Estamos muertos... ¿o qué?

¿Quieres saber cuál es el lado correcto de la historia? Pues... DETRÁS DE TI, IMBÉSIL. Discutimos la cosa esta, como indica el título y como cabría esperarse. Aunque la verdad, lo hacemos más bien poco y desvariamos un poco sobre cierto festival con cierto mono enfadadísimo como mascota. En realidad, eso era más esperable, si lo piensas un poco.

Si hay un found footage que aparece en cualquier lista de lo mejor que nos ha ofrecido este subgénero —siempre junto a las emblemáticas Holocausto Canibal y El proyecto de la bruja de Blair—, sin duda ese es [REC]. Codirigida por Jaume Balagueró y Paco Plaza, esta película que transcurre en un edificio céntrico de Barcelona se convirtió en la abanderada de la segunda ola del cine de metraje encontrado y en uno de los mayores éxitos del cine español fuera de sus fronteras.

Ahora por fin sí, cada año es el año del terror, así que vamos a hablar de otra de esas películas que ha conquistado tanto a los aficionados de género como a todos aquellos que ponen en la biografía de sus redes sociales “cinefago”. Obsession es el primer largometraje de Curry Barker, un chaval que nació el mismo año en el que se estrenaban Matrix y El Proyecto de la Bruja de Blair. Es decir, que apenas es mayor de edad, y sin embargo ya se ha convertido en una de las nuevas promesas del cine de terror. La historia, un joven enamorado de su amiga pide un deseo y le sale mal. Casi dos horas de escalofríos, sangre y mala ostia para demostrarnos que las relaciones de pareja tienen sus cosas buenas y sus cosas malas.

Pese a aparecer con frecuencia en los rankings de «películas más raras que he visto», una película bastante olvidada del canadiense, de transición entre La Nueva Carne y lo que fuera que hiciese después. Cronenberg se lanza a adaptar el libro inadaptable por antonomasia. Si bien, su jugada es más inteligente que una simple adaptación, mezclando el biopic y la propia obra. Si conoces a Burroughs y las circunstancias que rodean la escritura de su obra cumbre, la película se hace –algo– más comprensible. Te llevamos de la manita hasta que te guste la peli.

Pocas películas le han sacado tanto partido a cinco actores y un descampado como A Field in England. La película dirigida por Ben Wheatley con guión de Amy Jump nos acerca a la Guerra Civil Inglesa solo como excusa para introducirnos en el fantástico mundo de la magia y el folclore británico. Con los carismáticos Reece Shearsmith y Michael Smiley como protagonistas, un campo en Inglaterra es también el campo de batalla en el que la voluntad de dos hechiceros se enfrenta. Acción, comedía, setas, canciones y penes en noventa minutos en blanco y negro de pura fantasía.

Este podcast vuelve a ofrecer contenido exclusivo y el plan es enviar a dos carcamales al futuro, a la Gen Z o hasta Alpha y someterlos a una de las pocas películas propias que tienen, ¿Funcionará la cosa? Ya veremos SNUFF, cual calbo que dice que el trap es lo más y que Rosalía es lo mejor que le ha pasado a la música, trata de hacer una pequeña intro a las backrooms, como cualquier CREADOR DE CONTENIDO estaba haciendo hace tres o cuatro semanas, vamos.

Llega el verano y sacamos a Kayako y Thoshio de los armarios. ¿Injustamente vilipendiadas? Pues... aquí se separan los trve fans de los posers... o algo así. El (por ahora) último díptico de la saga en el que Taka Ichise, golpeando un caballo muerto, le pide por favor a Kayako que haga lo de la escalera aunque sea por una última vez. ¿Lo será? Evidentemente no.

El chiste de que los 70s fueron la mejor década para el cine no se acaba. The Witch Who Came from the Sea es nuevamente una evidencia de esta afirmación tan rotunda. Una película concebida desde el mercado del cine de explotación que se atreve a explorar los rincones más oscuros de la mente humana. Dirigida por Matt Cimber, con guión de Robert Thom y protagonizada por un rostro que fue tan popular como el de Millie Perkins, está película se ha mantenido prácticamente en el olvido hasta la llegada del formato digital doméstico, convirtiéndose, esta vez sí, en un clásico de culto del cine de terror.

Entre esos pases locos que aparecían en Sitges, hay una serie de títulos que nos dejaron huella y con los que dimos la tabarra incansables. Beyond the Black Rainbow de Panos Cosmatos o February (The Blackcoat's Daughter) de Oz Perkins son dos ejemplos claros. ¿Fue Sebastián Silva un cineasta del futuro cuando, aliado con Evil Spanish Michael Cera, perpetró la desconocida «Magic, Magic»? Tenemos unas horitas para convenceros.

Diversas son las adaptaciones del escritor japonés de terror y misterio Rampo Edogawa, pero una de las más reputadas es sin duda la adaptación dirigida por Yasuzō Masumura de Môjû, traducida internacionalmente como Blind Beast. La película no solo es un relato terrorífico sobre la obsesión de un escultor ciego con el cuerpo de una modelo, sino también una exploración del placer a través del dolor y la destrucción del individuo.

El año 1972 fue el año de locura para el giallo, para algunos, incluso ya podríamos hablar de decadencia después de la fiebre iniciada por Argento y el pajarito. Si bien afirmando que todos los gialli –al igual que los hombres– son iguales, nos vamos a equivocar poco, hubo casos más curiosos que otros y el díptico del misterioso Miraglia en el que fusionaba, a modo suo, el gótico italiano con el giallo es uno de ellos. Repasamos la que se convertiría en su última obra.

Después de volver con el Abominable Dr. Phibes, Vicent Price tuvo la oportunidad de encarnar a un personaje muy similar pero ahora cumpliendo uno de sus sueños: interpretar a Shakespeare en Londres. Y aunque los asesinatos se iban a suceder de nuevo, en esta ocasión las víctimas serían críticos de teatro que repudiaron al protagonista tachandolo de “clásico”. No es muy dificil establecer paralelismos entre Edward Leonheart y la carrera del propio Vicent Price. Matar o No Matar, Este es el Problema, una ingeniosa comedia de terror que se gesta durante la efervescencia del giallo y antes de la aparición del slasher se convertiría en una de las películas más recordadas del actor y mejor valoradas, paradójicamente, por la crítica

Venimos con un slasher; este lo cono conoce todo el mundo, especialmente nuestro amigo y hermano NWR. Con su buena dosis de rostros reconocibles, mandíbulas enormes y un trabajo de especialistas condenable por cualquier sindicato mínimamente serio. Y guión de Larry Cohen. ¿Hará David las paces con la brutalidad policial?

El fenómeno de las TV movies arrancó a mediados de los sesenta y Fear No Evil (1969) constituye la primera película de terror realizada exclusivamente para televisión. Estrenada con gran éxito de crítica y audiencia, el largometraje fue, sin embargo, olvidado durante varios años hasta ser rescatado de los almacenes de Universal en la segunda década de los años 2000. Casi cincuenta años después, y gracias a Gary Gerani y Richard A. Ekstedt, la dupla protagonizada por Louis Jourdan —compuesta por Fear No Evil (1969) y Ritual of Evil (1970)— cuenta con una edición a la altura del material original. Una historia de psiquiatría y satanismo que estaba destinada a ser una serie de televisión y que finalmente se desarrolló en dos episodios piloto en los que Louis Jourdan interpreta al carismático psicólogo aficionado al ocultismo David Sorrell. El Dr. Sorrell tendrá que enfrentarse a las fuerzas demoníacas para salvar a sus pacientes de un destino aciago.

De una alguna manera que muchos aún no logramos comprender, Christophe Gans ha conseguido, veinte años después, volver a Silent Hill. Y aunque quizás no haya sido el regreso por todo lo alto que muchos esperaban, no se le puede culpar de no haberle puesto ganas. El popular survival horror de Konami cuenta con una nueva adaptación —esta vez de la segunda entrega— en la que no solo se recrean las escenas más emblemáticas del videojuego, sino que también desfilan por ella las criaturas más emblemáticas de su universo ¿Es una buena película? A priori es una respuesta fácil de responder, pero nosotros intentamos dar un pequeño rodeo de casi 2 horas.

Traemos uno de nuestros tipos de cineastas favoritos: el cineasta del futuro. Tarsem Singh se adelantó a su tiempo y solo algún iluminado tipo Roger Ebert logró darse cuento que este simpático hindú estaba dirigiendo películas para dentro de un par de décadas. Analizamos una película que, a la vez, pertenece a un tipo que ya nunca volverá: la película de estudio de Hollywood en la que sus artífices hacen lo que les sale de los cojones.

David sigue con su particular defensa a ultranza de Johannes Roberts. En esta ocasión nos entrega una película sobre un mono mascota mortífero, una triple M mortal, una especie de survival. Hablamos de la película durante un rato y todo. TRIGGER WARNING: Nos metemos con los fans del cine de terror.

Con este fantástico título se estrenó en España Dellamorte Dellamore, seguramente la película más popular dirigida por el maestro Michele Soavi. Basada en la novela de Tiziano Sclavi, el creador de Dylan Dog, él mismo la califica como un ensayo para la creación del Detective de las Pesadillas. Además de una mirada sarcástica y desencantada a la vida adulta y el amor, Cemetery Man significa también un epílogo al cine de terror italiano ya extinto en aquel lejano marzo de 1994. Desde los clásicos del gótico, como Mario Bava o Riccardo Freda, a los más modernos Dario Argento y Lucio Fulci, todos los caminos del género parecen confluir en este camposanto de Buffalora donde los muertos regresan a la vida solo para que el cínico Francesco Dellamorte les vuele cabeza.

La película para intensitos por excelencia. Sería la Cromosoma 3 polaca, de no ser porque es polaca, alemana, francesa, australiana y a saber qué más. Película dura de ver por el poco respiro que da al espectador. Aparte, a Zulawski se la sudamos tú y yo. Solo le importan su divorcio y el comunismo. Puede que el arte también. Y si quieres oír el audio del que habla SNUFF al final del programa, es aquí: https://www.ivoox.com/178-catedral-enferma-mp4-audios-mp3_rf_167855576_1.html

Kiyoshi Kurosawa con Pulse se convirtió en uno de los precursores del j-horror, sin embargo antes que la película de las manchas en las paredes se había dado a conocer en todo el mundo gracias a Cure. Un thriller detectivesco en el cual un asesino en serio usa la hipnosis para que otros maten por él. Siempre manteniendo la cámara a una distancia más que prudencial y con un uso de ritmo pausado para que nadie se pierda por el camino, Kurosawa es uno de los pocos directores japoneses que ha sabido mantenerse a flote una vez pasada la fiebre del terror nipón. Y Cure es uno de los mejores ejemplos de su cine.