Desenterrador

Pues 2025 llega a su fin y para poneros en formato despedida del año, vamos con el tercer volumen de novedades musicales de esta vuelta al sol que está por terminar. Cada vez me encuentro más cómodo haciendo estos programas porque psicológicamente estoy por fin más libre de la presión de estar totalmente informado de tod lo nuevo que se publica en todos los géneros que me gustan. Algo que el tiempo e internet han demostrado es científicamente imposible. Así que ayudado de Bandcamo, investigaciones propias, consejos de gente con criterio y el apoyo a proyectos locales, volvemos con este tercer volumen. 2025, el ecuador de una década marciana Así que nos enfrentamos a la segunda parte de esta década absolutamente inescrutable, desesperante, sorprendente y que augura distopias y horrores cósmicos difíciles de abarcar. Para eso os cedo esta banda sonora. El ambient que, como bien sabéis los seguidores del programa, está muy presenten en la mente del Desenterrador, tiene una presencia fuerte con combinaciones clásicas como la de Biosphere, naturales como Ashtoreth o marcianas como HIRAIYIADARA. The Chameleons, Throwing Muses y Emilio Manso cubren el hueco del rock más o menos postpunkero y los locales Molykote y los clásicos Sodom rellenan la macarrada. Que haya un poco para todo el mundo. [8:10] 01. Biosphere - All Stars Have Names [7:14] 02. Lawrence English & Stephen Vitiello - with Aki [8:54] 03. 400 Lonely Things - Intravenus [14:12] 04. ASHTORETH & FORESTAAL - Axis [15:36] 05. ASHTORETH & FORESTAAL - Vein [6:30] 06. Dvoinoi - mbd [11:09] 07. HIRAIYIADARA - The Comet by Niklas Nenzén [7:59] 08. Matar Gente - UNHAS HOSTIAS ERA POUCO [4:15] 09. DJ Haram - Remaining ft. Dakn & Aquilles Navarro [5:00] 10. The Chameleons - Saviours Are a Dangerous Thing [6:08] 11. emilio manso - Iluso [3:08] 12. Throwing Muses - Teller [9:34] 13. Papir - IX.IIII [20:27] 14. Kandodo - Solstice Dub [5:10] 15. MOLYKOTE - Berliet T-100 [4:04] 16. Sodom - Sane Insanity

400 Lonely Things es el proyecto de Craig Varian, norteamericano que junto a Jonathan McCall (McCall falleció en 2020, dejando a Varian como único miembro) utiliza muestreos oscuros para tejer collage musicales principalmente instrumentales con texturas melancólicas y drones psicodélicos. Tiene elementos de Ambient, Drone. IDM (estilo que explora con más tenacidad en Phobadrena) Estas incursiones introspectivas y desgastadas rozan la hauntología, el dark ambient oscuro, lo experimental, y el New (Dark) Age. Los inicios del proyecto se retrotraen a 1988. En 2000 publican un disco con el nombre de Loom y finalmente adoptan el nombre "400 Lonely Things" en 2002. La obsesión con la hauntología del Desenterrador: 400 Lonely Things La hauntología es un concepto que describe la persistencia de elementos del pasado en el presente, como si el futuro hubiera sido "embrujado" por estos fantasmas culturales y sociales. El término, acuñado por Jacques Derrida y popularizado por pensadores como Mark Fisher, se aplica tanto a ideas filosóficas y culturales como a la música, donde se utiliza para referirse a la nostalgia y el reciclaje de estéticas pasadas. Y es algo que desde qued descubriera a la banda de electrónica escocesa Boards Of Canada ha perseguido al fundador del programa hasta la actualidad. Hasta que una buena amiga, le puso un nombre y le recomendó leer a Fisher, para el Desenterrador, todo esto eran sensaciones abstractas. 400 Lonely Things pone música a esa obsesiones, de una manera más evidente y clara que Boards Of Canada, y escuchar su discografía es un acto de valentía y placer culpable. Se disfruta enormemente, pero la decadencia y escapismo al mismo tiempo permeable a estos sonidos es masoquismo puro. Tras contactar con él, me propuso hacer una mezcla de canciones que tenía sin publicar que nos llevan hasta sus inicios en 1988 en un viaje temporal por 27 años de sonidos algunos más arcaicos, otros más depurados pero que, si se presta atención, golpean al plexo solar de la mente. Un lujo

a se ha mencionado muchas veces en estos textos que ilustran los podcasts que surgen de los programas del Desenterrador. No siempre hay ganas, ni tiempo, ni temas para hacer esto. 20 años y casi 500 podcast (y todos esos en los que era una quimera) agotan cualquier tema, aunque sea la música moderna. En este caso hay motivos justificables. El Desenterrador se va de minigira con su banda Gravelbed junto a Yusgolavia y Xeeland. De hecho este mismo sábado estará en Sastraka. Circling the Industrial, el regreso Así que aprovechando el momento de máxima ocupación y el título de una canción de Gravelbed, aquí tenéis una selección de temas como siempre variopinta. Black Metal eterno de Immortal, dos versiones de dos bandas cercanas al programa: Gravelbed y su Industrial en constante evolución y Kandodo, el proyecto de Simon Price de The Heads que expande el concepto de Heavy Psych hasta los límites de la demencia jam. O David Bowie y la versión del tema de extraño nombre “Chant of the Ever Circling Skeletal Family” que The Wedding Present han hecho. Y dentro, mucho más. PD: Para ilustrar el podcast, por cierto, que mejor que poner el cartel de esa sesión demasiado adelantada para el público vasco de Industrialismos, Postpunkerismos que tan poca gente atrajo hace unos años en Orbeko Etxea. Tracks [2:05] 01. David Bowie – Chant of the Ever Circling Skeletal Family [13:13] 02. Kandodo / John McBain – Chant of the Ever Circling (Last Vulture) [6:34] 03. Eraldo Bernocchi – Circling [5:18] 04. Four Tet – Circling [7:35] 05. Earth – The Dire And Ever Circling Wolves [6:44] 06. Gravelbed – Circling The Industrial (Ashtoreth Remix 2) [4:46] 07. Front 242 – Circling Overland [2:58] 08. Helios – Suns That Circling Go [2:36] 09. Fucked Up – Circling the Drain [3:57] 10. Immortal – Circling above in time before time [3:21] 11. Porridge Radio – Circling [4:17] 12. The Courteeners – Sharks Are Circling [3:35] 13. Cocteau Twins – Circling Girl [17:54] 14. Kandodo / John McBain – Chant of the Ever so Slowly Circling (Last Vulture) [2:28] 15. The Wedding Present – Chant of the ever Circling Skeletal Family [6:05] 16. Gravelbed – Circling The Industrial (Minimally Beaten by BEFA)

La vida y la realidad han obligado al programa a hacer un régimen de novedades centrado en B*****p. De todas las webs/apps existentes es quizá la más inclusiva ya que para el músico novato que necesita tener un sitio en el colgar las canciones sin gasto alguno, es la página heredera de Myspace. Por supuesto, tengo el oído puesto en las bandas locales que van publicando cosas, así como consejos de amigos y conocidos, pero al final del día, todos los caminos llevan aquí. A falta de que nuevas propuestas como Mudy se establezcan, es sin duda la mejor fuente de novedades presente en la red. Wishlist de B******p Así que por tercera vez, el Desenterrador os ofrece una selección de canciones que han llegado a su radar. Muchas de ellas provienen de otras fuentes, pero al final del día, todas pueden encontrarse en B*****p. Es verdad que el programa de hoy (y anteriores de esta índole) sigue muy centrado en la electrónica cercana al ambient, pero así son las cosas. La mente del programa que es un servidor está muy escapista y más textural que nunca. El Doom pútrido mezclado con Black se presenta gracias a ese sello llamado Avantgarde y sus dos nuevas (al menos para el programa) Kamra y Nexion, el germen del próximo programa con Diego de Dolerme sobre Shoegazing no anglosajón con Klimt 1916, Mondaze y We Melt Chocolate, el Power Noise Pop de Triángulo de Amor Bizarro, Punsetes, el post hardcore de Karate o la electrónica oscura de Final y Submerged. Elige a tu rey. Tracks 1. Kamra – Unending Confluence 2. Nexion – Uþarpaspa 3. THE BUG – Militants 4. GHOST DUBS – Into The Mystic 5. Sigillum S – Dermoscopy 6. Ian Boddy y Chris Carter – Uncaged 7. D3nver – Who would play this 8. Lawrence English – End Of Season 9. Karate – Gasoline 10. Triángulo de Amor Bizarro – La Caja Del Diablo 11. Punsetes – Viva 12. Klimt 1916 – Stupenda e Misera Città 13. We Melt Chocolate – Let Go 14. Mondaze – Incense Smell 15. Final – Live In Marseille Extract 16. Submerged – The Unfathomable Depths Where Dreams Lie

Bryn Jones, quien murió de una rara infección fúngica en el torrente sanguíneo en 1999, nunca se convirtió al islam; nunca salió del Reino Unido; nunca habló con un israelí (o al menos afirmó negarse a hacerlo en entrevistas); nunca pidió permiso para nada de lo que hizo; nunca le importó lo que los occidentales, los árabes o cualquier otra persona pensaran de su música; nunca dejó de trabajar. Cuando murió, Geert-Jan Hobijn, de su antiguo y futuro sello, Staalplaat, el sello holandés que ha publicado gran parte, pero no toda, de la avalancha de grabaciones que Jones hizo desde 1983, estimó que tenía suficiente material para seguir publicando música durante cinco años; Han pasado 26 años y las reediciones aumentadas y los lanzamientos de archivo siguen a un ritmo constante (limitados, al menos en estos dos casos, a 500 ejemplares cada uno, aunque, como era de esperar, Muslimgauze tiene una rica vida posterior en internet). El hecho de que Bryn Jones (también conocido como Muslimgauze) muriera en 1999 es un argumento convincente para la existencia de un poder superior. No estoy siendo insensible aquí, sugiriendo que el mundo está mejor sin él; Estoy diciendo que la escalada del conflicto en Israel, la invasión de Afganistán y la actual guerra en Irak probablemente habrían llevado colectivamente a Jones completamente al límite. Quizás su muerte le ahorró un sufrimiento inimaginable. Muslimgauze, contrariedad industrial o verdadera ira ante la injusticia en Oriente Medio El único problema que encuentro con la obra de Bryn Jones y su alias musical más conocido, Muslimgauze es ese temor presente en todos los proyectos de música industrial y experimental nacidos, sobre todo en el Reino Unido en los 80. Siempre dados a los extremos y a provocar reacciones muchos artistas jugaron con fuego y se alinearon (a veces para generar contrariedad, a veces por verdadera convicción política) con la derecha. El caso de Jones (junto quizá a SPK) es una rara avis. Se alineó con los oprimidos y no los opresores y defendió la causa palestina y, con el tiempo, la de cualquier otra de carácter musulmán alrededor del mundo (su genial Lo-Fi India Abuse es un ejemplo) con verdadero fervor. Su carácter recluido y casi autista (se pasó casi toda su vida viviendo en un apartamento encima de su madre) y el hecho de que no prestara atención a lo que le rodeaba musicalmente, le hace uno pensar que de verdad (al menos en su cabeza) el mensaje combativo y anti imperialista/sionista de su música era algo indivisible de la misma. Genialidad a la contra Y que creía de verdad todo lo que decía en las pocas entrevistas que dio. Pero si uno deja a un lado esa duda sobre la sinceridad de su música y la saca de su contexto para ponerla en 2025, la fuerza y abrasión de la misma junto a esos títulos de discos y canciones carentes de discreción y disimulo y con una potencia semiótica inabarcable (Vote Hezbollah, The Rape Of Palestine, Hamas Arc) lo que se escucha es una experiencia intensa, décadas después de su muerte. Ritmos tribales de corte árabe clipeados, distorsionados y rotos, bajos sinuosos dub, sonidos de campo, extractos de conversaciones que te sitúan en un entorno entre ruinas de las bombas de los aviones del ejército de Israel o te recuerdan a tiempos de paz que nunca volverán en los que los bazares y las culturas convivían en paz. Y mucho más. Porque la cosa es que entre sus más de 100 lanzamientos oficiales y sus tantas versiones que mandaba a los sellos con variaciones de los mismos que todavía no han sido publicadas, hay mucho que rascar. Hay sonidos que luego han sido apropiados o variados para crear decenas de subgéneros de música electrónica o influir a los existentes. Desde luego su poso en el Ambient, el Dub, Industrial y todas las variaciones del mismo (como el IDM, el Dubstep o incluso el Drum & Bass) es inagotable. Cada disco que escucho y repaso para hacer estos programas (de los que habrá muchos volúmenes, si solo fuera por lanzar desde mi modesto programa un grito de rabia instrumental hacia el sangrante genocidio que nunca termina) tiene canciones que me descolocan las entrañas de maneras inesperadas. Es cierto que hay mucha morralla y que no todos los discos de Muslimgauze son perfectos, pero es difícil no sacar una canción que te deje el culo torcido de cada uno.Y con semejante y prolífica discografía, pocos artistas pueden decir lo mismo. 01) Ramallah (de Betrayal 1993) “Betrayal tiene una portada memorable que muestra el apretón de manos entre Yitzhak Rabin y Yasser Arafat, con su título impreso de forma sencilla y contundente. La dedicatoria del álbum es “a una respuesta árabe unida”, por lo que esperar que el álbum, grabado pocos días después del apretón de manos, fuera una nueva explosión de ira musical sería la conclusión lógica. Sin embargo, Betrayal no se aleja tanto de Veiled Sisters; si bien no es tan minimalista, ni repetitivo, como aquel lanzamiento, Betrayal se basa en las mismas herramientas básicas de percusión electrónica suave y constante, y sutiles matices de bajo y teclado. Los cambios más inmediatos se encuentran en las diversas muestras vocales de algunas pistas; aunque no son inmediatamente inteligibles, se obtienen fragmentos e indicios que expresan una gama de emociones negativas con respecto al pacto de paz inicial. Al mismo tiempo, a menudo una sutil pero efectiva sensación de presagio y advertencia funesta se percibe a lo largo de la música. El uso de tonos graves, en particular, no parece tan alejado de lo que Massive Attack desarrollaría años después en Mezzanine. Además, al igual que con Veiled Sisters, incluso los cambios más sutiles tienen un gran efecto en el contexto, como el repiqueteo metálico añadido al pulso electrónico en el segundo “Nabius”. En general, la sensación es meditativa; es el tipo de música que se puede poner para un momento de tranquilidad, pero no es precisamente música fácil de escuchar.” 02) Stars Of Golan Heights (de Maroon 1995) “Más allá de su reputación y la portada de su disco, la música de Muslimgauze explora la relación entre las sensaciones visuales —espacio, color, profundidad, ilusión— y la experiencia auditiva. La contundencia de la batería y la riqueza de sonidos encontrados que pueblan densamente los paisajes sonoros de “Maroon” y “Drugsherpa” materializan la cálida presencia de los sintetizadores. La música es tan compleja y texturizada que trasciende lo auditivo y existe casi exclusivamente en el ámbito de la vista y el tacto. Desprovista de cualquier referencia a la realidad externa, la ambientación de Muslimgauze se remodela mediante la experiencia subjetiva y se transforma en la memoria. Al alterar la calidad de la percepción con la sutil maestría del productor, Bryn Jones (el mancuniano detrás de Muslimgauze) explicita la interioridad de los sentidos. Así, el hecho de que nuestra vida interior determine nuestra relación con el mundo exterior se convierte en el tema tácito de la música. Esta habilidad resulta una herramienta muy útil para un dogmático como Jones. Con portadas de estilo propagandístico que sugieren que el Acuerdo de Paz Israelí-Palestino fue una traición al pueblo palestino y títulos de álbumes provocadores como «Vote Hezbollah», Jones ha dejado clara su postura política. Separar la música de Muslimgauze de su imagen es como escuchar a Take That sin ver la pelvis de Robbie o el lagrimeo de Mark. Precisamente por eso su música es tan efectiva. Reubicar el poder de la música dentro del oyente, en lugar de como una fuerza externa que actúa sobre él, obliga a una reevaluación y reinterpretación. El lamento del muecín llamando a la oración y los gritos de las mujeres llorando a los muertos evocan imágenes de un fervor feroz de «muerte a los infieles» en la imaginación occidental, y se transforman en plegarias sagradas por la paz suprema, esa paz maternal que la mayoría de la música ambient busca expresar. El exotismo generalmente fácil de las tablas y los ouds sampleados sugiere en cambio el temor en el camino hacia la dicha acuosa del ambient común y corriente, y obliga al oyente a interiorizar la diferencia y confrontar las imágenes recibidas del Islam que Muslimgauze desvía con tan fuertes poderes de sugestión.” 03) Salaam Alekum, Bastard (1995) “No hace tanto tiempo en la historia de la música moderna, la influencia de los músicos en la sociedad era trascendental. Las declaraciones o posturas de un artista podían impactar la situación política de un país, e incluso a nivel mundial. Servicios secretos como la KGB, el Mossad o la CIA consideraban a algunos músicos sumamente peligrosos para sus propios fines, debido a su influencia en la opinión pública. En algunos países, escuchar bandas prohibidas podía llevar a una persona a un campo de concentración o incluso a la muerte. El nombre de un artista era fuente de inspiración y símbolo de la lucha por la libertad. También era una época en la que los artistas no se autocensuraban ni censuraban sus posturas por temor a ser silenciados o perseguidos por la turba por incorrección política. La libertad artística para expresar honestamente sus opiniones subjetivas, por más duras o polémicas que fueran, era más valiosa que cualquier preocupación o temor a herir susceptibilidades. Herir susceptibilidades significaba que la provocación había alcanzado su objetivo. Expresar su verdad subjetiva tenía el máximo valor para los artistas, como uno de los verdaderos significados del arte. Eran tiempos en que la música no era segura. Y para nosotros, Muslimgauze es sin duda uno de esos artistas cuya honestidad, si bien no era ni segura ni del todo cómoda, resultaba infinitamente inspiradora. La idea de la música como arma se convirtió en la piedra angular del diseño de la portada de este lanzamiento. Bueno, aquí está, la reseña bisemanal de Muslimgauze. Sé que este disco ya tiene sus años, pero lo acabo de conseguir, así que aguanten. Este lanzamiento me sorprendió bastante… es bastante violento para los estándares de Muslimgauze. Al menos, con los temas de apertura y cierre “Salaam Alekum…”, se percibe una atmósfera de percusión industrial y una tensa mezcla de sonidos orientales. Y hablando de tensión, “Hebron Massacre” se presenta aquí como una versión corta: 12 minutos de presión creciente y agresividad inédita… conserva la esencia del original, pero parece un poco apresurado. “Dome of the Rock” y “Mandarin Guerilla” se adentran en un terreno casi ambiental, especialmente “Mandarin”, con sus drones reverberantes y sintetizadores zumbantes que evocan la imagen de árabes en el espacio. «Cairopraktar» tiene un ritmo percusivo más parecido a «Citadel» o a algunos de los remixes de «Infidel». Me parece uno de los mejores lanzamientos de Muslimgauze hasta la fecha: todas las canciones son distintas entre sí y, sin embargo, el disco fluye con naturalidad de una pista a otra.” 04) Self-Transforming Machine Elves – Raise Ya Hanzzup (de Ocuppied Territories 1996) “Desde 1993, Muslimgauze estuvo bajo contrato con Staalplaat. Su apoyo incondicional les permitió trabajar con total libertad y sin concesiones. Muchos músicos actuales le deben mucho al sonido de Muslimgauze. Por eso, Staalplaat invitó a numerosos grupos de la escena techno, house y afines a tomar el trabajo extremo de Muslimgauze y adaptarlo a la pista de baile. La acogida fue abrumadora y la música resultante abarca multitud de estilos. Por ello, nos complace presentar (¡con orgullo!) este doble CD. El primer disco («Occupied Beats») te transporta a la pista de baile con la música dub de O Yuki Conjugate y sus proyectos paralelos Sons Of Silence y Clicka, Drome, Extremadura, el jungle experimental de Self-Transforming Elves o los remixes house directos de Human Being Elke Day (vinculados a Exquisite Corpse) o LøSD. El segundo disco (‘Occupied Frequencies’) se adentra de lleno en lo extraño, enfatizando el lado melancólico y atmosférico de Muslimgauze, en remixes de Nonplace Urban Field, :zoviet*france: y Quest. O la contundencia de People Like Us, Starfish Pool y el propio maestro… Occupied Territories es un homenaje en forma de remixes a una de las voces más potentes de la música actual: ¡Muslimgauze! Con la participación de: Sons of Silence, Drome, Elke Dag, Clika, Extremadura, Human Beings, O Yuki Conjugate, Self-Transforming, Machine Elves, Zion Train, LOSD, Nonplace Urban Field, The Square Root of Sub, Zoviet France, Quest, Starfish Pool, Bryn Jones, People Like Us y Panasonic.” 05) 02 – 8 am, Tel Aviv, Islamic Jihad (de Gun Aramaic 1 1996) “”Saladin Mercy” abre Gun con un toque familiar, quizás demasiado familiar; si bien cierta consistencia en el trabajo de Muslimgauze no sorprende, Bryn Jones suele variar lo suficiente de un álbum a otro como para crear experiencias auditivas distintas en cada lanzamiento. Aun así, “Saladin” se siente como algo que fácilmente podría haber estado en su anterior lanzamiento con Soleilmoon/Staalplaat, Maroon, con su mezcla de drones de piezas anteriores y los retoques más recientes y la gran variedad rítmica a lo largo de la canción. El siguiente tema, el primero, “8 am, Tel Aviv, Islamic Jihad”, aclara las cosas, con una combinación de pulsos agudos, rugidos resonantes y lo que suena como una discusión doméstica entre una pareja grabada en video: una combinación extraña característica que, una vez más, funciona bastante bien al final. Un poco más que la mayoría de los lanzamientos de Muslimgauze, Gun es muy ambiental en términos de su composición; la dependencia de fragmentos conversacionales a lo largo del álbum casi lo convierte en la banda sonora de una película inexistente. Como suele ocurrir con Muslimgauze, los elementos más fascinantes de Gun a menudo son los más simples, como el ritmo persistente y de lento ascenso en la primera “Opiate and Mullah”, o el cambio de un silencio casi absoluto a un elegante y ligeramente inquietante arreglo de teclado aproximadamente a los trece minutos de “Oil Prophets (pt. 1, 2, 3)”. Gun cierra el disco con una nota muy sombría con los oscuros murmullos que concluyen “Oil Prophets (pt. 4, 5)” y los drones breves pero profundos y melancólicos de la segunda “Opiate and Mullah”, lo que supone un final un tanto inesperado para un buen álbum.” 06) Untitled (De Remixs 1996) “Compuesto por tres extensos temas sin título, Re-mixes presenta a Bryn Jones abordando su propia obra de forma indirecta: en lugar de reelaborar específicamente alguna canción, al menos no solo por su nombre, Muslimgauze reinterpreta algunos elementos básicos de muchas piezas anteriores, adaptándolas a nuevos contextos. No es tan radicalmente diferente de sus trabajos anteriores como podría pensarse, pero en cuanto a la exploración del ritmo y la atmósfera, se compara favorablemente con las reinterpretaciones radicales de álbumes como Azzazin, aunque con un estilo propio y distintivo. Los mejores momentos del primer tema se encuentran en la parte central, con un misterioso sonido electrónico de campanillas sobre un pulso minimalista; por momentos, aparecen inesperadas interjecciones de sonidos aleatorios, que desembocan en un suave ritmo de campanas acentuado por una batería y teclados muy delicados. El segundo tema comienza con un ritmo dub ligeramente estático, que luego se transforma en una combinación reverberante de percusión acústica, campanillas suaves y otros sonidos inidentificables, cuidadosamente dispuestos en un ritmo complejo que resulta a la vez atractivo y sutilmente inquietante. A continuación, se introduce un loop de hip-hop crudo y deliberadamente pausado, como siempre, con extrañas interrupciones y variaciones, antes de concluir con una pista de batería minimalista y burbujeante. La pieza final presenta un loop vocal femenino durante un rato, antes de que aparentemente se reduzca a una serie de ecos de fondo, mientras un ritmo mayormente electrónico genera un beat regular pero poco bailable, para terminar con una serie de loops discretos pero atractivos de metal resonante y varios tambores, junto con otros sonidos que bien podrían haber salido de uno de los lanzamientos de Main, igualmente obsesionados con el ritmo. Si bien no es uno de los mejores lanzamientos de Muslimgauze, tiene algo especial.” 07) Shia Psalm (de Gun Aramaic 2 1996) “Con un título y un diseño general que pretendían ser la secuela del primer Gun, Part 2 resulta ser algo completamente distinto, y mucho más interesante que el álbum original. El potente inicio de “Sikh Needle” y “Shia Psalm” ofrece otro comienzo fantástico para un lanzamiento de Muslimgauze. El primer tema se basa en un collage de ruido y ritmo atípico, mezclado con percusión repentina e interludios de samples, mientras que el segundo comienza con una oleada similar de ruido y conversación antes de dar paso a un excelente loop de hip-hop, distorsionado, modificado y superpuesto con otros ritmos. Este loop se asienta en una sección central casi imperceptible, con notas y ritmos que emergen suavemente de la nada, antes de regresar a los elementos originales de la canción. Estos se mezclan con elementos más característicos de Muslimgauze (percusión acústica, teclados melancólicos) para crear un final magistral. A partir de ahí, con el nítido y minimalista ritmo de platillos que da inicio a la segunda parte de “Sikh Needle”, la segunda entrega se fortalece cada vez más, explorando los breakbeats como una nueva herramienta en el particular arsenal sonoro de Bryn Jones, a la vez que refina su enfoque sonoro básico. El atractivo brillo de las campanillas metálicas, mezclado con un ritmo igualmente metronómico y una serie de samples vocales entrelazados en la primera parte de “Sharia Limb”, sin mencionar los inesperados estallidos de ruido y los ritmos y golpes ásperos e implacables que desembocan en una atmósfera ambiental sibilante, salpicada de fragmentos conversacionales, todo ello en la segunda parte de “Sharia Limb”, son solo dos ejemplos destacados.” 08) Saleem Bou (de Fatah Guerrilla 1996) “Muslimgauze se expande a proyectos cada vez más extensos con este lanzamiento de tres discos, cada uno con una duración mínima de una hora y título propio. En Fatah, Bryn Jones logra una síntesis precisa de los diversos estilos y fases de Muslimgauze, ya sea intencionalmente o no, a lo largo de toda la obra. El primer disco, Muhammadunize, posee un aire clásico, con una mezcla muy familiar de drones, instrumentos de cuerda y sintetizadores, y patrones de percusión/breakbeat variados, a su vez mezclados con samples vocales difíciles de identificar. Es una fórmula que Jones ha utilizado en numerosas ocasiones, pero de alguna manera logra mantenerla fresca, dotando a canciones como la primera y segunda versión de “Khalifate” y, especialmente, a las dos versiones impactantes de “Imad Akel”, de toques inesperados. Además, incorpora la fuerza característica de su trabajo en las pistas, con belleza y una tensión nerviosa y difícil de definir a medida que avanzan. El segundo disco, Tajik and Persian Blind, se inscribe en la línea de Izlamaphobia o Deceiver —el tema principal de este último reaparece brevemente como “Deceive for Yourself”— con la combinación de ritmos contundentes (por ejemplo, “Shisla Nain Royal Bidjar”) y una producción agresiva y artística al estilo de Aphex Twin (“Dizurt”); también se incluye el tema “Negev Gulag”, grabado tres años antes. Como sugiere su título, el último disco, Chechnya Over Dub, potencia la estética dub, siempre presente en la obra de Muslimgauze —aunque generalmente de forma más abstracta e indirecta de lo esperado—, mezclando y combinando todos los elementos mencionados anteriormente, desde el retumbante bajo de “Resume and Shaduf” hasta la atmósfera minimalista de “Sari of Acidic Colours”. El lanzamiento completo es un poco excesivo para asimilarlo de golpe, pero, no obstante, el conjunto es otro buen trabajo de Jones.” 09) Tan Tan (de City of Djinn 1997) “John Bolloten, también conocido como The Rootsman, es músico y DJ residente en Bradford, Inglaterra. Su carrera musical comenzó en Edimburgo, Escocia, donde aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta en 1978, a los 13 años, y formó su primera banda de punk. Con su grupo, State Oppression, debutó en 1981 como telonero de Angelic Upstarts. Tras tres conciertos, decidió que ser guitarrista no era lo suyo y se retiró de la música. Se mudó a Bradford en 1983 y se integró rápidamente en la escena reggae local. Trabajó durante más de dos años en la tienda de discos Roots Record Shop, donde empezó a ser conocido como Rootsman. En 1985 comenzó a pinchar en sistemas de sonido locales y al año siguiente empezó a sonar en la radio universitaria y en emisoras piratas locales. City Of Djinn, su primer encuentro con The Rootsman (antes de Return to the City of Djinn de 1999) es una intensa sesión de loops recortados y ruido de soundsystem, sello distintivo de Roostman, originalmente publicado en Third Eye Music. Ambos artistas compartían una pasión por los principios del dub que resuena a lo largo del lanzamiento, inspirándose en la rica cultura de sus respectivas localidades, Cheetham Hill y Bradford, para crear una mezcla de sonidos singularmente ruidosa y saturada. Estas improvisaciones crudas, junto con la plétora de autoediciones de The Rootsman, allanarían el camino para su serie Razor X de discos de dancehall extremo con The Bug, pero este conjunto se mantuvo firme en una mezcla de ritmos ragga-hop y dub crudo, totalmente sintomático de cómo la positividad new age de la música rave y underground daba paso a una inclinación más pesada y estridente a finales de la década, justo cuando esta paleta de percusión y tonalidades de Oriente Medio sería sampleada por artistas como Timba y The Neptunes. «City of Djinn» se sitúa en una especie de zona autónoma temporal de exploraciones, y se ha convertido en algo muy codiciado por los fanáticos.” 10) Abu Salim, Tripoli (de Fedayeen 1998) “En 1998, la tecnología de compresión de audio MPEG se popularizó entre el público general simplemente como “MP3”. El intercambio de MP3 se convirtió rápidamente en la actividad más popular en línea. En retrospectiva, con todo el fervor que rodeaba esta revolución en la tecnología de distribución musical, quizás no sea tan sorprendente que ese mismo año encontráramos un lanzamiento musical del solitario mancuniano conocido como Muslimgauze. El espectro de formatos que abarcan los lanzamientos de Muslimgauze es realmente muy amplio. Exceptuando el DVD y el formato de vídeo, quedan muy pocos formatos. Aunque, como un regalo inesperado de un amigo, la descarga gratuita de MP3 fue una sorpresa en su momento, parece apropiada incluso teniendo en cuenta que el propio artista no era miembro de la comunidad de internet. Con o sin este contexto tecnocultural y social en mente, podemos escuchar la colección de arreglos musicales conocida como Fedayeen (Fedayín: “aquel que se sacrifica”) con una mezcla de distracción y atención absorta. Envuelto en las ya desgastadas túnicas de la percusión fragmentada y en bucle, Fedayeen es una danza vertiginosa sobre una cuerda floja tejida de visiones inducidas por el trance y un insomnio inquieto. Muchos de los temas se agitan y giran ansiosamente durante diez o casi doce minutos. Curiosamente, entre ellos, yace un tema de 6 segundos que es más un error que una grabación real, como si el botón de grabar se hubiera pulsado accidentalmente y esos pocos segundos se hubieran grabado a fuego en el conjunto. El destino quiso que se quedara”. 11) Sulaymaniyah ( Mazar-i-Sharif 1998) ““Mazar-i-Sharif” es para la alta sociedad lo que una docena de rottweilers furiosos son para un café lleno de caniches: una explosión. Los collares de diamantes se esparcen por las baldosas y el pelaje se torna rojo mientras los traseros perfectamente recortados de los caniches son destrozados por una jauría de spaniels rabiosos, al estilo de Jerry Springer. Tu fiesta del té políticamente correcta de fin de siglo ha terminado oficialmente, y cualquiera que piense que Muslimgauze está a punto de dar un salto calculado a la radio new age debería llamar a un taxi ahora mismo porque los misiles ya están en el aire. Desde la intensa descarga de ruido y ritmo hasta la impactante imagen de portada de un niño pequeño con los brazos amputados, no hay nada en este disco compacto que no ofenda a alguien. Sí, por supuesto que hay ritmos pegadizos de Oriente Medio, y los loops musicales son de primera categoría como siempre, y los verdaderos fans acérrimos de Muslimgauze no se sentirán decepcionados, pero esperamos que haya menos de ellos después de escuchar este disco.” 12) Apollon Vs Muslimgauze – Unfortunate Child Dark Thoughts es el primer álbum publicado bajo el nombre de Apollon/Muslimgauze, una colaboración entre Martin Lee-Stephenson y Muslimgauze, tras la publicación de Apollon en el recopilatorio Earth de D.O.R. El álbum es un viaje sonoro de 79 minutos y 23 temas a los rincones más oscuros de la mente (Scorpion Factory, Black Rain, Hell Room, Bug Pit), con ritmos de Oriente Medio (Mujibur, Chemical Ali, Chinese Pilgrim, Short Wave Iranian), texturas introspectivas y exploraciones sonoras (Quench Of Morphic Fields, Outer Bell). Dark Thoughts es un álbum experimental que se aleja de la artificialidad de otros discos de electrónica contemporánea, manteniendo su vitalidad mediante la constante evolución, paisajes sonoros multicapa con breakbeats táctiles y, por momentos, brutales, líneas de bajo, sonidos electrónicos y una maestría sonora excepcional. 13) One (de Vs Bass Communion 1999) En 1996, Steven Wilson, la mente detrás de Bass Communion, escribió a Bryn Jones para expresarle su admiración por Muslimgauze. Posteriormente se reunieron y Steven le dio a Bryn parte de su música, aunque sospechaba que no le gustaría. Y así fue, pero como con toda la música a la que Bryn estaba expuesto, su instinto natural de transformarla en algo resultó irresistible. Y así sucedió que, tan solo cuatro días después de su encuentro, Steven recibió un paquete con dos horas y media de reconstrucciones y distorsiones de su música original. Las nuevas piezas eran pistas distorsionadas, granuladas y basadas en loops, pero Steven sintió que eran demasiado parecidas a la música de Bryn como para simplemente lanzarlas como un álbum de remixes. En cambio, decidió usarlas como base para nuevas piezas, reeditando y sobregrabando las cintas, para finalmente devolvérselas a Bryn para su aprobación. Así comenzó un período de colaboración por correo. Cada vez que Bryn aportaba los ritmos, Steven moldeaba la materia prima, ¡solo para que Bryn la destrozara de nuevo! Finalmente, a principios de 1997, la batalla terminó y el álbum quedó completo, pero, por alguna razón, se perdió entre la avalancha de lanzamientos del propio Bryn y nunca se publicó. Ahora, tras la muerte de Bryn, Soleilmoon publica estas grabaciones en una edición limitada de 600 copias a un precio especial. Para los fans de Muslimgauze, estas grabaciones son significativas, ya que representan uno de los pocos ejemplos de una verdadera colaboración bidireccional entre Bryn y otro músico, en lugar de ser simplemente un proyecto de remezclas. Para los fans de Bass Communion, las grabaciones son una oportunidad para escuchar las texturas ambientales, las fluctuaciones sonoras y los graves profundos de Steven fusionados con los ritmos étnicos contundentes que eran el sello distintivo de Bryn.

Bryn Jones, quien murió de una rara infección fúngica en el torrente sanguíneo en 1999, nunca se convirtió al islam; nunca salió del Reino Unido; nunca habló con un israelí (o al menos afirmó negarse a hacerlo en entrevistas); nunca pidió permiso para nada de lo que hizo; nunca le importó lo que los occidentales, los árabes o cualquier otra persona pensaran de su música; nunca dejó de trabajar. Cuando murió, Geert-Jan Hobijn, de su antiguo y futuro sello, Staalplaat, el sello holandés que ha publicado gran parte, pero no toda, de la avalancha de grabaciones que Jones hizo desde 1983, estimó que tenía suficiente material para seguir publicando música durante cinco años; Han pasado catorce años y las reediciones aumentadas y los lanzamientos de archivo siguen a un ritmo constante (limitados, al menos en estos dos casos, a 500 ejemplares cada uno, aunque, como era de esperar, Muslimgauze tiene una rica vida posterior en internet). El hecho de que Bryn Jones (también conocido como Muslimgauze) muriera en 1999 es un argumento convincente para la existencia de un poder superior. No estoy siendo insensible aquí, sugiriendo que el mundo está mejor sin él; Estoy diciendo que la escalada del conflicto en Israel, la invasión de Afganistán y la actual guerra en Irak probablemente habrían llevado colectivamente a Jones completamente al límite. Quizás su muerte le ahorró un sufrimiento inimaginable. Muslimgauze, contrariedad industrial o verdadera ira ante la injusticia en Oriente Medio El único problema que encuentro con la obra de Bryn Jones y su alias musical más conocido, Muslimgauze es ese temor presente en todos los proyectos de música industrial y experimental nacidos, sobre todo en el Reino Unido en los 80. Siempre dados a los extremos y a provocar reacciones muchos artistas jugaron con fuego y se alinearon (a veces para generar contrariedad, a veces por verdadera convicción política) con la derecha. El caso de Jones (junto quizá a SPK) es una rara avis. Se alineó con los oprimidos y no los opresores y defendió la causa palestina y, con el tiempo, la de cualquier otra de carácter musulmán alrededor del mundo (su genial Lo-Fi India Abuse es un ejemplo) con verdadero fervor. Su carácter recluido y casi autista (se pasó casi toda su vida viviendo en un apartamento encima de su madre) y el hecho de que no prestara atención a lo que le rodeaba musicalmente, le hace uno pensar que de verdad (al menos en su cabeza) el mensaje combativo y anti imperialista/sionista de su música era algo indivisible de la misma. Y que creía de verdad todo lo que decía en las pocas entrevistas que dio. Pero si uno deja a un lado esa duda sobre la sinceridad de su música y la saca de su contexto para ponerla en 2025, la fuerza y abrasión de la misma junto a esos títulos de discos y canciones carentes de discreción y disimulo y con una potencia semiótica inabarcable (Vote Hezbollah, The Rape Of Palestine, Hamas Arc) es una experiencia intensa la de escuchar sus canciones en este nuevo milenio, décadas después de su muerte. Ritmos tribales de corte árabe clipeados, distorsionados y rotos, bajos sinuosos dub, sonidos de campo, extractos de conversaciones que te sitúan en un entorno entre ruinas de las bombas de los aviones del ejército de Israel o te recuerdan a tiempos de paz que nunca volverán en los que los bazares y las culturas convivían en paz. Y mucho más. Porque la cosa es que entre sus más de 100 lanzamientos oficiales y sus tantas versiones que mandaba a los sellos con variaciones de los mismos que todavía no han sido publicadas, hay mucho que rascar. Hay sonidos que luego han sido apropiados o variados para crear decenas de subgéneros de la música electrónica o influir a los existentes. Desde luego su influencia en el ambient, el dub, industrial y todas las variaciones del mismo (como el IDM, el Dubstep o incluso el Drum & Bass) es inagotable. Cada disco que escucho y repaso para hacer estos programas (de los que habrá muchos volúmenes, si solo fuera por lanzar desde mi modesto programa un grito de rabia instrumental hacia el sangrante genocidio que nunca termina) tiene canciones que me descolocan las entrañas de maneras inesperadas. Es cierto que hay mucha morralla y que no todos los discos de Muslimgauze son perfectos, pero es difícil no sacar una canción que te deje el culo torcido de cada uno.Y con semejante y prolífica discografía, pocos artistas pueden decir lo mismo. Con vosotros una selección cronológica de toda su obra con contextualizaciones extraídas de la escasa información a la disposición del programa. Tracks 01) Kabul (De Kabul) Kabul, el álbum debut de Muslimgauze, es un lanzamiento fundamental en la música electrónica experimental, conocido por su fusión temprana, cruda e hipnótica de sonidos de Oriente Medio con cajas de ritmos y sintetizadores. Las reseñas destacan su estado "embrionario", sus técnicas experimentales y su carácter meditativo y estremecedor, con samples vocales repetitivos, con eco y reverberación. Se considera más una experiencia auditiva inmersiva que activa, capturando el "sueño de un bazar de Oriente Medio" a través de su estética DIY. 02) Soviet Occupied Territories (Buddhist on Fire) Buddhist on Fire es un álbum fundamental de Muslimgauze en sus inicios, considerado a menudo por los fans como uno de sus mejores, aunque se le reconoce como una obra irregular pero encantadora. Este lanzamiento de 1984 destaca por mostrar muchos de sus estilos electrónicos y rítmicos característicos, como los brutalistas samples vocales y la percusión en temas como "Reuters" y los "grooves árabes cerrados" de "Turkish Falaka". Los críticos lo describen como una pieza clave de su evolución artística, conectando la música electrónica temprana con su sonido posterior, más desarrollado, y se recomienda a menudo como un lanzamiento esencial para comprender su obra. 03) Empty Quarter (de Hunting Out With an Aerial Eye 1984) Hunting Out With an Aerial Eye es un lanzamiento de 1984 del artista electrónico Muslimgauze (Bryn Jones), que a menudo se considera un trabajo muy influyente que muestra su característica mezcla de ritmos electrónicos, elementos de percusión y samples. Los críticos destacan su producción multifacética, que incluye temas de diversas culturas de Oriente Medio, con temas destacados como "Under the Hand of Jaruzelski" y "Xajza Of Martyrdome", de 20 minutos de duración. El álbum se considera un testimonio de la capacidad de Jones para crear un paisaje sonoro único, a la vez experimental y accesible, que ha influenciado a muchos artistas electrónicos modernos. 04) Bizantine Crucifixion (Blinded Horses 1985) En su cuarto LP, Blinded Horses (1985) Bryn Jones se consolida plenamente como Muslimgauze, aunque aún conserva algunas anomalías y rasgos atávicos de sus primeros trabajos. Para quienes lo conocen, mencionar Muslimgauze evoca inmediatamente un sonido: breakbeats árabes con groove cerrado, samples vocales atmosféricos y grabaciones de campo centradas principalmente en Oriente Medio, especialmente en el conflicto palestino, que luego se complementan con una batería de música electrónica en directo y técnicas dub. Para un artista con casi 400 álbumes en su discografía, Bryn Jones podía ser notablemente consistente, tanto sonora como temáticamente. Blinded Horses se siente como el primer álbum completo de Muslimgauze, donde todos los rasgos más distintivos del proyecto se mantienen intactos. Lo más notable es el cierre de la cara A, "Palestine", un drone de casi 10 minutos de duración lleno de ritmos esqueléticos y cánticos de protesta, todo ello ahogado en profundos charcos de eco y reverberación dub. Es la primera referencia directa al conflicto entre Israel y Palestina, que obsesionaría a Jones durante el resto de su vida antes de su trágica y prematura muerte en 1999. Sin embargo, Blinded Horses tiene sus anomalías. Hay un ritmo extrañamente irregular, campanas de viento de "Canto Llano" y samples vocales kamikaze marciales en la canción que abre el álbum, "Byzantine Crucifixion", que suena más a un soplo cardíaco que a un tema de baile. 05) Mujahideeen del disco de 1986 Flajelata) 06) The Divine Cause (Jazirat-Ul-Arab 1987) Jazirat-Ul-Arab es un álbum de 1987 del artista de electrónica experimental Muslimgauze (Bryn Jones). Las reseñas generalmente elogian sus cualidades tribales y experimentales, destacando su sonido ambiental oscuro y su enfoque rítmico, pero también señalan que puede ser muy repetitivo, aunque las pistas son distintas entre sí. Algunos críticos consideran el álbum imprescindible para los amantes de la batería y la música rítmica y experimental. El álbum se lanzó originalmente como parte de la caja recopilatoria Chasing The Shadow of Bryn Jones (1983-1988) y ha sido reeditado individualmente. 07) Abu Nidal (Abu Nidal 1988) Dedicado a la OLP y nombrado en honor a uno de los combatientes palestinos más notorios (o, alternativamente, más heroicos) de la época, Abu Nidal es uno de los mejores lanzamientos de Muslimgauze, creando música rica y profunda a partir de las fuentes básicas del árabe y otros orígenes musulmanes. El tema principal llama la atención de inmediato; si bien Muslimgauze siempre tuvo un don para crear atmósferas instantáneas y acertadas, "Abu Nidal" destaca como uno de los mejores ejemplos de su talento. Sus sonidos de viento y sintetizadores, fluidos y sensuales, crean una encantadora red de drones tras la implacable pero no abrumadora percusión en vivo, todo ello acentuado ocasionalmente por un contrapunto rítmico de campanas u otros tambores. 08) Shadow Of The West Uzi (The Rape Of Palestine 1988) Álbum doble de finales de los ochenta. se lanzaron como LP independientes antes de combinarse en este disco. Y su sonido es bastante diferente. The Rape of Palestine fue el último álbum del sello Limited Editions de Muslimgauze. Es una pieza más compleja que Uzi, a pesar de haber sido publicada antes. Los dos primeros temas, "Shadow of the west" y "The Muslim city", son piezas de percusión rápida acompañadas de sonidos de trompeta, tonos y algunas figuras de sintetizador. "Shadow Of The West" comienza con un crujido en el que se puede escuchar una radio y una flauta. A diferencia de todo lo demás que he escuchado de Muslimgauze, "A nation" está creada a partir de samples de voz, posiblemente una obra coral, en bucle y superpuestos para formar un zumbido asombroso. Unos ligeros toques de sintetizador y un brillo apicultor al final se suman al zumbido, convirtiendo este tema en uno de los más bellos de Muslimgauze. 09) PFLP de Intifaxa (1990) Este álbum marca el debut del grupo en el sello australiano Extreme. Directamente inspirado en la Intifada, tema predilecto de Muslimgauze, es otro álbum clásico y sin sorpresas, por lo que es un éxito. La canción corresponde a las iniciales en inglés del El Frente Popular para la Liberación de Palestina (FPLP; en árabe: الجبهة الشعبية لتحرير فلسطين Al-Ŷabha Aš-Šaʿbiyya li-Taḥrīr Filasṭīn) es una organización revolucionaria marxista-leninista laica de izquierda fundada en 1967 por George Habash. Es la segunda organización más grande dentro de la Organización para la Liberación de Palestina (OLP), después de Fatah.[2]​ 10) Bhuto (Radio Rabbat Remix de Bhutto EP 1991) El EP Bhutto (1991/2) no es un lanzamiento único, sino una colección de temas que muestran la fusión característica de Muslimgauze: hip-hop con influencias de Oriente Medio, drum and bass y paisajes sonoros industriales. Las reseñas destacan sus cualidades hipnóticas, rítmicas y, a menudo, abrasivas, con temas como "Hezbollah Radio Advert", que combina percusión tradicional con ritmos limpios de 4/4 y samples vocales. El EP se considera una representación ejemplar del estilo único y controvertido de Muslimgauze, y algunos críticos lo consideran una buena forma de iniciarse en la obra del artista. 11) Curfew, Gaza (de Zul’m 1992) Del album Zul’m (1992) variado, pacífico, accesible. La palabra zul'm (ظلم) es un término árabe que significa injusticia, opresión o tiranía. Literalmente, significa "poner algo donde no debe". Esto puede referirse a diversos males, desde la crueldad y la injusticia hasta tomar lo ajeno o causar sufrimiento a alguien. 12) Zion Poison (de Satyajit Eye 1993) Satyajit Eye (1993), publicado en vinilo casi dos décadas después de su primera aparición —de forma inusual— en formato DAT, incluye tomas descartadas de los álbumes Vote Hezbollah y Hamas Arc. Grabado con el ingeniero John Delf en el Abraham Mosque Centre de Mánchester, este álbum marca un período clave en el desarrollo del sonido Muslimgauze. Como cuentan las extensas notas del LP, fue la primera vez que Bryn Jones utilizó un estudio de vanguardia (por aquel entonces) para mezclar su música.

La vida y la realidad han obligado al programa a hacer un régimen de novedades centrado en B*****p. De todas las webs/apps existentes es quizá la más inclusiva ya que para el músico novato que necesita tener un sitio en el colgar las canciones sin gasto alguno, es la página heredera de Myspace. Por supuesto, tengo el oído puesto en las bandas locales que van publicando cosas, así como consejos de amigos y conocidos, pero al final del día, todos los caminos llevan aquí. A falta de que nuevas propuestas como Mudy se establezcan, es sin duda la mejor fuente de novedades presente en la red. Wislist of B******p Así que por tercera vez, el Desenterrador os ofrece una selección de canciones que han llegado a su radar. Muchas de ellas provienen de otras fuentes, pero al final del día, todas pueden encontrarse en B*****p. Es verdad que el programa de hoy está muy centrado en la electrónica cercana al Ambient, pero así son las cosas. La mente del programa que es un servidor está muy escapista y más textural que nunca. La psicodelia refrita del sello Riot Season está presente con Codex Serafini, esa mezcla reciente de Shoegazing y Postpunk tiene a The Forest y dentro del ambient mencionado tenemos a David Shea, Dylan Henner, Xeeland (con los que estaremos Gravelbed de gira del 20 al 23 de noviembre). También giraremos a ruidismos que protestan con abrasión el genocidio palestino con Muslimgauze (del que sonará un segundo especial el sábado que viene) y Pharoah Chromium y Techno más minimalista con Superpitcher y Paul St Hillaire. Tracks 1. Auditorium Phantom – Foundatiom (Assembly) 2. The Forest – Sundown 3. Codex Serafini – Mother Give Your Children Sanity 4. Dylan Henner – The House Party Went On So Long We Talked and Drank and Played Music til The Morning 5. David Shea – A Sutra 6. Xeeland – Twilight Spider 7. Pharaoah – May Die 8. Muslimgauze – Abyssinia Selasie 9. Victor Tsilimparis, George Palamiotis, Sotiris Tsolis – What Was has Become 10. darsombra -Call The Doctor (Pandemonium Mix) 11. Meatjack – Crawl 12. Total Kompakt 25 – Superpitcher feat. Alexis Taylor – Pandora’s Box 13. Paul St. Hilaire & Priori – Send Them On 14. Tosca – Sala 15. Kangding Ray – Katharsis 16. Biosphere – Delta Function 17. Dj Haram – Handplay

Estaba el otro día scrolleando en la red de redes y me encontré con un mensaje en un chat que tengo en W******P. En el varios amigos discutimos sobre música. Llamo al chat, el chat Indie, porque basicamente no se salen de ciertos parámetros que viajan desde el moderneo más irritante via C Tangana, hasta el rock de corte británico rollo The Verve. Por citar a algunos. Evidentemente hay cosas que compartimos. Y una es el Hip-Hop. Y es así como llegó una playlist del webzone Pitchfork, una página francamente interesante y llena de artículos, entrevistas y críticas muy bien llevadas. Lo mejor del Hip-Hop mundial Pero siempre cometen un error, todas las revistas musicales lo hacen. O dejan que el público elija, o eligen ellos, pero siempre hay admisiones incomprensibles u omisiones todavía más imposibles de entender. Así que me dije, voy a coger lo que se puede salvar esta lista, y con la clarísima falta de autoridad que manejo en el género, voy a crear una lista 50% objetiva, 50% del que me tira a mí. Así que durante dos programas vais a disfrutar de clásicos del Hiphop de la vieja escuela, del moderno, del abstracto (mi preferido) y casi nada del Gansta (mi profundamente odiado). En esta segunda entrega nos vamos a integrar en el mundo del Hiphop más experimental en el que la actitud de crossover que se mostró en los comienzos del género se ha llevado a extremos inesperados y geniales en los últimos 25 años. Cage entra por partida doble con su Hip-hop torturado en solitario y junto a los Weathermen, el fallecido y original MF Doom con su discazo junto a DangerMouse, EL-P en solitario y junto a Killer Mike en Run The Jewels (con participación de auras samplistas de Zach de la Rocha). Dälek está dos veces, como favorito del programa, destacando su colaboración con los veteranos del Kraut-Rock Faust. Y mucho más. Si te interesa el HipHop pero lo ves como un género limitado, este es el sitio para que se te quite la idea de la cabeza Tracks [3:49] 01. The Weathermen - Every Rapper in the House Shut the Fuck Up [3:06] 02. Dizzee Rascal - Hype Talk [5:02] 03. Cage - Grand Ol' Party Crash (feat. Jello Biafra) [2:41] 04. MF Doom - Old School ft. Talib Kweli [2:21] 05. Das Racist - Happy Rappy [3:34] 06. Vast Aire - The Cannon Of Samus (Feat. Kenyattah Black) [3:55] 07. Run the Jewels feat. Zack de la Rocha - Close Your Eyes (and Count to Fuck) [5:29] 08. Kendrick Lamar - The Blacker The Berry [2:20] 09. Danny Brown - From The Ground (feat. Kelela) [4:15] 10. DJ Krush - Monolith (feat. 呂布カルマ) [4:06] 11. Freddie Gibbs & Madlib - Palmolive [4:47] 12. Techno Animal feat. Rubberoom - Cruise Mode 101 [4:05] 13. Aesop Rock - The Yes And The Y'all [3:16] 14. Antipop Consortium - Silver Heat [3:04] 15. Faust & Dälek - Hungry for now [3:31] 16. Why? - Crushed Bones [4:42] 17. El-P - Run The Numbers (feat. Aesop Rock) [5:10] 18. Odd Nosdam - Top Rank [2:41] 19. Death Grips - Double Helix [4:59] 20. Moodie Black - T O T E M [2:55] 21. Ho99o9 - Bone Collector [5:59] 22. Dälek – Control [3:04] 23. Moor Mother - Cabrini Green x Natasha Mkenna [3:29] 24. 700 Bliss - Cosmic Slop [4:40] 25. clipping. - Blood of the Fang [2:02] 26. Billy Woods - Stranger in the Village [2:35] 27. 700 Bliss - Nothing To Declare

Estaba el otro día scrolleando en la red de redes y me encontré con un mensaje en un chat que tengo en W******P. En el varios amigos discutimos sobre música. Llamo al chat, "el chat Indie", porque básicamente no se salen de ciertos parámetros que viajan desde el moderneo más irritante via C Tangana, hasta el rock de corte británico rollo The Verve. Por citar a algunos. Evidentemente hay cosas que compartimos. Y una es el hiphop. Y es así como llegó una playlist del webzone Pitchfork, una página francamente interesante y llena de articulos, entrevistas y críticas muy bien llevadas. Lo mejor del Hip-Hop mundial Pero siempre cometen un error, todas las revistas musicales lo hacen. O dejan que el público elija, o eligen ellos, pero siempre hay admisiones incomprensibles u omisiones todavía más imposibles de entender. Así que me dije, voy a coger lo que se puede salvar esta lista, y con la clarísima falta de autoridad que manejo en el género, voy a crear una lista 50% objetiva, 50% del que me tira a mí. Así que durante dos programas vais a disfrutar de clásicos del Hiphop de la vieja escuela, del moderno, del abstracto (mi preferido) y casi nada del Gansta (mi profundamente odiado). En esta primera entrega tendréis a clásicos primigenios como Grandmaster Flash, el triumvirato de la segunda generación con Public Enemy, Cypress Hill y Ultramagnetic Mcs y mucho más. Tracks [4:25] 01. Grandmaster Flash - Flash To The Beat [3:50] 02. Public Enemy - She Watch Channel Zero?! [3:17] 03. Ultramagnetic MC’s - Critical Beatdown [4:51] 04. Run Dmc - Whats Nit All About [4:14] 05. The Disposable Heroes of Hiphoprisy - California Über Alles [4:30] 06. The Pharcyde - Oh Shit [4:26] 07. Cypress Hill - Cock The Hammer [2:58] 08. The East Flatbush Project - Tried by 12 feat Des [4:35] 09. Wu-Tang Clan - Clan In Da Front [3:06] 10. Bone Thugs-n-Harmony - Land of tha Heartless [4:38] 11. Dr. Octagon - Dr. Octagon [3:27] 12. Company Flow - Bad Touch Example [4:45] 13. Jedi Mind Tricks - I Who Have Nothing [1:02] 14. The Herbaliser - Intro [3:10] 15. The Herbaliser feat. What WhatWhat? What? - Mission Improbable [4:34] 16. Mc Solar - Nouveau western [4:40] 17. DJ Vadim - the pact (super rimes) [4:24] 18. Ghostface Killah feat. Cappadonna, GZA/Genius, Masta Killa & Raekwon - Wu Banga 101 [3:59] 19. Dilated Peoples - Annihilation [4:43] 20. Roots Manuva - Ital Visions

Birkit es un proyecto iniciado por Birkite Alonso como solista. Tras militar en Eorann y Red Carmine, en 2017 plasmó los sonidos y reflexiones que se habían ido fraguando a lo largo de seis años de parón en un debut en solitario titulado «Emen». Cuatro años después llega «Inertzia». Este es el disco con el que conoció El Desenterrador (por recomendación del gran Mikel Uraken) a la músico alavesa que se quedó clavado en el sillón al descubrir tan cerca de casa ese rock con tintes de noise, post y shoegaze, hecho con tanta intensidad y clase. Birkit en el Irrati Libreen Topaketa En 2025 publica Erosen Heriotzak un EP más centrado en su guitarra, pero os dejo con ella para que os lleve de viaje por sus memorias musicales y que le han convertido en la artista que es ahora. La ternura de Alanis Morrissette, el clasicismo noventero de Pearl Jam, la experimentación Shoegaze de los mutantes Blonde Redhead serán algunas de las músicas que sonarán en este especial que lleva mucho tiempo en la nevera. No se nos olvida las dos bandas que vieron nacer su carrera musical Eorann y Red Carmine. y recordaros que le podréis ver el 1 de noviembre en el Gaztetxe de Sastraka con motivo del encuentro estatal de Radios Libres.

Menudo día fue aquel. Con ocasión del concierto de Tropical Fuckstorm que tuvo lugar en el Kafe Antzokia en las fiestas de Bilbao, me junté con Shaila para hacer un programa totalmente improvisado en el momento y como aperitivo para la juerga demoledora que tuvo lugar después. Sin guión (algo habitual) y con unas cuantas aportaciones réplica de mi compañera de ondas, nos cascamos un programa bien guapo, lleno de música fresca, ruidosa y perfecta para nuestros estados mentales alterados Shaila & Desenterrador, el cuarto programa Así que con una limitación técnica importante, ya que el estudio estaba en canicas con el Pc estropeado y teniendo que improvisar para poder grabar, Empezamos con los inmensos Burial, con la réplica de Girl Band, El Synth Punk de Suicide y la pre réplica de Olor, el Industrial indiscutible de SPK y la versión contenida de Techno Animal. Cerrar con el Power Pop de Bad Nerves y The Only Ones dejó claro que divertirse es parte de la ley en el Desenterrador. Tracks 1. Burial – Loner 2. Scorn – The End (PCM nightmare remix) 3. Girl band – Why They Hide their bodies under my garage. 4. Mick Harris – Harr 5. Machina – Body Control 6. 10.000 Rusos – Europa Kaput 7. Sunflowers – Chameleon Kit 8. Olor – Eskoria (RIP) 9. Olor – Hamar Aldiz 10. Sad Lovers and Giants – The Change 11. Suicide – Rocket USA 12. Suicide – Ghost Rider 13. Magazine – The Light Pours Out Of Me. 14. Spk – Germanic 15. Technoanimal – Flight Of The Hermaphrodite 16. Jesu – Dead Eyes 17. Bad Nerves – Wasted Days 18. The Only Ones – Another Girl, Another Planet

Es curioso lo que la necesidad provoca en el Desenterrador. Falto de ideas y sin tiempo ni material para seguir su constante producción, se encontró ante la posibilidad el sábado pasado de poner una repetición. Algo que no ha hecho practicamente desde 2020. Pero en el último momento, 20 años de hacer radio acudieron a la salvación en última instancia. Iba a hacer un programa usando como argumento, el pendrive que lleva en el coche (conceptualmente) desde hace una década. Una especie de banda sonora de una Road Movie, en la que el oyente escuchará lo que puede ser un viaje cualquiera en la llamada bala púrpura. Banda Sonora de la carretera Y es que desde hace muchos años el Desenterrador decidió que en el coche escucharía las playlists de los programas que ha hecho desde que se iniciara la era Podcast en Irola Irratia. Servirían éstos, para recordar las bandas que han pasado figurativa o físicamente por el programa y mantendría fresca la memoria del trabajo realizado. Así que usando la aleatoriedad como arma arrojadiza, creó una playlist que podría corresponder a cualquier viaje en coche para un servidor y para cualquiera oyente fiel. En este particular viaje tenemos el Death Metal melódico de la época dorada de Dark Tranquillity, el Post Rock hauntológico de Godspeed You Black Emperor, Northern Soul, el Folk Rock maldito con tintes Postpunk de 16 Horsepower y todo lo que se os pueda ocurrir. Tracks [2:04] 01. Peter Tchaikovsky (Sleeping Beauty – Puss in Boots) [9:59] 02. Lift to Experience – With Crippled Wings [5:38] 03. Dark Tranquillity – Hedon [4:17] 04. Dead Skeletons – Get On The Train [1:47] 05. Joy Division – The drawback (Arrow studios, Manchester – RCA Demo 1979) [5:24] 06. Blood From The Soul – Blood From The Soul [16:29] 07. godspeed you black emperor ! – the dead flag blues [3:03] 08. GODY.CULT – Signature:BLUE [6:01] 09. O C O S I – 373AHELL [7:04] 10. Nik Turner’s Fantastic Allstars – Sidewinder [4:23] 11. Cold Beat – Prism [5:58] 12. Spacemen 3 – Revolution [8:15] 13. Toadliquor – (Opening Sections Of) Inter-Stellar Space [2:35] 14. David & The Giants – Ten Miles High [2:53] 15. Platters – Sashed Ashore [3:29] 16. 16 Horsepower – Sac Of Religion [4:01] 17. Muse – Starlight [3:55] 18. The Devastations – Cormina [3:47] 19. Jamie Cullum – The Same Things [4:17] 20. Potergeist vs. Boogie Man – The Wizard [5:57] 21. Thou – Sweet Leaf [3:38] 22. Blind Melon – No Rain [1:17] 23. Peter Tchaikovsky (Herbert vo – Nutcracker – Chinese Dance

Estamos en agosto ya. Ese momento intermedio en el que las radios libres autogestionadas descansan. Menos el Desenterrador. Es el momento de esos programas conceptuales en los que el criterio de la aleatoriedad de un vocablo genera una playlist cuya único hilo conductor es el género la cercanía al mismo. Esa manera tan heterodoxa de hacer un programa ha hecho que el programa redescubra decenas de bandas que estabana a la espera de ser escuchadas, una vez ocuparon su lugar en la audioteca. El término no muy estival pero que no entiende de estaciones es el funeral. Doom Funeral Era de esperar que en el mundo de la música Doom (específicamente en el Funeral, cuyo nombre da pistas ya) íbamos a encontrarnos con una buena representación de canciones con el concepto como pieza central. Y es que el Doom psicodélico de Cathedral, Reverend Bizarre, el gótico de My Dying Bride y Opeth o el subgénero Funeral Doom (Skepticism, Mournful Congregation), juegan con este elemento desde múltiples perspectivas. Huelga decir, que en el caso de algunas bandas, repiten presencia (Cathedral, Electric Wizard). Y es que nadie quiere estar en un funeral, pero parece que algunos no pueden parar de hablar de ello. Tracks [7:00] 01. Cathedral – Cosmic Funeral [8:45] 02. Opeth – The Funeral Portrait [7:38] 03. Sinistro – O Dia Depois Do Meu Funeral [8:33] 04. My Dying Bride – Like A Perpetual Funeral [6:48] 05. My Dying Bride – My Body, A Funeral [5:16] 06. Mantar – The Funeral [13:14] 07. Sea Bastard – Psychic Funeral [9:17] 08. Cathedral – A Funeral Request [4:30] 09. Eternal – Electric Funeral [4:48] 10. Lord Of Putrefaction – Wings Over A Black Funeral [7:11] 11. Electric Wizard – Funeral of Your Mind [11:42] 12. Reverend Bizarre – Funeral Summer [9:36] 13. Abysmal Grief – Lords of the Funerals [3:53] 14. Mournful Congregation – Solemn Strikes the Funeral Chime [13:34] 15. Mourning Beloveth – Narcissistic Funeral [7:39] 16. Skepticism – The Raven and the Backward Fun [8:44] 17. Electric Wizard – Funeralopolis

Estamos en agosto ya. Ese momento intermedio en el que las radios libres autogestionadas descansan. Menos el Desenterrador. Es el momento de esos programas conceptuales en los que el criterio de la aleatoriedad de un vocablo genera una playlist cuya único hilo conductor es el género la cercanía al mismo. Esa manera tan heterodoxa de hacer un programa ha hecho que el programa redescubra decenas de bandas que estabana a la espera de ser escuchadas, una vez ocuparon su lugar en la audioteca. El término no muy estival pero que no entiende de estaciones es el funeral. Funeral extremo Era de esperar que en el mundo de la música extrema (específicamente en el Metal) íbamos a encontrarnos con una buena representación de canciones con el concepto del funeral como pieza central. Y es que el Black Metal (Ancient Emblem, Darkthrone, Immortal), el Death Metal (Autopsy, Master, Suffocation, Terrorizer) y el Grindcore siempre andan, ya sea por crítica sociopolitico, ya sea por afición a mórbido, jugando con este elemento desde múltiples perspectivas. Huelga decir, que en el caso de algunas bandas, repiten presencia (Autopsy, Necrophagia, Runemagick). Y es que nadie quiere estar en un funeral, pero parece que algunos no pueden parar de hablar de ello. Tracks [6:19] 01. Ancient Emblem – Funeral pyre [3:23] 02. Aura Noir – Funeral Thrash [3:59] 03. Darkthrone – Whisky Funeral [5:07] 04. Darkthrone – Under A Funeral Moon [3:48] 05. Immortal – Cold Wínds Of Funeral Dust [8:29] 06. Loss – Conceptual Funeralism Unto The Final Act (Of Being) [5:48] 07. Mayhem – 01 – Funeral Fog [5:40] 08. Nachtmystium – No Funeral [3:14] 09. Xasthur – The Funeral Of Being [3:55] 10. Asphyx – Prelude Of The Unhonoured Funeral [5:15] 11. Autopsy – All Tomorrow’s Funerals [0:39] 12. Autopsy – Mental Funeral [7:33] 13. Autopsy – She Is a Funeral [5:04] 14. Bloodbath – Furnace Funeral [3:42] 15. Cannibal Corpse – Funeral Cremation [2:08] 16. Master – Funeral Bitch [3:48] 17. Morbid – Wings Of Funeral [3:36] 18. Necrophagia – World Funeral [3:29] 19. Necrophagia – A Funeral for Solange [1:42] 20. Runemagick – Funeral Departure [4:37] 21. Runemagick – On Funeral Wings [3:29] 22. Six Feet Under – Funeral Mask [3:58] 23. SUFFOCATION – Funeral Inception [3:19] 24. Terrorizer – Funeral Bitch [Master Cover] [4:07] 25. Tiamat – Nocturnal Funeral [3:28] 26. Exhumed – Your Funeral, My Feast [2:03] 27. Haemorrhage – Funeral Carnage [2:05] 28. Necrony – Funeral Ferocity [4:09] 29. Pig Destroyer – Permanent Funeral [0:51] 30. Vilmort – Un Buen Funeral [4:28] 31. Sepultura – Funeral Rites

Estamos en agosto ya. Ese momento intermedio en el que las radios libres autogestionadas descansan. Menos el Desenterrador. Es el momento de esos programas conceptuales en los que el criterio de la aleatoriedad de un vocablo genera una playlist cuya único hilo conductor es el género la cercanía al mismo. Esa manera tan heterodoxa de hacer un programa ha hecho que el programa redescubra decenas de bandas que estabana a la espera de ser escuchadas, una vez ocuparon su lugar en la audioteca. El término no muy estival pero que no entiende de estaciones es el funeral. Light Funeral La cosa es que era de esperar que las bandas incluidas en este volumen fueran las más escasas dado que ers un término más asociado a géneros extremos y oscurantistas. Pero ha dado para hacer un programa entero y la verdad es que es muy interesante hablar de Folk, Rock atmosférico y Psicodelia con palabras tan ominosas. El Post Rock melancólico y épico de los japoneses Mono, la lógica inclusión de los reyes del Goth Postpunk Bauhaus, el Folk primigenio y a veces experimental de Califone, la abrasión gentil de Sonic Jesus y el marcianismo inteligente del Hiphop de Beans. Esta es la selección más inesperada y la verdad que ha sorprendido mucho hacerla. Tracks [6:53] 00. Jesu – The Funeral Party [3:22] 01. MONO – Funeral Song [3:59] 02. Nick Cave & The Bad Seeds – Your Funeral, My Trial [4:57] 03. Beach House – Pink Funeral [5:23] 04. Band Of Horses – The Funeral [5:25] 05. Bauhaus – Rosegarden Funeral of Sores [10:51] 06. Drugstore – The Funeral (But Most of All) [1:15] 07. U. Utah Phillips – Utah on “Funeral Train” [3:06] 08. U. Utah Phillips – Funeral Train [2:39] 09. Jay Munly – Funeral Blues [3:26] 10. Ian Mason – Funeral Pyre [4:10] 11. Califone – Funeral Singers [3:32] 12. The Starvations – An American Funeral x2 [1:53] 13. Thee Oh Sees – Funeral Solution [3:30] 14. The Jam – Funeral Pyre [3:44] 15. Sonic Jesus – Funeral Party [4:47] 16. INOREN ERO NI – Canto de un funeral [10:19] 17. Grails – After The Funeral [3:04] 18. Secret Chiefs 3 – Funeral for What Might Have Been (Sophia’s Theme) [5:02] 19. Moodie Black – Linen Funerals [3:47] 20. Kool Keith – The Funeral Director [4:52] 21. Beans – Funeral Words [7:23] 22. Cex – Rjyan Kidwell’s Funeral [4:15] 00. The Cure – The Funeral Party

Ya estamos en tiempo de descuento entre la temporada XX ya terminada y la XXI que comenzará en septiembre. Y como empieza a ser bienvenida costumbre, la gente de la banda de Bilbao The Covenant, instruida y musiquera como pocos, visitó el estudio de Irola Irratia para hablar junto al Desenterrador de ese gran festival (de relativamente modesto cartel, pero ambiente y rollo inmejorable) llamado Sonic Blast. En 2018 se quedaron solos en Portugal cuando el Reverence Valada no pudo aguantar la presión económica y celebró su última edición en 2017. Como portadores del estandarte de la Psicodelia pesada y el Doom lisérgico navegan ahora en solitario, abriendo puertas al ruido, el postpunk y la música electrónica de una manera tímida pero decidida. Covenant Vs Machines Por desgracia, el programa grabado se quebró poco antes de terminar la grabación por caprichos técnicos, tan habituales en la radio. No sabemos si podremos recuperarlo, pero como ya teníamos las canciones elegidas, Iñigo, jon y un servidor improvisamos un sustituto en el que cada uno presentábamos las canciones elegidas. No es lo mismo que las siempre dinámicas conversaciones que se suelen suceder cuando el programa se junta con esta peña, pero sigue teniendo validez documental y auditiva. El Sludge Doom de Dopethrone, el Post Metal de Amenra, El Stoner cósmico de Fu Manchu, el híbrido imprevisible de Sunflowers, la intensidad Postmetalera y Dark Folk de King Woman o lo imprevisible del directo de Patriarchy, son casi todas bandas jóvenes con interesante y necesaria presencia femenina. Y por supuesto, el riff, el cosmos y la birra portuguesa. Jonba (7 / 48:41) [3:42] 01. Nerve Agent – Game Of Death [5:31] 02. Hooveriii – Destroya [8:01] 03. Amenra – Forlorn [5:54] 04. Amenra – Salve Mater [2:52] 05. Chalk – Static 06. Dopethrone – Shot Down Desenterrador (38:53) [5:59] 07. Daily Thompson – I’m Free Tonight [3:37] 08. Capela Mortuária – Pornocultura [7:28] 09. DITZ – britney [4:22] 10. Fu Manchu – The Falcon Has Landed [7:44] 11. The Sunflowers – Electric Piety [5:16] 12. Thou & Emma Ruth Rundle – Hollywood [4:29] 13. Messa – Void Meridian Iñigo (35:57) [6:49] 14. Castle Rat – Red Sands [5:26] 15. Slomosa – Rice [4:06] 16. King Woman – Burn [2:21] 17. Maquina – Desterro [5:12] 18. To yo – Soaring [3:10] 19. Gnome – Wenceslas [3:34] 20. Daevar – Siren Song

Termina la temporada (oficial) del Desenterrador. La XX nada más y nada menos. Y que mejor manera que con otro Vs. En este caso tenemos en el estudio y en este podcast a Igone, musiquera dicharachera que se ha pasado una temporada colaborando en distintas posiciones en festivales de medio tamaño (Mundaka Fest, Motorbeach, Freeriders, Hiriko Soinuak, Maz Basauri…). Y es en este campo de la expresión musical que tras un encuentro en un chat con amigos comunes nos pusimos a despotricar sobre los macro festivales, los errores que bandas y público cometen desde la más absoluta falta de control mental y sin habernos visto en persona antes (o eso creemos). Igone Vs Macrofestivales & Tic Toc Con la esperanza de que en un segundo encuentro, concretemos más y divaguemos menos (un placer que el Desenterrador alimenta en sus invitados siempre que puede) discutimos nuestra impresión general de los pecados (algunos capitales) que cometen muchos macro festivales y como se están cargando la música en directo en pos de un negocio en el que el arte y la cultura poco importan. Y como no, todo salpimentado con canciones escogidas por Igone y un servidor. El Post Hardcore de Fugazi, el Rock In Oposition de Nape Neck y muchas cosas más. No demasiadas `porque nos vinimos arriba en las conversaciones y aquello fue un no parar de rajar. Pero bueno, siempre me han pedido que hable más y ponga menos canciones, así que disfrutad de escuchar nuestras voces porque os vais a hartar. Tracks [3:11] 01. Fugazi – Waiting Room (Demo) [3:53] 02. Fugazi – Blueprint [2:16] 03. Lambrini Girls – God’s Country [3:37] 04. L.A. Witch – You love nothing [3:56] 05. Chat Pile – Frownland [2:47] 06. HENRY BLACKER – Scumblood [2:25] 07. Panic Shack – The Ick [3:23] 08. Nape Neck – Don’t Know [3:15] 09. The Mighty Mighty Bosstones – The Impression That I Get [3:18] 10. Leatherface – Baked Potato

Los Smiths ocupan un lugar muy especial en mi vida. Son una banda que ha habitado los más oscuros rincones de mi conciencia musical desde mi pre-adolescencia. Tengo dos recuerdos muy claros de dos momentos en los que la banda de Pop-Rock inglesa por excelencia se coló en mi inconsciente mientras yo batallaba guerras imaginarias al lado de Satán en mi pasión por el Death Metal y la música extrema. La primera es cuando mi prima me prestó el vinilo de su debut homónimo mientras yo habitaba el Thrash Metal y abandonaba el Heavy Metal como fuerza propulsora de mi pasión por el ruido. Lo escuché unas cuantas veces, lo disfruté en secreto sin que mi propia conciencia se enterara. Mi cerebro reptiliano lo guardó para cuando pudiera entender lo que estaba pasando. El otro golpe de efecto, más definitivo llegó cuando mi hermana me prestó una cassette con la obra maestra que son las BBC Sessions llamada “Hatful Of Hollow”, una suerte de recopilación de caras B y temas de su primer disco, con un sonido más directo y punkarra. Este ya me entró hasta el tuétano. Aún así, me resistí a la posesión, porque quedaba mucho que rascar en el mundo que habitaba de Godflesh, Scorn, Napalm Death y Loop. The Smiths, siempre en medio Los años pasaron, y los géneros fueron probados y desechados. El Hardcore melódico entró pero se fue de la misma, al igual que el Chándal Metal, productos de un detrito del rock que ya llegaba a sus estertores. El Stoner de Kyuss y su legión de imitadores mantuvo la pasión, hasta que el Postpunk fue reclamado por bandas como Interpol y la mirada volvió al cuarteto de Manchester. Oasis y Blur les reclamaban ya a principios de los 90 como indispensables y, mientras habitábamos el engaño que en parte fue esa segunda ola en los 2000, esas letras deseperanzadas y la musicalidad increíble empezaron a formar parte de mi ADN. El miserablismo existencialista de Morrissey con las guitarras y arreglos de un genio como Johnny Marr bañados en la eficacia rítmica de Andy Rourke (RIP) y Mike Joyce son algo inmortal que trasciende países, escenas, décadas. Desde entonces… 21) That Joke Isn’t Funny Anymore (Meat is Murder, 1985) Comienza como un reflejo embrujado de This Charming Man, tanto en el contexto de la canción -los “asientos de cuero fríos” de un coche aparcado- como en el eco pálido de esa melodía de guitarra quejumbrosa. Podría decirse que es la primera composición de Morrissey escrita sobre el circo mediático de The Smiths, That Joke… es una exhalación de gloriosa derrota, un recuento fantasmal de un cuento perenne de Morrissey sobre la liberación sensual y una reutilización fatalista de su primer triunfo pop, pero con nubes oscuras acumulándose en las colinas y todo el humor despojado. Escrita a raíz de una serie de artículos en los semanarios musicales que se habían burlado de la perspectiva “miserable” de Morrissey y cuestionado su sinceridad artística, That Joke… también saca el mito de Morrissey del fantástico zarzal de la composición de canciones de la memoria, las películas y Manchester, y lo lleva al duro arcén del frío y sombrío presente. Se ha dejado caer una máscara teatral, la comedia ha sido reemplazada por la tragedia. Informes y rumores posteriores sugirieron que la canción hacía referencia a la amistad de Morrissey con -y más tarde a la traición por parte de- un compositor musical anónimo y, bueno, no se podría desear una metáfora más triste, ¿verdad? Si quieres trazar una línea en la carrera de The Smiths, el punto en el que la mirada de Morrissey se volvió hacia el interior, se perdió un sentido de universalidad romántica y un tipo particular de ácido comenzó a corroer el motor, está aquí. Irónicamente, That Joke Isn’t Funny Anymore muestra a la banda en su apogeo colaborativo. Después del engañosamente inocente tintineo de 12 cuerdas que recuerda días mejores, la guitarra de Marr nos lleva en un baile suave mientras los toms fúnebres de Joyce y el bajo gruñón y fatalista de Rourke nos arrastran aún más hacia abajo. La sensación es de algo sensual que se vuelve desagradable, una niebla tuberculosa de páramo que se filtra a través de las ventanas del auto estacionado y lo abruma todo, sacándonos de la luz pop y adentrándonos en un mundo completamente nuevo de oscuridad. El baile continúa, un vals viciado y resonante al estribillo desgarrador de Morrissey de “When they fall down/You kick them when they fall down” hasta el minuto 1:55, cuando una oleada de efectos de Marr en fases se une a la guitarra de vals y Morrissey ofrece el estribillo final y más revelador de la canción: “I’ve seen this happen in other people’s lives/And now it’s happen in mine”. En palabras de Mia Farrow en La semilla del diablo, “Esto no es un sueño. Esto está sucediendo de verdad”, la fría constatación de que su deseo se ha hecho realidad y que ahora es la estrella central de los oscuros dramas de sus canciones. Esta nueva conciencia se convierte en una trampa, el cantante atrapado en su estribillo, las palabras repetidas una y otra vez ante un coro multipista de lamentaciones de Morrisseys y la guitarra lamentable y resonante de Marr, en algún lugar entre la enfermedad y la euforia. Ninguno de los dos, parecía decir, estaba fuera de sí, porque después de un suave desvanecimiento en la marca de 3:45, la canción vuelve a aparecer, como un brumoso un revenant que se niega a renunciar a su presa “Esa broma ya no es divertida” es una canción de la banda de rock inglesa The Smiths. La versión completa de la canción aparece en el álbum Meat Is Murder. Fue la única pista del álbum que se lanzó, en forma editada, como sencillo en el Reino Unido. La canción fue compuesta por el guitarrista Johnny Marr y el cantante Morrissey. Marr la ha citado como una de sus canciones favoritas de los Smiths. La narrativa de la canción se refiere a la burla de los solitarios o suicidas, con quienes el narrador se identifica y defiende en un intercambio con otro individuo en un automóvil estacionado. La disparidad entre los significados literal y figurado en partes de la letra desalienta una lectura precisa de la canción. En 1985, Morrissey reveló a Melody Maker que la canción era una respuesta a la burla periodística de su composición que se centraba “en el lado infeliz de la vida” y a los intentos persistentes de exponerlo como un “falso”. En 1998, Uncut informó sobre rumores de que la inspiración de la canción era una “‘amistad íntima’ con un periodista alrededor de 1984-1985”. La firma relacionada con el vals de la canción y la guitarra rítmica de Marr, con cambios de acordes estridentes (como lo ejemplifica la figura inicial de la canción), le dan a la música una sensación emotiva arrolladora. La estructura de la canción se destaca por su forma ABCBC poco común. Musicalmente, el primer verso nunca se repite. Según Marr, la composición musical de la canción “simplemente cayó por las nubes. Fue uno de esos momentos en los que el sentimiento simplemente cae sobre ti desde algún lugar del techo y casi se reproduce solo”. Para muchos críticos, la canción es el punto central de Meat Is Murder. La música ha sido descrita como “una balada monolítica de gracia tierna pero imponente; una partitura de belleza cruda y sin reservas que Morrissey complementó diligentemente”, y la coda de la canción contiene “uno de los pasajes vocales más desgarradores que Morrissey haya grabado jamás”. .[2] El sencillo entró y alcanzó su punto máximo en la lista de sencillos del Reino Unido en el puesto 49. El momento inusual del lanzamiento puede haber tenido un impacto en su modesta posición en la lista: dos temas que no son LP, “How Soon Is Now?” y “Shakespeare’s Sister”, ya habían sido lanzados como singles desde que salió Meat Is Murder. El propietario de Rough Trade, Geoff Travis, ha dicho que el sencillo fue lanzado ante la insistencia de Morrissey: “Le dije ‘eso no es una buena idea’… y él no quiso y, siendo yo, dije ‘bien…’ “[6] Otras razones de su relativa falta de éxito comercial incluyen la ausencia de nuevo material de estudio en la cara B y el descontento percibido de los fanáticos por la versión de 7” a la que le falta una coda instrumental (Jack Rabid de Allmusic la describió como la; primero de la banda sencillos que “no fue muy emocionante comprarlos”. [7] Además, el sencillo sufrió una promoción general inadecuada y la exposición potencial se vio disminuida por una negativa de último minuto de la banda a actuar en el programa de televisión del Reino Unido Wogan. ] 22) ASLEEP (The Boy With The Thorn In His Side B-side, 1985) El suicidio nunca sonó tan atractivo. La canción de respuesta de Rubber Ring. Si no piensas en las “canciones que te salvaron la vida”, postulaba, ¿qué hay de esto? Como una variante victoriana de Norwegian Wood, donde vientos fríos y un piano afinado acompañan la súplica de Morrissey por el descanso más profundo, Asleep es engañosa en su simplicidad. ¿La canción está dirigida a un amigo? ¿Un amante? ¿A mí mismo? ¿A la muerte? ¿Y son los últimos gritos sin sentido de Morrissey y esa elocuencia reverberante de la caja de música el sonido tentador de ese otro mundo? 23) A RUSH AND A PUSH AND THE LAND IS OURS (Strangeways, Here We Come, 1987) De manera fantasmal y sin guitarras, así comienza su canto del cisne. Strangeways… comienza con un piano conmovedor, un toque de fatalidad dickensiana (como lo demuestra “el fantasma del atribulado Joe”) y un llamado a las armas revolucionario, pronunciado con naturalidad por un Morrissey que suena como si se estuviera marchitando bajo los focos. “Estaba decidido a tener una canción que iniciara el álbum sin guitarras”, dijo Marr, lo que enmarca esto como un sutil vistazo a algunas de las tensiones artísticas enterradas que estaban a punto de estallar, y lo que podría haber florecido en un hipotético quinto LP. 24) Death Of A Disco Dancer (Strangeways, Here We Come, 1987) Una hermosa despedida. Y, en el piano, la única contribución instrumental de Morrissey a The Smiths. Si Morrissey fuera Mark E Smith, podría haber afirmado que esta canción premonitoria de una muerte posterior relacionada con las drogas en The Hacienda. Si bien la letra transmite una visión inquietantemente empática de nuestras esperanzas, miedos y tribulaciones terrenales, Marr enfatiza el estatus canónico actual de la banda al tomar como punto de partida Dear Prudence de The Beatles. La interpretación estimulante y libre del conjunto muestra a una banda maravillosamente a gusto entre sí, justo antes de llegar a un final prematuro. 25) ACCEPT YOURSELF (Hatful Of Hollow, 1984) Baile de autoayuda para Forever III. Una alegre travesura con un toque de Holland-Dozier-Hollands de mediados de los 60, la cuarta canción publicada de The Smiths presenta alegremente a Morrissey como el consejero “enfermo, aburrido y simple” de su público en cuanto a autodesprecio y malos zapatos. Con las torpes paradas de batería de Joyce sugiriendo obstáculos que superar, la irónica y comprensiva súplica del cantante de ser uno mismo, sea lo que sea, provocó una histérica cola de abanico. Sin embargo, a pesar de analizar la enfermedad, no es capaz de seguir su propio consejo y opta en cambio por la derrota leal. Incluso en el primer auge de The Smiths, las semillas del colapso estaban germinando. La versión de sesión de David Jensen, que era prístina, triunfa sobre la cara B de This Charming Man, más rockera y ligeramente apagada, producida por John Porter. 26) I WON’T SHARE YOU (de Strangeways, Here We Come, 1987) Y así es como termina. No con una explosión sino con un gemido. El catastrófico descarrilamiento de los Smiths se presenta como un dolor lento, el eco voluptuoso que envuelve el rasgueo etéreo del autoarpa de Marr sugiere una canción pop lacrimógena anterior a los Beatles, mientras que la letra arrullante se analiza con demasiada facilidad como la súplica desesperada y egocéntrica de Morrissey al guitarrista descontento: no me dejes porque, “con el impulso y los sueños dentro/este es mi momento”. Un verso más y un desvanecimiento de eco más largo podrían haber sido aún más apropiados. Pero entonces, no sabían que era su epitafio. 27) HANDSOME DEVIL (Lado B de Hand in Glove, 1983) Lado B sedicioso del primer lanzamiento oficial del grupo. La versión de sesión de Peel, como se escucha en Hatful Of Hollow, tiene más aplomo. Pero este lado B de Hand in Glove (grabado en vivo en The Hacienda en febrero de 1983) fue un aspecto esencial del homoerotismo provocador temprano de Morrissey, expresado con un descaro crudo que pronto desapareció. Letras como “Cuando estemos en tu habitación de erudito/¿Quién se tragará a quién?” se destacan por la foto de portada de las nalgas masculinas desnudas, mientras que la voz en vivo concisa de Morrissey y el impulso caótico del grupo solo sirven para aumentar la carnalidad de un joven. Una lujuria que es 50% Retorno a Brideshead y Bolton Wanderers. 28) SOME GIRLS ARE BIGGER THAN OTHERS (The Queen Is Dead, 1986) Carry On From Beyond The Grave. “Cada nota la tocamos en serio y probablemente por eso sigue sonando vital”, ha dicho Johnny Marr sobre The Queen Is Dead. Esa determinación se extendió a sus experimentos, más explícitamente en la canción de cierre del álbum: el sonido del universo de The Smiths expandiéndose deliberadamente. El desvanecimiento inicial de Stephen Street “pasando por una puerta” es encantador pero también inquietante y Some Girls… brilla con una profundidad sobrenatural que contradice su título de comedia. La reverberación espectral ilumina la guitarra de Marr, mientras Morrissey ofrece líneas de ingenio (Sid) Jamesiano con un sublime agotamiento de fin de siglo. A la vez divertido, extraño y divertido ja-ja; dos de las mayores cualidades de The Smiths brillando al unísono. 29) WELL I WONDER (Meat is Murder, 1985) For when There is A Light… es demasiado vitalista. Se habló de que este disco sería un single. Imaginen la reacción de la multitud que vitoreó en Top Of The Pops cuando el grupo tocó esta representación vaporosa de un intenso anhelo romántico, no tanto una cuestión de vida o muerte como una en la que el cantante ya está preparado para encontrarse con su creador. Resignado y frágil, ciertos detalles sonoros -florituras de pandereta, los efectos de sonido del aguacero final, el falsete final de Morrissey- recuerdan a Walking in The Rain de The Ronettes, otra meditación sobre una hermosa noción fuera de nuestro alcance. Uno de los portales esenciales hacia el mundo de The Smiths, fue, significativamente, nunca tocado en vivo. 30) HALF A PERSON (Shoplifters Of The World United B-side, 1987) Mórbido, pálido, de 16 años, torpe, tímido: Moz, el acosador adolescente. En un tono obsesivo del intérprete estrella, Moz clavó el profundo anhelo de conexión y validación que experimentó como fanboy, y el papel del fanático de los Smiths atrapado en el mismo espacio. La presencia de Craig Gannon se suma a la espesura electroacústica, pero en comparación con la musculatura predeterminada de los Smiths de la era de cinco integrantes, sigue siendo magistralmente sutil. El estado de ánimo es resignado y lloroso, pero Morrissey se permite una broma digna de Carry On, sobre registrarse en la YWCA y buscar empleo como limpiador de espalda. 31) What Difference Does It Make? (Sencillo, 1984) Si los artistas fueran los mejores jueces de su trabajo, los críticos no existirían y Strangeways, Here We Come sería reconocido universalmente como el mejor álbum de los Smiths. Morrissey fans, en particular, han mostrado poco cariño por el tercer sencillo del grupo y aprovecharon la oportunidad para sobrescribirlo con la grabación de sesión más naturalista de Peel de Hatful Of Hollow cuando la canción se agregó al best-seller de 2008 de The Sound Of The Smiths. Pero, ¿pueden los clientes de Smiths y Hookes que lo elevaron al número 12 en la lista del Reino Unido en enero de 1984 haberse equivocado tanto? No. Sin duda vendrían triunfos más sutiles, pero el riff de guitarra estridente y la mirada despreocupada de What Difference Does It Make? Los Smiths eran lo que los hacía parecer un fenómeno pop de amplio espectro, con nueve matices de los Stones en 1965 que sugerían un grupo de linaje robusto y no sólo un culto indie para estudiantes y otras malas hierbas. Al interpretar la canción en Top Of The Pops de la BBC TV el 26 de enero, Morrissey llevaba el audífono que provocaría murmullos sarcásticos sobre “discapacidad chic”, pero no había nada de deterioro en The Smiths en TOTP. Moz fruncía el ceño o se distanciaba con un gladiolo en el bolsillo trasero; los músicos impasibles, la interpretación era una clave para explicar que la confusión y la alienación de las letras de los Smiths eran a menudo cifras de su creencia en su propia separación, o absoluta superioridad: un modelo para los grupos de Manchester que vendrían. “No más disculpas”, de hecho. Esta grabación, grabada en los estudios Pluto en Granby Row el pasado octubre, es también un logro para el productor John Porter, que no siempre ha recibido el reconocimiento que se merece. Tiene un tono más bajo que la versión de Peel, la tonalidad más oscura se compensa con guitarras más brillantes, con un ritmo remodelado que carece de los rellenos que distraen y que se pueden escuchar por todas partes en la versión de Peel y la encarnación vacilante y decididamente indie que se encuentra entre las grabaciones del verano de 1983 de The Smiths con Troy Tate. Es limpia y dura, implacable – “presuntuosa”, tal vez, para usar la derogación posterior de Morrissey de los números más atrevidos del grupo, y no por eso es peor. Desafortunadamente, la mayoría de los smithsólogos están de acuerdo en que también fue durante su grabación que se sembraron las semillas de la amargura posterior e incorregible. En medio de la sesión, Morrissey abandonó Pluto sin dar explicaciones y viajó a Londres, desde donde Geoff Travis, de Rough Trade, llamó para darle el ultimátum del cantante: que Marr anunciara a Rourke y Joyce la dispensa 40-40-10-10 de los ingresos del grupo no derivados de la composición de canciones que Morrissey había exigido. Fue un trabajo de mierda, y Marr parece haberlo esquivado, diciendo a la sección rítmica que estaba dispuesto a abandonar el grupo -a acabar con él, en efecto- si se le pedía que hiciera cumplir la separación. Con tres de las cuatro partes consternadas y el asunto todavía en el aire, hasta cierto punto, Morrissey regresó y completó su voz. “Pero todavía te quiero, oh ho oh…” 32) London (Shoplifters Of The World Unite, cara B de 12 pulgadas, 1987) Un desafío de todo o nada para el set del dormitorio trasero. No sabíamos a qué velocidad corrían los Smiths hacia su perdición en enero de 1987, pero había indicios en esta centrifugadora de retroalimentación y tambores, donde la banda tocaba la locomotora que se dirigía hacia abajo sobre un Morrissey atado a las vías, mientras analizaba con deleite sardónico las pretensiones del forastero provincial que se mudaba a la capital. Terminando en un riff circular, suspende hasta el infinito el momento de la verdad. Disfrútenlo también en la lívida grabación en vivo de Rank y la fantasmagórica versión de sesión de Peel. 33) RUSHOLME RUFFIANS (de Meat is Murder, 1985) Los niños y las niñas salen a jugar cuando West Side Story llega al South Side de Manchester. Una falda ondulada, un apuñalamiento, una colegiala suicida: este panorama maníaco de “la última noche de la feria” se siente a veces como un drama radiofónico experimental, incluso hasta el disco de efectos de sonido de la BBC utilizado para agregar ambiente. Adoptando un enfoque de “gancho al pato” para el material original -Fourteen Again de Victoria Wood para las palabras. His Latest Flame de Elvis Presley para el riff sin contacto visual y con la cabeza agachada- Rusholme Ruffians genera su propia ensoñación brusca y rápida, un subidón de contacto sexual y violento para el observador eterno. 34) SHAKESPEARE’s Sister (Sencillo, 1985) The Smiths a 500 mph, y completamente imparables. Podría decirse que es el tema más pasado por alto en su canon, en parte debido a su pobre posición en las listas (número 26). Pero escuchen: es un torbellino de suicidio, guitarra slide y la frenética reconfiguración del Johnny Cash clásico de THE SMITHS, aunque Marr, que por entonces estaba en el apogeo de su fijación con Keith Richards, también lo vio como un tema único y sorprendente en el estilo del igualmente anárquico Have You Seen Your Mother, Baby, Standing in The Shadow? de los Stones. Todo en 2:09, lo que forma parte de su magia de robo y conquista. 35) JEANE This Charming Man, cara B, 1983) Actualizando a Shelagh Delaney sobre la Gran Bretaña thatcherista. Interpretado con una voz débil y brutal a la vez, político en sí mismo, este fue el drama de cocina de los años 60 de Morrissey para la época moderna, con sus líneas que marcan el ritmo. “La vida de baja estofa ha perdido su atractivo/Y estoy cansado de caminar por estas calles/A una habitación con sus armarios vacíos”. El mensaje político, por supuesto, está escrito en grande: esta pobreza sigue existiendo unos 20 años después. Cuando Sandie Shaw versionó la canción en 1984, con The Smiths como acompañamiento, Marr representó su fantasía como una chica pop de los años 60. 36) RUBBER RING (The Boy With The Thorn In His Side, cara B de 12 pulgadas, 1985) Todos a la deriva con Gielgud, un psíquico sueco y un Smith que viaja en el tiempo. Una canción pop como sesión espiritista. Atenuando las luces con sus guitarras macabras, cuerdas hipnóticas y samples que inducen al trance de John Gielgud y un médium sueco, no estamos en comunión con estrellas de rock del pasado, sino con el yo Muture de Morrissey mientras ruega por un Mifeline metafísico. Hoy son fans, reflexiona el fantasmal Moz, pero sin diligencia los volubles algún día abandonarán incluso las “canciones que te salvaron la vida”. Los devotos de los Smiths finalmente demostraron ser leales, aunque irónicamente es la innovación de temas como este lo que hace que el legado sea boyante. 37) I Started Something I Coudn’t Finish (Strangeways, Here We Come, 1987) El eterno peaje solitario del guitarrista fue recompensado con un sencillo glam rockero número 23. Marr más tarde afirmaría que la ambivalencia inicial de sus compañeros de banda hacia este ruido brillante contribuyó a su creciente desilusión con The Smiths. Pero el guitarrista tenía razón al seguir adelante y Morrissey también lo hizo bien, añadiendo a la leyenda de su fraseo con el ronco grrrrowl que comienza con “that’s what traditional means” y el estrepitoso patetismo auditivo de “18 meses de trabajo duro parecen… justos”, velando la insinuación de la canción de una intimidad forzada “vil” con un encogimiento de hombros curiosamente desinteresado. Típico de él, típico de él. 38) These Things Take Time (Hatful Of Hollow, 1984) Una canción de amor ilícito tiembla al borde de la realización. Publicada originalmente como el lado B de What Difference Does It Make?, esta versión superior surgió de una sesión de la BBC en junio de 1983. Un relato punzante de epifanía sexual estancada, pasión no correspondida y enredos complicados (“Estoy hechizada/Pero una mujer divide”), se entrega como una bofetada, un “grito célibe” que se estremece de carnalidad. La aparente autolaceración (“Soy la más inepta que jamás haya pisado”) se ve socavada por el fraseo impecablemente cruel de Morrissey y el ritmo punzante y cortante, la decepción y la frustración se convierten en gloriosas heridas de guerra. 39) PRETTY GIRLS MAKE GRAVES (I Started Something I Couldn’t Finish B-side, 1987) Moz pierde el corazón -¿y la erección?- en este temprano ataque de fobia sexual. Ni siquiera las bandas góticas llegaron tan cerca de la médula como el título de esta canción. Sin embargo, el tema de este sombrío asunto sigue siendo puro Morrissey, a quien “la naturaleza le jugó una mala pasada”, posiblemente un signo del autodesprecio interiorizado del narrador. Una canción aburrida de debut en LP, la mejor representada por el original producido por Troy Tate, lanzado tardíamente, donde el bajo punzante de Rourke se compensa con el patrón de saltos de Marr y Joyce en el contratiempo y las interjecciones del violonchelo mordaz de Audrey Riley. Morrissey votó por esto como single. 40 This Has Opened My Eyes (de Hatful Of Hollow, 1984) Podría decirse que es la canción más sombría de The Smiths de todas, y la más olvidada. Quizás su tono sombrío reflejaba demasiado de cerca I Don’t Owe You Anything, o la narrativa del bebé no deseado se consideró una incursión de más en A Taste Of Honey de Shelagh Delaney, pero This Night… inexplicablemente se omitió del álbum debut y no se publicó una versión de estudio. La exquisita y austera tristeza está clavada en la primera línea, “En un río del color del plomo”, mientras que el mantra de Morrissey “No estoy feliz y no estoy triste” es un momento inquietante y conmovedoramente irresuelto que llegaría a definir su particular cosmovisión smithsiana. 41 I Want The One I Can’t Have (de Meat Is Murder, 1985) El frío clima social de los años 80, musicalizado: “Estas son las riquezas de los pobres…” Meat Is Murder fue un pararrayos para la época opresiva y gélida de Margaret Thatcher en su pompa y la condenada huelga de mineros. Esta canción encarna todo eso más que la mayoría: un atisbo de obsesión no correspondida, frío consuelo y derrota de la clase trabajadora, llena de las pequeñas cosas que se encuentran en las calles secundarias de Manchester: “Mató a un policía cuando tenía 13 años/Y de alguna manera eso realmente me impresionó”. Morrissey puede estar un poco desafinado, pero eso solo se suma a su sensación de desesperación tensa. 42) You’ve Got Everything Now (Hatful Of Hollow, 1984) El Moz que evade su trabajo con una mirada amarga sobre cómo la otra mitad sigue adelante. La versión del The Smiths es cuadrada y trillada, pero el hipnóticoe bovver-rock que el grupo conjuró anteriormente en una producción de Dale Griffin en la BBC de junio de 1983 para David “Kid” Jensen manifiesta la volátil mezcla de fascinación y resentimiento de esta primera canción (“Nunca me gustó tu CARA”). Un aburrido “amigo” de la escuela hace las cosas bien mientras el mundo real le da vapores al terriblemente talentoso narrador de Morrissey. ¿Lo quiere a él/ella? ¿O simplemente se odia a sí mismo por la envidia que siente? Ambas cosas y más. 43) Suffer Little Children (The Smiths, 1984) ¿Sobre qué han escrito una canción? Funciona porque en realidad no debería funcionar. La melodía ya había sido escrita, al igual que (por separado) la letra de Morrissey; una disquisición poética sobre los asesinatos de los Moors, pero desde el punto de vista de una víctima. Sin embargo, hay un ajuste horrible y perfecto aquí, los riffs suavemente oscilantes de Marr -en algún lugar entre la canción de cuna y el lamento- calman y provocan simultáneamente las voces suplicantes de las víctimas y los asesinos, convocadas por el severo barítono de Moz. Para los punks, los Moors Murderers habían sido símbolos de agitación y propaganda de disrupción. No se puede subestimar que Morrissey haya elegido escribir un canto fúnebre para las víctimas. 44) STOP ME IF YOU 44 THINK YOU’RE HEARD THIS ONE BEFORE (de Strangeways, Here We Come, 1987) Un aspecto más oscuro de la mente de Moz mientras explora el alcohol, los moretones y los asesinatos en masa budistas. Es el año de la desaparición de The Smiths, pero antes de que se separen hay una limpieza lírica. Una venta de Moz de imágenes dolorosas, una despedida a los fans (“I still love you”) y una respuesta mordaz a las afirmaciones de los medios de comunicación sobre los clichés, Stop Me también se desarrolla como una serie de imágenes grotescas que pasan ante los ojos de Morrissey en “los últimos 10 segundos de vida”. Sin embargo, aliada al acompañamiento dulcemente épico de la banda, esta serie de escenarios trágicos, cómicos y brutales se inviste de un orgulloso poder de despedida. “Me alegró mucho que el primer solo como tal en un disco de Smiths fuera uno que pudieras cantar… Me gustó la melodía al final de ‘Stop Me If You’ve Heard This One Before’, pero se sintió un poco demasiado logrado. Quería que sonara como un músico punk que no sabía tocar, así que lo toqué con los dedos en una cuerda, arriba y abajo del mástil. Podría haberlo tocado con armónicos o con los dientes, o algo inteligente, pero el. la intensidad habría desaparecido la melodía.” Además de su lanzamiento en Strangeways, Here We Come, “Stop Me If You Think You’ve Heard This One Before” originalmente estaba pensado para ser lanzado como el segundo sencillo del álbum. Se imprimieron sencillos promocionales y se enviaron a Radio One. Sin embargo, el lanzamiento de la canción como sencillo se produjo a raíz de la masacre de Hungerford, en la que 16 personas fueron asesinadas, y la BBC se negó a reproducir la canción con el argumento de que la letra “plan a mass murder” era ofensiva.[5] Como resultado, la canción no fue lanzada como sencillo en el Reino Unido y se seleccionó “I Started Something I Couldn’t Finish” en su lugar. “Stop Me If You Think You’ve Heard This One Before” finalmente fue lanzado como sencillo en otras regiones, incluidos Estados Unidos, Australia, Alemania y otros.[5] La portada del sencillo es una imagen del actor y cantante británico Murray Head de un fotograma de la película de 1966 The Family Way (una película que también sería la fuente de la fotografía de la portada de “I Started Something I Couldn’t Finish”).[4] Morrissey declaró más tarde: “Quería desesperadamente que se lanzara. Rough Trade envió etiquetas blancas a Radio One, pero dijeron que nunca la reproducirían bajo ninguna circunstancia debido a la línea sobre asesinatos en masa. Dijeron que la gente lo habría relacionado instantáneamente con Hungerford y habría hecho que miles de compradores salieran a comprar ametralladoras y asesinaran a sus abuelos. Creo que Rough Trade debería haber lanzado ‘Death of a Disco Dancer’ solo para ser rebelde”. Aunque la banda se disolvió antes de poder hacer una gira con alguna canción de Strangeways, Here We Come, Morrissey interpretó la canción en vivo junto a sus compañeros ex-Smiths Andy Rourke, Mike Joyce y Craig Gannon como canción de apertura de su infame concierto debut en solitario en el Civic Hall de Wolverhampton en diciembre de 1988.[7] 45) NOWHERE FAST (Meat Is Murder, 1985) Sonidos alegres olvidados para almas tensas y argot. Como coautor, el papel de Johnny Marr en The Smiths sigue estando infravalorado. Un ejemplo sería lo que hace con este espléndido conjunto de aforismos, reflexiones y edictos antimonárquicos de Moz. Posiblemente inspirado por el triste sonido del tren al que se hace referencia en el estribillo de la canción, el arreglo de Marr para Nashville A-Team (y el traqueteo de las vías del tren de la batería de Mike Joyce) le da a la canción un impulso rockabilly y una dignidad áspera, estableciendo un vínculo entre el desafío norteño jocoso de Morrissey y ese otro lugar de miseria de la clase trabajadora en los buenos momentos: la música country estadounidense. AM 46) Is It Really So Strange? (Sheila Take A Bow B-side, 1987) Una instantánea familiar feliz antes del divorcio. Grabado para una Peel Session en diciembre de 1986, aquí hay una alegría para toda la banda en este gran éxito que parece cruel considerando que The Smiths se separaron unos siete meses después. Así que recuérdelos de esta manera: las guitarras de Marr suenan con gran claridad, los ritmos funky de Joyce y Rourke pulsan con arrogancia, mientras que, por una vez, el amor correspondido de Morrissey está empapado de optimismo. Por supuesto, también hay dificultades y asesinatos de caballos, pero esta vez el objeto del afecto aparecerá. ¿Es realmente tan extraño un Smiths feliz y enamorado? No, pero no podía durar. 47) MEAT IS MURDER (Meat is Murder, 1985) Los cuatro del matadero exponen el manifiesto de los derechos de los animales de su líder. En el tema que cierra el segundo LP de The Smiths, la guitarra de Marr se cierne malévolamente sobre la chispa eléctrica y el chisporroteo de las cuchillas del matadero y los sonidos sampleados de sus desafortunadas víctimas. Un sombrío Moz entona el mensaje central de la canción con una franqueza bovina: “Es muerte sin razón y muerte sin razón es asesinato”. Dejando de lado las preocupaciones etimológicas, musicalmente es un canto fúnebre brutal en un álbum con muchos rincones oscuros y preocupaciones políticas. También es Morrissey en su forma más directa lírica y la propaganda pop en su forma más potente. 48) Cemetry Gates (The Queen Is Dead, 1986) Una broma a costa del propio Morrissey y, por lo tanto, digna de ser apreciada. El lado uno de The Queen Is Dead, Sturm und Drang, se funde con su final alegre, ligero pero seductoramente conspirativo. La guitarra acústica de Marr salta de si menor a sol en un brillo veraniego, uniéndose al bajo burbujeante de Rourke mientras Morrissey se burla suavemente de aquellos que expondrían sus robos literarios, mientras insinúa que, bueno, mea culpa. Siempre te hace preguntarte cómo un autocrítico tan dispuesto resultó ser tan susceptible. Un caso de “Puedo decir esto, pero no te atrevas”. 49) Ask (Single, 1986) ¿Glasnost para los tímidos o advertencia sobre el invierno nuclear? Aparentemente el sonido de alguien que sale de su caparazón, la tropicalmente fresca Ask parece un repudio impactante del estilo de vida libresco de Morrissey, su fraseo alegre y el toque femenino de Kirsty MacColl que alienta a su electorado a ser audaz en sus deseos. Sin embargo, “If it’s not love/Then it’s the bomb that will bring us together” hace eco de los recuerdos de Quentin Crisp de los encuentros sexuales de ahora o nunca durante el apagón, lo que sugiere que nadie es tan sensible ante la inminente aniquilación nuclear. Debidamente desarmante. EL NACIMIENTO DE MADCHESTER. POR PAUL STOKES. 50) Barbarism Begins At Home (de Meat Is Murder, 1985) “Recuerdo que en uno de nuestros primeros ensayos juntos, Andy se me acercó y me dijo: ‘Mike, sabes que el bombo y el bajo se supone que van juntos, pruébalo, puede que te guste…’ Así recuerda Mike Joyce sobre el comienzo de su asociación con Andy Rourke y, después de un poco de dentición, el momento en que la visión expansiva y audaz de The Smiths adquirió su base. A menudo (aunque comprensiblemente) pasada por alto en favor de la asociación de Morrissey y Johnny Marr, la contribución de la sección rítmica de la banda fue clave para expandir el universo único de The Smiths. No eran comerciantes de “golpear y listo”, el baterista Joyce y el bajista Rourke ofrecieron a los otros dos una pista hábil y profundamente melódica de la que podían partir los vuelos de la fantasía. Desde ritmos brutales hasta ritmos suaves, la contribución musical de Joyce y Rourke no fue en absoluto puramente funcional. No importa lo que te diga uno de sus compañeros de banda, y justo antes del final de Meat Is Murder tuvieron la oportunidad de demostrarlo. La elasticidad del bajo de Rourke es la estrella de esta extensa pieza de ánimo, que estalla con un ímpetu que escala los trastes, pero solo tiene éxito porque la caja de Joyce y la batería disco proto-indie lo siguen todo el camino. “No había nada artificial en ello, no nos sentamos a hablarlo, simplemente lo tocamos y así es como salió”, dice Rourke sobre la naturaleza instintiva de la asociación de la pareja, una vez que comenzaron. “Yo estaba en el funk y Mike venía de un entorno punk, lo que trajo mucha agresividad… Nos estábamos batiendo a duelo”. Barbarism Begins At Home es uno de sus mayores encuentros, inyectando un escalofrío reforzado en el duro mundo del álbum de directores y rufianes. No es que la asociación principal de The Smiths se esté quedando atrás aquí. La adopción del paisaje rítmico por parte de Morrissey lo hace salir de su habitual intercambio de composiciones con Marr. Así, mientras sus versos y coros viciosos proporcionan cierta estructura, sus aullidos y gemidos reverberados se enredan, como si fueran instrumentos, en la trama misma de la canción. Marr, por su parte, aprovecha la oportunidad para rendir homenaje a un héroe musical. Con rápidos riffs agudos y una escala virtuosa que antes había rechazado, el guitarrista se hace eco de la pista de baile o de los jangles de Nile Rodgers Chic, enfrentándose al bajo de su viejo amigo de la escuela Rourke hacia un crescendo agridulce pero funky. Si bien la atmósfera melancólica lo ubica firmemente dentro del paisaje brutalista de Meat Is Murder, con Rourke y Joyce en primer plano, Barbarism Begins At Home también se desvía brillantemente del modelo de The Smiths. Mostrando lados nuevos e inesperados de la banda, Barbarism se ubica en un lugar extraño pero esencial es la etapa de la historia musical de Manchester, a medio camino entre el funk post-punk decaído de A Certain Ratio y -como se mostró en una actuación a principios de 1984 en The Tube de Channel 4- los ritmos urbanos picantes de Happy Mondays y The Stone Roses. “La barbarie comienza en casa” es una canción de la banda de rock inglesa The Smiths. Presentada en su segundo álbum de estudio, Meat Is Murder (1985), la canción tiene una letra que condena el abuso infantil y una pista inspirada en el funk basada en la línea de bajo de Andy Rourke. “Barbarism Begins at Home” tuvo un lanzamiento inicial limitado en Alemania e Italia en abril de 1985, pero no se lanzó como sencillo en el Reino Unido hasta 1988. Desde entonces, ha tenido una recepción crítica positiva y se convirtió en un favorito en vivo durante la vida de la banda. Cuando la banda la presentó por primera vez, la canción se tituló “El fascismo comienza en casa”. [2] Líricamente, la canción era una crítica ardiente al castigo corporal y el abuso infantil. Morrissey comentó en una entrevista de Melody Maker en marzo de 1985: “Desde el momento en que te golpean cuando eres niño, la violencia es la única respuesta. La conversación no tiene sentido”.

Hace algunos años, comencé a resumir mi devenir musical a través de lo que denominé las memorias musicales. Una suerte de viaje vital por el reino de la música moderna a través de las bandas y estilos que he ido escuchando desde que fui consciente de lo que era una canción hasta la actualidad. Los 6 programas grabados hasta la fecha tienen la fiabilidad de mi cuenta corriente dado lo atropellado de los recuerdos y la cantidad de alcohol y drogas consumidos en el proceso. Pero en cierto modo explican de donde viene el Desenterrador y hacia donde va. Drink Team Vs This Is Music La cuestión es que ya en el sexto volumen de esas memorias hablé de la segunda ola de Postpunk iniciada por Interpol, de mi introducción definitiva en la electrónica gracias a Boards Of Canada o de mi reactivación metálica gracias al festival Roadburn y el Post Metal. Como esos 10 años que comprenden 1998 a 2008 más o menos corresponden a las andanzas con un grupo de amigos musiqueros en un improvisado Talde que llamamos “Drink Team”. Durante esos años fuimos a festivales, arrasamos los bares de Bilbao cual horda bárbara mientras pedíamos “temazos” a diestro y siniestro. Lo que nos unía era la música, concretamente todo lo que puede entenderse desde Aphex Twin hasta Led Zeppelin. Ese grupo de amigos ya se reúne ocasionalmente en pequeñas bandadas a día de hoy pero conservamos un recuerdo en forma del chat “This Is Music”. En ese chat he requerido que la gente meta canciones en una lista de grupos y temas que identifican con esos momentos y este es el primer volumen de esa lista. Curiosamente recuerda a los primeros programas que hacía en esta radio aunque con el elemento experimental y abrasivo reducido casi a cero. Shoegazing con Adorable y Catherine Wheel, Neo Psicodelia con Spiritualized o Chamber Pop con Tindersticks. Un período de máximo desmelene y disfrute total con la música desde el punto de vista más lúdico posible. No hay que olvidar. [10:01] 01. Morrissey - Southpaw [5:54] 02. Life Without Buildings - New Town [3:57] 03. Interpol - Untitled [4:32] 04. Tindersticks - Marbles [5:04] 05. Adorable - Sunshine Smile [3:46] 06. Catherine Wheel - Crank [5:20] 07. My Bloody Valentine - Sometimes [4:09] 08. Suede - Trash [4:41] 09. Spiritualized - Come Together [2:49] 10. The Mark Lanegan Band With P.J. Harvey - Hit The City [4:37] 11. The Chameleons - Perfume Garden [5:55] 12. New Order - True Faith [3:58] 13. Echo And The Bunnymen - Nothing Lasts Forever [3:57] 14. Joy Division - Transmission [3:55] 15. Echo & The Bunnymen - The Cutter [3:42] 16. Jesus And Mary Chain - Reverence [6:26] 17. Ride - Dreams Burn Down (John Peel Session, Recorded February 4, 1990) [7:19] 18. Gus Gus - Believe [4:30] 19. Ian Brown - Fear [5:38] 20. Death In Vegas - Scorpio Rising

Llega la recta final de la vigésima temporada del Desenterrador y vamos a bajar la intensidad. Tres entrevistas seguidas es suficiente que os tenemos muy mal acostumbrados. Así que voy a scar mis clásicos especiales random basados en una palabra al azara. Generalmente esa aleatoriedad no lo es tanto ya que está basada en la sobre presencia de un concepto en la mente del Desenterrador. Blanco White Zuri Y es que ya basta con la negrura. Es hora de darle un poco de claridad al tema ya que estamos acercándonos al verano. El término anglófono White será el protagonista del programa y estará centrado en este tercer volumen en el Heavy Metal clásico de Judas Priest, el Stoner psicodélico moderno de primer nivel de Radar Men From The Moon, Colour Haze u Orange Goblin, el Doom Metal clásico de Saint Vitus lo a Psicodelia pesada de Ides Of Gemini Heavy Post Metal Doom White [4:20] 01. Judas Priest – White Heat, Red Hot [10:01] 02. The Devil’s Blood – White Storm Of Teeth [9:45] 03. Obelyskkh – The White Lightning [5:11] 04. Radar Men From the Moon – Dance of Black and White Paint [19:00] 05. Asunder – Whited Sepulcher [4:06] 06. Colour Haze – Whiteroom/Self [8:01] 07. Kyuss – Whitewater [5:27] 08. Planet Of Zeus – White Shroud [2:26] 09. Orange Goblin – White Night Cyanide (B-Side) [4:41] 10. Vibravoid – Black And White [7:23] 11. The Sword – The White Sea [2:28] 12. Savage Rose – White Swans’ Marriage Clothes [5:53] 13. Saint Vitus – White Stallions [5:46] 14. Saint Vitus – White Magic/Black Magic [3:01] 15. Nashville Pussy – White And Cloud [3:55] 16. Mustasch – Frosty White [2:58] 17. Mount Moriah – White Sands [3:45] 18. It Was The Elf – The Ride on the White Horse [4:47] 19. Danava – White Nights of Murder [5:23] 20. Clutch – White’s Ferry [5:46] 21. Black Rainbow – The River,The Moon, The White Lake, The Megaelectrofantafuzzspace [2:44] 22. The Count Bishops – Sometimes Good Guys Don’t Wear White [5:17] 23. Witchcraft – White Light Suicide [6:56] 24. Ides Of Gemini – White Hart