Ars sonora

Continuamos con el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta cuarta serie comprende un total de nueve programas (del capítulo vigesimoprimero hasta el vigésimo noveno), después de que al final de la temporada 2024-2025 de Ars Sonora presentaremos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo), hasta la fecha, los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—.   Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas.   El vigésimo segundo capítulo de estos "Relatos del ruido" lleva por título "Itinerarios del sonido II (más escuchas a la espera del autobús)". Entre mayo y septiembre de 2005 los ciudadanos y visitantes de Madrid pudieron descubrir, enchufando sus auriculares a determinadas marquesinas del autobús, las piezas de arte sonoro creadas específicamente por catorce artistas de diversas procedencias (geográficas, estéticas, generacionales...) para cada uno de esos espacios distribuidos por toda la ciudad. Siguiendo la estela iniciada en el capítulo anterior de este ciclo, continuamos presentando diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos, creados específicamente para este singular proyecto:   Adrian Piper - "Construct Madrid" (2005)   Daniel Samoilovich - "Madrid Fotomatón" (2005)   Trevor Wishart - "Madrid Memories" (2005)   Kristin Oppenheim - "I Dreamed" [María Bella, voz] (2005)   Luc Ferrari - "Femme descendant l’escalier" (2005)   Francisco Ruiz de Infante - "Alrededor o dentro: Madrid" (2005)   Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/capitulo-xxii-itinerarios-del-sonido-ii-mas-escuchas-la-espera-del-autobus Escuchar audio

Retomamos el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta cuarta serie comprenderá un total de nueve programas (del capítulo vigesimoprimero hasta el vigesimonoveno), después de que al final de la temporada 2024-2025 de Ars Sonora presentásemos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo), hasta la fecha, los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—. Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas. El vigesimoprimer capítulo de estos "Relatos del ruido" lleva por título "Itinerarios del sonido I (escuchas en el espacio público)". En mayo de 2005 se presentó, en diversas paradas de autobús de Madrid, el primer proyecto colectivo de arte sonoro público desarrollado en España, denominado "Itinerarios del sonido: 14 artistas escuchan Madrid". Presentamos diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos, creados específicamente para este singular proyecto: Julio Estrada - Búsica (2005) Vito Acconci - Viraphon (2005) Christina Kubisch - Electrical Walk: Madrid (2005) Daniel Samoilovich - Madrid Fotomatón (2005) Susan Hiller - Testigos (2005) Francisco Ruiz de Infante - Alrededor o dentro: Madrid (2005) Fernando Millán - Itinerarios N. O. idos (2005) Jorge Eduardo Eielson - Azul (2005) Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/capitulo-xxi-itinerarios-del-sonido-i-escuchas-en-el-espacio-publico Escuchar audio

En esta edición de Ars Sonora nos trasladamos a IFEMA para registrar el programa en el contexto de ARCOmadrid 2026, la feria internacional de arte contemporáneo que celebra su 45ª edición entre los días 4 y 8 de marzo de 2026. Este marco, especialmente propicio para pensar las relaciones entre artes visuales, performance, instalación, palabra, escucha y experimentación sonora, reúne para nuestro programa a tres invitados excepcionales, que intervienen sucesivamente: José Iges, Rolando Peña y Susana Blas. El programa se abre con "Despedida que no despide", obra de Esperanza Abad, Concha Jerez y José Iges, recuperada recientemente en la colección CAAMSonora del Centro Atlántico de Arte Moderno (un proyecto —al que ya hemos dedicado diversas ediciones de Ars Sonora en los últimos años— dirigido por el artista grancanario Paco Rossique). Como explica José Iges, esta edición recoge en formato USB una mezcla estéreo de un proyecto originalmente multicanal y escénico presentado en el CAAM de Las Palmas de Gran Canaria en 1990 como "Réquiem escénico en memoria de Agustín Millares Sall" con la participación, entre otros, de Totoyo Millares, Valentina Hernández y materiales procedentes del archivo de Lothar Siemens.  A partir de esa primera escucha, la conversación se desplaza hacia la figura de Rolando Peña, cuya presencia permite reconstruir una constelación decisiva de cruces entre danza, música, performance, cine, vídeo y arte sonoro. Peña rememora su formación en Venezuela, su llegada a Nueva York en 1963 invitado por Martha Graham y sus encuentros con figuras como Edgar Varèse, Frank Zappa, Allen Ginsberg, Merce Cunningham, John Cage, Nam June Paik y La Monte Young, entre muchos otros. En el programa escuchamos dos trabajos del artista venezolano: "Homenaje a John Cage", vinculado a la celebración del centenario de la Bauhaus, y "Black Mirror", donde se entrelazan referencias a Heisenberg, Einstein, la relatividad y los fractales con una imaginación visual y sonora de carácter cósmico y procesual. El propio Rolando Peña presenta estas piezas como parte de una trayectoria multimedia sostenida desde los años sesenta del pasado siglo, un recorrido en el cual el sonido, la imagen y la improvisación callejera siempre han comparecido como formas de un mismo ejercicio de libertad creativa. Nuestra tercera invitada es Susana Blas, historiadora del arte, comisaria y directora del programa de televisión Metrópolis, cuya intervención aporta una lectura particularmente precisa de la feria. Blas subraya la calidad general de ARCOmadrid 2026, destacando las secciones comisariadas "Opening. Nuevas galerías", "Profiles | Latin American Art" y, sobre todo, "ARCO2045. El futuro, para ahora". Señala, al mismo tiempo, una relativa escasez de formatos próximos al vídeo, al arte sonoro y a esas otras prácticas híbridas a las que tanto Metrópolis como Ars Sonora han atendido históricamente. El diálogo siguiente intenta configurar una imagen de la feria que trascienda su dimensión estrictamente mercantil para entenderla también como un lugar de encuentro, de lectura crítica del presente y de circulación de ideas sobre el papel del arte en tiempos de incertidumbre. En el cierre de la emisión escuchamos un fragmento de otra obra de José Iges (realizada en colaboración con Concha Jerez —quien desgraciadamente no ha podido acompañarnos en esta grabación—), "Argot", descrita por el propio autor como una mezcla de conversaciones en cuatro idiomas surgida, en 1991, del diálogo entre el Museum Moderner Kunst de Viena y la radio pública austriaca ORF. Escuchar audio

La emisión de hoy adopta, necesariamente, un tono de homenaje. Ars Sonora recuerda a Éliane Radigue, fallecida en París el 23 de febrero de 2026, a los 94 años, y lo hace a partir de dos focos de escucha que permiten recorrer dos momentos cruciales de su trayectoria. Por un lado, los fragmentos de "Vice-Versa, etc.", realizados en 1970, justo antes de la adquisición de un sintetizador ARP 2500 (que marcaría su devenir estético, como también podremos experimental); por otro, la escucha de "Kailasha", sección central de la "Trilogie de la Mort", el gran ciclo compuesto entre 1988 y 1993 que muchos consideran su obra maestra. La desaparición de Radigue cierra una trayectoria irrepetible: la de una compositora que desplazó la música electrónica desde la lógica del montaje hacia una poética de la continuidad, de la lentitud extrema y de las transformaciones sonoras casi imperceptibles. Ese eje atraviesa toda la emisión y la organiza como una comparación implícita entre el laboratorio temprano de la realimentación y la madurez espiritual y formal de las grandes obras para sintetizador. Éliane Radigue nació en París el 24 de enero de 1932; trabajó junto a Pierre Schaeffer y Pierre Henry. Residió en Nueva York entre 1970 y 1971, una época en la que se inició su profundo vínculo con el budismo tibetano. Ya desde 2001, la compositora orientó buena parte de su actividad hacia obras instrumentales como "Naldjorlak" y el vastísimo ciclo "Occam Océan". "Vice-Versa, etc.", el primer trabajo que presentamos, fue concebido como una instalación sonora, partiendo de una sola cinta estéreo que podía reproducirse a distintas velocidades y mediante tres modos de escucha: canal izquierdo solo, canal derecho solo o ambos canales simultáneamente, con posibilidad de superponerlos o cruzarlos libremente. Se trata de una de las obras más minimalistas de Radigue: el feedback se mantiene horizontalmente, el tiempo queda suspendido y vibra con pulsaciones orgánicas y sutiles; la versión más rápida produce un continuo que puede recordar los timbres de la armónica de cristal, mientras que la más lenta nos introduce en un universo de vibraciones graves perceptibles tanto por el oído como por el cuerpo. Desde una escucha actual, "Vice-Versa, etc." puede considerarse un punto de cruce entre un material sonoro muy rudimentario y unos timbres ya sorprendentemente próximos a los que Radigue obtendría después mediante sintetizadores como el ARP 2500. La transición desde esa primera escucha hacia el segundo gran bloque de la emisión intenta mostrar esa continuidad —que en realidad se proyecta, sobre todo, en una misma ética de la escucha—. En el paso del "feedback" a la síntesis, la música de Radigue no se hace más espectacular ni más contrastada; al contrario, se vuelve todavía más concentrada en las modulaciones microscópicas, en los batimientos, en el trabajo con los diferentes parciales de cada espectro armónico y en la elaboración de las inestabilidades mínimas del timbre. Todo ello redunda en una extrema sobriedad de medios, la ausencia de "acontecimientos" en el sentido convencional y la transformación lenta de una corriente sonora aparentemente inmóvil. Esa "poética de la continuidad" se ve reforzada por ese otro dato biográfico fundamental al que ya nos hemos referido: tras su estancia neoyorquina, Radigue adquirió su propio ARP 2500 y lo convirtió en el centro de una práctica compositiva exclusiva durante décadas, hasta el punto de que gran parte de su catálogo electrónico —más de veinte horas de música— se articula alrededor de ese instrumento. El segundo núcleo del programa es la "Trilogie de la Mort", presentada aquí a través de "Kailasha". Se trata de una extensa meditación sonora sobre la muerte, atravesada por la relación de Radigue con el budismo tibetano, y estructurada en tres piezas: "Kyema" (1988), "Kailasha" (1991) y "Koumé" (1993). Las tres fueron realizadas en el estudio de la autora en París trabajando sobre el citado sintetizador ARP 2500 y la cinta magnética. "Kailasha" se estrenó en la Experimental Intermedia Foundation de Nueva York (el centro dirigido por Phill Niblock, compositor que nos dejó en 2024) el 16 de marzo de 1991. "Kailasha", la pieza que escuchamos, fue compuesta poco después de la muerte del hijo de Radigue en un accidente de coche. Se vincula a la imagen del monte Kailash, uno de los espacios sagrados del Himalaya; la propia compositora la describe como una transposición de una experiencia vivida y a la vez como un viaje imaginario hacia otras esferas de existencia. La obra no "describe" la muerte ni la representa programáticamente, sino que la transforma en un régimen temporal, es decir, en un modo de entender la escucha como tránsito, como suspensión. Como una forma de atención radical a las fronteras entre las categorías de permanencia y cambio. Escuchar audio

En esta edición de Ars Sonora proponemos la escucha cotejada de dos obras del compositor François Bayle (nacido en 1932 en Toamasina —Madagascar—) separadas entre sí por un periodo de veinte años y situadas en dos momentos decisivos de la evolución de la música acusmática: "Camera oscura", compuesta en 1976, y "Morceaux de Ciels", fechada en 1996. Ambas se presentan como composiciones sobre soporte fijo que exploran diferentes posibilidades de la proyección espacial del sonido y de una dramaturgia de la escucha interior. El programa sitúa así a Bayle como una de las figuras fundamentales en el desplazamiento teórico y estético que transita desde la primera "musique concrète" hacia el campo de la acusmática, justo en el mismo periodo en que, desde el GRM (Groupe de Recherches Musicales), y después desde el INA-GRM (tras la incorporación de ese grupo a la estructura del Institut National de l'Audiovisuel), impulsa dispositivos de escucha, difusión y archivo tan decisivos como el Acousmonium y la colección discográfica INA-GRM. La propia biografía de François Bayle se entremezcla con esos cambios institucionales —y también estéticos—: tras instalarse en Francia, Bayle estudió con Olivier Messiaen y frecuentó los cursos de Darmstadt, donde trabajó con Karlheinz Stockhausen. En 1966 asumió la dirección del GRM, y en 1975 pasó a dirigir el INA-GRM, desde donde consolidó buena parte del marco institucional de la música acusmática.   La primera parte del programa se centra en “Camera obscura”, obra que en 2026 alcanza su cincuentenario y que escuchamos en la edición de 28 minutos difundida por el propio Bayle, articulada en siete preludios —"Sequenza", "Smorzando", "Staccato", "Toccata", "Vibrato", "Rubato" y "Ripieno"— seguidos de un "Labyrinthe" final. La obra fue estrenada en noviembre de 1976 en el Festival de Metz, con coreografía de Jean Babilée e interpretación de la bailarina Catherine Imbert. Este trabajo parte de la metáfora de la cámara oscura como imagen invertida que emerge desde la penumbra, trasladada aquí al "negro" de la escucha acusmática. Cada preludio plantea una actitud de escucha, y el "Labyrinthe" final opera como una prueba de orientación dentro de un espacio sonoro en progresiva complejidad. Bayle sugiere incluso la aparición recurrente de un "personaje sonoro" con función casi antropométrica, incorporando la escala humana dentro del dispositivo espacial de la obra.   La segunda mitad de nuestra emisión se consagra a "Morceaux de ciels", opus 89 del catálogo de Bayle. Se trata de una obra octofónica de 25 minutos y 26 segundos cuya reducción estéreo presentamos aquí, ajustándonos a las posibilidades del medio radiofónico. Compuesta en 1996 y estrenada el 9 de enero de 1998 en la Maison de Radio France de París, la pieza fue un encargo del Ministerio de Cultura francés con motivo del cincuentenario de la música concreta. Está dedicada a Karlheinz Stockhausen por su setenta cumpleaños. Se divide en cuatro secciones —simplemente identificadas con las letras "A", "B", "C" y "D"—, con duraciones de 10:47, 2:49, 4:30 y 7:18 respectivamente. Bayle describe la obra como una "suite de ciels", es decir, una sucesión de cielos o de campos de color y velocidad, articulados en formas de espacio, bifurcaciones, estratificaciones y equilibrios.   El programa traza así una comparación entre dos momentos históricos y dos modos de espacializar la escucha. "Camera obscura" pertenece al Bayle que está definiendo, casi al mismo tiempo, una estética, un vocabulario sonoro y un marco de escucha pública para la acusmática; "Morceaux de ciels" procede ya de una etapa de experiencia acumulada en la puesta en escena del sonido, con un pensamiento plenamente maduro sobre la proyección espacial y el tratamiento de la imagen sonora. Escuchar audio

En esta edición de Ars Sonora nos trasladamos al Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM), y más específicamente al laboratorio de sonido desde el que se articula buena parte de la actividad del Grado en Sonología, que presentamos en este monográfico a través de varias entrevistas. Registramos este programa en el contexto de las "VI Jornadas de Creación Actual", celebradas entre los días 10 y 12 de febrero de 2026 y organizadas conjuntamente por los seminarios de Sonología y Composición bajo el lema "Nuevos formatos", apelando a un conjunto de prácticas que incluye el arte sonoro, el "live coding", la instalación sonora, las "algoraves", el uso artístico del espacio público y otras prácticas no habituales, aún, en los programas del conservatorio. La conversación se abre con dos de los principales responsables académicos del área: Julián Ávila y Alberto Bernal, catedráticos de Sonología del RCSMM. Junto a ellos reconstruimos el surgimiento del Grado en Sonología en el conservatorio madrileño: una implantación iniciada en 2019 que vino a ocupar un espacio hasta entonces cubierto de manera parcial por la composición electroacústica —dentro del itinerario de Composición—, pero que ahora se amplía hacia una formación más específica en creación sonora, interpretación con nuevas tecnologías, instalaciones, performance, esculturas sonoras, obras audiovisuales y trabajos de sonorización. La Sonología se manifiesta, así, como una enseñanza artística superior en la que los conocimientos técnicos se colocan explícitamente al servicio de la creación. Tanto Ávila como Bernal subrayan que este grado aspira a transformar la forma de pensar el propio conservatorio: abrirlo a otros formatos, a otros espacios de escucha y a una relación menos ensimismada con el presente de la creación. En esa vocación de apertura se ubica la organización de las citadas jornadas, que se presentan como un foro en el cual el aula deja de ser el único marco de trabajo y donde la práctica artística, la instalación, los conciertos y el intercambio con creadores externos devienen una extensión natural de la formación. Seguidamente se incorpora a la conversación una muestra del alumnado de este grado. El primer estudiante en tomar la palabra es el valenciano Carles Pascual, que relata su procedencia desde los estudios de Composición cursados en otro centro y de un posterior máster en Musicología. Pascual resalta el valor de la localización urbana del conservatorio, muy cerca del Museo Reina Sofía y de otras instituciones culturales que amplían, fuera del aula, el horizonte de formación del alumnado. Escuchamos su trabajo "Mirava les branques", una pieza acusmática inspirada en el libro "Matèria de Bretanya" (1975), de Carmelina Sánchez-Cutillas (1921-2009), realizada a partir de grabaciones de campo en las que, según el autor, "conviven los sonidos de la banda de mi pueblo materno, Gaianes, tocando el aguinaldo, la almazara donde trabaja mi madre mientras se hace el aceite, las campanas del pueblo, el tren de vuelta a Madrid… Todos estos elementos se funden mediante diferentes técnicas de manipulación del sonido, mutando de unos a otros progresivamente". También contamos con Olivia Álvarez Enciso, procedente de Segovia y formada previamente como saxofonista. Su intervención describe la llegada a los estudios de Sonología desde una educación musical más convencional, y el descubrimiento progresivo de un campo que inicialmente le resultaba desconocido. Escuchamos su pieza "Voces", nacida de la necesidad de reconciliar dimensiones que a veces se separan artificialmente: la tonalidad, el canto, cierta sensibilidad popular y las dimensiones estéticas que puede aportar la tecnología. Álvarez Enciso también presenta, en el contexto de las jornadas, la instalación sonora interactiva titulada "DLux", que incluye un dispositivo de espejos dispuestos en forma de rombo, iluminados por focos que proyectan figuras cambiantes en un espacio oscurecido. Esta instalación reutiliza y transforma materiales vocales procedentes de la pieza "Voces", ahora sometidos a nuevos procesos digitales. El tercer alumno entrevistado es Alejandro Mondragón. Su testimonio insiste en la dimensión comunitaria del grado: el estudio como lugar de convivencia, la preparación colectiva de conciertos, el vínculo afectivo con el espacio y con los compañeros y la idea de que la Sonología vertebra una comunidad de práctica. La obra que presenta, compuesta para saxofón alto y electrónica fijada en soporte, se titula "FrL", y constituye un primer acercamiento —surgido como un ejercicio de clase— a la escritura para un instrumento acústico (aquí interpretado por Rodrigo Tejedor) acompañado por la electrónica. Todos estos testimonios, que en el contexto de las "VI Jornadas de Creación Actual" del RCSMM se entrecruzaron con las intervenciones de artistas como Concha Jerez, José Iges, Maite Camacho y Peter Bosch, entre otros, nos ayudan a reflexionar acerca de cómo este conservatorio madrileño articula, hoy, la relación entre tecnología, escucha y educación artística superior. Escuchar audio

Concluimos nuestro doble programa monográfico dedicado a Claire M Singer, compositora, intérprete e investigadora escocesa (nacida en Inverness en 1983), una emisión que se inscribe —como decimoséptimo capítulo— dentro de la serie de Ars Sonora que investiga las diferentes posibilidades del órgano dentro del repertorio contemporáneo. Completamos, así, una aproximación a su práctica artística, que se basa en una comprensión de su instrumento en virtud de la cual éste no puede (o, en todo caso, no debería) separarse nunca de la arquitectura que lo contiene. Tras el tríptico conformado por las obras "Solas", "The Molendinar" y "Fairge", que presentamos en la primera parte de este díptico, esta emisión se centra en un conjunto de composiciones posteriores, pero siempre vinculadas al trabajo de Singer para el sello discográfico Touch. En todas estas piezas el órgano se desplaza entre diferentes modelos, mecánicas y espacios, manifestando claramente que su timbre nunca puede definirse como algo fijo o estable, sino una suma y resta continua de parciales modulados por la sala en la que se generan. La emisión se abre con "Turadh", pieza del álbum "Gleann Ciùin" (expresión en gaélico escocés que se podría traducir al español como "valle tranquilo" o "valle apacible"), editado por Touch en noviembre de 2025. Se trata de un trabajo construido a partir de tomas realizadas en múltiples localizaciones (Aberdeenshire, Inverness, Stonehaven, Glasgow y Union Chapel), y organizado como una superposición de capas armónicas registradas en órganos de identidades acústicas totalmente divergentes. A ese mapa se añaden, por lo demás, otros instrumentos grabados en estudio (clarinetes, trompa y cuerdas), que no actúan como acompañamiento, sino como injertos espectrales capaces de activar batidos y resonancias producidas por las proximidad entre las frecuencias. Este conjunto de fuentes sonoras convierte la arquitectura en un parámetro en permanente evolución y la mezcla en una forma de instrumentación. Las dos últimas audiciones regresan en el tiempo hasta 2023, fecha en la que el ya mencionado sello Touch Records publicó "Saor", que sirvió punto de arranque para el tríptico discográfico en el que Singer entrelaza la topografía y el órgano como formas de memoria: "Braeriach", registrada en Forgue Kirk (Aberdeenshire) sobre un órgano de 1872 construido por Peter Conacher & Co., explora cómo, en un instrumento pequeño, cada cambio de registro se asemeja a una operación de laboratorio (generando enmascaramientos, amenazando la estabilidad tímbrica, y reconfigurando continuamente la aspereza de cada espectro armónico). "Forrig", por su parte, devuelve la escucha al gran Willis de 1877 en Union Chapel —instrumento que ya escuchamos en la edición de Ars Sonora de la semana pasada—, un contexto en el que una mínima variación de registro no simplemente colorea, sino que redistribuye la energía a través de la sala (Singer juega, en esta pieza, con la definición de la cola reverberante, las densidades y el sonido generado por los propios bloques de aire en movimiento que emanan del órgano). En el cierre de este doble monográfico, la pieza que da título al disco, "Gleann Ciùin", puede escucharse como la culminación de esa lógica compositiva articulada mediante la superposición de capas: el órgano se entiende aquí como una matriz espectral sobre la que se acoplan los instrumentos de cuerda y los metales para producir modulaciones de energía, más que "eventos" narrativos. Destaca aquí la presencia del órgano Flentrop (1967) de la Queen Elizabeth Hall (Southbank Centre, Londres), restaurado en 2019, lo que refuerza uno de los hilos conceptuales que han atravesado este doble monográfico: cada órgano implica una mecánica, una presión de viento y una arquitectura, y Singer compone con ese sistema completo, no solamente con el teclado. Escuchar audio

Iniciamos el decimosexto capítulo de la serie de Ars Sonora dedicada al órgano con la primera parte de un doble monográfico centrado en Claire M Singer, compositora, intérprete e investigadora escocesa (nacida en Inverness en 1983) cuya obra para órgano entiende este instrumento como un laboratorio tímbrico y, al mismo tiempo, como un elemento inseparable de la arquitectura que lo contiene (y con la cual se relaciona mediante diferentes canales: la registración, la afinación, los batimentos, la presión de viento y, en general, la respuesta acústica del edificio a todas las variables compositivas). En esta primera parte de nuestro díptico situamos la trayectoria de Singer entre el norte de Escocia y la ciudad de Londres (repasando brevemente su formación, así como el desarrollo de su práctica instrumental y de su trabajo de estudio como compositora), y subrayamos su vínculo con Union Chapel —iglesia ubicada en el barrio londinense de Islington—, donde ejerce como directora musical del órgano desde 2012 y desde donde impulsa, desde 2016, el festival Organ Reframed, orientado a replantear el instrumento a través de lenguajes experimentales. El programa se articula como un tríptico de escuchas que desplaza el órgano desde la noción de símbolo monumental hacia una "materia de fricción" en forma de paisaje audible. Recuperamos, en este sentido, y en primer lugar, las piezas tituladas "Solas" —expresión que en gaélico significa "luz"— y "The Molendinar" —en la que los sonidos de un violonchelo se entremezclan profusamente con las densas texturas emanadas del órgano—. Ambas obras proceden del álbum "Solas" (editado por el sello Touch Records en 2016) y fueron registradas, precisamente, en Union Chapel los días 26 y 27 de febrero de 2016 sobre el órgano allí construido por Henry Willis en 1877, un instrumento concebido específicamente para el propio volumen de la capilla, y que mantiene su sistema hidráulico original (que puede funcionar como alternativa al soplador eléctrico). El resultado de la exploración de este singular instrumento por parte de Singer propicia una escucha lenta y microscópica, en la que el acorde se transforma por capas: parciales, halos, sombras y batidos que emergen de la correspondencia entre los tubos y su reverberación. Un moroso despliegue de complejos espectros armónicos que, en algunos momentos, podría recordar a la música de Tony Conrad o a la de Ellen Fullman. Cerramos esta primera parte del monográfico con la escucha de "Fairge", pieza que traslada esa investigación a la Oude Kerk —en holandés, literalmente, "iglesia vieja"—, el edificio más antiguo de Ámsterdam (fundado en 1306, y ubicado en el centro del Barrio Rojo). La obra fue grabada el 12 de junio de 2017 en el órgano del transepto construido por Ahrend & Brunzema en 1965, que está alojado en una caja histórica datada entre 1658 y 1659. En esta composición el temperamento y la mecánica del registro pasan a un primer plano como parámetros formales: el continuo armónico se comporta como un oleaje de densidades y rugosidades variables, y la afinación redistribuye los batidos y las tensiones conforme el campo armónico se desplaza a través del teclado. Escuchar audio

Concluimos, con esta emisión, el doble monográfico dedicado a la pianista, escritora y creadora escénica brasileña Jocy de Oliveira, nacida en Curitiba el 11 de abril de 1936. En el inicio de esta emisión incorporamos, de forma explícita, su destacada labor como intérprete, una faceta que puede operar como una clave de escucha para entender la minuciosidad con la que De Oliveira articula, en sus propias composiciones, la voz, la escena, la tecnología y tantos otros elementos. Escuchamos, desde estas coordenadas, su singular y profunda aproximación a la obra de Olivier Messiaen (1908–1992) mediante la escucha de "Le traquet stapazin", cuarto número del "Catalogue d’oiseaux" ("Catálogo de pájaros"). En concreto, esta pieza se refiere al ave que en español denominamos "collalba rubia" —su nombre científico es "Oenanthe hispanica", con una apelación nuestro país—). Pero se trata, esta composición, de un retrato sonoro situado en Francia por el propio Messiaen, a finales del mes de junio, en el Rosellón y la Côte Vermeille, entre cabos, acantilados, mar y viñedos, donde la organización temporal de la escucha (el tránsito de la noche a la mañana) se construye como relevo entre las diferentes especies animales y los múltiples estratos del paisaje. Tras esa "escucha de campo" trasladada al teclado, nuestro programa retoma otro de los ejes centrales de este díptico dedicado a Jocy de Oliveira: el piano como cuerpo-instrumento y como germen de la dramaturgia. Presentamos, en este sentido, la obra de De Oliveira "Dimensões para quatro teclados" (1976), pieza para un único intérprete rodeado de cuatro teclados, lo que transforma el acto del concierto en una suerte de coreografía: el discurso acontece en el desplazamiento entre mecanismos, registros y modos de producción sonora. El contraste organológico deviene aquí elemento estructural (mediante la contraposición —o, más bien, el diálogo— entre el piano amplificado, el piano eléctrico, el órgano eléctrico y el clavecín amplificado —que puede ser sustituido por variantes como la celesta o el armónium—). Testimoniamos ese diálogo tímbrico a través de una grabación realizada en directo en Aarhus (Dinamarca) con la propia compositora como intérprete, gracias a un registro que forma parte del elepé "Estórias para voz, instrumentos acústicos e eletrônicos", editado por el sello Fermata en 1981. El cierre de este doble monográfico nos conduce hacia la lógica del raga, pero no entendido como una forma de exotismo, sino como una tecnología perceptiva: "O Contar De Uma Raga" (1986), con teclados/sintetizadores nuevamente interpretados por Oliveira, junto al violín eléctrico de Ayrton Pinto, reconfigura el material por capas y ángulos (contornos, halos armónicos, pulsaciones…), de modo que lo que cambia a lo largo de la pieza no es solo el timbre, sino la escala afectiva del gesto, su distancia y su relieve. El raga (término sánscrito cuyo significado original nos remite tanto al "color" como a la "pasión" o al "estado de ánimo", y que representa la base de la música clásica de la India, Pakistán y Bangladesh) aparece aquí como un sugerente marco melódico que nos recuerda cómo, en la música de De Oliveira, las referencias culturales operan, de nuevo, como estructuras: modos de organizar el tiempo y, sobre todo, la atención (en perfecta continuidad con las fricciones lingüísticas y vocales del ciclo "Estórias" abordado en la primera parte de este doble monográfico). Con esa última audición, nuestro díptico en homenaje Jocy de Oliveira en su nonagésimo aniversario se cierra como una puesta en perspectiva: la intérprete que modela una ética de escucha minuciosa en Messiaen es la misma compositora que integra voz, escena y electrónica como un único gesto, desde sus primeras "Estórias" hasta sus investigaciones acústicas a través de lenguajes musicales solo aparentemente lejanos. Escuchar audio

Iniciamos un doble programa monográfico dedicado a Jocy de Oliveira, pianista, escritora y creadora escénica nacida en Curitiba (Brasil) el 11 de abril de 1936. De Oliveira es una figura decisiva en la evolución de las músicas experimentales sudamericanas, especialmente como pionera en el uso de medios electrónicos en su relación con la dramaturgia. Esta primera parte del doble monográfico recorre, desde sus inicios, una trayectoria marcada por el cruce entre la interpretación virtuosa del piano, la composición destinada a soportes fijos y una concepción del sonido como escena: de ahí que la emisión se abra con fragmentos restaurados de "Apague meu spotlight", un temprano "drama-electrónico" presentado en Brasil en colaboración con Luciano Berio y construido (en un contexto, recordemos, apenas sin infraestructuras para la música electrónica) mediante un trabajo por correspondencia con el Studio di Fonologia de Milán. En ese proyecto participó, entre otras figuras ya históricas de la cultura brasileña, la actriz Fernanda Montenegro. La historia material de la obra queda atravesada, además, por la violencia política: la grabación realizada por la legendaria emisora Rádio MEC (Música, Educação, Cultura) fue destruida tras la ocupación militar de la emisora durante el golpe de 1964, y solamente fue en 2012 cuando pudieron recuperarse algunos restos de aquellas cintas.    Tras ese importantísimo episodio fundacional, continuamos explorando cómo en la poética de Jocy de Oliveira la composición rara vez se separa de la dramaturgia sonora. Su catálogo posterior incorporará óperas como "Fata Morgana" (1987), "Inori là prostituta sagrada" (1993), "Illud Tempus" (1994), "As Malibrans" (2000) o "Kseni – a estrangeira" (2003–2005), pero antes de acometer esas arquitecturas escénicas la autora —y, en esa misma medida, nuestra narración— protagoniza un momento de tránsito político y biográfico. En plena dictadura militar brasileña, De Oliveira se desplaza a los Estados Unidos para completar sus estudios en la Washington University de St. Louis, donde compone "Estória I" (1966) y, al año siguiente, "Estória II" (1967) para voz femenina, percusión y cinta: un triángulo instrumental que ya plantea la electrónica como "escena" y lo escénico como principio de organización formal, además de proponer una imagen de Brasil como cruce de tradiciones, migraciones y lenguajes.    Tras la audición de "Estória II" (con la soprano Rozalyn Wykes y el percusionista Rich O’Donnell junto a la cinta realizada en el estudio de música electrónica de la propia universidad), el programa se desplaza hacia el piano, entendido no como instrumento solista en un sentido tradicional, sino como generador de materia sonora susceptible de prolongación y deformación a través de la grabación y manipulación en cinta magnética. "Wave Song" (1977), para piano y cinta, se presenta como una pieza representativa de los trabajos realizados por De Oliveira en los años setenta del pasado siglo: la aproximación deliberada entre las resonancias de las cuerdas y los timbres electrónicos expande el espectro armónico del instrumento, y produce una zona de indistinción perceptiva entre lo acústico y lo grabado, que por lo demás se articula mediante figuraciones rítmicas de origen electroacústico que retornan al teclado como pulsación, ciclo y energía (la "ola" del título).   Cerramos esta primera parte de este doble monográfico regresando al ciclo "Estórias" con "Estória IV", concebida entre 1978 y 1980 y estrenada en 1979 en el Teatro Villa-Lobos de Río de Janeiro. Compuesta para dos voces femeninas, violín eléctrico, bajo eléctrico, percusión y electrónica en tiempo real, la obra convierte la voz en laboratorio semántico y fonético, y explota la fricción cultural mediante el uso simultáneo de idiomas (portugués, sánscrito y japonés), que se amalgama con el uso técnicas asociadas a tradiciones orientales (con referencias a la raga y al shomyo). En el registro que presentamos figuran Martha Herr y la propia Oliveira en las voces, con Ayrton Pinto (violín eléctrico), Dodo Ferreira (bajo) y John Boudler (percusión). Escuchar audio

El "Día del Arte" es una celebración en memoria del artista de Fluxus Robert Filliou, quien el 17 de enero de 1963 declaró que el arte había nacido exactamente hace 1.000.000 de años, cuando alguien dejó caer una esponja seca en un cubo de agua. Diez años más tarde, Filliou celebró el 1.000.010º aniversario del arte en la Neue Galerie de Aquisgrán. Este evento internacional en el que celebramos la disciplina de Arte Sonoro cuenta con la participación de 22 emisoras miembros de la UER (Unión Europea de Radiotelevisión), provenientes de países como Alemania, Reino Unido, Suiza, Austria, entre otros. Este año, nuestra representación desde Radio Clásica se lleva a cabo a través de la propuesta titulada "FÁTICA Y CHAOS", del artista Chús Arellano. Contenido disponible hasta el 16 de febrero de 2026 Escuchar audio

Concluimos el doble monográfico registrado en los estudios de Radio Fontana Mix, la emisora de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (UCLM), y dedicado monográficamente al artista e investigador Javier Ariza, nacido en 1968 en Alagón (Zaragoza). Radio Fontana Mix, un proyecto pionero en nuestro país —al ser la primera estación de radio vinculada a una facultad de Bellas Artes— inició sus emisiones en FM en 1994 como resultado de una ambiciosa iniciativa del también artista e investigador José Antonio Sarmiento, responsable de la incorporación de los estudios sobre arte sonoro en la universidad española y de la creación del Centro de Creación Experimental. Javier Ariza fue uno de los primeros estudiantes que pudo disfrutar de todas estas posibilidades y plataformas como alumno de la Universidad de Castilla-La Mancha, donde después ha desarrollado su labor como investigador y profesor (ahora con la complicidad de Pepe Murciego, a quien extendemos nuestro agradecimiento por hacer posible estos programas). A lo largo de esta conversación, Ariza sitúa el sonido como materia plástica (susceptible de edición, montaje y conceptualización), y presenta una constelación de piezas centradas en la radio como objeto, espacio social y metáfora. Iniciamos esta segunda parte del doble monográfico retomando la escucha de "La fuerza de la razón", una temprana obra estéreo de Ariza concebida para ser reproducida en bucle y mediante auriculares que fue incluida en el nº 1 de RAS —Revista de Arte Sonoro—, otra excepcional iniciativa de José Antonio Sarmiento, publicada en formato CD e iniciada en 1996. Esta audición nos permite reflexionar acerca la presencia actual del arte sonoro en los estudios de Bellas Artes en el ámbito de las Bellas Artes, y su evolución desde aquellos orígenes que Ariza conoció de primera mano —junto a otros compañeros, como el artista e investigador Kepa Landa— a finales del siglo pasado. Seguidamente, Ariza presenta un proyecto muy reciente, de carácter colaborativo, titulado "Un ruido secreto" y basado en microemisores FM de baja potencia, donde varias transmisiones compiten en el espacio (evocando algunos pasajes del manifiesto futurista de "La Radia", firmado por Filippo Tommaso Marinetti y Pino Masnata) y hacen audible —de nuevo— la imposibilidad de domesticar el sonido. El análisis de este trabajo propicia que Ariza comparta sus perspectivas respecto al uso colectivo del espacio radiofónico, así como su defensa de las radios libres (también denominadas, desde ciertas posiciones, "radios piratas"), y su visión de fenómenos recientes como el "videopodcasting". La emisora está contenida en una caja de madera que la oculta: el pequeño tamaño de la caja y su escaso peso facilitan una ubicación portátil, nómada. Y su rango de emisión es tan limitado (unas decenas de metros) como intencionado. Los últimos trabajos de Javier Ariza que comentamos en este doble monográfico reflexionan sobre el poder de reminiscencia que presentan determinados objetos obsolescentes. Interpretados como alegorías de la memoria sonora parcialmente transferida en materia física, estas obras —incluidas en series como "Sonografías" y "Paleofonografías"— remiten a la idea de un tiempo pasado cuya indeterminada evocación es susceptible de surgir a través de la contemplación de las imágenes que, a modo de particulares fósiles, sugieren las superficies pétreas. Se ofrecen, en definitiva, como pequeños indicios de una memoria individual, pero también colectiva, de sonidos extintos transmutados en enigmática imagen con voluntad de ser preservada.  El final de la conversación con Ariza aborda, desde el momento actual, el análisis de una publicación tan temprana como sin duda fue "Las imágenes del sonido: una lectura plurisensorial en el arte del siglo XX", un ensayo aparecido originalmente en 2003, pero que conoció una segunda edición, revisada, en 2008. La valoración retrospectiva de este libro por parte de nuestro protagonista —que también es un juicio acerca de la evolución de todo ese campo de trabajo que continuamos denominando, a falta de mejor expresión, "arte sonoro"— se ubica, además, en un momento caracterizado por la reciente (o, en su caso, inminente) jubilación de figuras tan relevantes en el plano académico como las de José Antonio Sarmiento, Miguel Molina y Mikel Arce.  Escuchar audio

Iniciamos un doble programa monográfico registrado en los estudios de Radio Fontana Mix, la emisora de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (Universidad de Castilla-La Mancha), y dedicado monográficamente al artista e investigador Javier Ariza, nacido en 1968 en Alagón (Zaragoza). En ese municipio de la Ribera Alta del Ebro tuvieron lugar sus primeras —y muy tempranas— experiencias con la radio, según nos traslada nuestro protagonista en una conversación que gira, precisamente, en torno a la radio, pues este medio ha centrado buena parte de su labor creativa, así como de su actividad académica. Radio Fontana Mix, un proyecto pionero en nuestro país —al ser la primera estación de radio vinculada a una facultad de Bellas Artes— inició sus emisiones en FM en 1994 como resultado de una ambiciosa iniciativa del también artista e investigador José Antonio Sarmiento, responsable de la incorporación de los estudios sobre arte sonoro en la universidad española y de la creación del Centro de Creación Experimental. Javier Ariza fue uno de los primeros estudiantes (junto, por ejemplo, al también artista e investigador Kepa Landa) que pudo disfrutar de todas estas posibilidades y plataformas como alumno de Bellas Artes en la UCLM, donde después ha desarrollado su labor como investigador y profesor (ahora con la complicidad de Pepe Murciego, a quien extendemos nuestro agradecimiento por hacer posibles estos programas). A lo largo de esta conversación, Ariza sitúa el sonido como materia plástica (susceptible de edición, montaje y conceptualización), y presenta una constelación de piezas centradas en la radio como objeto, espacio social y metáfora. Así, en "Radio Interferencias" trabaja con los intersticios del dial: ruidos, ondas espurias, tormentas eléctricas y restos de señal que, por repetición y modulación, se convierten en ritmo y forma. Por otra parte, la pieza titulada "Sound Object" aborda, desde una crítica del valor crematístico del arte, un dispositivo rodante hecho de monedas cuyo pulso se degrada y se hace cada vez más enigmático. "Low Level", a continuación, se construye como una ficción radiofónica bilingüe (francés/español) aparentemente "normal", pero contaminada por conversaciones telefónicas filtradas: una dramaturgia de la interferencia semántica que convierte al oyente en "voyeur auditivo" y le devuelve la pregunta por su responsabilidad en la escucha. Cerramos esta primera parte del doble monográfico con la escucha de "La fuerza de la razón", una temprana obra estéreo de Ariza incluida en el nº 1 de RAS (la Revista de Arte Sonoro, otra excepcional iniciativa de José Antonio Sarmiento, publicada en formato CD e iniciada en 1996), concebida para ser reproducida en bucle y mediante auriculares: dos canales discuten enconadamente la misma opinión, hasta convertir el lenguaje en textura, insistencia y desgaste. Escuchar audio

En la primera edición de Ars Sonora del año 2026 queremos recordar a algunos creadoras y creadores que nos dejaron a lo largo los últimos doce meses. Este homenaje, que avanza de manera cronológica a través de 2025, incluye las siguientes audiciones: Miguel A. García: "Suge gorria"; Diane Thome: "Anais"; Sofiya Gubaidulina: "Vivente-Non_Vivente"; Pierre Mariétan: "Rose Des Vents"; Peter Ablinger: "Weiss Weisslich"; Yasunao Tone: "Clapping Piece"; Per Nørgård: "From The Ever More Distant Stars"; Sven-Åke Johansson: "Trilogie für Windgeneratoren"; Daniel Lentz: "Lascaux"; Hermeto Pascoal: "Brasil Universo"; Dieter Kaufmann: "Symphonie Acousmatique"; David Ball: "Hypodermic"; Alison Knowles: "Bean Sequences"; Jean-Claude Éloy: "Shanti". No se ha incluido a Javier Piñango (1962-2025) entre los artistas cuyo trabajo se presenta en este programa debido a que la emisión de Ars Sonora del 25 de abril de 2026 —basada en la sesión del ciclo "Relatos del ruido" que se dedicó a este autor el pasado mes de noviembre— estará enteramente consagrada a su música. Escuchar audio

En la última edición de Ars Sonora del año 2025 clausuramos el cuadragésimo aniversario del programa y el sexagésimo de Radio Clásica con la audición íntegra de "Le Livre des Morts égyptien", del compositor parisino Pierre Henry (1927-2017). El contexto de emisión (ese "umbral" entre el final de un ciclo y el comienzo de otro) enlaza con el propio discurso de la obra, entendida como tránsito o como pasaje, pues se articula a partir de un texto funerario cuya función original era acompañar al difunto en un itinerario de prueba, juicio y transformación. Inspirada en el llamado "Libro egipcio de los muertos" (nombre moderno de un corpus de fórmulas mágicas y sortilegios que guían el viaje por la Duat y la llegada a Aaru, bajo el horizonte del juicio de Osiris), la obra propone un ritual acusmático construido desde un "complejo de sonidos" de origen pianístico: ataques, resonancias, glissandi y trémolos sometidos a multiplicaciones, desfases y estratificaciones. El propio Pierre Henry explica que su propósito no es ilustrar el texto mediante palabras o invocaciones, sino inventar un "texto sonoro" sin lenguaje verbal, abstracto, nacido del piano como unidad de trabajo. De ese material inicial, convertido en una base de muestreos microscópicos con parámetros variables, deriva una sintaxis de expansiones, deslizamientos y elongaciones que hace de la repetición un motor de metamorfosis: un mismo sonido que se aproxima y se aleja, que se duplica y se desplaza, hasta generar una polifonía de planos y perspectivas. Esta lógica de laboratorio no desemboca, sin embargo, en una pieza "analítica" en sentido frío, sino en una escenografía con arquitectura propia: arriba y abajo, profundidad, estratos, distancias. Henry insiste en la idea de duración como lectura mental (una temporalidad "intemporal" hecha de continuidades y de silencios), y distingue esta obra de su aproximación anterior al "Libro tibetano de los muertos" ("Le voyage", 1962-63), que nosotros ya presentamos en otra edición navideña de Ars Sonora, y donde la música se ve absorbida por las manifestaciones de la "clara luz". Aquí, en cambio, Henry ha buscado una música "de la muerte y de la vida", un teatro cotidiano de tensiones y distensiones, de fulguraciones y fracturas, que termina por configurar un "piano espacial" sin tregua, como eje del ritual. Encargo del IRCAM con el apoyo de la Fondation Louis Vuitton, la obra que presentamos se terminó de componer en 1988 y se estrenó el 19 de marzo de 1990 en el Auditorio del Museo del Louvre; su arquitectura se organiza en siete capítulos y veinte secuencias, de "Navigation" a "Affirmation". La producción se realizó en el IRCAM, con Denis Lorrain como responsable técnico, y se inscribe en la práctica acusmática característica de Henry: una obra fijada en soporte, donde el "instrumento" ya no es el piano en sí, sino la memoria de sus gestos. Escuchar audio

Culminamos nuestro doble monográfico dedicado a la Fundación ACA (Àrea Creació Acústica), con sede en Búger, en el centro de la isla de Mallorca. Concebida en 1978 por el compositor Antoni Caimari Alomar (1943-2021) como "un vehículo para proteger, desarrollar y coordinar la cultura contemporánea musical de Mallorca con el resto de España y dentro de la Unión Europea", la Fundación ACA continúa desempeñando una fundamental tarea de producción y difusión de las músicas experimentales, tal y como comprobamos a través de un diálogo con Miquel Àngel Tortell —miembro del patronato de la fundación y Txema González de Lozoyo —artista sonoro, investigador y colaborador con la institución de manera regular, especialmente en lo que se refiere a la catalogación y digitalización de su archivo sonoro—. Registramos esta conversación en la ya mítica "Sala del Piano" de la fundación, un espacio caracterizado por su piano Bösendorfer Imperial que no solamente sirve como auditorio y estudio de grabación, sino que alberga numerosos documentos fonográficos y bibliográficos que reflejan la evolución de este proyecto, y que complementan los archivos actualmente custodiados en el espacio de Can Cirera Prim de sa Pobla. Después de escuchar un nuevo fragmento de la música de Antoni Caimari ("Cinc petites peces per a piano" —el programa concluirá con varios extractos de su "Música blanca"—), continuamos explorando algunas de las propuestas presentadas a través del Encontre Internacional de Compositors que la fundación viene organizando de manera ininterrumpida desde 1980, y que ha contado con directores artísticos como Claudio Zulian, Matias Far, Jordi Alomar y Jean-Pierre Dupuy, entre otros. En primer lugar nos centramos en una pieza propuesta por Txema González de Lozoyo para su estreno en la última edición del encuentro, "Molí" —un trabajo fonográfico procedente del proyecto "Defensa Interior", recientemente publicado en una cuidada edición de artista que fue presentada en Es Baluard, Museo de Arte Contemporáneo de Palma—. Como muestra de la enorme variedad estética de los trabajos presentados en estos ya longevos encuentros, escuchamos algunos fragmentos de los "Sueños Ecléctricos" compuestos por Claudio Zulian en 1988, así como "El poeta" (2013), para dos saxofones altos (segunda parte del ciclo "Paraíso") de Matias Far —quien dirige, en el contexto de la Fundación ACA, y dentro de los encuentros, un taller internacional de composición (una iniciativa de carácter pedagógico que recorre y acompaña todo el proceso creativo de los participantes, desde la concepción de la obra hasta su estreno)—. Por otra parte, la pieza para piano "Balalàia", de Josep Maria Mestres Quadreny —otro autor estrechamente vinculado con la Fundación ACA— nos llega a través de la interpretación al piano de Jean-Pierre Dupuy, actual director artístico del Encontre Internacional de Compositors. Miquel Àngel Tortell explica, por otro lado, cómo en la nueva etapa de la fundación se está prestando una especial atención al ingente archivo sonoro acumulado durante las más de cuatro décadas en las que este proyecto se ha venido desarrollando. Su ordenación, digitalización y puesta a disposición del público es actualmente una de las prioridades para el equipo directivo de ACA. Tal y como nos comenta Txema González de Lozoyo, en ese afán cuentan con el apoyo de figuras como Mikel Acosta y Guy-Marc Hinant (responsables, respectivamente, de los sellos discográficos Hegoa Diskak —Londres— y Sub Rosa —Bruselas—). Repasamos también la importante labor de la fundación en el ámbito de la creación poética, así como su programa de residencias para artistas e investigadores, y otros ámbitos hacia los que ACA proyecta sus actividades, como la música para órgano. Presentamos, como muestra de ello, varios fragmentos de las interpretaciones realizadas por Rafael Riera en el instrumento de la Basílica de Sant Francesc de Palma de Mallorca dentro de XLV Encontre de Compositors. La entrevista confirma, nuevamente, que trazar la evolución de este proyecto —la Fundación ACA— permite reconstruir buena parte de la historia de las músicas experimentales no ya, por supuesto, en el contexto balear, sino también dentro del panorama general de la cultura española, bien sea a través de las muy numerosas ediciones discográficas impulsadas desde la fundación (especialmente a través del ya mítico sello Unió Músics), bien a través de su atractivo programa de residencias artísticas, bien mediante la plataforma representada por el Encontre Internacional de Compositors. Escuchar audio

Iniciamos aquí un doble monográfico dedicado a la Fundación ACA (Àrea Creació Acústica), con sede en Búger, en el centro de la isla de Mallorca. Concebida en 1978 por el compositor Antoni Caimari Alomar (1943-2021) como "un vehículo para proteger, desarrollar y coordinar la cultura contemporánea musical de Mallorca con el resto de España y dentro de la Unión Europea", la Fundación ACA continúa desarrollando una fundamental labor de producción y difusión de las músicas experimentales, tal y como comprobamos a través de un diálogo con Miquel Àngel Tortell —miembro del patronato de la fundación— y Txema González de Lozoyo —artista sonoro e investigador que colabora de manera regular con la institución, especialmente en lo que se refiere a la catalogación y digitalización de su archivo sonoro—. Registramos esta conversación en la ya legendaria “Sala del Piano” de la fundación, un espacio caracterizado por su piano Bösendorfer Imperial que no solamente sirve como auditorio y estudio de grabación, sino que además alberga numerosos documentos fonográficos y bibliográficos que reflejan la evolución de este proyecto y que complementan los archivos actualmente custodiados en el espacio de Can Cirera Prim de sa Pobla. Recorremos los orígenes y la genealogía de este proyecto visionario, tan entroncado con la singular personalidad de su fundador, Antoni Caimari. También esbozamos el perfil de otros compositores estrechamente vinculados a la fundación, como Xavier Carbonell (1952-2022), Llorenç Barber (1948) o Eduardo Polonio (1941-2024). La presencia de la naturaleza, fundamental en el propio concepto de la institución no solo desde una perspectiva meramente paisajística, también se adelantó a muchas otras propuestas más recientes que vinculan la creación artística y la ecología. Algo similar puede afirmarse de la gastronomía, que —como se revela a través de este diálogo— igualmente ha desempeñado un papel muy destacado en la Fundación ACA ya desde sus inicios. Por otra parte, la vinculación de la experimentación musical de vanguardia con el estudio y la apreciación de las músicas populares y el folclore es otro de los elementos que han marcado la evolución de esta iniciativa, tal y como comprobamos a través de diversas audiciones. La entrevista confirma que trazar la evolución de este proyecto permite reconstruir buena parte de la historia de las músicas experimentales no ya, por supuesto, en el contexto balear, sino también dentro del panorama general de la cultura española, bien sea a través de las muy numerosas ediciones discográficas impulsadas desde la fundación (especialmente a través del mítico sello Unió Músics), bien a través de su atractivo programa de residencias artísticas, bien mediante la plataforma representada por el Encontre Internacional de Compositors, que se viene celebrando de manera ininterrumpida desde 1980, y que ha contado con directores artísticos como Claudio Zulian, Matias Far, Jordi Alomar y Jean-Pierre Dupuy, entre otros. Todos estos temas se entrelazan con la escucha de trabajos de Antoni Caimari ("Entorn poètic" —procedente de "Gàbies"—, "Viatge a Albopàs"), Xavier Carbonell ("El munt d'ulleres", "Badall de Sargantana"), Llorenç Barber ("Manjar"), Eduardo Polonio ("Acaricia la mañana"), y varias muestras del registro fonográfico de la "Trobada de Xeremiers a Sa Pobla", así como de las "Tonades de feina i cançons de ximbomba" interpretadas por Madò Antònia Buades (que se grabaron en la Fundación ACA en 1985, lo que ya constituye un hito histórico). Concluimos con la audición de otra voz excepcional, la de Fátima Miranda, con un extracto de "La voz cantante" (que forma parte del disco "Las voces de la voz", editado por la propia fundación a través de su plataforma discográfica Unió Músics) y un último recuerdo de la música de Antoni Caimari ("Nocturnals"). Escuchar audio

Presentamos la segunda edición del proyecto "Dos lugares, dos escuchas", una iniciativa relacionada con la práctica del paisaje sonoro que aspira a establecer puentes entre la creación sonora experimental y el coleccionismo de arte contemporáneo, al tiempo que pone en valor el patrimonio natural e histórico del contexto rural. Esta segunda edición de "Dos lugares, dos escuchas" ha estado protagonizada por la artista valenciana Laura Romero Valldecabres y la estadounidense (residente en Barcelona) Barbara Held. Ambas creadoras disfrutaron, entre los meses de mayo y junio de 2025, de sendas residencias de creación artística en la sede de la Fundación Campocerrado, en el entorno de Ciudad Rodrigo (Salamanca). A partir de las particularidades acústicas (pero también ecológicas, históricas, sociales, etc.) de la dehesa salmantina elaboraron dos composiciones que hoy presentamos en su estreno radiofónico. "Un pulso sobre la tierra" es el título de la pieza sonora desarrollada por Laura Romero tras su estancia en Campocerrado. En ella, la artista intenta "conectar con ese paisaje, con los ecos de ese paisaje, con el pasado, con las múltiples capas que encontramos en un paisaje a lo largo de los años y las décadas […]", según sus propias palabras. En este ejercicio de memoria acústica desempeña un papel fundamental el trabajo de la también artista sonora e investigadora Susana Jiménez Carmona, que fue invitada a Campocerrado en la primera edición de este proyecto, y desarrolló allí su composición "Cascabullos", tan solo unos meses antes de su prematuro fallecimiento. Laura Romero recuerda a Jiménez Carmona, citando la obra mencionada, en el inicio de "Un pulso sobre la tierra". Barbara Held, por su parte, nos propone la pieza "Imagen sonora de Siega Verde”" que ella misma presenta así: “Una exploración de las singulares condiciones acústicas de Siega Verde, yacimiento de arte rupestre paleolítico al aire libre ubicado dentro la dehesa salmantina. Las figuras zoomórficas allí representadas nos conectan con una visión del mundo que subraya la relación entre los seres humanos y los demás animales, un vínculo que sigue siendo parte esencial de esta tierra”. Durante sus respectivas estancias en Ciudad Rodrigo, Romero y Held estuvieron acompañadas y orientadas por los principales responsables de la Fundación Campocerrado, Borja Fernández-Cobaleda y Luis Gea. Sus declaraciones para esta edición de Ars Sonora nos permiten adentrarnos en los procesos artísticos que condujeron a la composición de estas dos nuevas obras, así como en las atractivas peculiaridades del entorno rural salmantino para cualquier artista sonoro interesado en explorar las relaciones entre esos excepcionales lugares y las escuchas que, esperamos, continuarán sugiriendo en próximas ediciones de este proyecto. Escuchar audio

Continuamos nuestra celebración del sesenta aniversario de Radio Clásica escuchando un conjunto de composiciones musicales fechadas alrededor de 1965. El 22 de noviembre de ese año, es decir, hace seis décadas, iniciaba su andadura la emisora que hoy conocemos como Radio Clásica. ¿Qué músicas se estaban creando en ese momento histórico? ¿Qué se estaba componiendo, qué obras sonoras se estrenaron en 1965? Ars Sonora, en su continua exploración de las músicas más radicales y los sonidos más desafiantes de los siglos XX y XXI, recorre en esta emisión —siguiendo la estela del programa emitido la semana pasada, como primera parte de este doble monográfico— un conjunto de piezas procedentes de diferentes lugares del mundo que refleja las corrientes estéticas que definían el panorama de las músicas experimentales y el arte sonoro en torno al año 1965, al tiempo que nos preguntamos acerca de la situación en nuestro país durante ese momento histórico. Escuchamos, en esta segunda parte de nuestro viaje en el tiempo y en el espacio, "Bye Bye Butterfly" (1965), un trabajo de la compositora estadounidense Pauline Oliveros en el que nos ofrece su particular relectura de "Madama Butterfly", la ópera de Giacomo Puccini estrenada en 1904. Seguidamente presentamos "It's Gonna Rain" (1965), primer trabajo de gran entidad del también estadounidense Steve Reich. También ofrecemos una selección de piezas electrónicas realizadas, respectivamente, por las compositoras británicas Maddalena Fagandini, Delia Derbyshire y Daphne Oram. Todas ellas desarrollaron su labor compositiva, desde el comienzo de los años sesenta del pasado siglo, en el taller de arte radiofónico de la BBC (BBC Radiophonic Workshop). Estas audiciones nos permiten reflexionar acerca del papel que desempeñaba la mujer (en el plano cultural, social, político, jurídico, doméstico...) dentro del contexto español de esos mismos años sesenta. Concluimos esta emisión —y, por tanto, esta celebración del sesenta aniversario de Radio Clásica— con la audición de "Lament for the Death of a Bullfighter" (1959), una obra compuesta unos años antes de ese 1965 que nos ha servido como eje en este programa y en el anterior, pero que resulta pertinente aquí, entre otras razones, porque esta pieza toma como punto de partida el poema de Federico García Lorca "Llanto por Ignacio Sánchez Mejías" publicado hace ahora no sesenta, sino noventa años, es decir, en 1935. Esta composición de Roberto Gerhard, escrita para recitador y cinta magnética, nos invita a pensar en todos y todas las artistas que, como Gerhard (que vivió entre 1896 y 1970), hubieron de exiliarse tras la sublevación militar de 1936, lo que sin duda mermó el panorama artístico y cultural —y todas las demás esferas de la vida pública española— propio del año 1965, es decir, del momento en el que nacía la emisora que hoy —en una España muy diferente a la de aquel año, afortunadamente para todos— nos permite presentar y comentar todas estas composiciones. Escuchar audio

En esta edición de Ars Sonora, emitida en las primeras horas del día en que celebramos el sesenta aniversario de Radio Clásica, escuchamos un conjunto de composiciones musicales fechadas, precisamente, en el año 1965. El 22 de noviembre de aquel año, es decir, exactamente hace seis décadas, iniciaba su andadura la emisora que hoy conocemos como Radio Clásica. ¿Qué músicas se estaban creando en ese momento histórico? ¿Qué se estaba componiendo, qué obras sonoras se estrenaron en 1965? Ars Sonora, en su continua exploración de las músicas más radicales y los sonidos más desafiantes de los siglos XX y XXI, recorre en esta emisión -así como en la de la semana que viene, en la segunda parte de este doble monográfico- un conjunto de piezas procedentes de diferentes lugares del mundo (Europa, América, Asia…) que refleja las corrientes estéticas que definían el panorama de las músicas experimentales y el arte sonoro en el año 1965, al tiempo que se pregunta acerca de la situación en nuestro país durante ese momento histórico. Escuchamos, en esta primera parte de nuestro viaje en el tiempo y en el espacio, la "Sequenza III" (1965), una obra de Luciano Berio compuesta para la voz de Cathy Berberian (esta audición nos permite celebrar, también, los respectivos centenarios de estos dos artistas, Berio y Berberian, ya que ambos nacieron en 1925). También presentamos "Scenario" (1965), la única pieza dentro del amplio catálogo del compositor alemán Helmut Lachenmann creada para cinta magnética —también nos sirve, esta escucha, para celebrar otro aniversario, pues Lachenmann alcanzará sus noventa años en unos pocos días, concretamente el 27 de noviembre—. El italiano Luigi Nono, maestro de composición de Lachenmann, es el siguiente protagonista de nuestro espacio, pues en 1965 recibió del director y productor teatral alemán Erwin Piscator una esperada oferta de colaboración. El proyecto consistía en la representación de una nueva obra de Peter Weiss, "Die Ermittlung" ("La investigación"), una pieza de teatro documental basada en un texto que condensaba las declaraciones de los testigos de los juicios de Auschwitz celebrados en Fráncfort entre diciembre de 1963 y agosto de, precisamente, 1965. Tras una presentación de varios fragmentos de las músicas realizadas por Nono para esta obra de teatro, concluimos la primera parte de este doble monográfico con una pieza de Maki Ishii —compositor nacido en Tokio en 1936 y fallecido en 2003—. Su composición "Hamon" (término japonés que se traduce literalmente como “ondulación sobre el agua”) está escrita para conjunto de cámara, violín solista y cinta magnetofónica compuesta, y nos ofrece otra perspectiva acerca de las músicas que, desde distintos rincones del mundo y muy diferentes sensibilidades, fueron imaginadas en un mismo año, 1965, al mismo tiempo que nacía la emisora que hoy —en una España muy diferente a la de aquel año, afortunadamente para todos— nos permite presentar y comentar todas estas composiciones. Escuchar audio