La crónica cultural

Este 10 de junio será la inauguración oficial de la Torre de Jesus de la Sagrada Familia en Barcelona, coincidiendo con el centenario exacto de la muerte de Antoni Gaudí, el vanguardista arquitecto catalán al mando de esta obra colosal. La ceremonia será presidida por el papa León XIV en su visita apostólica a España. Según las últimas estimaciones, la Sagrada Familia se terminará en 2036.  La Gran Cruz, revestida de vidrio y cerámica esmaltada en color blanco, se alza ahora como el punto más alto del templo, alcanzando los 172,5 metros de altura. Este detalle no solo transforma el skyline de la ciudad condal, sino que simboliza el avance hacia la culminación de un proyecto que ha cautivado al mundo durante más de un siglo. Para visitantes como Ana Isendra, mexicana radicada en España, la experiencia es única: "Tenemos un amigo que vino de Italia y se la vamos a enseñar", comenta entusiasmada mientras que su pequeño hijo Aiton, señala con asombro la nueva cruz recién colocada. Leer tambiénLa Sagrada Familia en Barcelona alcanza su punto más alto con la Torre de Jesús Para los locales, la Sagrada Familia es parte intrínseca de sus vidas, aunque siempre acompañada de grúas y andamios. Leticia y Jaume, catalanes que han visto crecer el templo década tras década, comparten un sentimiento agridulce: "Es un honor para nosotros tener la Sagrada Familia, es un orgullo... lo que pasa es que siempre está inacabada", explica Leticia. Por su parte, su esposo Jaume añade entre risas: "Desde que éramos niños, y ya tenemos más de 70 años, ya veíamos que estaban haciendo la Sagrada Familia. No creo que hayamos conseguido nunca una foto en la que no salga una grúa". El legado visionario de Antoni Gaudí La historia del templo se remonta al 19 de marzo de 1882, cuando se puso la primera piedra por parte del obispo Urquinaona. Primer paso para seguir el plano de una iglesia católica neogótica, diseñada por el arquitecto diocesano Francisco de Paula del Villar. Solo un año después, el genio Antoni Gaudí tomó las riendas del proyecto, reimaginándolo por completo bajo los principios del modernismo catalán. Gaudí dedicó su vida a esta obra hasta su fallecimiento el 10 de junio de 1926. Daniela Longobardi, guía oficial de la basílica, explica que la Sagrada Familia es, en esencia, un resumen de toda la arquitectura de Gaudí: "Le preguntaron si le importaba morir y dejar el proyecto de su vida en manos de otros arquitectos. Él dijo que para nada. Tenía una idea de este edificio como un proyecto colectivo a través del paso del tiempo". Según Longobardi, Gaudí dejó deliberadamente ciertos aspectos sin resolver, confiando en que futuros arquitectos utilizarían técnicas avanzadas y estilos vanguardistas para completar su visión, tal como ha sucedido con la Torre de Jesús, construida con métodos que en tiempos de Gaudí habrían parecido de ciencia ficción. Un desafío técnico financiado por el mundo La construcción de la Sagrada Familia representa un enorme reto técnico y económico. Los trabajos se financias mediante donaciones y las visitas de personas de todo el mundo. Según cifras del Observatorio de Turismo de Barcelona, la Sagrada Familia es el lugar más visitado de la ciudad, con 4.961.306 visitantes en 2025. Eso sin contar con los miles de turistas que visitan Barcelona en un solo día, por ejemplo, durante una escala de crucero, y no tienen tiempo para hacer las largas filas para entrar, por lo que la observan desde el exterior. Tanto en su exterior como en su interior, el diseño innovador y complejo está lleno de simbolismo. Un ramillete de torres apunta al cielo, mientras que, en el interior, un bosque de columnas se ilumina con la luz natural que atraviesa los vitrales multicolores, creando una atmósfera espiritual que deja sin aliento a todo aquel que la visita. Con la Torre de Jesucristo ya coronada, Barcelona se prepara para el capítulo final de esta epopeya arquitectónica que, finalmente, parece estar más cerca que nunca de su conclusión. Según las últimas estimaciones, la Sagrada Familia estará terminada en 2036.

La película "Fjord" se alzó el sábado con la Palma de Oro a la Mejor película al término de la 79ₐ edición del Festival de Cannes. La elegante velada en el Palacio de los Festivales congregó a la crema y nata del cine mundial, con la presencia de artistas como Penélope Cruz, Zoe Saldaña o Geena Davis. El aclamado director rumano Cristián Mungiu alzó el sábado la segunda Palma de Oro de su carrera por "Fjord", un drama sobre las diferencias culturales entre los países de Europa a través de una piadosa pareja rumano-noruega que se instala con su familia en un fiordo. Cuando las maestras de los niños descubren moretones en sus cuerpos, la sociedad comienza a cuestionar las costumbres conservadoras de los padres evangélicos y estalla un álgido debate en medio de la atmosfera glacial nórdica. “Déjenme por favor saborear este momento. Un premio de esta categoría, por segunda vez… Hoy en día es un riesgo elevar la voz frente a los peligros que nos acechan. Hay cosas de las nadie quiere hablar. Las sociedades están fracturadas. Y esta es una película contra el autoritarismo”, dijo Mungiu al recibir la máxima recompensa del festival. Leer también"Siempre soy tu animal materno" de Valentina Maurel: miradas cruzadas en Cannes El director rumano es un invitado recurrente de Cannes, donde ha recibido numerosos premios, principalmente una primera Palma de Oro en 2007 por la extraordinaria “4 meses, 3 semanas, 2 días” sobre una chica que debe recurrir a un aborto clandestino en Rumania. Los españoles Javier Ambrossi y Javier Calvo fueron honrados con el Premio a la Mejor dirección por « La bola negra », junto al polaco Pawel Pawlikowski por su increible "Fatherland", sobre un viaje del escritor Thomas Mann y su hija por Alemania. El jurado decidió entregar su premio a la alemana "La aventura soñada" de Valeska Grisebach, mientras que "Minotauro" del ruso Andrei Zviaguintsev ganó el Gran Premio. Leer también"El ser querido" de Rodrigo Sorogoyen en Cannes: radiografía de un tóxico El Premio al Mejor guion fue para Emmanuel Marre por su cinta "Notre salut", un drama histórico ambientado en la Segunda Guerra Mundial, y que había recibido excelentes críticas por parte de la prensa francesa. Para esta película sobre un funcionario colaboracionista con el régimen nazi, Marre se inspiró de la historia de su bisabuelo. El premio a la Mejor interpretación masculina fue entregado a Emmanuel Macchia y Valentin Campagne, protagonistas de "Coward" de Lukas Dhont. De su lado, las actrices belga Virginie Effira y la japonesa Tao Okamoto fueron premiadas por sus respectivos papeles en "All of a sudden" de Ryusuke Hamaguchi. Leer también"Ceniza en la boca" de Diego Luna: migrar, maternar y empezar de nuevo en España La gala de cierre permitió entregar una Palma de oro de honor a Barbra Streissand por el conjunto de su carrera, anunciado por la diva francesa Isabelle Huppert. Streissand sin embargo no pudo estar presente, aunque envió un mensaje donde habló de su pasión por el cine y de su poder para "abrir corazones y mentes". En esta edición del Festival de Cannes se entregaron otros dos reconocimientos similares, a Peter Jackson y John Travolta. El primer premio anunciado durante la velada fue el galardón al Mejor Cortometraje, que fue para el argentino Federico Luis, por su cinta "Para los contrincantes", que cuenta el universo de las peleas de boxeo infantil en el barrio de Tepitos, en Ciudad de México.

España brilló con lo mejor de cine en el Festival de Cannes, con tres películas en la competencia por la Palma de Oro. Este jueves se proyectó la tercera y última cinta española, que trajo a Cannes el recuerdo y obra del gran poeta Federico García Lorca. La película La bola negra toma su título de la obra de teatro inconclusa de Federico García Lorca, de la que solo se conservaron cuatro páginas manuscritas. A partir de ese fragmento, Javier Ambrossi y Javier Calvo construyen su propia versión para completar este relato sobre la homosexualidad silenciada. El resultado es una cinta coral que entrelaza las historias de tres hombres en tres momentos distintos. En la pieza de García Lorca, se decide con una bola blanca o negra, si un club selecto acepta a un nuevo miembro, basado en su reputación. Ambrossi explica que había dos temas fundamentales que querían abordar con esta película. El primero es la incomunicación como raíz de la violencia: “Si no somos capaces de hablar o ponernos de acuerdo entre nuestras familias sobre nuestros problemas, pues eso es justo lo que nos va a llevar a la violencia”. El segundo eje es la importancia de los objetos como obras de arte y su capacidad para perdurar: “El arte es lo que se puede heredar. Las emociones mueren con nosotros, pero el arte, una obra de teatro, un disco, una película, sí que puede heredarse”. Interrogados sobre si se sienten herederos de una historia marcada por la represión y la incomunicación, Javier Calvo reconoce el peso generacional: “Hombre, evidentemente ahí hay un dolor heredado, hay una vergüenza heredada, hay algo que sigue transmitiéndose de generación en generación y que es difícil que se vaya. Poco a poco esa bola negra cada vez es más pequeña, pero la tenemos dentro. Quiero creer que películas como ésta hace que eso se vaya yendo de nosotros. La bola negra que nos señala y que nos dice: ‘Tú no puedes entrar aquí, tú no mereces vivir’”. La relación de Los Javis con Lorca es también personal y artística. Ambrossi recuerda sus inicios: “Pues en mi caso yo quería ser actor. Entonces empecé a estudiar en una escuela de interpretación que se llamaba La Barraca, que todo lo que hacíamos en la escuela, todo eran textos de Lorca. Empecé a encontrar que no solamente era un poeta increíble, sino que también era un hombre gay. Y de repente eso me pareció impresionante. Que una de las grandes estrellas de la literatura de nuestro país conectara conmigo de esa manera”. Calvo, por su parte, cuenta que su vínculo con el autor se intensificó durante la preparación de la película: “Lo estudié también en la escuela de interpretación, pero fue cuando empecé a investigar esta película que me obsesioné con todo su trabajo, con el teatro completo, la poesía completa. Creo que hay ya obras que me sé de memoria. Me he obsesionado porque es el autor que más me sorprende. Realmente, con cada relectura hay algo que no puedo explicar. Cómo puede hacerlo tan sorprendente, tan emocionante, tan inmenso. Hay cada sucesión de palabras unidas de una manera que tienen un sentido que nunca creerías que tendría. Para mí, eso es la poesía. Es muy sorprendente su obra”. La bola negra, dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo, conocidos como Los Javis, es una de las candidatas a la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes 2026.

En la sección “Una cierta mirada” del Festival de Cannes, la cineasta costarricense Valentina Maurel presentó su segundo largometraje titulado Siempre soy tu animal materno.   Después de haber estudiado en Bélgica, Elsa vuelve a Costa Rica para ver a su hermana Amalia, hundida en el ocio y el esoterismo, y a su madre, autora de poemas eróticos aferrada a su juventud. Todo en sus modos de vida irrita a Elsa y a su raciocinio europeo. En su segundo largometraje, Siempre soy tu animal materno, la cineasta costarricense Valentina Maurel pone en escena el desfase cultural de quienes regresan a su país de origen después de haber vivido en Europa. Esa distancia atraviesa a la protagonista, pero también a la propia directora. Maurel explica que le interesaba trabajar “con esa perspectiva del europeo que mira el trópico y América Central como desde otro lugar. Y también lo vivo con un cierto nivel de culpa”. En la película, ese choque se encarna en las dos hermanas: la mayor, que volvió con otra forma de ver el mundo, y la menor, que escoge un camino opuesto. “Hay un personaje de hermana en esta película que es como la que decide tomar un camino muy distinto de la mayor. No estudia y, viniendo de una familia artística atea, decide creer en Dios y abrazar un cierto esoterismo como un poco folclórico de América Latina, y la hermana mayor lo ve con un cierto nivel de condescendencia. Yo creo que esa era mi forma de criticar un poquito ese desfase, ese lugar en el que se sitúa de pronto el latinoamericano que se fue a Europa y que ve su latinoamericanidad como una inferioridad”. Daniela Marín y Ángel Villegas interpretan a Elsa y Amalia, dos hermanas diametralmente opuestas que chocan como hielo y fuego. Marín describe a Elsa como alguien que parece fría, pero que en realidad está desbordada por el regreso: “Es una frialdad, pero no de ella, sino también como del lugar que la recibe. Sentía abrazada al personaje. Verdaderamente Valentina siempre tiene esta frase que es ‘No juzgues a tu personaje porque si no, entonces nadie lo salva’. Yo decía: claro, es que está pasando por tantas cosas, es como que todo se le viene encima y nada es igual. Y ella quiere intentar agarrar un poco los hilos de la familia, intentar salvar a estas personas. Pero en realidad ella ya no calza tampoco en ningún lado, también está perdida”. Ángel Villegas se reconoce en la transición de Amalia a la adultez: “Sí me identifiqué mucho, además, porque de ahí comparto misma edad que Amalia, cumplir 19 años y confrontar la vida adulta cuando se sigue sintiendo como en esta prisión de una niña de 15 años. Sigue siendo rebelde”. A medida que avanza la película, también se revela la profundidad de la madre, una mujer que ha abandonado su carrera artística e intenta darle un nuevo soplo ahora que sus hijas son adultas. El título nace de un verso escrito por la propia madre de la directora: “Siempre soy un animal materno. Es el verso de un poema de mi mamá que es poeta”, explica Maurel. La escritura del filme se cruzó con su propia experiencia de maternidad: “Mientras estaba escribiéndola me volví mamá. Yo tuve una bebé y de pronto ahí entré como un poco en pánico con el tema de la maternidad y creo que todas mis dudas sobre si iba a poder hacer la película o si iba a poder seguir siendo directora, porque estando en la vulnerabilidad en la que te pone ser mamá, contaminaron un poco la escritura”. Siempre soy tu animal materno, de Valentina Maurel, fue presentada en la sección Una cierta mirada del Festival de Cine de Cannes. 

En el Festival de Cannes, la actriz y directora catalana Aina Clotet presentó su primer largometraje, Viva, seleccionado en la Semana de la Crítica. Una divertida comedia sobre una mujer sedienta de libertad. Algunos lo llaman “crisis de la mediana edad”, pero para la directora catalana Aina Clotet, su ópera prima “Viva” es, ante todo, una historia de deseo, pasión y liberación. La película sigue a Nora, una mujer de 40 años que, tras superar un cáncer de seno, inicia un affaire con un joven veinte años menor.  Clotet define Viva como “una historia luminosa de liberación y de crecimiento”. En Nora ha volcado muchas de sus propias inquietudes y reflexiones: “Los temas que trata esta película son temas que a mí me mueven, que yo he pensado mucho, a los que les he dedicado tiempo de mi vida, intentando entender la impermanencia, explorarla, enfrentarme a mis propios miedos”, explica.  En la ficción, Nora atraviesa noches de insomnio y días abrasadores. Angustiada por la idea de su propia muerte y del envejecimiento, pasa un verano canicular en el que está continuamente sedienta. Sedienta de agua, pero sobre todo de nuevas experiencias, de deseo y de logros profesionales.  Clotet y su equipo decidieron llevar esa realidad un paso más allá. “En el momento de concebir la cinta, en ese momento en Cataluña estábamos viviendo una sequía extrema y nos pareció interesante subir el volumen a la propia realidad”, cuenta. El resultado es un marco casi distópico, donde el calor agobiante y la falta de agua dialogan con la agitación interior de Nora. “Nos parecía interesante una mujer que está en búsqueda de equilibrio en un contexto donde hace tantísimo calor, que busca el agua, la sed de vida. Nora tiene muchas ganas de sentirse viva porque ha sentido muy cerca la muerte”, añade la directora. Para hablar de la muerte, Clotet buscó un tono que combinara humor, emoción y ligereza. “Lo que me emociona más es que está llegando mucho el tono del humor, que la gente se ríe muchísimo y a la vez se emociona, y transita bien por los tonos de la película, que es una mezcla de tonos”, explica. “Quería que terminaras con una sensación de calor, de amor y de ganas de vivir, con cierta alegría interna, y que te quedaras con ganas de charlar sobre la película”. Viva funciona como un memento mori: nos pone frente a la mortalidad humana, pero lo hace con delicadeza y consuelo.  Esta cinta reconfortante, hablada principalmente en catalán, pero también en español, en inglés y en francés, se proyectó en la Semana de la Crítica, sección paralela del Festival de Cannes.

España hizo historia este año al lograr colocar tres películas en la competencia del Festival de Cannes. Una de ellas es El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen, protagonizada por el actor Javier Bardem. Un reconocido director de cine intenta renovar con su hija actriz a la que no ha visto desde hace años, ofreciéndole un rol importante en su próxima película. Durante el rodaje sale a flote el resentimiento acumulado ante un hombre que nunca ha considerado como su padre. Rodrigo Sorogoyen escribió y dirigió esta historia. El ser querido, protagonizada por un impecable Javier Bardem en los zapatos de un director colérico y autoritario. "Es un personaje muy complejo", explica Sorogoyen a RFI. "Le hemos dado muchas vueltas a cómo mirarlo, a intentar juzgarlo. Evidentemente ha hecho cosas de las que se arrepiente, pero que ha querido olvidarlas para que no le den más dolor. Pero a la vez es una persona muy magnética, muy seductora, muy atractiva, un gran realizador, un gran director de cine, un tipo tocado con una varita mágica del talento. Ha hecho mucho daño, ha sido muy tóxico". Su hija Emilia lo vuelve a ser después de 13 años. Le parece que ha cambiado. "La película también habla de cuánto somos capaces de cambiar. ¿Realmente estamos cambiando? Hemos cambiado o estamos escondiendo ese monstruo que siempre está ahí. Que siempre va a estar". El ser querido explora el peso de la ausencia, pero también la masculinidad tóxica de una generación. "Es una figura que está muy de moda. La cinta intenta señalarla e intenta que se mitigue lo más posible. También está de moda porque cada vez hay otro sector de la sociedad que parece que la está reivindicando más y que la abandera sin llamarla tóxica, evidentemente", asegura el cineasta español. "Creo que es un tema bastante de bastante actualidad. No sé si quiero poner el foco en la masculinidad tóxica, pero sí en cómo los tiempos han cambiado, y en cómo los mayores se tienen que adecuar. A veces hay un cortocircuito. A veces hay una frustración por su parte por no entenderlo y cómo las nuevas generaciones estamos o están casi obligadas a intentar cambiar lo que no está bien". El ser querido de Rodrigo Sorogoyen es una de las 22 películas aspirantes a la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

En la sección de estrenos mundiales “Cannes Première” se presentó la cinta documental El partido, de los argentinos Juan Cabral y Santiago Franco, sobre el legendario partido de Maradona en México 86. Un partido de futbol que desató pasiones y polémica antes, durante y después, y que casi 40 años más tarde sigue analizándose. Se trata, por supuesto, de aquel mítico Argentina vs Inglaterra en los cuartos de final del Mundial de México 86. El Festival de Cannes recuerda ese choque con una cinta documental que explora no solo lo deportivo, sino también el contexto geopolítico que enfrentaba a estos dos países por la soberanía de las Islas Malvinas, un diferendo que también se jugó simbólicamente en el césped del Estadio Azteca. Santiago Franco es el codirector de esta película titulada “El partido”. Para él, este encuentro forma parte del ADN argentino: “Es un evento que, para nosotros los argentinos, es parte de nuestra cultura. Revisitar esas imágenes, que fueron vistas y procesadas tantas veces, era todo un desafío”, explica. Su llegada al proyecto se dio de la mano de Juan Cabral, el otro codirector: “Cuando Juan me invita al proyecto, al principio me regala el libro en el cual se basa la película. Nos juntamos de nuevo y dijimos: esto es fascinante. El libro es casi una especie de análisis forense de lo que ocurre alrededor del partido. Toca un poco el tema de la guerra, cuatro años antes. Nosotros expandimos eso y le damos un contexto mucho más claro de qué es lo que hace que un evento deportivo trascienda lo futbolístico y lo deportivo en sí mismo y se vuelva un evento de referencia del cual se sigue hablando 40 años después. Esa fue un poco la búsqueda que hicimos”. “El partido” retrocede 260 años en la historia para explicar el conflicto por las Islas Malvinas. Pero no se queda en los archivos ni en las batallas diplomáticas: la cinta recoge también los testimonios de algunos de los futbolistas argentinos e ingleses que se enfrentaron en 1986: Jorge Valdano, Gary Lineker, James Barnes, Julio Olarticoechea, entre otros. Todos revisitan los dos goles de Diego Maradona: el primero, con la famosa “mano de Dios”, y el segundo, considerado por muchos el más bonito de la historia. Lo hacen en un ejercicio casi filosófico sobre el fútbol y la vida. Juan Cabral, codirector del documental, cuenta: "Es un personaje Bilardo, que tiene su punto de vista; está Robson, está Gildo con el suyo, está Maradona, que lo dice: ‘Si el otro no se da cuenta, el gol vale’, opina él. Es un punto de vista que para algunos puede ser políticamente incorrecto, pero es un punto de vista. Y está también el que dice: ‘Che, fue mano, ¿cómo no lo van a cobrar?’”. Para Cabral, en esa tensión se revela la verdadera riqueza del juego: “La belleza del juego, la belleza de estar vivo, es poder solucionar esos conflictos menores o mayores desde un lugar humano, poético. La película ofrece una luz sobre todas esas pequeñas cosas, porque en el fondo es lo que nos hace coexistir, poder entendernos, poder reírnos. Todo eso está condensado en ese partido único”. “El partido”, de Juan Cabral y Santiago Franco, se presentó en estreno mundial en el Festival de Cannes.

La sección "Una cierta mirada" del Festival de Cannes proyectó este jueves una historia contada desde los Andes chilenos. El deshielo es el segundo largometraje de Manuela Martelli. La historia tiene lugar en 1992 y se narra a través de los ojos de Inés, una niña de nueve años que entabla amistad con Ana, una prometedora esquiadora alemana. Cuando Ana desaparece misteriosamente, la investigación revela secretos familiares y emociones congeladas. En esta película, presentada en el Festival de Cannes, Martelli establece un paralelismo entre la desaparición de Ana y la de miles de chilenos durante la dictadura, pero, sobre todo, muestra un Chile glacial que ha sido poco explorado en el cine de su país. “El hielo, la nieve de alguna manera resuenan con el silencio de una época que quedó un poco suspendida. Quedó un poco congelada por los acuerdos que se hicieron para poder recuperar la democracia. Hubo muchas concesiones que implicaron silencio y amnistía: no juzgar a los responsables de la dictadura y la sensación que era un poco estar caminando sobre estos cuerpos que no sabíamos dónde están, no sabemos todavía dónde están”, dice Martelli a RFI. Con El deshielo, Manuela Martelli prosigue su exploración de la historia de Chile, comenzada con su ópera prima, pero esta vez en el período de la transición a la democracia, cuando el país buscaba renovar su imagen internacional. “Algo que el mismo Chile quiso demostrar en Europa el año 92, el año de la Expo Sevilla y el año en que Chile decidió llevar un iceberg al pabellón, como una manera también de mostrar que era un país frío y lo que se asocia a un país frío. La idea de la modernidad, de desarrollo está asociada con el frío, como en oposición a esta cosa tropical de los países subdesarrollados. Quise jugar con los estereotipos y romper con eso. Pero de alguna manera también mostrar la otra cara de Chile, que se abría al mundo y quería mostrar que era un país en vías de desarrollo y, por otro lado, que había muchos asuntos pendientes”, añade Martelli. El deshielo, de la chilena Manuela Martelli, se proyectó en la sección oficial Un certain regard del Festival de Cine de Cannes.

En las proyecciones especiales del Festival de Cannes se proyectó la última cinta del mexicano Diego Luna. Una historia de migración y de maternidad que invita a reflexionar sobre la hospitalidad y el exilio. Ceniza en la boca sigue los sueños, las desilusiones y la dureza del desarraigo que vive Lucila, una joven mexicana que trabaja como niñera y repartidora en España. Ella y su hermano emigraron para reunirse con su madre, Isabel, a quien no veían desde que eran pequeños. Sin embargo, al llegar a Europa descubren que, a los ojos de muchos, el pasado de una persona migrante es casi invisible. Con esta película, Diego Luna busca precisamente tender un puente entre esos dos mundos: el de quienes migran y el de quienes los reciben. “El gran problema, creo yo, es la ignorancia. Si tú supieras realmente qué está detrás del que deja todo… Cuando dejas todo es porque no tienes de otra”, explica a RFI, señalando que España se ha convertido en una especie de “puerto seguro” por la creciente violencia que viven los migrantes en Norteamérica. “Después te vas dando cuenta de que hay muchas otras capas en el análisis que hay que hacer. La película te confronta, porque si lo piensas, todos recibimos a alguien. No hay comunidad que no esté viviendo esta complejidad de tener que recibir, abrirse y mostrar quiénes somos; en ese recibir terminamos mostrando quiénes somos”, afirma. Una vez instalada en España, la realidad se vuelve demoledora para Lucila. Anna Díaz interpreta a esta hermana mayor obligada a asumir responsabilidades de madre sustituta. “Es una mujer resiliente, con muchas ganas de vivir, pero a la que no se le permite experimentar todo lo que debería. No hay muchos proyectos donde te regalan mujeres complejas, que puedan atravesar por muchas situaciones y salir adelante. Es un regalazo interpretar a Lucila”, señala la actriz. En el papel de Isabel, la madre que encarna la figura del abandono y la culpa, está Adriana Paz, primera actriz mexicana en haber sido galardonada con una Palma en Cannes en 2024. Para ella, el personaje toca una herida profunda y universal. “Para mí era muy importante hablar de eso, porque creo que es muy difícil ser madre y no cometer errores. Yo migré a España cuando tenía 23 años y conocí mujeres que estaban en el lugar de Isabel, viniendo a buscar mejores oportunidades a Europa, que querían traerse a sus hijos inmediatamente y no pudieron porque tampoco se les ha permitido. Igual que a Lucila no se le ha permitido ser, y está cansada”, explica. Ceniza en la boca, dirigida por Diego Luna, fue presentada en las proyecciones especiales del Festival de Cannes.

El Festival de Cannes arrancó anoche con la proyección fuera de la competencia de una película de época. 'La venus eléctrica' nos lleva al París de las ferias ambulantes de principios del siglo XX, con su lote de magos, adivinadores y superchería.  Cannes subió el telón con una comedia romántica francesa, ambientada en los años 1920. 'La Vénus Électrique' cuenta la historia de Antoine Balestro, un pintor depresivo tras la muerte trágica de su esposa. Después de una noche de tragos, trata de entrar en contacto con ella a través de una adivinadora. O mejor dicho, alguien que se hace pasar por una vidente para estafarlo Pierre Salvadori escribió y dirigió esta película llena de humor. Le preguntamos si escribir una comedia fue un ejercicio liberador en tiempos turbios. "Escribir no es precisamente un júbilo… es infernal! Pero hubo algo en esta historia que me conmovió mucho: una falsa clarividente que concentra en ella misma muchas contradicciones. Ella quiere salir adelante, salir de la pobreza, ve a este hombre que tiene dinero, entonces al principio lo manipula, le miente, luego lentamente se enamora de él. Pero mientras más lo engaña haciéndole pensar que es su esposa muerta, más la mantiene viva. Es una paradoja fascinante", explica a RFI.  Esta cinta nos transporta al París de los llamados “años locos”, una época de exuberancia tras la primera Guerra Mundial. Los franceses buscaban divertirse a cualquier precio, incluso pagar para recibir un beso eléctrico. "Yo quería sobre todo contar una historia de mentiras y una historia de amor. La feria ambulante es solo el escenario de la película, pero es verdad que eran lugares llenos de historias increíbles. Mi protagonista es una joven que daba besos y que luego se hacía electrocutar. Fue un número que existió de verdad. Ese beso eléctrico era una evocación del amor a primera vista. Pero era un trabajo doloroso, y de explotación física y psicológica. Así que cuando se le presenta la ocasión de escapar de ese lugar mintiéndole a un hombre y sacándole dinero, pues lo hace", asegura el director a nuestra compañera Sophie Torlotin. 

El máximo evento editorial de Francia abrió sus puertas al público este viernes en el Grand Palais de la capital francesa. Este año la historieta es la invitada de honor del salón, con la presencia de cientos de autores y casas editoriales. Desde su apertura el viernes por la mañana, mucha gente desfilo por los pasillos del imponente Grand Palais de la capital francesa. Bajo su techo de vidrio y hierro forjado tiene liugar el Festival del Libro de París, la feria más grande de la edición en Francia. El presidente Emmanuel Macron se paseó brevemente entre los stands este salón, lo que provocó el cierre parcial de un ala del edificio, mientras el mandatario estrechaba manos y conversaba con los profesionales y el público. Este año, el Festival del Libro no designó a un país, sino a la Historieta como invitada de honor. Una invitación estratégica para este sector que no conoce la crisis: uno de cada cinco libros vendidos en Francia es una historieta, cómic o novela gráfica, lo que genera casi 500 millones de euros anuales. La historieta es también, para muchos, el primer contacto con la lectura. Algo que los autores, incluso extranjeros, conocen bien. “En estos salones durante el fin de semana viene muchas familias. Pero hoy tenemos muchos grupos escolares. Es muy bonito porque los niños se acercan, hacen muchas preguntas sobre como dibujo, que hago. A veces piden un autógrafo… El sistema educativo en Francia incita a los niños a que tengan el gusto por la lectura y por la lectura de imágenes”, aseguró la autora española de historietas Anna Aparicio, publicada por la editorial Arlequin. En el mismo stand se encontraba el colombiano radicado en España, Canizales, quien trajo al Festival del Libro varias historietas para niños y adultos, entre ellas “Guapa” que ha sido un best seller en España, traducida a varios idiomas. “Este lugar es encantador. Pero, además, el Festival del Libro de París esta organizado de tal forma que vienen muchos niños, lo cual no es el caso en todas ferias. En otros salones vienes con tus libros infantiles, pero solo dialogas con adultos. Y me gusta mucho la posibilidad de hacer dedicatorias personalizadas para ellos”, expresó a RFI Canizales. La apertura del Festival del Libro de París estuvo afectada por el retiro la víspera de 115 escritores de la editorial Grasset para protestar contra su dueño, el multimillonario ultraconservador Vincent Bolloré. Pero el público firmó presente el viernes en este festival se extenderá hasta el domingo.

A unos 1.500 metros sobre el nivel del mar, los Alpes ponen la música en la cima. En el corazón del dominio franco-suizo de Les Portes du Soleil la nieve no solo cubre las pistas de esquí: también sirve de escenario para uno de los festivales más singulares de Europa, Rock The Pistes. El objetivo es ofrecer una perspectiva cultural y musical al deporte del esquí. Durante varios días, este vasto territorio alpino se transforma en un escenario gigante al aire libre, donde cada pista puede conducir a un concierto.   Una logística sin precedentes Detrás de esta experiencia única hay una logística impresionante. Como nos lo explica el director del complejo de esquí Les Portes du Soleil, Fabrice Mielzarec, helicópteros, máquinas pisanieves y equipos técnicos trabajan en condiciones extremas para transportar instrumentos, escenarios y artistas hasta lo más alto de las montañas. Una movilización inédita que implica a toda la región y redefine los límites de la producción musical en vivo. La música bajo la nieve como cohesión social La ambición del festival no es solo entretener, sino también crear cohesión. Programadores, DJs y artistas colaboran para llevar la música literalmente a las cumbres, ofreciendo al público una experiencia inmersiva donde el esquí y los conciertos se entrelazan. Para Manon y Christelle Gagnaire, creadoras de MC Stéréo y programadoras musicales del festival Rock The Pistes, el desafío de atraer a grandes nombres de la escena francesa es grande, pero no inalcanzable, porque la experiencia para los artistas es inédita en términos de paisaje y experiencia. Así, en esta edición han aceptado la invitación grupos como Superbus, Boulevard des Airs, Trinix o Nèg’Marrons. El desafío, sin duda, ha sido alcanzado este año. Prueba de ello es la presencia de Boulevard des Airs, uno de los grupos más populares de la escena francesa, que aceptó el reto de actuar en altura. Para el vocalista, el ambiente familiar encaja perfectamente con el espíritu del grupo, que proporciona una actitud "feel good" y familiar en su repertorio. Entre descensos en esquí, trayectos en telecabina y paisajes nevados, la música resuena de manera diferente. Aquí, cada nota se mezcla con el viento de la montaña y cada concierto se convierte en una experiencia única.

Sale en salas de cine en Francia la película La Culebra Negra, tras estrenarse en 2025 en Cannes. El cineasta francés Aurélien Vernhes-Lermusiaux la rodó en Colombia, en el desierto de la Tatacoa, un lugar ancestral y misterioso. RFI conversó con el director. Ciro regresa a casa, dejando atrás el ruido de Bogotá para volver al desierto de la Tatacoa. Su madre está gravemente enferma, y con su muerte se puede desvanecer toda una herencia cultural. La Culebra Negra (La Couleuvre Noire, en francés), cinta del francés Aurélien Vernhes-Lermusiaux, explora la transmisión del conocimiento ancestral en Colombia. El director eligió Alexis Tafur, un actor natural, para encarnar a Ciro, que vuelve a un mundo que ya no reconoce con los mismos ojos. “Cuando uno abandona un lugar por rechazo, y luego regresa años después con otra mirada, es porque el camino personal ha evolucionado. Ciro toma conciencia que su legado cultural es importante, que el lugar donde nació se va fragilizando cada día. Él debe elegir si continúa transmitiendo ese legado a las siguientes generaciones o no", explica Vernhes-Lermusiaux a RFI. Él mismo llegó a ese rincón del Huila en 2018. La Tatacoa fue un llamado sensorial. Hace miles de años este desierto era una selva vibrante, hoy con sus impresionantes cañones laberínticos, tiene una atmósfera de otro planeta. “Cuando llegué a ese lugar, me sentí extremadamente turbado por sus energías, su geografía y la forma como viven sus habitantes”, dice. En Colombia se le dice tatacoa a las serpientes ciegas. La cinta evoca este animal escondido en el desierto, que sigue siendo una creencia viva. “La culebra es la memoria del lugar y también una creencia. Aquí se mezclan creencias, sensorialidad, saberes ancestrales. La serpiente es una metáfora, además, de cuando uno le teme a algo, a un lugar, a un pasado. En fin de cuentas, al abrazar lo que nos asusta, aprendemos a ver el mundo de otra manera”. La Culebra Negra, de Aurélien Vernhes-Lermusiaux, fue presentada por primera vez en Cannes 2025, en la selección de ACID, dedicada al cine independiente.

La 38ª edición del Festival Cinelatino de Toulouse tiene como invitada de honor a Bertha Navarro, reconocida productora mexicana con más de medio siglo de trayectoria. Ha colaborado con cineastas como Guillermo del Toro, quien la define como su “madre cinematográfica”. María Carolina Piña, enviada especial de RFI, conversó con ella sobre su carrera. Bertha Navarro acumula más de 50 años dedicada al cine y es considerada una pionera de la producción cinematográfica en México, abriendo camino a numerosas mujeres en la industria. Ha sido productora de varias obras de Guillermo del Toro, desde Cronos, pasando por El espinazo del diablo y El laberinto del fauno, películas que se proyectan en Toulouse junto a otros títulos de su filmografía. “Mi primera película, que se va a ver hoy, fue Reed, México insurgente, que hice en el 1971 y terminé en el 1973. Ese año pudimos venir al Festival de Cannes a presentarla. Ahí se inicia una larga vida como productora. Al principio fue difícil, pero soy muy guerrera y me fui abriendo espacios”, señala. La productora recuerda las dificultades de sus inicios en un entorno marcadamente machista: “Recuerdo que uno de los técnicos de una película se rió de mí. Dijo: ‘Ahí está esa pinche productora’. Y lo corrí. ‘Te vas’, le dije. Era un ámbito muy machista. Ahora hay muchas productoras en México, fantásticas. Se han abierto más espacios para ellas. Pero en esa época ser mujer en el cine era batallar mucho”. Durante el festival se proyectarán siete películas producidas por Navarro. “Estoy feliz y muy agradecida con el Festival de Toulouse. Es un festival increíble y un apoyo fundamental para el cine latinoamericano. Nosotros también tenemos que luchar por la exhibición, ya que en México es mayoritariamente hollywoodense: el 90 % de las salas proyectan cine de Hollywood. Abrir espacios de exhibición es muy importante, y los festivales son fundamentales para eso”, subraya. Bertha Navarro estará presente en las proyecciones de sus películas y participará en los conversatorios organizados en Toulouse.

Este jueves se publica en Francia la historieta de Mathieu Diez y Jibé titulada Todo menos Beirut. Un recorrido por los pasillos de la diplomacia francesa en el Líbano, un país donde la sed de cultura trasciende las guerras y las crisis económicas.  Mathieu Diez no imaginaba que su nuevo empleo iba a cambiarle la vida. En 2020, este francés amante de la historieta aceptó el puesto de agregado literario en una de las embajadas francesas más importantes del mundo, la de Líbano. Todo menos Beirut es la historia de esa experiencia. “Hice la lista de los países a los que podía postular. Mi madre me dijo: todo, pero no Beirut”, cuenta a RFI. Cuando llegó al país de Oriente Próximo, descubrió que la vida en el Líbano era como “páginas de cómic dibujándose ante mis ojos”. El Líbano es un país árabe, en parte francófono por haber estado bajo administración francesa durante dos décadas. Mathieu Diez detalla los bastidores de la diplomacia cultural. “La cultura es algo que se maneja en las embajadas como el ‘softpower’. Para los Estados es una manera de ser reconocidos, diferente a la diplomacia militar, económica”, explica. En el Líbano, la cultura hace parte de la tradición, “pero el francés es un idioma que se está perdiendo, es una lucha mantenerlo vivo”. Su llegada a Beirut ocurrió un año después de la explosión del puerto, y tras numerosas crisis tanto financieras como políticas. “Había el proyecto de hacer un festival de cómic, pero con el estado del país en ese momento me parecía muy ridículo hacerlo, cuando hay gente que pierde su dinero en el banco, con la crisis. Fueron los propios libaneses que me dijeron que necesitaban reencontrarse con la cultura que habían perdido”. En cuatro años en Beirut, Diez y su familia experimentaron la realidad de los cortes de luz, de la crisis económica y de la guerra con Israel, que se reactivó tras el 7 de octubre de 2023. Una vez más, la cultura fue a la vez víctima y salvación. “Fue difícil hacer eventos. No recuerdo cuántas veces tuvimos que cancelar por los bombardeos o por razones políticas”, recuerda. El Festival del Libro comenzó en 2022, luego llegó a una segunda edición en 2023, y en 2024 se canceló debido a la guerra entre Israel y Hezbolá. La historieta cuenta esa época, que resuena con eco amargo ahora que el conflicto ha vuelto a golpear el país. “Pero me di cuenta que, a pesar de todo la gente sigue viviendo. Desde 1975 y la guerra civil, los libaneses se acostumbran a vivir al lado del caos. Un amigo libanés me dijo que las fiestas más bellas que hizo fueron durante la guerra civil. Cuanto más difícil es la vida más necesitas sentirte vivo, y eso es algo muy libanés”, concluye.   Todo menos Beirut es una historieta del guionista Mathieu Diez dibujada por Jibé y publicada en francés este jueves 5 de marzo.

El museo Jeu de Paume de París presenta a partir de este viernes una exposición dedicada al fotógrafo Martin Parr. La muestra reúne casi 200 imágenes coloridas que cuentan lo absurdo de nuestras sociedades modernas, pero con mucho humor. El cambio climático, el turismo de masas o el consumismo a ultranza... esos problemas de hoy fueron explorados desde los años 60 y 70 por Martin Parr. El fotógrafo británico, es el protagonista de la nueva exposición en el museo Jeu de Paume de París, que ha reunido unas 180 imágenes de Parr tomadas en el mundo entero. "Alerta global" (Global Warning) es el título de esta muestra dividida en cinco partes, pero con un hilo conductor. “Si tuviéramos que resumir su trabajo podríamos decir que el consumismo es un tema presente en toda su obra. El turismo masivo, que exploró en sus fotos, es otra forma de consumo a ultranza en los países del primer mundo. Parr puso su objetivo no solo en los turistas americanos o europeos, sino en cómo China o Rusia se unieron a la economía de mercado a partir de los 80. Nuestras sociedades de consumo fueron un tema esencial, no solo porque se dedicó a fotografiarlas sino porque fue el primer en poner el foco en esas temáticas”, declaró el comisario de la muestra Quentin Bajac. El impertinente Martin Parr revolucionó la fotografía documental con imágenes surrealistas: personas achicharrándose en una playa, hordas de celulares delante de la Mona Lisa, un cochecito en un casino… los colores chillones y saturados formaban parte de su estética, así como el humor. “El humor era su forma de captar la atención del espectador en una fracción de segundo. Era su manera de seducir para luego tratar de transmitir no un mensaje sino un contenido diferente. La ironía formaba parte de la personalidad de Parr. Pero si observamos bien, a veces es un humor discreto, otras veces cruel o feroz… En todo caso, la mayoría de sus imágenes tienen una dosis de humor, asociada a su visión crítica del mundo”, agregó Bajac. La exposición presenta muchas imágenes tomadas en playas, en distintos puntos del planeta. Según Bajac, a Parr le encantaban las playas, lugares donde la gente está relajada, lo que es propicio para la fotografía. “A partir de los años 2000, Parr comenzó a fotografiar las multitudes. Es el caso de la foto en Mar del Plata, donde utilizó un teleobjetivo que aplasta completamente la perspectiva. Parece un collage, pero no, son cientos de personas amontonadas, rodeadas de logos de marcas. Es una imagen que contradice la visión idílica del turismo y de la playa como lugar de escape o de comunión con la naturaleza”, dijo el especialista. “Global warning” en el Jeu de Paume de París es de las últimas exposiciones concebidas en colaboración con Martin Parr, quien falleció en diciembre de 2025.

Los críticos y corresponsales de la prensa internacional en Francia entregaron sus premios al cine francés. Sin sorpresas, la cinta “El Extranjero” de François se alzó con el Lumière a la Mejor película. Fue una noche donde dominaron los discursos políticos, en especial, en apoyo al pueblo iraní. La Academia Lumière de la prensa internacional entregó sus premios al cine francés que son el equivalente de los Globos de Oro pero en Francia. El máximo galardón, el Lumière a la Mejor película fue para El Extranjero de François Ozon. Impresionante adaptación en blanco y negro de la novela de Albert Camus, publicada en 1942. “Cuando lo volví a leer me di cuenta de que 'El Extranjero' es un libro sigue siendo potente y actual. Nos hace reflexionar sobre lo que sucede hoy en el mundo. Así que quise retomar esta historia, que no es una adaptación clásica, sino una relectura”, declaró el director francés François Ozon. “El Extranjero” también se llevó el premio el Mejor actor para el joven Benjamin Voisin, quien deslumbró con su interpretación del impávido Marsault. De su lado la reconocida actriz Léa Drucker subió al escenario para recibir la estatuilla a la mejor interpretación femenina por “Dossier 137” del director Dominik Moll. El premio a la Mejor coproducción internacional para la cinta brasileña El agente secreto, que ha arrasado desde su estreno mundial en el Festival de Cannes y ahora se perfila como una candidata seria a los Oscar. Este largometraje ambientado en la época de la dictadura militar ganó dos Globos de oro en Los Ángeles, al Mejor director y al Mejor actor, para Kleber Mendonça Filho y Wagner Moura, respectivamente. “'El agente secreto' es un fenómeno mundial. La gente en Brasil esta feliz. Para nosotros es una victoria, no solo de la película, sino del cine brasileño y de nuestra cultura. Es una cinta que suscita mucha discusión y debate, que tiene humor, sobre las consecuencias para un pueblo entero de haber vivido en dictadura”, aseguró la actriz Maria Fernanda Cândido, quien recibió la estatuilla en nombre del equipo de la película. Apoyo al pueblo iraní La situación en Irán estuvo muy presente en esta ceremonia. Francois Ozon dedicó su premio a los iraníes en pie de lucha. También lo hizo la directora iraní Sepideh Farsi, galardonada con el premio al mejor documental por “Put your hand on your soul and walk”, una desgarradora cinta que reúne las conversaciones telefónicas entre Farsi y una joven fotógrafa asesinada en un bombardeo en Gaza. “Estoy muy honrada y feliz de recibir este premio. Y al mismo tiempo, destrozada por lo que sucede en Irán. Mi pueblo está muriendo en las calles o en las prisiones. Así que dedico este premio a los iraníes que en este momento están luchando por su libertad”, expresó emocionada Farsi. El premio a la Mejor cinta de animación para "Arco", de Ugo Bienvenu, una fábula futurista en 2D que habla de la importancia de preservar el medioambiente en la actualidad. La ceremonia de los Lumière inauguró la temporada 2026 de premios al cine francés.  

La casa natal del poeta francés, autor de las mundialmente conocidas fábulas, abre al público este viernes luego de una renovación total. Para los franceses, Jean de La Fontaine es el autor por excelencia asociado a la infancia gracias a sus 240 fábulas en verso, escritas hace casi cuatro siglos. Algunas como “La liebre y la tortuga” o “La cigarra y la hormiga”, han estado en los programas escolares franceses desde la muerte de su autor, en 1695. Pero a partir de este viernes su memoria se preservará también en su casa natal de Château-Thierry, a unos 100km de París. El pequeño palacio ha sido completamente renovado luego de varios años de obras, lo que ha permitido no solo su rescate sino también la instalación de numerosos elementos interactivos para chicos y grandes. "El punto de partida fue lo que todos los franceses, sin excepción, conocen de Jean de La Fontaine, es decir, sus fábulas. Muchas de ellas se aprenden en la escuela primaria. Así que partimos de esas historias para explorar la personalidad de Jean de La Fontaine, y el resto de su obra literaria. La Fontaine produjo piezas de teatro, un libreto de ópera, una abundante correspondencia y poesía religiosa. Aunque, es verdad, lo que más ha trascendido han sido son las fábulas y los cuentos, que son los dos monumentos de su carrera literaria”, explicó a RFI la directora del museo", Marion Lavaux. Jean e la Fontaine vivió en casa durante 55 años. Se trata de un pequeño palacio construido en el siglo XVI y comprado por sus padres. En la época este “hôtel particulier” estaba rodeado de naturaleza, lo que fue fundamental en la producción del escritor. “Jean de La Fontaine no habría llegado a ser el poeta que todos conocemos, si no hubiera vivido en Château-Thierry. Fue una ciudad y un territorio que amó y que recorrió por todos sus rincones, los bosques, la vegetación, los ríos. Además, su familia poseía haciendas en esta zona. Esto hizo que tuviera una relación muy especial con la naturaleza y los animales, que se refleja, por supuesto, en las fábulas”, agregó Lavaux. El museo expone numerosas pinturas, grabados, dibujos, esculturas que dan cuentan de la influencia en todas las artes que tuvo La Fontaine en vida y después de su muerte Su casa, sin embargo, no estaba a la altura de la gran popularidad del autor. “La Casa de Jean de La Fontaine estaba en muy mal estado. Hace algunos años se había renovado la fachada, pero el resto de la casa era vetusta, e incluso tuvimos que retirar algunas obras porque las condiciones de conservación no eran óptimas. Esta vez pudimos renovar todo el edificio, hacer una extensión y duplicar el espacio de exposiciones. El resultado es un museo renovado y moderno”, aseguró el alcalde de Chateau-Thierry, Sébastien Eugene. El Museo Jean de La Fontaine recibirá al público a partir de este en Château-Thierry, y espera atraer a los turistas del mundo que visitan París y sus alrededores.

El museo más visitado del mundo aumentará 45% el precio de su entrada. Una medida que se aplicará solo a los visitantes no europeos a partir de 2026. El aumento fue aprobado el jueves por el consejo de administración del gran museo parisino. Según se informó, el precio de la entrada para visitar las colecciones permanentes pasará de 22 a 32 euros, lo que constituye un alza del 45%. Este aumento se aplicará solamente a los visitantes de fuera del Espacio Económico Europeo, que incluye la Unión Europea, Islandia, Liechtenstein y Noruega. Según cifras oficiales, el Louvre recibe casi 9 millones de personas cada año, de las cuales el 69% son extranjeras. “Lo considero casi como una estafa. Cuando uno viene a París, es un lugar que hay que visitar, y aumentarle el precio sería como muy injusto. No deberían aumentarle solo a los extranjeros. Todos venimos a ver lo mismo, que sean parisinos o no”, opinó Valeria, quien vino desde Chicago con su familia para ver el Louvre. Este aumento se aplicará a los estadounidenses, que constituyen el primer contingente de visitantes extraeuropeos, así como a los turistas chinos, japoneses, rusos o latinoamericanos, entre otros. El aumento de las tarifas del Louvre permitirá financiar la renovación del obsoleto sistema de seguridad, evidenciado en octubre pasado con el hurto de las joyas de la corona francesa. Pero algunos consideran injusto que sean los turistas quienes paguen los platos rotos. En todo caso, el Louvre abandonará su política de tarifa universal, algo que ya se implemente en otros países. “Se me hace excesivo. Los turistas ahorramos bastante para poder venir y conocer este tipo de sitios”, dijo Diana, una turista mexicana. “Hasta cierto punto lo entiendo. En algunas partes de México hacen lo mismo. Al turista extranjero le cobran más. Obviamente, 32 euros es una cantidad elevada. Espero que los valga”, dijo Itzel, otra mexicana que se aprestaba a visitar el Louvre por primera vez. El aumento para los no europeos entrará en vigor el 14 de enero. El Louvre espera recolectar entre 15 y 20 millones de euros por año.

Por las calles de París, donde la piedra murmura historias y el otoño tiñe de nostalgia los jardines, el Museo Rodin prepara una noche singular. No es una velada cualquiera: es una travesía por el inframundo, una celebración del Día de Muertos que entrelaza arte, mito y memoria. ¿Qué hay después de la vida? La pregunta, tan antigua como la humanidad, es nuevamente hacha este 31 de octubre en el Museo Rodin de París. Durante una noche especial, donde el arte, la música y la literatura se entrelazaron para guiar a los visitantes a través de un viaje simbólico al infierno y de regreso a la luz. Diego Londoño, turista colombiano, se adentra en el universo de Dante Alighieri, pero no a través de las páginas de La Divina Comedia, sino mediante la imponente interpretación que el escultor francés Auguste Rodin hace de esta obra maestra. La Puerta del Infierno, una monumental pieza de bronce de seis metros por cuatro, se alza ante él como un altorrelieve poblado por más de 200 figuras que parecen emerger del mismo abismo. “Genera en el otro una inquietud en el más allá, en lo que puede haber después de la vida”, dice Diego. La puerta no se abre, pero su presencia es suficiente para transportar al espectador a otro plano. “Es un poco la obra más importante de esta noche, porque está en eco perfecto con Todos los Santos”, explica Clara Marzal, encargada de acciones culturales en el servicio de públicos del museo. La música coral a capella, que llena el espacio con voces etéreas, es el hilo que une el arte con la emoción, el presente con lo eterno e invita a continuar la visita por el jardín, tres hectáreas de sombras y esculturas. Los visitantes, guiados por la narrativa dantesca, emprenden un viaje simbólico: atraviesan un bosque oscuro, evocando el primer canto de La Divina Comedia, para llegar a un estanque que representa el río Aqueronte, donde Caronte, el barquero mitológico, espera a las almas para cobrarles su tributo. “Sería como si emprendiéramos este viaje que Dante emprende al infierno”, comenta Marzal. “Y quién mejor para guiarnos de regreso que Orfeo, quien bajó al infierno para rescatar a su amada Eurídice”. El jardín de Orfeo, iluminado por la luna, es el escenario final, donde los visitantes, como el propio Orfeo, deben resistir la tentación de girarse, so pena de perder para siempre lo que más aman. La experiencia anual, más que una visita, es una inmersión en la concepción espiritual del más allá, donde cada escultura de Rodin, cada nota musical, cada sombra, parece susurrar preguntas sobre la vida, la muerte y lo que puede haber después. Así, entre alegoría medieval, el Museo Rodin se convierte por una noche en un umbral: entre la vida y la muerte, entre el arte y el alma. Dentro del Museo la aventura continúa Al caer la noche, lo primero que ven los visitantes es la fachada iluminada del Hotel Biron sede del museo abierto al público en 1919. Ya en el recinto, los visitantes pueden recorrer la colección permanente del artista Auguste Rodin (1940 - 1917) Una vasta colección que alberga 6.778 esculturas y 9.000 dibujos. “Gracias a un librito podrán hacer este escoger una aventura propia”, explica Clara. Cada sala hace parte de una elección, cada obra una revelación. Mil visitantes esta 31 de octubre. “En las dos ediciones anteriores ha sido más o menos lo mismo”, añade. También celebran otras fiestas, como la del 14 de febrero en honor a El Beso, otra obra icónica del escultor.