EL ARTE Y LAS ARTES

La catedral de Milán narra una historia de fe y arte que abarca más de seis siglos. La construcción de la catedral de Milán probablemente comenzó en 1386. Las obras para la construcción de la catedral de Milán comenzaron en 1386, cuando el estilo gótico de las catedrales estaba en su máximo esplendor. Se decidió que la nueva iglesia se construiría en el área de las antiguas basílicas de Santa Maria Maggiore y Santa Tecla, cuyos restos, junto con los del Baptisterio de San Giovanni alle Fonti, aún son visibles en el Área Arqueológica.

¿Quién no se ha estremecido alguna vez con la música de alguna obra nacida en un momento de tristeza o de conflicto del compositor? Asimismo, son muchos los poemas que plasman el dolor del poeta conmoviendo a quien lo lee y obligándole a viajar por los mismos laberintos emocionales que él. Pero ese tesoro materializado en palabras, en imágenes o en sonidos no sólo nos atrapa, sino que alumbra nuevos horizontes. Los verdaderos artistas conectan con un mundo superior, en el que todo adquiere otro significado y se convierte en elemento pedagógico, no solo para quien lo crea, sino también para quien lo comparte. De alguna manera, nos conmueve y participamos de su pesar, pero también de esa emoción sublimada individual o colectiva que nos llega traducida de su mano. Pero el arte no es solo un bien espiritual, un fin en sí mismo que permite el bien de ser disfrutado. El arte es también una fuerza social de numerosos efectos colectivos. El artista es un comunicador, un cronista sensible de sucesos y costumbres de su tiempo; nos cuenta, a veces sin saberlo, detalles de los demás actores sociales de su espacio - tiempo, y también registra imágenes para entender el futuro. Son testigos de la historia, y sus obras sean lienzos, objetos, edificios, pinturas, esculturas o partituras; contienen un depósito comunicativo de gran autenticidad y valor. Por lo tanto las guerras, los desastres naturales o las enfermedades repercuten hondamente en la conciencia colectiva e individual. Especialmente el dolor y la enfermedad no pueden separarse de la belleza, ambos son parte de nuestra existencia. La fragilidad de la vida y cómo ésta puede cambiar de repente con la enfermedad, es constantemente fuente de inspiración para los creadores. La pandemia de Covid-19 que ha sido la absoluta protagonista de estos últimos años en todo el planeta y en los más diversos ámbitos, ha transformando lo efímero e inmaterial en eternos testimonios de un periodo, con la mirada siempre personal del artista. Hoy compartiremos con ustedes el tema: Arte en tiempos de Pandemias.

Consideremos el motivo de representación para un artista la de un niño llorando: nuestro pintor tendrá mas posibilidades de acertar si opta por un niño bueno y mono antes que por uno feo y con cara de malo. El llanto no deberá ser chillón o histérico, de esos que generan molestia, sino un sollozo callado y dulce. El niño lloroso debe provocar simpatía, suscitar una reacción protectora. Debemos sentirnos seguros y como­ dos viendo la imagen, de modo que el pintor deberá eliminar toda referencia a una realidad desagradable o turbadora, y mostrar solo cosas que podemos comprender fácilmente y con las que podemos identificarnos. Así es el arte KITSCH, un término surgido en Europa en la segunda mitad del siglo XIX que no apela a las idiosincrasias individuales, sino a imágenes universales con una carga emocional claramente inter-subjetiva. El kitsch es un arte que confirma nuestras creencias y nuestros sentimientos básicos, no los altera ni los pone en duda. El epíteto 'kitsch' se ha usado como sinónimo de arte sin valor, indecencia artística o, simplemente, arte de mala calidad. Pero, sin duda, no toda obra mala se considera kitsch. El kitsch no es simplemente un fracaso artístico, una obra que por el motivo que sea no salió bien. Hay algo especial en el kitsch que lo distingue del resto del arte de mala calidad: el kitsch atrae, gusta a mucha gente, es un sentir popular y colectivo. Hoy compartirnos con ustedes ideas acerca de esta peculiar forma de manifestación artística.

Se trata de un conjunto de 427 composiciones en honor a la Virgen María, de las que 356 son cantigas que narran milagros de la Virgen María, y las demás, salvo una introducción y dos prólogos, son de alabanza o loor a la Virgen, o se refieren a festividades marianas o cristológicas. Todas están acompañadas de escritura musical, salvo el poema de introducción. La devoción mariana estaba en auge en ese siglo y participaban en ella religiosos y caballeros. En este ambiente el rey alentaba en sus cantigas a poetas y juglares para que dedicaran sus esfuerzos e inspiraciones a la «Santa Dama». Las dudas sobre la autoría directa del rey Alfonso X el Sabio están resueltas hacia su participación como compositor en no pocas, al menos diez de ellas de atribución real en integridad de modo indudable.

“La imaginación abre a veces unas alas grandes como el cielo en una cárcel grande como la mano”, nos dice el poeta francés Alfred de Muset. La capacidad de imaginar diferencia al ser humano de los demás seres vivos. La imagen implica memoria, dotes de abstracción y elaboración de símbolos o conceptos para expresarlas. Estos son atributos exclusivamente humanos. Una pregunta hasta ahora sin respuesta: ¿cuándo se dio en los humanos este singular atributo?. Según algunas ideas al respecto: Los animales dirigen su atención totalmente hacia el mundo exterior porque este mundo circundante es para ellos un horizonte lleno de peligros, pero cuando este animal se convirtió en humano, encontró tal riqueza de imágenes internas, que la dirección de su atención realizó el más grande y emocionante giro desde afuera hacia adentro. Empezó a prestar atención a su interior, es decir entró en sí mismo. La creación de formas imaginarias independientes de una inmediata praxis se produjo cuando el hombre tuvo que interpretar los aspectos enigmáticos del mundo sensorial. Incluso la aparición reiterativa de formas imaginarias significativas o simbólicas trajo consigo una cristalización de sentimientos que produjo el primer goce estético.

China es la única civilización que subsiste sin interrupción desde hace 5000 años, La evolución del país tiene una coherencia interna, una continuidad en la manera de ver el mundo y una unidad filosófica profunda que se manifiesta una y otra vez bajo las formas cambiantes de los regímenes políticos y económicos. La radical diferenciación china respecto a la cultura occidental, reside en la manera propia y original de ver el mundo. Está en todas las manifestaciones culturales y en el carácter personal del chino, haciéndolo remoto, ambiguo e incluso inquietante para el occidental. El pensamiento chino se materializó en tres sistemas éticos que formaron la vida social china a lo largo de la historia. El confucianismo basado en el respeto a la tradición, el uso comprensivo de las leyes y el cultivo de la personalidad. Doctrina aceptada por el estado para justificar el poder. El budismo importado de la India, llenó el vació de una religión institucionalizada que no existía en China. Sin embargo, el taoísmo, por ser más individualista y místico, no penetró en el sistema social, fue solo una manera de vivir y ver el mundo para pensadores y artistas. La visión particular del mundo en China se manifiesta en tres palabras: sincronicidad, armonía, dialéctica y así se ve reflejado en su arte; tema que compartimos hoy con LA ESTÉTICA TAOISTA.

El arte que surgió en el mundo durante las vibrantes y turbulentas etapas de la guerra donde se gestaron los miedos de hoy, fue el caldo de cultivo de la era de las dudas y la ansiedad global. La «postguerra», término que describe el período histórico que sigue al final de la II Guerra Mundial, coincide con un momento «decisivo» que marcó un punto de inflexión en la historia global. Lo manifestado en las guerras y sus consecuencias se da en lo cultural, lo tecnológico y lo artístico: los países de Europa Occidental menguan su influencia como centros creativos, la cultura popular asciende hacia la alta cultura, ocurre el boom de los medios de comunicación y, a ritmo ascendente, se produce la hegemonía del arte contemporáneo desde Europa hasta Estados Unidos. En 1945, con las heridas aún supurantes y las culpas individuales y colectivas pendientes de castigo o constricción; la filósofa judeo alemana Hannah Arendt, que acuñaría unos años después la certera expresión de la "banalidad del mal", predijo que sería precisamente "el mal" el problema fundamental de la vida intelectual de postguerra en Europa, del mismo modo que la muerte se convirtió en el problema fundamental después de la última guerra. Después de la Segunda Guerra Mundial, el mundo había cambiado. Por lo tanto no sería diferente para el arte con el paisaje de lo experimentado y un efecto sísmico en los artistas y sus influencias. En este contexto dedicamos el tema a el Arte de la Posguerra

Hoy en día, la fotografía está considerada un arte. La cámara, como el pincel y el lienzo o el cincel y el mármol, se ha convertido en una herramienta imprescindible para que muchos artistas expresen sus ideas, emociones y puntos de vista. Y como en todo arte contemporáneo lo importante es la idea o un concepto claro y único, muchas veces esto se sobrepone a la técnica. La fotografía como arte debe proponer el cuestionamiento sobre un tema o una idea. De lo contrario, esta fotografía no será más que una excelente y bien lograda imagen. En la fotografía como en cualquier arte, el concepto y la coherencia estética es lo más importante al crear la imagen. Desde su inicio en el año 1839, con la divulgación mundial del primer procedimiento fotográfico: el daguerrotipo, han existido dos visiones de la fotografía: por un lado, la destreza técnica y por el otro, la capacidad de crear una imagen que nos brinde perspectivas diferentes del mundo. Cuando ambas se conjugan, estamos creando una obra gráfica artística. Hoy compartimos con ustedes el tema: la fotografía como obra de Arte.

La catedral de Colonia es una de las construcciones más famosas e imponentes de Alemania, un destacado ejemplo de arquitectura gótica, uno de los templos más visitados del país, símbolo de la ciudad de Colonia y Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO desde 1996. Esta iglesia católica se alza en pleno centro de Colonia, muy cerca del Rin y de la estación central de tren. La catedral de Colonia atrae a miles de turistas: cada día la visitan unas 20.000 personas. Se puede visitar de forma gratuita fuera del horario de las misas. Con sus más de 157 metros de altura, la catedral de Colonia es la más alta del mundo y el tercer edificio religioso más alto del planeta. Tan solo la superan el Ulmer Münster (161,5 m) y la basílica de Notre-Dame-de-la-Paix (158 m), en Costa de Marfil. La construcción de la catedral de Colonia se prolongó durante más de 600 años, un periodo en el que cambiaron radicalmente tanto los regímenes de poder como los gustos arquitectónicos. Muchos historiadores del arte consideran sorprendente la uniformidad con la que se construyó la catedral, a pesar de su dilatada historia de edificación. Esto se debe a que los maestros de obras siempre respetaron los planos originales medievales.

El Arte inmaterial es aquel que puede ser percibido pero no tocado, ya que las obras resultantes, aún partiendo de un soporte físico, son creadas con materiales intangibles como el sonido, los colores, la luz, las sombras, las sensaciones que nos despiertan. Esta forma de creación irrumpió a mediados del siglo XX y ha ganado fuerza y protagonismo entrado el XXI, de la mano de artistas que componen y "pintan" con luz, y que consiguen trabajos curiosos y extraordinarios que bien nos recuerdan a auténticos cuadros abstractos o a esculturas figurativas.

El espacio en el arte se percibe a través de indicadores como líneas, figuras-fondo, profundidad y transparencias, mientras que el tiempo se manifiesta en secuencias, movimientos y simultaneidades. En las vanguardias, influenciadas por la filosofía y la ciencia (como la cuarta dimensión), el espacio-tiempo se vuelve abstracto y bidimensional, alejado de lo euclidiano. Las vanguardias artísticas revolucionaron la representación al integrar espacio y tiempo, superando el realismo perspectivo. Movimientos como el cubismo y el abstraccionismo usaron geometría y percepción gestáltica para simular dinamismo en el plano. Esto involucró al espectador en una experiencia perceptual activa.

En el lado sur de la imponente plaza Roja de Moscú se encuentra uno de los símbolos más importantes de Rusia, icono de su país e imán de turistas como pocas atracciones. La catedral de San Basilio, sorprende desde que se contempla por primera vez en la lejanía por su tamaño y forma, y este asombro no hace sino crecer conforme uno se acerca y comienza a apreciar las extrañas cúpulas, patrones y colores. La postal típica de Moscú es la Plaza Roja y en ella, a un lado, se recorta la colorida Catedral. Una iglesia con torres coronadas con cebollas de colores, como flamas de un gran incendio elevándose hacia el cielo, la misma que ideó Iván el Terrible y que se construyó entre 1555 y 1561 para conmemorar la conquista de Astrakán y Kazán. A diferencia de muchas otras iglesias rusas, la catedral de San Basilio sobrevivió airosa todos los cataclismos de las épocas posteriores, como si la magia de su santo patrón estuviera protegiéndola a través de los siglos. En el Ciclo Catedrales de Europa, hoy compartimos con ustedes la historia de esta elegante, colorida y artística arquitectura, símbolo turístico de una ciudad, Moscú.  

odemos considerar los happenings (literalmente, acontecimientos) como prolongaciones lógicas de los ambientes, de los que hablamos en esta sección hace tiempo: si en estos últimos los objetos se escenificaban, en los happenings se convierten en elementos constitutivos de acciones; así la escenificación se extiende a una acción con objetos de la realidad, que es proclamada evento artístico. No se pretende con ese gesto ennoblecer artísticamente lo cotidiano, sino ampliar lo estético a elementos nuevos que se encuentren en calles, plazas, en nuestros entornos cercanos, sin que experimenten una estructuración creativa a propósito. Los happenings responden, en el fondo, a la intención del artista de apropiarse de la vida y de trasladarla parcialmente a otros a través de ciertos actos; implican modelos intervencionistas de apropiación y estrategia de cambio de la realidad desde la perspectiva de una investigación del comportamiento, en palabras de Simón Marchán Fiz. Sus precedentes serían las anulaciones dadaístas de las distancias entre lo estético y lo real, pero también y sobre todo el trabajo musical de John Cage, que en los cincuenta se sirvió del azar y de sonidos no artísticos.

El término pintura flamenca se refiere a la pintura realizada durante los siglos XV al XVII en una región que coincide aproximadamente con la actual Bélgica. En el siglo XV se comenzaron a producir allí cuadros que cautivaron a los amantes del arte de toda Europa por el realismo de los detalles y por el lustre de sus superficies, logrado gracias a una novedosa forma de utilizar la pintura al óleo. Debido a que desde finales del siglo XV España y los antiguos Países Bajos estaban bajo el gobierno común de la dinastía de los Habsburgo, los reyes de España se encontraban en una posición ventajosa para coleccionar pintura de esos territorios. Como consecuencia de ello, el Museo del Prado tiene una de las mejores y mayores colecciones de pintura flamenca que existen, con un total de cerca de 1.000 cuadros.

¿Desde cuando los seres humanos miran conscientemente el cielo?¿En qué momento el concepto del tiempo entró a formar parte de la existencia humana?. Aunque tenemos cada vez más evidencias de que muchos lugares sagrados, megalíticos o no, mantienen conexiones celestes o eran directamente observatorios astronómicos relacionados con fines científicos o rituales complejos que somos incapaces de develar; desconocemos el momento preciso en que nuestros lejanos antepasados comenzaron a escrutar el firmamento sobre sus cabezas. Pero sí parece que contamos con tenues pistas sobre la época que empezaron a registrar sus observaciones astronómicas. Un día perdido en las brumas del tiempo, en torno al año 3.200 a.C., los pastores y agricultores de las remotas islas Orcadas decidieron construir algo grande... Tenían una tecnología de la Edad de Piedra, pero su visión iba milenios por delante. En una suave colina de la planicie de Salisbury, en la región de Wessex (a 130 kilómetros de Londres), se levanta uno de los monumentos megalíticos más impresionantes del mundo: el famoso círculo de STONEHENGE. Se comenzó a construir en torno al 3000 a.C. y fue remodelado continuamente durante generaciones. STONEHENGE y el paisaje que lo rodea cautivan nuestra imaginación y generan multitud de preguntas: ¿Cuál era la función de este monumento, y quién lo construyó? ¿De dónde llegaron las piedras? ¿Se edificó en una sola fase o en varias? El círculo de piedra de STONEHENGE, es, sin duda alguna, uno de los monumentos megalíticos más famosos del mundo. Muchas teorías se han escrito respecto a su función, por ejemplo se ha supuesto que en el lugar se llevaban a cabo algún tipo de ceremonias, aunque la hipótesis más aceptada es la que postula que este antiguo henge se utilizó como un gigantesco calendario dada su alineación con los solsticios. Continuando así, con el Ciclo Grandes Monumentos de la Humanidad nuestro historia se refiere hoy a los inventores del tiempo y este mágico y majestuoso círculo de Piedras.

El templo de Karnak, en Tebas, dedicado a Amón, fue el principal recinto de culto de Egipto desde el Imperio Nuevo. El templo de Karnak, en Tebas, dedicado a Amón, fue el principal recinto de culto de Egipto desde el Imperio Nuevo. La fotografía corresponde a la gran sala hipóstila. Durante los grandes festivales, la barca con la imagen de Amón era llevada en procesión por los sacerdotes. Las vías procesionales que unen los recintos sagrados en Karnak están flanqueadas pr esfinges con cabeza de carnero que cumplían la función de guardianas y protectoras.

La Escuela Bauhaus fue una revolucionaria institución alemana de arte, diseño y arquitectura fundada por Walter Gropius en 1919, que buscó unificar el arte con la artesanía y la producción industrial, promoviendo la funcionalidad, la simplicidad y las formas geométricas, con un gran impacto en el diseño moderno y una enseñanza integral que incluía talleres de diversos oficios, pero fue cerrada por los nazis en 1933, dispersando su influencia globalmente.

Tras dos mil años de historia como centro espiritual, y casi mil de su actual edificio, la Catedral se muestra hoy como un conjunto heterogéneo de espacios y elementos estéticos que dejan ‘leer’ en la piedra la extraordinaria historia compostelana. Y es que en su larga existencia el templo ha sido escenario de toda clase de episodios sacros y mundanos, que van desde la coronación de los reyes de Galicia en la Edad Media hasta el acuartelamiento de los soldados franceses durante la Guerra de Independencia, pasando por siglos de concordias y discordias, exaltaciones y linchamientos, conspiraciones políticas y esplendor religioso, ataques incendiarios y costosas campañas de embellecimiento, pompa y beneficencia, donaciones y expolios, cobros de prebendas y patrocinios, solemnes ofrendas y, sobre todo, incesantes peregrinaciones hacia la tumba del Apóstol.

En Perú, no lejos del océano Pacífico, sobre la tierra árida de una región desértica, se encuentra uno de los más impresionantes y menos comprensibles testimonios de las culturas de la antigüedad. Extraños signos dibujados sobre el suelo de la pampa de Nazca a una escala inmensa que muestra, a quienes lo contemplan desde el aire, figuras antropomorfas de rara perfección y estilizadas formas geométricas junto a un entrecruzamiento de líneas rectas que se prolongan hasta perderse de vista en el horizonte. En Nazca, la arena del desierto peruano protege una de las mayores incógnitas del continente americano. ¿A qué o para quienes estaban destinados estos desmesurados signos grabados en el suelo? etnógrafos, arqueólogos, matemáticos, hidrólogos, historiadores del arte y cartógrafos se han aplicado con afán para encontrar la llave del enigma, pero a medida que se acumulan las hipótesis, el velo que oculta su verdadero significado se vuelve cada vez más denso. Se ha recurrido al computador, a la trigonometría, a la estadística, y al cálculo de probabilidades. No han faltado los iluminados que no vacilan en invocar la llegada de extraterrestres y el aterrizaje de naves cósmicas El misterio Nazca ha hecho correr mucha tinta, ha subyugado a los investigadores y ha vagado por la mente de los eruditos. Pero también ha desencadenado la imaginación de los visionarios más excéntricos. Conforme al postulado de Lévy Strauss de que “negar los hechos porque se les cree incomprensibles es ciertamente más estéril desde el punto de vista del conocimiento, que elaborar una tesis”. Continuando con el Ciclo Grandes Monumentos de la Humanidad, hoy compartimos: La historia de estos enigmáticos dibujos cósmicos.

El nacimiento del arte está ligado a la propia humanidad, surgiendo en la Prehistoria como una forma de expresión humana para exteriorizar pensamientos y emociones, con las primeras manifestaciones datando del Paleolítico Superior hace unos 40.000 años, incluyendo las famosas pinturas rupestres y objetos simbólicos, impulsado por la necesidad de figuración y la emoción espiritual y mágica. Estas primeras creaciones no eran puramente estéticas, sino que servían a propósitos religiosos y de supervivencia, marcando el inicio de la creatividad humana más allá de la mera utilidad.