El Cine..."Desde Dentro" (Series Temáticas)

Divertido, didáctico y emotivo documental, dedicado a una estrella del cine fantástico, el T-REX. Monstruo del cine donde los halla, ha intervenido, con mayor o menor fortuna, en multitud de filmes, desde el cine mudo hasta nuestros días, tanto en imágenes animadas, con el stop-motion y ahora en imágenes generadas por ordenador.

El slogan para la segunda parte de Tiburón "Cuando pensabas que estabas a salvo para volver a bañarte…" fue muy efectivo para renovar el miedo del público a los tiburones, un miedo engendrado por la primera entrega de la saga, un auténtico taquillazo de 1975, dirigido por Steven Spielberg. 'Tiburón, terror en la pantalla', es un excelente trabajo que profundiza en aquel éxito. El espacio contiene reveladoras entrevistas con el actor Roy Scheider, con el productor David Brown, y con el experto en tiburones Dr. Larry Barnes, que desacredita la cantidad de mitos que hicieron popular la película. Muestra también escenas tras las cámaras de las luchas de ‘Bruce el tiburón’, el apodo que fue dado al temperamental tiburón mecánico protagonista del film, que estuvo apunto de hundir la producción de 1975.

Criaturas del cómic' es un interesante documental que analiza la historia de famosos personajes de cómic, como Batman, Spiderman, o Súper-Ratón, a través de entrevistas a los dibujantes que los han creado y a los actores que han representado a estas figuras. El documental realiza un recorrido por una gran variedad de héroes y villanos del mundo del cómic que han sido dibujados con sus superpoderes. El legendario dibujante de cómics Stan Lee, el experto en cómics David Hayter y actores como Julie Newmar, Adam West, Eartha Kitt y Mark Hamill, quiénes han representado personajes populares en televisión y en películas, contarán con detalle, el desarrollo de estos personajes, desde su inspiración para crearlos… hasta su nacimiento y puesta en escena.

En el universo de 'La Guerra de las Galaxias' ('Star Wars') existe una diversidad biológica inmensa, con cientos de docenas de diferentes especies y a veces es fácil perder la cuenta de todas ellas. Con sus apariciones en la gran pantalla, criaturas de diferentes formas como wookies, ewoks, tauntauns o wampas, han pasado a formar parte de la historia del cine incorporando un nuevo vocabulario de la cultura pop. El documental ofrece espectaculares clips y escenas que no se incluyen en las películas, así como entrevistas con George Lucas, Mark Hamill, Carrie Fisher y Harrison Ford, y los técnicos Ryan Church, Rob Coleman y Terryl Whitlach. Las aportaciones de todos ellos ponen el sello de calidad a este trabajo sobre la creación y la evolución de las criaturas de 'La Guerra de las Galaxias'.

'El zoo animado' es una original producción sobre los animales que protagonizan los dibujos animados.

Desde el lanzamiento de la primera película, 'King Kong', en 1933, hasta el estreno de la última versión de Jackson, pasando por títulos como 'El hijo de King Kong' (1933) y 'El gran gorila' (1949), el espacio sigue minuciosamente las huellas dejadas por este personaje, uno de los más grandes iconos del mundo del celuloide. 'Animales de película' no se olvida de los éxitos alcanzados por King Kong en la televisión de los años 50 y 60 como la producción japonesa 'King Kong contra Godzilla'. Varias entrevistas con especialistas cuentan y enseñan al espectador cómo se hicieron los efectos especiales de estos films, los diferentes medios con los que se contaba así como los referentes históricos que han convertido a este simio en un hito del cine. El documental cuenta con un archivo y fotografías de rodaje inéditas, e incluye, entrevistas con los actores Jeff Bridges, Fay Wray y Jeff Goldblum así como con los directores Peter Jackson y John Landis y el varias veces galardonado con el Oscar al Mejor Maquillaje, Rick Baker.

Bienvenidos al mundo insólito de los Hermanos Marx. Un documental retrospectivo sobre sus vidas, que nos acercará a su lado más íntimo y humano gracias a sus hijos, amigos y colaboradores. A traves de sus recuerdos se nos mostrarán a Groucho, Harpo y Chico en todo su esplendor y brillantez. Un documental sencillamente genial.

Episodio 4.- Viajes en el tiempo ¿Qué pasaría si pudiéramos viajar en el tiempo, y quizá cambiar el pasado o el futuro?. La respuesta la tenéis en este capítulo de la serie de la BBC, que abarca desde La máquina del tiempo de H.G. Wells a El efecto mariposa o el popular viajero en el tiempo, Doctor Who. A través de fabuosos artilugios como el Delorean de Marty Mcfly o la TARDIS del Doctor Who, portales en el tiempo o factores genéticos, el viaje a otras épocas, pasadas o futuras, nos hace cuestionar nuestra escala de valores y la repercusión de nuestros actos. ¿Te gusta la ciencia ficción?. Estrenamos un trabajo de la BBC dividido en cuatro capítulos en el que directores, guionistas, actores y artistas gráficos comparten sus experiencias alrededor de cuatro conceptos recurrentes en la ciencia ficción: espacio, invasión, robots y viajes en el tiempo. La serie, que en su versión original está narrada por Steven Moffat, guionista de Doctor Who y Mark Gatiss, cocreador de Sherlock. La verdadera historia de la ciencia ficción cuenta con la participación de grandes nombres como el actor Rutger Hauer, a quien todos recordamos en la piel del replicante Roy Batty en Blade Runner, emocionándonos en el monólogo final de la película, uno de los grandes discursos de la historia de la ciencia ficción, al que el actor añadió varias frases de su 'cosecha'. Ante nuestras pantallas desfilarán otros actores, como Kenny Baker, que pasará a la Historia por interpretar al famoso robot R2-D2 en La Guerra de las Galaxias, El Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi. Intervienen también Peter Coyote, el agente Keys de E.T. el extraterrestre, William Shatner, el Capitán Kirk en Star Trek, Edward James Olmos, Zoe Saldana, Veronica Cartwright... o Nichelle Nichols, la teniente Uhura en Star Trek que, curiosamente, tras la cancelación de la serie participó en un proyecto especial de la NASA para reclutar minorías y personal femenino para la agencia espacial. En esta serie también comparten sus experiencias responsables de efectos especiales, como Douglas Trumbull, que firmó los de cintas de culto como 2001: una odisea del espacio o Encuentros en la Tercera Fase; autores como Ursula K. Le Guin, la primera mujer galardonada con el título de Gran Maestra por la Asociación de escritores de ciencia ficción y fantasía de Estados Unidos y directores de cine como John Landis, Joe Dante o Roland Emmerich.

Episodio 2. Invasión. La ciencia ficción ha utilizado nuestro miedo a los extraterrestres para reflejar nuestros temores ancestrales. Dichos temores han ido evolucionando y adaptándose a los miedos y ansiedades de cada generación. En este segundo capítulo, Invasión, vemos cómo el miedo a las invasiones extraterresters comenzó con la novela 'La Guerra de los Mundos' (1898), de H. G. Wells, el clásico que inició todo un género y para el que el escritor se basó en el Imperialismo británico, ya que intentó ponerse en el lugar de esos pueblos a los que llegaban los británicos dispuestos a esquilmarlos de todo lo que tuviesen de valor. Como también vemos en el documental, Orson Welles llevó la historiaa la radio en 1938, causando el pánico en todo Estados Unidos, porque encarnó los miedos de toda una generación. Aunque el género de la Ciencia Ficción tuvo su edad edad dorada en el cine en los años 50, caracterizados por el miedo a los invasores. Un miedo que, en realidad reflejaba el temor a los comunistas en plena Guerra Fría. Y es que, como decimos, aunque sus historias se ambienten en tiempos lejanos y planetas imaginarios, pocos géneros han reflejado la historia contemporánea como la Ciencia Ficción. Por eso, de esa época destacan películas como 'Ultimatum a la tierra', la versión cinematográfica de 'La guerra de los mundos' y , sobre todo 'La invasión de los ultracuerpos' que reflejaba tan fiel, como inteligentemente, el temor de los americanos a los espías soviéticos en plena época del senador McCarthy y su caza de brujas. Pasada la Guerra fría, Steven Spielberg reinventó el género en 1977 con 'Encuentros en la tercera fase', en la que los extraterrestres se volvían buenos, algo casi insólito en la historia del cine. un terreno que siguió explorando en uno de los mayores éxitos del género: 'E.T., el extraterrestre' (1982). Quién no ha soñado desde entonces con encontrarse a un bebe extraterrestre. Sin duda una de los mejores ejemplos de la fascinación del ser humano por el espacio y por la posibilidad de la existencia de vida en otros planetas. Otras películas sobre alienígenas que merece pena destacar, ya que ofrecen una perspectiva muy distinta, son 'Men in black' (Barry Sonnenfeld, 1997), que nos muestra a los alienígenas intentando buscarse la vida en la tierra y, sobre todo, la excelente 'Distrito 9' (Neill Blomkamp, 2009), una metáfora del apartheid sudáfricano protagonizado por unos alienígenas insectívoros atrapaddos en la tierra. Una película que, como resalta el documental, es capaz de aunar temas sociales con acción espectacular. Algo que nos gustaría ver más en el género. Destacar también la serie 'Expediente X', que mezclaba con inteligencia las amenazas extraterrestres con las conspiraciones gubernamentales. Los japoneses, sin embargo tenían sus propios fantasmas, entre ellos el temor a la bomba atómica con la que los americanos habían masacrado Hiroshima y Nagasaki poniendo fin a la Segunda Guerra Mundial. Ese miedo cristalizó en Godzilla, el monstruo más famoso de un género que, aunque no inventasen ellos, hicieron propio. Por cierto que Godzilla comenzó siendo un monstruo pero acabó siendo un defensor del medio ambiente y un auténtico simbolo en Japón. Un género que culminó con 'Parque Jurásico' (Steven Spielberg, 1993). El director consiguió que, por primera vez en el cine, los dinosaurios no fuesen monstruos sino animales, aunque eso no los hiciese menos mortíferos. Tratándose de una serie de la BBC, en este completo repaso a la 'Historia de la ciencia ficción' no podía faltar la serie más longeva de la historia de la televisión, el 'Dr. Who', que este año ha celebrado su 50 aniversario. Y sus dos razas alienígenas más populares, los Daleks y los Cybermen. Una serie en la que el protagonista también se pasa la vida defendiendo la tierra de todo tipo de invasiones alienígenas. ¿Te gusta la ciencia ficción?. Estrenamos un trabajo de la BBC dividido en cuatro capítulos en el que directores, guionistas, actores y artistas gráficos comparten sus experiencias alrededor de cuatro conceptos recurrentes en la ciencia ficción: espacio, invasión, robots y viajes en el tiempo. La serie, que en su versión original está narrada por Steven Moffat, guionista de Doctor Who y Mark Gatiss, cocreador de Sherlock. La verdadera historia de la ciencia ficción cuenta con la participación de grandes nombres como el actor Rutger Hauer, a quien todos recordamos en la piel del replicante Roy Batty en Blade Runner, emocionándonos en el monólogo final de la película, uno de los grandes discursos de la historia de la ciencia ficción, al que el actor añadió varias frases de su 'cosecha'. Ante nuestras pantallas desfilarán otros actores, como Kenny Baker, que pasará a la Historia por interpretar al famoso robot R2-D2 en La Guerra de las Galaxias, El Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi. Intervienen también Peter Coyote, el agente Keys de E.T. el extraterrestre, William Shatner, el Capitán Kirk en Star Trek, Edward James Olmos, Zoe Saldana, Veronica Cartwright... o Nichelle Nichols, la teniente Uhura en Star Trek que, curiosamente, tras la cancelación de la serie participó en un proyecto especial de la NASA para reclutar minorías y personal femenino para la agencia espacial. En esta serie también comparten sus experiencias responsables de efectos especiales, como Douglas Trumbull, que firmó los de cintas de culto como 2001: una odisea del espacio o Encuentros en la Tercera Fase; autores como Ursula K. Le Guin, la primera mujer galardonada con el título de Gran Maestra por la Asociación de escritores de ciencia ficción y fantasía de Estados Unidos y directores de cine como John Landis, Joe Dante o Roland Emmerich.

Episodio 3.- Robots La idea de poder crear vida siempre ha fascinado a la sociedad. En este capítulo de la serie documental de la BBC se abordan desde los primeros pasos en este terreno, con la creación de Frankenstein, a la amenaza de Terminator y el mundo del ciberespacio. La creación de vida artificial es uno de los grandes temas de la ciencia ficción. Hay robots buenos como R2D2 o C3PO, pero nuestra fascinación por la tecnología y el poder de la ciencia nos ha llevado a temer sus usos perversos contra la humanidad, como en "Terminator", "Galáctica" o "Matrix". ¿Te gusta la ciencia ficción?. Estrenamos un trabajo de la BBC dividido en cuatro capítulos en el que directores, guionistas, actores y artistas gráficos comparten sus experiencias alrededor de cuatro conceptos recurrentes en la ciencia ficción: espacio, invasión, robots y viajes en el tiempo. La serie, que en su versión original está narrada por Steven Moffat, guionista de Doctor Who y Mark Gatiss, cocreador de Sherlock. La verdadera historia de la ciencia ficción cuenta con la participación de grandes nombres como el actor Rutger Hauer, a quien todos recordamos en la piel del replicante Roy Batty en Blade Runner, emocionándonos en el monólogo final de la película, uno de los grandes discursos de la historia de la ciencia ficción, al que el actor añadió varias frases de su 'cosecha'. Ante nuestras pantallas desfilarán otros actores, como Kenny Baker, que pasará a la Historia por interpretar al famoso robot R2-D2 en La Guerra de las Galaxias, El Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi. Intervienen también Peter Coyote, el agente Keys de E.T. el extraterrestre, William Shatner, el Capitán Kirk en Star Trek, Edward James Olmos, Zoe Saldana, Veronica Cartwright... o Nichelle Nichols, la teniente Uhura en Star Trek que, curiosamente, tras la cancelación de la serie participó en un proyecto especial de la NASA para reclutar minorías y personal femenino para la agencia espacial. En esta serie también comparten sus experiencias responsables de efectos especiales, como Douglas Trumbull, que firmó los de cintas de culto como 2001: una odisea del espacio o Encuentros en la Tercera Fase; autores como Ursula K. Le Guin, la primera mujer galardonada con el título de Gran Maestra por la Asociación de escritores de ciencia ficción y fantasía de Estados Unidos y directores de cine como John Landis, Joe Dante o Roland Emmerich.

Episodio 1. El Espacio ¿Qué pasaría si pudiéramos explorar el espacio en toda su inmensidad? Los viajes al espacio de Julio Verne dieron las primeras ideas acerca de abandonar nuestro planeta; luego vino la galaxia muy lejana de Star Wars, Star Trek... En este episodio se habla también de Avatar, de cómo Stanley Kubrick fue capaz de hacer que 2001 Una odisea en el espacio pareciera creíble o de las terroríficas escenas de Alien.En este episodio se habla también de Avatar, de cómo Stanley Kubrick fue capaz de hacer que 2001 Una odisea en el espacio pareciera creíble o de las terroríficas escenas de Alien. ¿Te gusta la ciencia ficción?. Estrenamos un trabajo de la BBC dividido en cuatro capítulos en el que directores, guionistas, actores y artistas gráficos comparten sus experiencias alrededor de cuatro conceptos recurrentes en la ciencia ficción: espacio, invasión, robots y viajes en el tiempo. La serie, que en su versión original está narrada por Steven Moffat, guionista de Doctor Who y Mark Gatiss, cocreador de Sherlock. La verdadera historia de la ciencia ficción cuenta con la participación de grandes nombres como el actor Rutger Hauer, a quien todos recordamos en la piel del replicante Roy Batty en Blade Runner, emocionándonos en el monólogo final de la película, uno de los grandes discursos de la historia de la ciencia ficción, al que el actor añadió varias frases de su 'cosecha'. Ante nuestras pantallas desfilarán otros actores, como Kenny Baker, que pasará a la Historia por interpretar al famoso robot R2-D2 en La Guerra de las Galaxias, El Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi. Intervienen también Peter Coyote, el agente Keys de E.T. el extraterrestre, William Shatner, el Capitán Kirk en Star Trek, Edward James Olmos, Zoe Saldana, Veronica Cartwright... o Nichelle Nichols, la teniente Uhura en Star Trek que, curiosamente, tras la cancelación de la serie participó en un proyecto especial de la NASA para reclutar minorías y personal femenino para la agencia espacial. En esta serie también comparten sus experiencias responsables de efectos especiales, como Douglas Trumbull, que firmó los de cintas de culto como 2001: una odisea del espacio o Encuentros en la Tercera Fase; autores como Ursula K. Le Guin, la primera mujer galardonada con el título de Gran Maestra por la Asociación de escritores de ciencia ficción y fantasía de Estados Unidos y directores de cine como John Landis, Joe Dante o Roland Emmerich.

Origenes del cine en España Las actividades correspondientes al documentar sobre el origen del cine en España: 1. Existían aparatos para captar la imagen en movimiento antes de que los Lumière rodaran su primera película, así que llevaron a cabo la creación del cine pero la imagen en movimiento ya existía. 2. Promio trajo el cine a España que fue creado por los Lumiere y lo presentó en Madrid y Barcelona. 3. Fueron grabados como “la salida de los obreros la fabrica” y otras acciones cotidianas. 5. La industrialización llegó a Cataluña antes que a Madrid por tanto Barcelona era la sociedad más industrializada y desarrollada. La burguesia estaba a atenta a una los aspectos culturales y modernos en los que invertir dinero. Contaban con gran público en la case obrera además, lo que llevo al cine a tener una mayor prosperidad. 6. Alberto Marro fue un director español nacido en 1878 y fallecido en 1956. Realizó cerca de 50 películas en las que participaba como director o director de fotografía. Fructuoso Gelabert: es considerado como un pionero del cine español. Alternó la filmación de reportajes (Salida de los trabajadores de La España Industrial y Salida del público de la iglesia parroquial de Sants) con el cine de ficción. Adquirió una cámara Lumière en 1897, y tras estudiarla detenidamente, construyó su propia cámara, la primera en España. Es el director de la que se puede considerar la primera película con argumento española, Riña en un café, y que había grabado con la cámara que había construido él mismo. 7. Patria Films fue una productora creada por Benito Perojo. Fue creada en la década de los diez, y cuyas producciones más famosa fueron “Como hacer un periódico” (1913) y “Peladilla” (1915) en las que Benito Perojo creaba e interpretaba a un personaje muy similar con Charlot, el famoso personaje de Chaplin. Atlántica fue una productora creada por la actriz, productora y directora Pilar Sueiro y el director y guionista Juan Pinzás. Los dos procedían del cine independiente de pequeño formato. La productora Atlántica pretende estar al servicio de un cine de calidad, personal y creativo. 8. Benito Perojo: Nació en 1894 y fue un director, guionista y productor de cine español.Intervino en todas las ramas de la cinematografía y fue incluso actor. Se caracteriza por las adaptaciones literarias y el uso frecuente de temas relacionados con el folclore patrio, lo que le dio la aceptación de las masas. Peladilla: fue un personaje cómico, basado en una imitación del Charlot de Chaplin, creado por Benito Perojo e interpretado por él mismo. En 1915, rodó cuatro divertidos cortos del personaje, pero cambiando los ambientes del lumpen norteamericanos por ambientes castizos.

Un joven alumno de la Universidad de Georgetown, donde cursaba estudios de literatura, quedó sumamente sorprendido el mes de agosto de 1949 al observar una noticia publicada en el diario Washington P...ost: "Un sacerdote libra a un joven de Mount Rainer de las garras del demonio". Éste joven estudiante, William Peter Blatty, transcurridos veintidós años del suceso relatado por la prensa, una vez investigados los hechos y cambiada la identidad del auténtico joven protagonista de la historia por el de una niña (al parecer por consejo explícito del padre William S. Bowden, sacerdote que practicó exorcismo), relató los hechos en una novela, El Exorcista, que acabó convirtiéndose en un auténtico best seller mundial, vendiendo, tan solo en los Estados Unidos, la friolera cantidad de trece millones de ejemplares. Dos años más tarde (1973), dirigida por William Friedkin y con el propio Blatty como guionista, se estrenó la película del mismo nombre. La verdadera historia de El Exorcista todavía esconde algunos secretos que vale la pena conocer. Todos los amantes del cine de terror, y todos sus fóbicos, seguramente habrán visto la película en donde una muchacha es poseída por el demonio (luego de jugar imprudentemente con un tablero Ouija) y el exorcismo que se practica sobre ella para extirparle el demonio que lleva dentro. Esto es lo que todos conocemos acerca de El Exorcista, pero hay más, mucho más, en la historia de esta película; para muchos, la mejor película de terror que jamás se haya realizado.

En este documental se describre como las fuerzas armadas norteamericanas por medio de su "Oficina de Asuntos Publicos" firma contratos de colaboracion para prestar material militar a cambio de "adaptar" los guiones de peliculas de tema militar. La oscura relación entre Hollywood y el Ejército de EUA (el control mental militar del cine) HOLLYWOOD Y EL PENTÁGONO HAN COPULADO EN LA OSCURIDAD DESDE LOS INICIOS DE LA INDUSTRIA DEL CINE Y DE PASO HAN COPULADO CON TU MENTE CON UNA INCESANTE —A VECES SUTIL, A VECES EXPLÍCITA— PROPAGANDA, QUE ES LO QUE SUSTENTA LA DEMENCIA PLANETARIA QUE PERMITE QUE VIVAMOS EN GUERRA. Parte fundamental del entretenimiento es que el producto final no revela lo que hay detrás: esto es lo que ha sido llamado “la magia del cine”. No vemos los monumentales sets (maquetas, animaciones digitales o cartón); no vemos a los cientos de personas que participan para lograr una toma; no vemos, en lo absoluto, las cámaras, las luces, los micrófonos y toda la tecnología que permite que la imagen con todo su brillo y poder entre a tu mente. Pero tampoco vemos, a menos de que seamos muy atentos, la ideología y la propaganda que motiva, de raíz, los programas y películas de “mero entretenimiento” que millones de personas ven todos los días. Como expondremos aquí, basándonos en datos verificables, todos somos objeto de una operación propagandística de control mental, que tiene uno de sus frentes más claros y mentalmente más invasivos en la relación entre el Ejército de Estados Unidos y Hollywood, tanto, que es apropiado hablar de estas industrias como una sola de Entretenimiento-Militar (o Military-Entertainment Complex, como se le llama en inglés). Esta estrecha relación se basa en una conveniente dependencia entre ambas industrias. Por una parte Hollywood necesita de los “juguetes” del Ejército para filmar cualquier escena de guerra o incluso del género futurista (usando tecnología que dé verosimilitud); por otra parte, el Pentágono necesita de la difusión, del marketing de Hollywood para promover un perenne estado de guerra, convencer a los ciudadanos de enlistarse en la milicia o mostrarse complacientes con un Estado que tolera que sus contribuciones sean usadas para financiar la monstruosa máquina bélica. La publicidad directa, el Ejército lo ha notado, no es tan efectiva como la glorificación de la guerra y la empatía que logran, con todo el arte dramático, los magos del show business, los forjadores de sueños del bosque sagrado de Hollywood. Además existe un lazo profundo entre los grandes estudios de Hollywood, sus dueños y los dueños de las grandes compañías como General Electric, NBC y Universal, que también tienen participación en la industria militar. Un negocio redondo. Cuando podríamos pensar que la sociedad está cansada de la guerra, se viene, necesariamente para dinamizar esta economía neuropolítica, una cuantiosa camada de cintas que exaltan el espíritu de la guerra y lo incrustan en la profundidad de la psique de los ciudadanos —que a fin de cuentas son los que pagan, lo mismo los boletos de cine que los misiles y aviones de guerra. David Sirota, cuyo trabajo encomiamos por dar a conocer en el mainstream la colusión entre Hollywood y el Pentágono, advierte que se aproxima una serie de películas cuyo objetivo es ensalzar a los Navy Seals y, claro, reforzar la ideología pro-guerra. El director Peter Berg acepta incluso que en su próximo tributo cinematográfico a los Seals contó con la aprobación del Pentágono. “La idea de una vieja cinta de combate, en la que la política está muy clara —apoyamos a estos hombres— fue más atractiva para ellos”, dijo Berg, haciendo notar que la película será “un desinhibido tributo a la valentía de los Seals”. Saquen los violines, las gotas perladas de su sudor en close-up, los lentes de nightvision y las ráfagas de artillería de última generación. La renombrada dierctora Kathryn Bigelow (primera mujer en ganar el Oscar al mejor director y esposa del agente de la industria militar, James Cameron) es la elegida para dirigir la oda fílmica a la captura de Osama bin Laden. La película hará uso de información clasificada brindada por la CIA y evidentemente contará una historia para que se regodee el Pentágono. “La misión fue un triunfo estadounidense, tanto heroico como apartidista, y no hay ninguna base para sostener que nuestra película representará esta enorme victoria de otra forma”, dijo Bigelow, endulzando los bigotes de los peces gordos del Pentágono. Ahora veamos que esta connivencia, como brazo de propaganda, es tan vieja casi como la industria del cine y mucho más sutil y poderosa que lo hecho por Goebbels. FUEGO AMIGO: UNA BREVE HISTORIA DE AMOR ENTE HOLLYWOOD Y LA INDUSTRIA MILITAR David L. Robb documenta en su libro Operation Hollywood la enorme cantidad de películas que han sido subvencionadas y avaladas por la industria militar. Esta sociedad, que a fin de cuentas hace su merchandising sobre la mente de las masas, se sella cuando Estados Unidos entró a la Primera Guerra Mundial, estableciéndose paralelamente el Comité de Información Pública que formula las pautas a seguir para promover el apoyo doméstico. En 1917 el diario de la industria del cine, Motion Pictures News, proclama: “Todo individuo trabajando en la industria ha prometido proveer afiches, películas, tráilers y negativos para esparcir la propaganda necesaria para la inmediata movilización de los grandes recursos de la nación”. La ganadora del primer Premio de la Academia a la Mejor Película, Wings (una especie de proto Top Gun de 1927), contó con todo el apoyo del Pentágono. Con la entrada de Estados Unidos a la Segunda Guerra Mundial la colaboración se expandió niveles inéditos. Los estudios de Hollywood produjeron, a la velocidad de las palomitas de maíz, una serie de dramas de guerra para exaltar el heroismo del esfuerzo estadounidense en combate. Numerosas películas se produjeron, pero quizás la más conocida sea el documental Why We Fight, presentado en siete entregas (1942-1945), obra del brillante director Frank Capra (italiano de origen), quien en cierta medida jugó el mismo papel que Leni Riefenstahl en la Alemania Nazi. En los años 50 la milicia trabajó con Lassie para mostrar nueva tecnología militar y produjo “Mouse Reels” para el Mickey Mouse Club: uno de los programas mostraba a unos niños visitando el primer submarino nuclear (eso es lo que se llama formar futuros). Al respecto el periodista David Robb descubrió un memorándum del Pentágono, de esa misma época, en el que sea hacía notar que la producción mediática enfocada en los niños “es una excelente oportunidad para introducir a una nueva generación a la Marina nuclear”. Los niños siguen siendo el blanco del Pentágono. Como afirma David Sirota en su nuevo libroBack to Our Future, buena parte de la industria de los videojuegos fue subsidiada en el inicio por contratistas militares, de donde se entiende por qué la mayoría de los primeros juegos tuvieron una inclinación marcial (Atari Combat, Misile Command, Contra, etc.) Y si bien esto es algo que aún prevalece, será el tema de un artículo próximo. Sin embargo, la influencia del Pentágono no se limita a películas de guerra o videojuegos. La comedia disparatada Stripes, con Bill Murray, fue drásticamente alterada en su preproducción, evitando mencionar las bases militares y la influencia del Ejército de Estados Unidos en América Latina. Jurassic Park III (2001) recibió dos helicópteros Seahawk, cuatro vehículos anfibios de asalto y ochenta miembros de la fuerza naval para redar una playa al final de la película (porque además, por si lo anterior no bastara, en la nueva gama de películas de Navy Seals se obliga a los soldados a ser actores). Esto se dio bajo el acuerdo de hacer “product placement” militar. Un beauty shot muestra el logo de la Fuerza Naval durante el momento cumbre del rescate de los protagonistas y se incluyó una línea de diálogo donde se agradece a los marines (esos héroes de la forzada imaginaria pop). Se sabe bien que películas como Rambo y Top Gun aumentan el reclutamiento militar. Según la Fuerza Naval, el estreno de Top Gun hizo que aumentara hasta 400% el número de jóvenes que se enlistaron para la aviación naval. Tanto se entusiamó el Ejército por dicha película que incluso organizaron eventos de reclutamiento en las salas de cine —pretendiendo vorazmente canalizar la fresca inspiración pro militar de la cinta. “Los chicos salían de la sala con los ojos tan grandes como platillos y decían ‘¿Dónde firmo’”, declaró el mariscal David Georgi (“¡Hey! ¡Tú puedes ser el próximo Maverick!”). Incluso hoy en día, como parte de ese tenebroso feedback, se nombran misiones militares con personajes y códigos de la película Top Gun y otras fantasías militares de los ochenta, implantando estos memes en las psiques de “Los lobeznos que han crecido y han ido Irak”, según se refiere el Ejército a esa generación. Asesores especiales militares reciben un nombramiento especial para asegurarse que los directores no intenten introducir innovaciones fuera del guión que se alejen de las directrices del Pentágono. El mariscal David Georgi, asesor de la película Clear and Present Danger, le dijo a Robb: “Siempre está en la mente de los productores intentar darle un giro a la película en la dirección original que nos habían presentado [...]. Es mi trabajo como consejero técnico asegurarme que la película no se desvíe sustancialmente de la versión aprobada” (Operation Hollywood, p. 38). Esta intereferencia es tal que hoy en día ni siquiera la tratan de ocultar. La Oficina de Entrenimiento de la Fuerza Aérea incluso tiene su propio sitio web Wings over Hollywood y la CIA nombró en el 2001 a su asesor oficial para la industria del cine. Después del 11 de septiembre el principal asesor político de George W. Bush, Karl Rove, se reunió con los jefes de las grandes casas productoras para obtener su apoyo en la guerra contra el terror. En junio de este año, Michelle Obama reunió a 500 productores, escritores y actores en Los Ángeles para pedirles que incorporaran más historias militares familiares al entretenimiento como parte de la iniciativa de la Casa Blanca ”Joining Forces”. Entre las películas más recientes que han contado con el apoyo de equipo militar se encuentran los blockbusters Trasnformers 3 y Battle of Los Angeles (una película en la que el Ejército lucha contra unos OVNIs, algo que podría ser parte de la nueva gran agenda de programación predictiva del Pentágono: extraterrestres y transhumanismo). En contraste, hay que resaltar las películas que no recibieron apoyo de la industria militar porque sus directores se negaron a modificar la historia: The Last Detail (1973), Apocalypse Now (1979), An Officer and a Gentleman (1982), Born on the Fourth of the July (1989) y Forrest Gump (1994). Por otra parte, como señala David Robb, la manera preferencial en la que el Pentágono apoya a ciertas películas y a otras no es una violación de la Primera Enmienda de Estados Unidos, en la que se hace manifiesto no solo el derecho a la libre expresión, sino también que el gobierno no deberá favorecer una expresión sobre otra. La infraestrcutura militar de Estados Unidos le pertenece a los ciudadanos, por lo cual, en teoría, no debería de comportarse como una corporación privada en la que se puede escoger, arbitrariamente, con qué empresa se trabaja. En todo caso se debería de licitar el uso de su tecnología a cualquier película y no solo a aquellas que aceptan glorificar sus intereses. Hoy en día un manojo de compañías controlan el cine en Estados Unidos, princpalmente Disney, AOL-Time Warner, Sony, General Electric, News Corporation y Seagram. Los intereses de estas compañías generalmente están alineados con los de la industria militar y sus contratistas, como parte de una gran obra (sangrienta) de ficción planetaria. Como dijera Rupert Murdoch en el 2003, después de la invasión de Irak, una ocupación exitosa bajaría los precios de petróleo y beneficiaría la economía: “Esto sería más grande que cualquier reducción de impuestos en cualquier país”. Lo que vemos, y hay que llamarlo por su nombre, es una sociedad semisecreta, a caballo entre el poder político-militar y el poder de entretenimiento-económico, intercalando posiciones hasta fundirse en un aparato de control único. La sociedad del espectáculo en la que vivimos no es solamente la casualidad del mercado libre y de la naturaleza humana de buscar entretenimiento o de consumir historias. Lo sabían los grandes políticos griegos: el teatro es el perfecto escenario de adoctrinamiento justamente porque los ciudadanos no lo rechazan reempaquetado, glamorizado y supuestamente libre de la ideología política oficial. El cine es el aparato de adoctrinamiento más poderoso inventado hasta la fecha porque simula la realidad al incorporar todas las artes en un mismo flujo, convirtiéndose en una extensión de nuestros sueños, de nuestras imágenes mentales y, por lo tanto, penetra el inconsciente, donde implanta sus semillas. Esta frase de F.Scott Fitzgerald (citado por Jason Horsley) encierra la magnitud de esta brujería: “La películas nos han robado nuestros sueños. De todas las traiciones esta es la peor”. Sueños minados, mentes militarizadas. Para que el mundo permita que siga sana y campante la industria de la guerra (algo totalmente demente) se necesita una imperceptible lobotomía de la mente global. ¿De qué otra forma aceptaría un joven ir a morir a una tierra lejana solamente para que los CEOs de las grandes compañis petroleras, de los bancos, de las grandes productoras, engrosen los ceros en sus cheques a fin de año? ¿De qué otra forma odiaríamos a los habitantes de un país que no conocemos y que no nos han hecho nada (solo han agredido un supuesto ideal), que viven a miles de kilómetros, si no somos bombardeados mentalmente para conseguir el efecto de que percibamos a estas personas como malignas y pensemos que debemos destruirlas en pro de la libertad o alguna otra abstracción? Así que si alguna vez te habías preguntado por qué incluyen balaceras y persecuciones injustificadas en casi todas las películas de Hollywood, ahí tienes tu respuesta. Ahora pide que te regresen un cerebro que pueda estar en paz.

Iker Jiménez analiza en su programa la vida y muerte de los protagonistas de películas como "Perros callejeros", "Navajeros", etc. Dicen que en un casting del director Eloy de la Iglesia había más síndrome de abstinencia que en diez conventos de clausura. A uno de los padrinos del cine quinqui le gustaba emborracharse de realidad para repartir personajes en sus películas. Esa realidad de cucharas ennegrecidas, elásticos mohosos y pelotillas de papel de plata. Las papelinas como papel protagonista. Un cine profético que condenaba a los actores a interpretarse a sí mismos a ‘caballo’ del guión-oráculo y la jeringuilla compartida. Pero no fue el bueno de Eloy más que uno de los mecenas de un subgénero arraigado al Campo de la Bota, las VPO del barrio de la UVA o un pequeño estanco en Vallecas. El director José Antonio de la Loma bautizó el género pariendo tres sórdidos Perros Callejeros a finales de los setenta, poco después de abandonar el ejercicio del magisterio para jóvenes marginales en otro barrio de putas con cultura: el chino de Barcelona. Al otro lado de la realidad, la España de Naranjito crecía fascinada viendo quemar supermirafioris a el Meca (Jesús Arias Aranzueque) en Deprisa, Deprisa; pirómano drogado por el fuego y su hedor a ‘plasticurri’. Con el dolor inhumano de la cercenación fálica de el Torete (Ángel Fernández Franco) en Perros Callejeros. O la falsa candidez angelical de un José Luis Manzano embrutecido por las tetitas de la Verdú en La Estanquera de Vallecas. Homenaje cañí a las ubres de la Amarcord de Fellini. Los tres actores acabaron sin lechugas y matando las malvas de sus tumbas con toda la mierda acumulada en sus venas. La droga atrapó a esos delincuentes juveniles tanto como los vaqueros acampanados a sus genitales. El plató de la calle solo hizo pública sus vidas para retrasar o acelerar —según se mire— el empujón a ese abismo sin retorno. Algunos, como a José Antonio Valdelomar, les valió una sola película (Deprisa, Deprisa) para desvirgarse en la farándula y asomarse rápidamente al precipicio. Se perdió el estreno porque le detuvieron antes atracando ‘cinematográficamente’ —según la ‘pasma’— una sucursal bancaria en la madrileña calle Ríos Rosas. Por 167 ‘napos’. Del atestado policial se filtró su confesión de tirarse al ‘jaco’ durante el rodaje del film de Carlos Saura “para dar más realismo a mis escenas”. Un Stalisnaski dopado y con síndrome de abstinencia. Murió de sobredosis en Carabanchel unos años después. No fue el único. Esta simbiosis entre ficción y realidad se explica una y otra vez con el anecdotario de los suculentos rodajes. Recién estrenados los ochenta, Eloy de la Iglesia dio la alternativa a José Luis Manzano en Navajeros. Un joven de diecisiete años que no sabía leer ni escribir y que probablemente solo balbucease la jerga suburbial de la UVA de Vallecas, ideal para alimentar el hiperrealismo ratero de estas estrellas analfabetas y convertirse en una versión barata y castiza del Neorrealismo de Pasolini. Por eso, en su primera película, tuvo que ser doblado a su propia lengua madre. El rodaje transcurrió entre la clandestinidad, las clases de lectura y dicción pagadas por Eloy y las descomunales bacanales en su piso. La productora exigía rodar en cinco semanas pero los permisos del ayuntamiento de Madrid no llegaron y decidieron salir a la calle puestos y con lo puesto. En una de las escenas, José Luis Manzano —que daba vida a el Jaro— tenía que robar las bolsas de la compra a una actriz que paseaba por la calle confundida entre peatones ajenos al rodaje. Le arrancó las bolsas a la carrera, para más tarde ser apaleado y llevado a comisaría en volandas por los mismos peatones que ignoraron la cámara de Tony Cuevas. No fue la única vez. “Hay un mimetismo en lo escabroso, y vas entrando en unas áreas de sordidez alucinante. Es un miedo incontrolado que no deja de atraerte. Yo descubrí en mí mismo eso de lo que tantas veces te permites hablar y opinar: lo marginal.” Eloy de la Iglesia. La vida de Jose Luis Manzano se entiende más por sus películas que por foros y hemerotecas. Fábula y certeza se funden en el documental antropológico que fue su existencia. Las estrellas quinquis como él —mitos de la marginalidad— no interpretaban, simplemente vivían al límite. Unas veces con cámara de testigo y otras a solas con el mono. Discernir eso es lo que nos enganchaba a todos. En realidad Eloy apadrinó legalmente a Manzano y se lo llevó a su casa para sacarle de una marginalidad de los que se sabían pobres y meterle en otra de los que se creían ricos. Y lo hizo hasta tres veces. Cuando Eloy de la Iglesia cayó en el mismo pozo con el que había estado cinco películas coqueteando, Manzano ya vivía en la calle, el Pirri —su amigo de rodajes— había muerto de sobredosis y lo más parecido al cine quinqui era El Lute de Imanol Arias. Manzano fue rescatado del despeñadero por Pedro Cid, un sacerdote de Getafe especializado en síndromes de abstinencia de jóvenes excluidos. Pero cada vez que Eloy veía a Manzano recuperado le lanzaba el cebo de sus mejores recuerdos. Y Manzano sucumbía de nuevo a los encantos de la ‘dama blanca’. Y vuelta a empezar con el cura. Así hasta 1991, cuando el chico fue detenido y condenado a 18 meses de cárcel por robar un bolso en la Gran Vía al estilo de el Jaro. La Quinta Galería de Carabanchel fue su tumba. Salió para morir en el retrete del piso de Eloy el 20 de febrero de 1992. Su juguete se rompió definitivamente. No más alucinaciones. “Todo el mundo puede pensar que he utilizado a estos chicos. Mentira. Es al revés. Ellos me han utilizado a mi como un medio de expresión para dar a conocer su problema. Si la película crea ambiente se podrán pedir responsabilidades. Para mi esa responsabilidad empieza en la Administración”. José Antonio de la Loma sobre Perros Callejeros El Torete era el príncipe del ‘chocolate’. El mote artificial fue obra de José Antonio de la Loma para la película Perros Callejeros, pero en la calle le conocían antes como el Trompetilla, por la corneta de su padre. Canutos, gasolina y jaco. Zancos para llegar a los pedales. Bordón 4 y los Chichos de banda sonora y una mujer como directriz y columna vertebral en su corta pero intensa existencia: la Sole. Con 15 años ya había participado en más de 100 atracos a gasolineras y joyerías con la banda de Pepe ‘el Majara’ pero “Sin una gota de sangre y sin robar a un pobre” como le gustaba recordar. Según el Vaquilla, Ángel Fernández Franco no tenía madera de delincuente y era un poco blando. Pero a él mismo le gustaba recordar en todas sus entrevistas que inspiró aquella escena de duelo en Perros Callejeros retando de pie, sin inmutarse, al coche de policía a variar su trayectoria. El Torete falleció de un SIDA prestado en jeringuilla en 1991, cuando estaba intentando rehacer su vida con su mujer e hijo en Murcia. Otra cruz más. Torear a el Vaquilla fue aún más complicado. Juan José Moreno Cuenca no vestía la candidez, ingenuidad y docilidad de Manzano o de el Torete. Era un delincuente crónico, maduro y enquistado en su redención. Su cara daba más miedo y su currículo, antes de su primera película, incluía ya tres hermanos muertos trágicamente, 13 años de experiencia carcelaria, un motín y una mujer fallecida accidentalmente aplastada bajo las ruedas del ‘buga’ cuando forcejeaba por su bolso. Un reptil tan escurridizo que fue encarcelado aún siendo menor de edad y fuera de toda legalidad para evitar sus constantes huidas de los reformatorios. Era el niño de la Cárcel Modelo y un pésimo actor que daba muy mal a cámara. Tanto que José Antonio de la Loma, después del casting para Perros Callejeros y sin la autorización pertinente del juez, no contaría con él para interpretar a el Torete, su alter ego en el celuloide. Su debut y esperpento interpretativo tuvo que esperar a la primera escena de su biopic: Yo, el Vaquilla. “El Torete, el Vaquilla y sus compañeros robaban, a sus 12 años, 5 o 6 coches cada día solo por el placer de conducir. Eran unos mocosos que rompían a llorar cuando se les detenía”. Miguel Infantes García, Jefe de la Policía Judicial de Poble Nou. “Dale caña, Torete, que es robado”… fue uno de los gritos de guerra de toda una generación de espectadores embobados por la realidad paralela de extrarradio. Espectadores que mezclábamos las andanzas de Parchís con las de el Torete, las aventuras de Enrique y Ana con los pajotes de el Pirri o las canciones de Teresa Rabal y las bellotas con nivea de los Colegas Manzano y Antonio Flores. ¡No nos pidáis cordura ahora!. La saga quinqui fue para algunos solo una escuela de delincuencia. El verdadero Jaro confesaría más tarde que aprendió y puso en práctica técnicas delictivas —como el tirón a la abuelita— después de ver a el Torete en Perros Callejeros. Nada más lejos de la realidad, la verdadera escuela de criminalidad fue el índice de paro de finales de los setenta, legado del régimen franquista y del vacío institucional de una supuesta ‘transición modélica’. Todo ello regado con la nieve y el caballo importado por la burguesía adinerada y por las clases sociales más castigadas por la reconversión industrial, saltando de vena en vena hasta convertirse en la pandemia adictiva de toda una generación. “El problema de Perros Callejeros nace con el crecimiento excesivo de las ciudades. Todos vienen atraídos por las fábricas, el dinero, las horas extras. Llegan, no tienen trabajo, duermen donde pueden, los chavales anodadados… Se mezclan con los habituales de la delincuencia, no van a la escuela. No hay dinero o no quieran invertirlo en eso, no sé. Entonces se sublevan contra sus propios limites”. José Antonio de la Loma

Días de cine Una de las mejores películas de Alfred Hitchock, y por tanto de la historia del cine. Un personaje inolvidable, el Norman Bates interpretado por Anthony Perkins. Y varias escenas para la posteridad, destacando el asesinato de Janet Leigh en la ducha. 4 nominaciones al Oscar.

Inventor del largometraje animado, fabuloso narrador y fantástico creador de imágenes, Walt Disney creó su propio universo antropomórfico recogiendo en sus largos viajes todos los cuentos, leyendas y tradiciones europeas, y adaptándolas a las tendencias artísticas europeas de todas las épocas. Walter Elias "Walt" Disney (diciembre 5, 1901 a diciembre 15, 1966) fue un productor de cine, director, guionista, actor de doblaje, animador, empresario, artista, icono internacional y filántropo, conocido por su influencia en el campo del entretenimiento durante el siglo 20. Junto con su hermano Roy O. Disney , fue co-fundador de Walt Disney Productions, que más tarde se convirtió en uno de los productores más conocidos de imágenes en movimiento en el mundo. La corporación que hoy se conoce como The Walt Disney Company y tuvo un ingreso anual de aproximadamente 36 dólares EE.UU. millones de dólares en el ejercicio 2010. Disney es particularmente conocida como productor de cine y un showman popular, así como un innovador en la animación y el parque temático de diseño. Durante su vida recibió cuatro honoríficos premios de la Academia y ganó 22 premios de la Academia, de un total de 59 nominaciones, incluyendo un récord de cuatro en un año, lo que da más premios y nominaciones que cualquier otra persona en la historia. Disney también ganó siete premios Emmy y dio su nombre a la Disneyland y Walt Disney World Resort parques temáticos en los EE.UU., así como de la internacional resorts Tokyo Disney Resort , Disneyland Paris y Hong Kong Disneyland .

Cuando el 28 de diciembre de 1895 Méliès asistió invitado por los Lumière a la primera representación del Cinematógrafo, decidió comprarles una máquina inmediatamente, pero ellos se negaron a vendérsela. Empeñado en hacerse con el invento, optó por construir su propia máquina cinematográfica. El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin; eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière. Su estilo evolucionó rápidamente buscando crear películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo. Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, y también lo fue en la exposición múltiple del negativo (doble sobreimpresión) y los fundidos a negro y desde negro. Invirtió una gran cantidad de dinero para la creación del que se consideró el primer estudio de cine, en el que se utilizaron sistemas mecánicos para ocultar zonas al sol, trampillas y otros mecanismos de puesta en escena. En 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna. En ella la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la Luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella. Méliès intentó distribuir comercialmente Viaje a la Luna en Estados Unidos, pero técnicos que trabajaban para Thomas Alva Edison lograron hacer copias de la película y las distribuyeron por toda Norteamérica, y a pesar de que fue un éxito, Méliès nunca recibió dinero por su explotación. Creador de alrededor de quinientas películas, la paulatina transformación de la industria (monopolizada por Edison en Estados Unidos y Pathé en Francia), junto con la llegada de la Primera Guerra Mundial, afectaron a su negocio, que fue declinando sin remedio. En 1913 se retiró de todo contacto con el cine.

Podemos definir la ciencia ficción como un género literario y, también hoy en día, cinematográfico que se centra en la anticipación científica de acontecimientos y de entes situados en tiempos y espacios ficticios; sus grandes núcleos temáticos son: la conquista del espacio, los extraterrestres, los viajes a través del tiempo, la utopía social y científica y el hombre del futuro. La concepción más tradicional de éste genero supone que tiene su punto de partida en las obras de sus dos principales precursores, J. Verne (1828-1905) y H.G. Wells (1866-1946), cuyos libros establecieron los modelos más fecundos del género: la anticipación científica del futuro: «Veinte mil leguas de viaje submarino (Verne)», «La vuelta al mundo en ochenta días (Verne)», «La isla misteriosa (Verne)», «La máquina de explorar el tiempo (Wells)» (1895), «La isla del doctor Moreau (Wells)», «El hombre invisible (Wells)»; la aventura espacial: «De la Tierra a la Luna (Verne)», «La guerra de los mundos (Wells)» (1898), «Los primeros hombres en la Luna (Wells)» (1901) y la utopía social: «Anticipaciones (Wells)» (1901), «El mundo liberado (Wells)» (1914), «La forma de las cosas que vendrán (Wells)» (1933). John Clute en su Encliclopedia de la Ciencia Ficción propone como punto de partida la excepcional obra de Mary Shelley Frankenstein, denominando Proto CF a toda obra anterior "cuando sus elementos fantásticos y realistas se describen como si fueran parte de la misma realidad general". A este respecto mi visión de la novela de anticipación es un tanto más amplia. ¿Género literario reciente? Podemos decir que como genero literario estructurado y considerado, la ciencia ficción (CF en adelante) es relativamente reciente; por otro lado tiene antecedentes claros en lo que hemos dado en llamar genéricamente "literatura fantástica" y las ficciones fantásticas son anteriores a las letras.

Géneros del cine: ciencia ficción Características Utiliza representaciones imaginativas basadas en la ciencia de fenómenos imaginarios como extraterrestres, planetas alienígenas y viajes en el tiempo, a menudo junto con elementos tecnológicos como naves espaciales futuristas, robots y otras tecnologías avanzadas. Elementos más habituales Tiempo: Especialmente el futuro y, en ocasiones, el viaje a través del tiempo. Lugar: Los planetas, el cosmos. Decorados: Cotidianos o futuristas. Accesorios: Naves espaciales, coches, robots, alta tecnología… Temas: La conquista del espacio, los extraterrestres hostiles o aceptados, el temor a una sociedad tiránica, las mutaciones provocadas por la fisión del átomo en el animal y en el hombre, el miedo al desastre ecológico, a la catástrofe atómica, al fin del mundo… Evolución: Años 1900-1930 Tradicionalmente se diría que Viaje a la Luna (1902) fue la primera película de ciencia ficción de la historia, pero en realidad pertenece más al género burlesco que al de ciencia ficción. Por esto, la película considerada pionera debería ser Metrópolis (1927). Evolución: Años 1900-1930 Varias películas utilizaban por entonces la mezcla entre ciencia ficción y terror (películas como Frankenstein , 1910; Dr. Jekyll y Mr. Hyde , 1912). Aunque destacó en especial la adaptación en 1912 de la novela de Julio Verne 20.000 Leguas de Viaje submarino . Y a partir de los años 20 se empezó a utilizar con más frecuencia los viajes a otros mundos, como en La mujer en la Luna (1929). Evolución: Años 1930-1960 Desde la década de 1930 hasta la de 1950, con la invención del cine sonoro, el género consistía principalmente en películas de serie B, de bajo presupuesto. Reconociendo como importante largometraje a destacar, King Kong (1933). Evolución: Años 1930-1960 En los años 40, con la aparición del color en el cine, se hicieron famosos la película Dr. Cyclope (1940), la primera película de ciencia ficción filmada en color, y los cortometrajes de Superman. En la década de los 50, algunas películas examinaban la temática del viaje espacial y, con esto, la idea de criaturas que llegan a la Tierra desde otros planetas, como El enigma de otro mundo (1951). También se comenzó a utilizar la técnica de efectos especiales conocida como stop-motion en películas como Herat vs. Flying saucers (1956). Evolución: Años 1960-1980 En la década de 1960 hubo bastantes menos películas que en la década anterior, pero tras el éxito de Stanley Kubrick en 1968 con 2001: Una Odisea en el Espacio , el cine de ciencia ficción fue tomado más en serio y otra película muy reconocida y digna de mención fue El planeta de los Simios (1968). A finales de la década de 1970, películas de presupuesto alto con efectos especiales se convirtieron en populares entre la audiencia. Evolución: Años 1980-Actualidad Películas como Encuentros en la tercera fase o La Guerra de las Galaxias fueron las que allanaron el camino de éxitos de ventas en las siguientes décadas como E.T. El extraterrestre (1982) o Men in Black (1997). Desde entonces, y con los avances tecnológicos de los que se puede disponer, las películas de ciencia ficción han alcanzado un nivel muy alto en la sociedad entre todos los géneros cinematográficos. Subgéneros La ciencia ficción como tal abarca muchos términos, que se podrían agrupar según algunos criterios: Ciencia Temas Enfoques Género Mixto Subgéneros: ciencia Dura: Hace especial hincapié en la exactitud de los detalles científicos, y más específicamente en las llamadas "Ciencias Duras" o ciencias exactas, como la física o la astronomía. Blanda: Se centra en las relaciones y sentimientos personajes, mientras que la información sobre la tecnología y las leyes físicas quedan en un segundo plano. Social: Concede mayor importancia a la especulación sobre el futuro de la sociedad humana que a la tecnología. Subgéneros: temas Biopunk: Trata una sociedad revolucionaria basada en la biotecnología. Apocalíptica o post-apocalíptica: Se tratan historias en un escenario futurista en el cual sucede una gran catástrofe mundial. Militar: Los personajes principales son miembros de una entidad militar y tiene lugar un conflicto armado, normalmente en el espacio o en otro planeta. Colonización espacial: Historias centradas en la conquista del espacio exterior a manos de los seres humanos. Space opera: Concede especial importancia a los sentimientos de los personajes, las aventuras que les suceden y los escenarios donde se desarrolla la acción. Steampunk: Trabajos ambientados en una época de la Inglaterra victoriana, pero con inventos tecnológicos ficticios o desarrollos tecnológicos equivocados. Robótica: Historias basadas en el desarrollo de la robótica y de la inteligencia artificial.- Retrofuturismo: Utiliza la imaginería futurista anacrónica de los años 40 y 50 para generar un ambiente de ciencia ficción novedoso. Viajes en el tiempo: Deriva de la especulación sobre el viaje temporal. Subgéneros: enfoques Cristiano: Hay temas del cristianismo que caen sobre el subgénero de ciencia ficción espiritual. Feminista: Se centra en el análisis del papel de la mujer en nuestro mundo, reflexionando sobre nuevos modelos de sociedad mediante la creación de situaciones ficticias. Cyberpunk: Mezcla ciencia avanzada junto con algún grado de desintegración o cambio radical en el orden social. Subgéneros: género mixto Ciencia ficción fantástica: Combina los elementos de la ciencia ficción con los de la fantasía. Ciencia ficción humorística: Crea un efecto cómico para parodiar el género. Ciencia ficción policiaca: La ciencia ficción opera como marco temático para una historia policiaca. Space western: Está ambientado en el espacio y combina los elementos de la ciencia ficción con los motivos de frontera del western. Tecno-thriller: Combina la ciencia ficción dura con el thriller policiaco. Películas clave Metrópolis (1927) La mujer en la Luna (1929) Frankenstein (1931) La vida futura (1936) Con destino a la Luna (1950) Ultimátum a la Tierra (1951) La guerra de los mundos (1953) La humanidad en peligro (1954) Godzilla (1955) Planeta prohibido (1956) El increíble hombre menguante (1957) La hora final (1959) El pueblo de los malditos (1960) La pista (1962) Lemmy contra Alphaville (1965) Viaje alucinante (1966) ¿Qué sucedió entonces? (1967) 2001: Una odisea en el espacio (1968) THX 1138 (1970) La naranja mecánica (1971) Solaris (1972) Sucesos en la IV fase (1973) La Guerra de las Galaxias (1977) Star Trek (1979) Tron (1981) E.T. El Extraterrestre (1982) Terminator (1984) Regreso al Futuro (1985) Robocop (1987) Cariño, he encogido a los niños (1989) Eduardo Manostijeras (1990) Parque Jurásico (1993) Mars Attacks (1996) Men in Black (1997) Aramageddon (1998) Matrix (1999) Misión a Marte (2000) Olvídate de mí (2004) Sky High: Una escuela de altos vuelos (2005) Soy Leyenda (2007) Avatar (2009)