experiencia que contribuyó a orientar definitivamente su camino musical. Más tarde, en 1957, formó junto a Jerry Allison, Joe B. Mauldin y Niki Sullivan The Crickets, agrupación con la que alcanzaría algunos de sus mayores éxitos. Canciones como “That’ll Be the Day”, “Peggy Sue”, “Oh Boy!” y “Everyday” se convertirían en clásicos y contribuirían a definir el sonido del rock and roll de finales de los años cincuenta. La carrera de Buddy Holly, sin embargo, fue extraordinariamente breve. El 3 de febrero de 1959, cuando tenía apenas 22 años, murió en un accidente aéreo ocurrido en Iowa, mientras se encontraba de gira junto a otros artistas. En el mismo accidente fallecieron Ritchie Valens y J. P. “The Big Bopper” Richardson. A pesar de su corta trayectoria, su influencia trascendió ampliamente su época y alcanzó a generaciones posteriores de músicos. Su manera de componer, interpretar y trabajar con su banda ayudó a establecer una nueva forma de entender el rock and roll. A continuación, escucharemos Everyday, de Buddy Holly y The Crickets. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo. This content has been generated in whole or in part by artificial intelligence

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 1 de septiembre de 1911 nacía en Hiroshima el compositor, violonchelista y director de orquesta japonés Abe Kōmei, una figura especialmente interesante de la música japonesa del siglo XX. Proveniente de una familia vinculada a la antigua tradición militar japonesa, Abe manifestó desde joven un profundo interés por la música. Durante su estancia en Tokio comenzó a estudiar violín y, en 1929, ingresó a la Escuela de Música de Tokio, donde se formó como violonchelista con Heinrich Werckmeister. Estudió además composición con el músico alemán Klaus Pringsheim, discípulo de Gustav Mahler, y dirección de orquesta con Joseph Rosenstock. Esta formación dejó una importante huella en su lenguaje musical, fuertemente relacionado con la tradición clásica y el romanticismo tardío alemán. Durante la Segunda Guerra Mundial, Abe fue reclutado por la Marina japonesa en 1944. Tras el término del conflicto, desarrolló una intensa actividad musical vinculada a la radiodifusión y a la dirección orquestal. Entre 1948 y 1954 estuvo vinculado a la orquesta de la Casa Imperial, experiencia que le permitió profundizar en el conocimiento del gagaku, una de las tradiciones musicales más antiguas de Japón. También fue cofundador de la asociación musical Chijinkai. Su labor se extendió igualmente a la enseñanza. Ejerció como profesor en el Elizabeth Music College de Hiroshima y en la Universidad Municipal de Artes de Kioto, desarrollando una extensa trayectoria docente. Abe Kōmei falleció en Tokio en 2006, a los 95 años. This content has been generated in whole or in part by artificial intelligence

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy queremos acercarnos a la figura de Rubén Rada, uno de los músicos más queridos y reconocidos de la música popular uruguaya quien falleció el pasado 26 de agosto. Conocido cariñosamente como el Negro Rada, nació en Montevideo el 16 de julio de 1943. De origen humilde, comenzó a cantar desde niño, vinculado a las comparsas de negros y lubolos del carnaval uruguayo. Desde muy pequeño estuvo ligado a los escenarios. Él mismo recordaba sus primeras experiencias en el Teatro de Verano, uno de los espacios más emblemáticos del carnaval de Montevideo. En ocasiones, cuando las murgas se retrasaban, lo invitaban a subir al escenario. Allí comenzó a hacerse conocido con el apodo de Zapatito. Autodidacta, Rada fue integrando a lo largo de su trayectoria distintas agrupaciones fundamentales de la música uruguaya y rioplatense. Entre ellas destaca El Kinto, agrupación experimental que integró junto a Eduardo Mateo y otros músicos, y que a fines de la década de 1960 exploró la fusión del candombe con la música beat, abriendo nuevos caminos para la música popular uruguaya. Posteriormente vendrían Tótem y OPA, proyectos que profundizaron esa búsqueda y consolidaron a Rada como uno de los grandes creadores de la música uruguaya. A lo largo de su carrera, Rubén Rada transitó por una enorme diversidad de géneros: tango, milonga, murga, plena, cha cha chá, bossa nova y, por supuesto, candombe. Su capacidad para dialogar con distintas tradiciones musicales y, al mismo tiempo, llegar a públicos muy diversos, constituye una de las características fundamentales de su obra. El periodista cultural uruguayo Carlos Dopico ha señalado que Rada logró algo que muchos artistas buscan, pero no siempre consiguen: “abrazar la élite y alcanzar la masa”. Una frase que resume, de alguna manera, la enorme dimensión popular y artística de su música. Su obra es también una expresión de identidad, de mestizaje cultural y de una profunda conexión con las raíces afro-uruguayas. A continuación, escucharemos uno de sus temas más críticos y reflexivos: “¿Quién va a cantar?” Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo. This content has been generated in whole or in part by artificial intelligence

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy viajamos hasta el 24 de agosto de 1826, fecha en que nació en La Coruña, España, el compositor y pianista Marcial del Adalid. Desde muy joven mostró un profundo interés por la música y la composición. Admirador de Frédéric Chopin, viajó a Europa con la intención de ampliar su formación musical y estudió durante varios años en Londres con el reconocido pianista y profesor Ignaz Moscheles. El piano ocupó un lugar central en su producción. Su música refleja la influencia del romanticismo europeo, especialmente de compositores como Chopin y John Field, pero también revela un profundo interés por las tradiciones de su tierra natal. Junto a sus obras para piano, Marcial del Adalid desarrolló una importante relación con la música popular gallega, incorporando en sus composiciones elementos vinculados al folclore y a la identidad cultural de Galicia. Entre sus obras destacan piezas como El lamento, El último adiós y sus Petits riens, pequeñas miniaturas pianísticas que dan cuenta de su sensibilidad romántica y de su particular lenguaje musical. Aunque su obra no alcanzó una amplia difusión durante su tiempo, Marcial del Adalid es considerado hoy una figura relevante dentro de la música española del siglo XIX y un compositor fundamental para comprender el desarrollo de la música gallega. A continuación, escucharemos de este compositor su Serenata para orquesta de cuerdas. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo. This content has been generated in whole or in part by artificial intelligence

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un día como hoy, 23 de agosto de 1988, se publicaba Nothing's Shocking, el primer álbum de estudio de Jane's Addiction. Considerado uno de los discos más importantes en la consolidación del rock alternativo de finales de la década de 1980, el álbum propone una particular combinación de estilos, en la que confluyen el rock, el punk, el metal y elementos de la música psicodélica. Esta mezcla contribuyó a definir el sonido característico de la banda y a proyectarla como una de las agrupaciones más influyentes de su generación. Canciones como "Mountain Song", "Jane Says" y "Ocean Size" se convirtieron en piezas fundamentales de un disco que dejó una profunda huella en la historia del rock alternativo. A continuación, escucharemos Ocean Size, de Jane's Addiction. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo. This content has been generated in whole or in part by artificial intelligence

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 20 de agosto de 1882, se estrenaba en Moscú una de las obras más célebres del compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski: la Obertura 1812, Opus 49. La obra fue compuesta para conmemorar la resistencia y victoria de Rusia frente a la invasión napoleónica de 1812. Sin embargo, detrás de esta música grandiosa y triunfal existe también una interesante historia de encargos, celebraciones y símbolos patrióticos. La obertura fue escrita para una gran exposición realizada en Moscú en 1882, y su estreno tuvo lugar precisamente en una sala de conciertos construida para esa ocasión. Aunque suele relacionarse directamente con la Catedral de Cristo Salvador, la obra no se estrenó frente a este templo, sino en el recinto destinado a la exposición. Musicalmente, Chaikovski construyó una especie de relato sonoro del conflicto. A lo largo de la obra incorpora melodías religiosas y populares rusas, fragmentos asociados a Francia y, por supuesto, el himno del Imperio ruso, Dios salve al zar, que adquiere un carácter triunfal hacia el final de la composición. Pero hay un elemento que convirtió a esta obra en una de las piezas más reconocibles del repertorio sinfónico: el sonido de los cañones. Estos aparecen en los momentos culminantes de la partitura, reforzando la representación musical de la batalla y conduciendo la obra hacia un final monumental, lleno de campanas, percusión y celebración. La Obertura 1812 es, en ese sentido, mucho más que una obra de carácter patriótico. Es también una demostración del poder de la música para narrar acontecimientos históricos y transformar una batalla, una victoria y la memoria de un pueblo en una experiencia sonora. A continuación, escucharemos la Obertura 1812, Opus 49, de Piotr Ilich Chaikovski, interpretada por la Filarmónica de Berlín, bajo la dirección de Claudio Abbado. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo. This content has been generated in whole or in part by artificial intelligence

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 17 de agosto de 1974, el álbum 461 Ocean Boulevard, segundo trabajo de estudio de Eric Clapton, alcanzaba el número uno en Estados Unidos. El disco marcó el gran regreso de Clapton a la música después de varios años de alejamiento de los escenarios, período en el que enfrentó una severa adicción a la heroína. 461 Ocean Boulevard se convertiría así en uno de los trabajos fundamentales de su trayectoria y en un álbum imprescindible del rock de los años setenta. Entre las canciones más destacadas del disco se encuentra I Shot the Sheriff, escrita originalmente por el músico jamaiquino Bob Marley. La versión de Clapton se convirtió en un éxito masivo y contribuyó significativamente a popularizar el reggae entre las audiencias internacionales. El álbum incluye también otras canciones memorables, como Let It Grow, Motherless Children y Mainline Florida. A continuación, escucharemos I Shot the Sheriff, en la versión de Eric Clapton. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo. This content has been generated in whole or in part by artificial intelligence

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy queremos acercarnos a la obra de una compositora cuya trayectoria estuvo estrechamente vinculada a la música rusa y a las tradiciones musicales del pueblo mari: Nina Vladimirovna Makarova. Nina Makarova nació el 12 de agosto de 1908, en Yurino, una localidad situada a orillas del río Volga, en la actual República de Mari-El, Rusia. Desde muy joven manifestó interés por la música y, posteriormente, desarrolló su formación en el Conservatorio de Moscú, donde estudió composición con el reconocido compositor Nikolai Miaskovsky. En ese mismo entorno conoció a Aram Khachaturian, también alumno de Miaskovsky. Ambos se casaron en 1933 y compartieron una vida estrechamente ligada a la creación musical. Su interés por las canciones populares rusas y, especialmente, por la tradición musical del pueblo mari, fue una presencia importante en su lenguaje compositivo. Makarova no solo compuso obras para distintos formatos, sino que también incursionó en la dirección orquestal. El 12 de junio de 1947 dirigió en Moscú su propia Sinfonía. Junto a Khachaturian participó además en la creación de música para diversas obras teatrales, entre ellas A Tale of Truth, de Margarita Aliger, estrenada en 1947, y Spring Stream, de Yu. Chepurin, presentada en 1953. Su catálogo incluye obras sinfónicas, música de cámara, canciones, música para teatro y cine, además de obras para piano y para distintos instrumentos. Entre ellas encontramos Recollection, o Vospominanie, una obra para violonchelo y piano compuesta en 1966. La obra que escucharemos a continuación tiene, además, un especial interés documental: contamos con una grabación histórica en la que participa el violonchelista Evgeny Altman, acompañado al piano por la propia Nina Makarova. A continuación, Recollection. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo. This content has been generated in whole or in part by artificial intelligence

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 10 de agosto de 1985, el álbum Reckless, de Bryan Adams, alcanzaba el número uno en las listas de ventas de Estados Unidos. Publicado el 5 de noviembre de 1984, este trabajo se convirtió en uno de los grandes éxitos del rock de la década de 1980 y consolidó a Bryan Adams como una figura de proyección internacional. Con ventas de más de 12 millones de copias y una sucesión de exitosos sencillos, el álbum alcanzó una enorme popularidad en distintos países. Reckless es un disco construido a partir de melodías directas, estribillos memorables y una energía que conecta con la experiencia juvenil, el amor, la nostalgia y la búsqueda de libertad. El éxito del álbum puede entenderse como el resultado de una combinación especialmente efectiva entre la energía del rock, la sensibilidad melódica y la capacidad de Bryan Adams para construir canciones cercanas y fácilmente reconocibles. Más de cuatro décadas después de su publicación, Reckless continúa siendo un referente del rock de los años ochenta. Sus canciones siguen formando parte de la memoria colectiva y nos recuerdan cómo una propuesta aparentemente sencilla, cuando está sostenida por melodías sólidas y una interpretación convincente, puede trascender su tiempo y conectar con distintas generaciones. A continuación escucharemos “Heaven”, uno de los éxitos más conocidos y recordados de este álbum. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo. This content has been generated in whole or in part by artificial intelligence

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. El 4 de agosto de 1892 nació en Rotterdam la compositora neerlandesa Johanna Bordewijk-Roepman, una de las creadoras más originales de la música holandesa del siglo XX. Aunque recibió formación como pianista, estudió composición en gran medida de manera autodidacta. Con el tiempo desarrolló un lenguaje profundamente personal, alejado de las corrientes dominantes de su época. Su catálogo abarca obras para piano, música de cámara, coros, orquesta sinfónica y también piezas para carillón, el tradicional instrumento de campanas tan característico de los Países Bajos. Su música combina una sólida escritura contrapuntística con una gran libertad armónica y un marcado sentido expresivo. Por esa razón resulta difícil encasillarla dentro de una escuela o estilo específico: su voz artística fue siempre independiente. Durante la ocupación nazi de los Países Bajos, en la Segunda Guerra Mundial, Bordewijk-Roepman tomó una decisión de enorme valor. Se negó a inscribirse en la Kultuurkamer, la institución creada por el régimen alemán para controlar y censurar la actividad de artistas e intelectuales. Esta negativa significó renunciar a la posibilidad de ejercer oficialmente su profesión, convirtiendo su trabajo artístico en una forma de resistencia y defensa de la libertad creativa. Tras la guerra continuó componiendo y recibió reconocimiento por la calidad y originalidad de su obra, aunque, como ocurrió con muchas compositoras de su tiempo, su música permaneció durante décadas en un relativo olvido. Hoy, gracias a nuevas investigaciones e interpretaciones, su legado vuelve a ser parte de recitales y conciertos. A continuación escucharemos el tercer movimiento, Vivace, de su Sonata para piano. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo. This content has been generated in whole or in part by artificial intelligence

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. El pasado 29 de julio falleció, a los 56 años, el músico, compositor y actor irlandés Glen Hansard, tras un accidente de motocicleta ocurrido en las cercanías de Dublín. Su partida conmocionó al mundo de la música, que reconoció en él a un artista profundamente honesto, comprometido con sus convicciones y fiel a sus raíces. Hansard comenzó su carrera como músico callejero en la emblemática Grafton Street de Dublín. En 1990 fundó The Frames, banda que se convertiría en una de las agrupaciones más influyentes del rock irlandés contemporáneo, con discos tan importantes como Burn the Maps. Sin embargo, el reconocimiento internacional llegó con la película Once (2007), donde interpretó a un músico callejero junto a la pianista y cantante checa Markéta Irglová. La historia, sencilla y profundamente humana, conquistó al público gracias a su autenticidad y a una banda sonora inolvidable. Su canción Falling Slowly obtuvo el Premio Óscar a la Mejor Canción Original en 2008, demostrando que una composición íntima podía alcanzar una dimensión universal. Pero más allá de los premios, Glen Hansard nunca abandonó el espíritu con el que comenzó su carrera. Nacido en el barrio de Ballymun, una de las zonas más desfavorecidas de Dublín, mantuvo siempre un fuerte compromiso social. Cada Nochebuena regresaba a Grafton Street para participar en el tradicional concierto solidario en beneficio de personas en situación de calle, acompañado por artistas como Bono y numerosos músicos irlandeses. Su vida fue un recordatorio de que la música también puede ser un acto de comunidad, solidaridad y esperanza. A continuación escucharemos su composición más conocida, Falling Slowly, una canción que habla de encuentros, vulnerabilidad y del poder transformador de la música. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo. This content has been generated in whole or in part by artificial intelligence

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. En este episodio viajaremos hasta uno de los relatos fundacionales de la cultura occidental: La Odisea de Homero, ahora reinterpretada por el director Christopher Nolan y acompañada por la música del compositor sueco Ludwig Göransson, uno de los creadores sonoros más influyentes del cine actual. Después de Oppenheimer, Göransson vuelve a colaborar con Nolan, pero esta vez enfrentando un desafío muy distinto: construir un paisaje sonoro que evoque un mundo de hace casi tres mil años. Para ello, la banda sonora prescinde en gran medida de la gran orquesta tradicional y explora instrumentos inspirados en la Antigüedad, voces, percusiones y texturas contemporáneas que buscan acercarnos a un universo antiguo con un lenguaje profundamente actual. Como suele ocurrir con este tipo de propuestas, la película no ha estado exenta de controversias. Se han discutido decisiones desde el reparto hasta las libertades que Nolan se permite al reinterpretar un texto que lleva casi tres milenios siendo leído, traducido y debatido. También la música, pues para algunos resulta una propuesta innovadora y valiente ypara otros, una banda sonora demasiado contenida en comparación con trabajos anteriores del compositor. Pero quizás ahí reside uno de los aspectos más valiosos del arte: su capacidad para generar conversación. Una obra que provoca preguntas, desacuerdos y nuevas lecturas sigue estando viva. El problema no es que existan críticas; el verdadero problema sería que dejáramos de dialogar sobre aquello que vemos, escuchamos o leemos. En tiempos en que las redes sociales suelen reducir las discusiones a un "me gusta" o "no me gusta", resulta necesario recuperar espacios donde las diferencias puedan convertirse en aprendizaje. La crítica fundamentada no destruye una obra; la enriquece. Nos obliga a mirar con más atención, a escuchar con mayor profundidad y, sobre todo, a reconocer que ninguna creación artística pertenece por completo a su autor una vez que llega al público. Les invitamos a escuchar de esta banda sonora Odiseo. Les hablo Aracely Rojas y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo. This content has been generated in whole or in part by artificial intelligence

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy nos detenemos en un disco que transformó el sonido del rock: Highway to Hell, de la banda australiana AC/DC, publicado un 27 de julio de 1979. A fines de la década de los setenta, el rock vivía un momento de cambios. Mientras el punk irrumpía con fuerza y la música disco dominaba las pistas de baile, AC/DC seguía apostando por un sonido directo, potente y sin concesiones. Con riffs memorables, una base rítmica contundente y la inconfundible voz de Bon Scott, el grupo encontró en Highway to Hell el equilibrio perfecto entre la energía del hard rock y una producción más refinada. Canciones como Touch Too Much y, por supuesto, Highway to Hell, se convirtieron rápidamente en clásicos. Aunque muchos interpretaron el título como una referencia a temas oscuros o provocadores, la realidad era mucho más cotidiana. Para Bon Scott, la "autopista al infierno" era una forma de describir las interminables giras, el agotamiento de la vida en la carretera y, según otra conocida anécdota, una peligrosa carretera cercana a Perth donde eran frecuentes los accidentes. Como suele ocurrir con el rock, la metáfora terminó siendo más poderosa que cualquier explicación. Sin saberlo, la banda estaba grabando un disco que marcaría el final de una etapa. Apenas unos meses después de su lanzamiento, en febrero de 1980, Bon Scott falleció inesperadamente a los 33 años. Highway to Hell se convirtió así en el último álbum de estudio que grabó junto a AC/DC, otorgándole un significado aún más especial para sus seguidores. Lejos de desaparecer, la banda decidió continuar. Ese mismo año incorporó al cantante Brian Johnson y publicó Back in Black. Les invitamos a escuchar Highway to Hell, no solo como un himno del rock, sino como el testimonio del talento de una banda que supo transformar la intensidad de la carretera en una de las obras más influyentes del siglo XX. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 11 de julio de 1981, el sencillo Ghost Town de The Specials alcanzaba el número uno en el Reino Unido. Formada en 1977, The Specials fue una de las bandas más influyentes del movimiento 2 Tone, corriente musical que fusionó el ska jamaicano con la energía del punk y que promovió un potente mensaje de integración racial y compromiso social. Junto a grupos como Madness y The Selecter marcaron el sonido de toda una generación. Más que un éxito de ventas, Ghost Town se transformó en el retrato sonoro de una Inglaterra golpeada por el desempleo, los cierres de fábricas y la tensión social. Su atmósfera inquietante y su letra reflejaban el descontento de miles de jóvenes, convirtiéndose en el verdadero himno de una época. La influencia de The Specials ha impulsado a numerosas bandas alrededor del mundo, desde Rancid y Kortatu hasta No Doubt, pasando por los argentinos Karamelo Santo, Los Fabulosos Cadillacs y Los Pericos. A continuación, escucharemos su canción más emblemática: Ghost Town. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Cada cierto tiempo, el mundo parece detenerse. Millones de personas se reúnen frente a una pantalla, visten los colores de sus países y comparten una ilusión común: el Mundial de Fútbol. Durante unas semanas, el deporte se transforma en una celebración global capaz de despertar alegría, nostalgia, orgullo y también intensos debates. Porque los mundiales no solo hablan de goles. También hablan de identidad, política, economía, derechos humanos y memoria. Detrás del espectáculo conviven historias de unidad y fraternidad, pero también controversias que nos invitan a preguntarnos cuál es el verdadero costo de esta fiesta deportiva. Y es precisamente aquí donde la música tiene algo que decir. Hoy viajamos a Noruega para conocer a Edvard Grieg, uno de los compositores más representativos de ese país. Nacido en Bergen en 1843, Grieg encontró inspiración en los paisajes, las tradiciones y el folclore noruego, construyendo una música que ayudó a fortalecer la identidad cultural de su nación. Curiosamente, Noruega nunca ha ocupado un lugar central en la historia de los mundiales masculinos de fútbol. Sus escasas participaciones contrastan con la enorme riqueza cultural que el país ha aportado al mundo. Y tal vez esa sea una buena lección: la relevancia de una nación no siempre se mide por la cantidad de títulos que acumula, sino también por aquello que es capaz de ofrecer a la humanidad desde el arte, la ciencia o la cultura. Los mundiales despiertan un poderoso sentimiento de pertenencia. Algo similar buscaba Grieg con su música: hacer que un pueblo pudiera reconocerse en sus propias melodías. En ambos casos aparece una pregunta común: ¿qué significa representar a un país? Sin embargo, esa pregunta también nos obliga a mirar críticamente los escenarios donde ocurre. En las últimas décadas, varios mundiales han estado rodeados de cuestionamientos relacionados con las condiciones laborales en la construcción de estadios, el impacto ambiental, las decisiones políticas de los países organizadores y la creciente influencia de los intereses comerciales sobre el deporte. El fútbol emociona porque habla de las personas. La música también. Ambas expresiones pueden convertirse en herramientas para celebrar la diversidad, pero también para reflexionar sobre nuestras sociedades. Quizás por eso la obra de Edvard Grieg sigue resultando tan actual. Nos recuerda que la identidad no necesita imponerse sobre otros para ser valiosa. Puede construirse desde la memoria, la belleza y el diálogo con las propias raíces. Mientras el mundo celebra cada gol y cada victoria, vale la pena detenernos un momento para escuchar otra forma de representar a un país: una melodía que nace entre montañas y fiordos, que habla de tradiciones compartidas y que, más de un siglo después, continúa emocionando a quienes la escuchan. Porque, al final, tanto el deporte como la música tienen el poder de reunir a personas muy distintas alrededor de una experiencia común. La diferencia está en que la música no necesita un vencedor para perdurar. A continuación escucharemos En la gruta del rey de la montaña de su Suite Peer Gynt. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 5 de julio de 1982, se publicó Al pie del cañón, el álbum debut de la banda española de heavy metal Panzer. El grupo estaba integrado por cinco destacados músicos: Rafael Ramos en la batería y Carlos Pina como vocalista, ambos provenientes de la banda Magerit; junto al bajista Fernando Díaz-Valdés, procedente de Trilogía; el tecliadista José Segura, también de Magerit; y el guitarrista Juan Leal, exintegrante de Paracelso. Panzer se formó en mayo de 1981 y, apenas unos meses después, en octubre de ese mismo año, obtuvo el primer lugar en el Primer Festival de Rock del Barrio de San Blas, en Madrid, certamen en el que participaron más de treinta bandas. A lo largo de su trayectoria realizaron numerosos conciertos por toda España. Uno de los más recordados tuvo lugar en mayo de 1983, en la explanada del diario Pueblo, en Madrid, donde más de dos mil personas se congregaron entre el recinto y los tejados de las viviendas cercanas, convirtiendo aquella presentación en un acontecimiento inolvidable para la banda y su público. A continuación escucharemos "Perro viejo", una de las canciones más representativas del rock duro español de los años ochenta. Esta canción refleja el espíritu de una generación que encontró en el heavy metal una forma de expresar inconformidad, identidad y libertad. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 1 de julio de 1955 nacia el compositor iraní Behzad Ranjbaran. Formado inicialmente en Teherán y posteriormente en Estados Unidos, en la Universidad de Indiana y la Escuela Juilliard de Nueva York, Ranjbaran ha desarrollado un lenguaje musical que integra la tradición sinfónica occidental con los ritmos, melodías y colores de la música persa. Su obra está profundamente inspirada en la literatura y la historia de Irán. Entre sus composiciones más reconocidas destaca la Trilogía persa, basada en episodios del Shahnameh o Libro de los Reyes, la gran epopeya nacional persa. Sus partituras han sido interpretadas por importantes orquestas y dirigidas por destacados maestros, consolidando su presencia en la música contemporánea. A continuación escucharemos Amanecer, tercer movimiento de su Trilogía persa Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 23 de junio de 1956 fallecía el compositor ruso Reinhold Glière. Formado en el Conservatorio de Moscú, desarrolló una destacada carrera como compositor, director y docente. Tras la Revolución Rusa alcanzó un lugar relevante en la vida musical soviética, impulsando la incorporación de elementos del folclore de diversas regiones en sus composiciones. Entre sus obras más reconocidas destacan el ballet La Amapola Roja, la Sinfonía n.º 3 "Ilya Muromets" y El jinete de bronce. Aunque parte de su producción estuvo vinculada a encargos oficiales del régimen soviético, su legado como compositor y maestro fue significativo, influyendo en figuras como Serguéi Prokófiev, Aram Khachaturian y Nikolái Miaskovski. A continuación escucharemos su célebre Danza de los Marineros Rusos, perteneciente al ballet La Amapola Roja. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. En el contexto del We Tripantu, el Año Nuevo Mapuche, celebración que coincide con el solsticio de invierno en el hemisferio sur y que marca el inicio de un nuevo ciclo de la naturaleza. Días donde las comunidades mapuche celebran el regreso gradual de la luz, la renovación de la vida y el fortalecimiento de los vínculos con la tierra, el agua, los antepasados y la comunidad, nos acercaremos al rock mapuche, una expresión musical que surge con fuerza durante la década de 1990 en el sur de Chile como una forma de resistencia cultural, reivindicación identitaria y revitalización lingüística. A través de la fusión entre el rock y el metal con elementos propios de la cultura mapuche, como el uso de instrumentos tradicionales —entre ellos el kultrún y la trutruca—, la incorporación del mapudungún y referencias a la cosmovisión ancestral, diversas agrupaciones han construido un lenguaje artístico que dialoga entre la tradición y la contemporaneidad. Desde esta perspectiva, el rock mapuche puede entenderse también como una manifestación de renovación cultural: una música que, al igual que el We Tripantu, reafirma la continuidad de un pueblo, su lengua y sus saberes, adaptándose a nuevos contextos sin perder la conexión con sus raíces. A continuación, les invitamos a escuchar Meli Witxan, de uno de los grupos pioneros en este género Mawisa. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 16 de junio de 1940 falleció en el exilio, en Francia y a la temprana edad de veinticinco años, Vítězslava Kaprálová (1915–1940). Esta destacada música, que se encontraba en los inicios de lo que prometía ser una brillante carrera internacional como compositora y directora de orquesta, logró crear durante su corta vida más de cincuenta obras, muchas de ellas publicadas. Además, dirigió orquestas en Praga, Londres y París, recibió elogios de la crítica especializada en toda Europa y fue galardonada con el Premio Smetana de la Fundación Bedřich Smetana. En vísperas de la invasión nazi de Checoslovaquia, Kaprálová abandonó su país natal para continuar sus estudios en París junto al compositor checo Bohuslav Martinů. Durante aquellos años desarrolló una intensa actividad creativa, explorando diversos lenguajes compositivos que iban desde el nacionalismo de inspiración folclórica hasta el neoclasicismo influido por Igor Stravinsky. Al mismo tiempo, cultivó un lenguaje moderno cercano a las búsquedas estéticas de su maestro. Poco antes de la ocupación nazi de Francia, Kaprálová enfermó gravemente. Su esposo, Jiří Mucha, con quien llevaba casada apenas unos meses, la trasladó desde París a Montpellier con la esperanza de que pudiera recuperarse. Sin embargo, cuando las tropas alemanas avanzaban sobre Francia y París caía bajo el dominio nazi, Vítězslava Kaprálová falleció, dejando tras de sí una obra breve pero extraordinariamente significativa para la música del siglo XX. A continuación escucharemos el Minuetto, perteneciente a su Suite Miniatura. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.