Explorando Versiones

Hola amigos, soy Francisco, os doy la bienvenida a Explorando Versiones. Hoy hablaremos en «Soy un macarra», una de esas canciones que marcaron un antes y un después en la historia del rock en español. Acompañadme mientras exploramos no solo la canción original, sino también algunas de las versiones que ha hecho a lo largo del tiempo. ILEGALES - SOY UN MACARRA: https://www.youtube.com/watch?v=jIJcT8IAExw Para ponernos en contexto, Los Ilegales es una banda asturiana que comenzó su andadura en los inicios de la década de los 80 y que está liderada por Jorge Martínez. Su estilo, que mezcla el punk y el rock con letras mordaces, los convirtió en una de las formaciones más icónicas y controvertidas de la época. Para Jorge Martínez, "Soy un macarra" no es solo una canción; tiene un mensaje que trasciende su aparente simpleza. “Soy un macarra” abre la cara B de su segundo disco titulado “Agotados de esperar el fin” y que fue publicado en 1984. El tema también se lanzó como sencillo bajo el mismo título, donde aparecía la canción “Soy un macarra” en su cara A y “Para Siempre” en la cara B. Como curiosidad, la portada del single es la mano del batería, David Alonso, haciendo la señal de los cuernos y al que le falta un dedo que perdió de crío de un accidente cuando jugaba con un hacha. Y aunque esta canción los lanzó al éxito, no era precisamente la favorita del grupo. De hecho, estuvo a punto de quedarse fuera, ya que la consideraban de poca valía, pero fue la discográfica la que decidió apostar por ella. TEKNO-LIMA (Perú): https://www.youtube.com/watch?v=0zLM7hGruag En 1986, el grupo peruano Tekno-Lima hizo su propia versión de "Soy un macarra". Aunque respeta la base de la canción, esta reinterpretación incorpora toques electrónicos y elementos de rock que le dan un aire futurista y experimental. Con su sonido rudimentario, logra crear una atmósfera casi distópica, sin perder el carácter rebelde de la original. RESACA para la gente (Venezuela): https://soundcloud.com/laresaca/resaca-soy-un-macarra La banda venezolana de hard rock Resaca lanzó en 2010 su disco de debut titulado “Historias de noches extravagantes, perversiones y placer…”. El álbum está compuesto por 9 temas, 8 temas originales más este cover que está sonando de la canción “Soy un Macarra” de los Ilegales, notándose una clara influencia en el sonido de la banda PAPAYA: https://www.youtube.com/watch?v=V3t2gKxcL28 El grupo Indie Papaya, liderado por Yanara Espinoza, lanzó en 2018 el disco “Corazón abierto” y en el que se incluía esta versión en la que se reimagina al macarra dándole un aire surfero. Su estilo pop, fresco y juguetón, le da un giro radical al tema, que se convierte en un himno veraniego con tintes irónicos. MUSCARIA HARDCORE (Ecuador): https://www.youtube.com/watch?v=DGxvRDLZvmE Desde Ecuador, la banda Muscaria lleva esta canción a los terrenos del hardcore metal. En esta versión lanzada en 2011, los riffs agresivos y la batería atronadora amplifican la actitud desafiante de la canción original. Aquí, el macarra parece más un guerrero urbano que un chulo de barrio, pero mantiene intacto el espíritu de rebeldía que caracteriza a Los Ilegales. SINIESTRO TOTAL: https://www.youtube.com/watch?v=Wm4Y_y9kIqI Y por fin llegamos a la versión que más me gusta: la de Siniestro Total. Esta reinterpretación se incluyó en su segundo álbum en directo, Cultura Popular, lanzado en 1997. El disco reúne versiones de grandes canciones de grupos españoles, abarcando desde los años sesenta hasta los noventa. En "Soy un macarra", los arreglos destacan especialmente por la incorporación del saxo de Jorge Beltrán, que aporta un toque fresco y diferente al clásico de Los Ilegales. CONCLUSIONES "Soy un macarra" no es solo una canción; es una actitud, un himno a la transgresión y una obra maestra de la ironía que ha dejado huella en la música y la cultura popular. Espero que hayáis disfrutado de este recorrido por las versiones de uno de los temas más icónicos de Los Ilegales. Nos vemos en el próximo capítulo.

Hola, quién tiene el gusto de conversar como ustedes, Pedro A. Luis, en un nuevo capítulo de "Explorando versiones". Hoy hablaremos de la canción "The Letter" y de sus versiones. THE VENTURES: https://www.youtube.com/watch?v=vvhuEjFYGXg Es muy importante resaltar la estrecha vinculación de la música con la emergente revolución social del momento. A fin de ponerlo en un contexto histórico, la canción se hizo muy popular en una entre la guerra de Vietnam. La revista Rolling Stone la situó en el puesto 363 de sus 500 mejores canciones de todos los tiempos. En el mismo año en que Jerry Rubin, junto con Abbie Hoffman, reconocidos líderes del movimiento hippie y quienes fundaron el Partido Internacional de Juventud cuyas siglas en inglés dan al nombre de los hippies, dan inicio a la cultura hippie, la contracultura, sacudiendo los cimientos de la sociedad, sea el parto revolucionario, algo que perturba a la clase media dominante conservadora blanca de aquella época. La moda no se quedó atrás e impulsó la minifalda, la cual llegó para quedarse, como símbolos de expresión de rebeldía de la mujer, ante la opresora sociedad conservadora de aquellos tiempos. Definitivamente, fueron épocas de oro, de momentos interesantes y de grandes cambios. THE BOX TOPS: https://www.youtube.com/watch?v=HIWY8UyW9bw Año 1967, "The Letter", una canción escrita por Wayne Carson Thompson, llevada a la fama por el grupo de Box Tops. Vocalizada por Alex Chilton, dentro del álbum del mismo nombre, alcanzando el número 1 de la revista Billboard Hot 100. "The Letter", la carta, sirvió como un lazo emocional entre dos almas que se aman. La insistente repetición de la frase "my baby just a-wrote me a letter", algo sí como que mi chica me escribió una carta, trasciende a la distancia y el tiempo, priorizando un vuelo de inmediato sobre otras alternativas de transporte más lentas, poniendo fin a los días de soledad con la frase "lonely days are gone". EVA CASSIDY: https://www.youtube.com/watch?v=RPITXIRwlv0 Iniciamos nuestras versiones de hoy con Eva Marie Cassidy, conocida como Eva Cassidy. Nacida en Oxon Hill, Washington DC, Estados Unidos de Norteamérica, un 2 de febrero de 1963. Fue cantante, guitarrista, dibujante, pintora y paisajista, definitivamente toda una gran artista. Eva nunca grabó composiciones propias, a pesar de todo su talento. Todo el material publicado son versiones de otros autores. Sin embargo era una mujer excepcional, mezclaba géneros como el jazz, el blues, el folk, y el soul de manera muy versátil, logrando que la versión "The Letter" destacara por su tono potente, pero manteniendo su melancólica voz. Aunque Eva no nos acompañó en este plano de vida por mucho tiempo, sí definitivamente su presencia quedó marcada como una de las mejores voces más dulces y sutiles de aquella generación de artistas. SUSAN TEDESCHI: https://www.youtube.com/watch?v=PG1_LAAL4w0 Otra gran artista es Susan Tedeschi, una cantante, guitarrista y compositora norteamericana conocida por su poderosa voz y su estilo musical y que fusiona el blues, el rock, el soul y el gospel, nace en 1970 en Massachusetts. Les puedo decir que aunque poco sabía de Susan, pues al oírla me cautivó y forma parte de mis preferidas en los playlist. Ha sido nominada varias veces a los premios Grammy, ha lanzado numerosos álbumes, tanto en solitario como en colaboración con su esposo Derek. Tanto Susan como Derek, han versionado "The Letter". La enérgica voz de Susan, ha sido un tributo potente a la canción original, la llena de emoción, fuerza y energía. JOE COCKER: https://www.youtube.com/watch?v=LlX5IWwizGg Y dejamos el cierre de este episodio al grande, hablamos de John Robert Cocker, o Joe Cocker como mejor lo conocemos. Nace un 20 de mayo de 1944 en Sheffield, Reino Unido. Fue un cantante y músico de rock y de blues, conocido por su voz, fuerte y áspera, centró parte de su carrera musical en versionar canciones de otros artistas. Cocker se entregaba por completo a la música, su gestualidad era genial y fue en el mejor festival musical de la historia, por lo menos a mi juicio, es decir, Woodstock del 69, en su última canción de su repertorio llamada "A Little Help from My Friends", donde nuestro querido Joe, por primera vez, tocó la guitarra imaginaria, sin colonizando el movimiento de sus manos y brazos, con la música. A partir de ese momento, y aunque ustedes no lo crean, se convirtió en el padre inventor de lo que se conoce como Air Guitar, le pregunto, ¿Quién de nosotros nos han tocado la guitarra imaginaria alguna vez en la vida? Cuando escuchamos sobre todo la canción de rock que tanto nos gusta, y ni hablar si vamos a un concierto. Yo lo hice en presencia a mis padres y hermanos, quienes reían a carcajada limpia, de seguro lo hacían con cariño, y admiraban la pasión que le ponía, hoy en día lo sigo haciendo y lo seguiré haciendo por el resto de mis días. Retomando la versión "The Letter", hecha por Joe Cocker, vamos a oirlo acompañado de Mad Dogs & Englishmen, Leon Russell, Don Preston, y quien luego sería una estrella, Rita Coolidge, nos brinda una presentación por demás épica en el concierto The Fillmore East 1970, Nueva York, Estados Unidos. De modo pues que disfrutemos de la interpretación de Cocker, en esos momentos de profundos cambios sociales, cuando su música no solo reflejaba su talento, sino también el espíritu de una época llena de reclamos y transformaciones. JOE COCKER: https://www.youtube.com/watch?v=CUwm4w0mp1k Y con esta última versión cerramos nuestro capítulo del día de hoy, espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. Gracias por su compañía y atención, me despido de todas y todos ustedes, su seguro servidor, Pedro A. Luis, hasta la próxima.

JOHN DENVER - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS (OFFICIAL AUDIO): https://www.youtube.com/watch?v=1vrEljMfXYo EDDY ARNOLD - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=MIH10gTutzI Versión de 1971 que sale en Reader´s Digest, cuyo autor es Eddy Arnold. TOOTS AND THE MAYTALS - TAKE ME HOME COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=lQFKMar4x-w Versión del grupo reggae Toots and the Maytals, cuya versión sustitute a "Virginia Occidental" por "casi cielo, Jamaica Occidental". Esta versión describe Jamaica. También esta versión fue utilizada y reversionada en una película alemana del año 2005 dirigida por Ed Herzog. HEIKE MAKATSCH & THE JOLLY BOYS - COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=rsdkbXuuRk0 La trama de la película es una chica alemana con una enfermedad terminal que sueña con ser cantante de country. LANA DEL REY - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=muWEOXE5zeQ En 2023 Lana del Rey homenajea a John Denver con su propia versión de "Take me Home, Country Roads" que fue lanzada a todas las plataformas digitales. KINGSMAN - MERLIN'S LAST SONG - TAKE ME HOME, COUNTRY ROAD: https://www.youtube.com/watch?v=Ag8mgowTHPE Versión de 2017 de la película Kingsman, el círculo dorado que se convierte en la canción de una de las escenas finales, reversionada por el actor Mark Strong. OLIVIA NEWTON-JOHN - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=uHOTmMpux9E YUJI NOMI (SUSURROS DEL CORAZÓN) - COUNTRY ROAD: https://www.youtube.com/watch?v=JuoTo5dFISo Versión japonesa derivada de la versión de Olivia Newton-John que sale en el anime del Estudio Ghibli YUJI NOMI (Susurros del corazón) en el año 1995. VERSIÓN EN ESPAÑOL DE LA CANCIÓN DE SUSURROS DEL CORAZÓN: https://www.youtube.com/watch?v=5pcz4mpbzM0

Hola, ¿Qué tal? Amigos, amigas. Soy Vicente Almodóvar de Sonido de Valencia Radio y hoy en este nuevo episodio de Explorando Versiones os vengo a presentar una canción que a mí realmente me marcó muchísimo. Es el "Sultans of Swing" de los Dire Straits. DIRE STRAITS - SULTANS OF SWING: https://www.youtube.com/watch?v=0fAQhSRLQnM De esta canción en particular tengo muy buenos recuerdos. Corría el año 1988 y en el sorteo de la vida me tocó hacer la mili en Madrid y el servicio militar era una mezcla de rutina y descubrimientos. Y en medio de este caos organizado, mi mejor aliado no llevaba uniforme, sino eran unos auriculares, un walkman. Sí, un walkman siempre listo para transportar mi mente pues lejos de los barracones. Y la cinta que más giró en su interior fue el "Alchemy" de los "Dire straits" y esta gloriosa canción. Fue la banda sonora de mi escape mental. En aquellos tiempos pues había que ser ingenioso pues las pilas del walkman era un bien muy preciado. La verdad es que había pocos recursos económicos, y así que cuando se terminaba la cinta, pues no quedaba otra que sacar un boli Bic y así con movimientos de la mano, pues rebobinabas la cinta manualmente. Y así aprovechaba cada giro como si estuvieras ajustando las manillas del tiempo. Pues en un ritual, vuelta tras vuelta, pues imaginaba a Mark Knopfler rasgando su guitarra, mientras yo intentaba ahorrar la energía para la siguiente escucha de la cinta. Y así pasaban los días, entre marchas y maniobras, el "Sultans of Swing" sonaba a mi cabeza como si el mismo Knopfler me acompañara en cada paso. ¿Y quién necesita un escuadrón cuando tienes un solo de guitarra como compañía? Pues a día de hoy cada vez que escucho esta canción, me llega el eco de aquel boli girando y es un vídeo del walkman al arrancar de nuevo. Es curioso cómo algo tan sencillo como rebobinar una cinta se puede convertir en el símbolo de una época. Y la habilidad que debería incluirse en cualquier currículum sobre todo si has vivido en los 80, que es rebobinar una cinta de cassette con un boli Bic. "Sultans of Swing" es una de las canciones más emblemáticas los Dire Straits, lanzado en su álbum debut, en 1978, está compuesta por Mark Knopfler y esta pizza se adentra en el mundo de una banda amateur que toca en un bar casi desierto, capturando la esencia de la pasión por la música y sin preocuparse por el éxito comercial. La mezcla de rock clásico con toques de blues y jazz se siente en cada acorde, y la letra refleja una autenticidad que resuena con muchos músicos que luchan por ser escuchados en un entorno tan competitivo. "Dire Straits" es considerada una de las bandas más influyentes del rock destacando por su autenticidad y su habilidad para mezclar géneros. Su música sigue resonando en nuevas generaciones gracias a su calidad atemporal y a la maestría de Mark Knopfler como compositor y guitarrista. El origen de la banda se formó en Londres en 1977 y estaban entre sus miembros originales pues los hermanos Knopfler, Mark y David con guitarra y luego estaba John Illsley como bajista y Pick Withers como batería. Y el nombre de "Dire Straits" viene a decir aquello como "Duras penas", y fue sugerido por un amigo, reflejando las dificultades económicas que se enfrentaban los miembros en sus inicios. Y su estilo musical "Dire Straits" pues destaca por su enfoque minimalista, en un momento en el punk, el disco y el rock progresivo dominaban la escena. Su sonido combina elementos del rock clásico, del blues, del jazz y del folk y esta canción aparece en su primer álbum en 1978. DIRE STRAITS - SULTANS OF SWING (LIVE AID): https://www.youtube.com/watch?v=JVZTP_kX5BE Y lo que podemos escuchar en primer lugar es una versión ya en sí, porque el álbum original es del año 1978, es donde aparece ya esta canción. Pero la versión en vivo más famosa está en el álbum "Alchemy" de "Dire Straits live" en 1984, donde la canción se extiende a más de 10 minutos con unos solos de guitarra que son increíbles. Se convierten una de las piezas más esperadas de los conciertos de la banda, mostrando la habilidad de Knopfler como guitarrista. Hay que decir que Mark Knopfler tenía una manera muy peculiar de tocar la guitarra. Prácticamente la acariciaba punteando con la yema de los dedos. Y sin duda alguna dejó una huella después del concierto donde se grabó el "Alchemy" en 1985 en el "Live Aid". LEO MORACCHIOLI Y MARY SPENDER: https://www.youtube.com/watch?v=x0RV0kgdqJU Y esta versión que os presento, esta primera versión, es muy metalera, es muy heavy metal, la verdad que sorprende mucho. Esto es un cover producido por Leo Moracchioli con Mary Spender que es la cantante. La verdad es que es alucinante también como tocan la guitarra. Disfrutadlo. 40 FINGERS: https://www.youtube.com/watch?v=yJnZh6pOLXs Y esta siguiente versión que os ponemos ahora está realizada por los 40 fingers. Esto es un grupo, un cuarteto de guitarristas italianos, que desde luego también tienen la esencia de lo que tenía esta canción originalmente. Disfrutadla también. VINTAGE CAFÉ: https://www.youtube.com/watch?v=EmwjlVft7Hs Y esta versión que os presentamos a continuación es también maravillosa, es un blues. Esto está en un álbum del año 2010 que se llamó "Vintage Cafe" y está producido por uno de los que fue componentes de los "Modern Talking" un grupo de allá, alemán, de los años 80. CONCLUSIONES Y con esta canción ya me despido. La verdad es que ha sido una maravilla poder estar aquí, poder haber contado lo que fue para mí esta canción de los "Dire Straits" y todo lo que ha significado este grupo a lo largo de la historia. No solo los grupos, sino también el propio Mark Knopfler en solitario. La verdad es que sigue cosechando muchísimos éxitos y eso es lo que esperamos también en un futuro. Así que nada, muchas gracias y escuchar esta última canción. Así que un abrazo muy fuerte de vuestro amigo Vicente Almodóvar. Nos escuchamos.

Buenas, soy Sergio Serrato y estoy de vuelta en nuestro podcast favorito, pero me vais a permitir que me salte un poco la filosofía de Explorando Versiones y hoy me marque un Explorando Canciones. KIKO VENENO - JOSELITO: https://www.youtube.com/watch?v=5JeTnZi2wek Hoy os voy a hablar de la canción “Joselito” de Kiko Veneno. Kiko Veneno de nombre artístico y José María López Sanfeliú en el DNI es un musico español nacido en Figueras Gerona y como diría mi padre Criao y engordao entre Sevilla y Cádiz, bético para más inri y eso se nos nota... El disco que contiene “Joselito” se llama “Échate un cantecito” de 1992. Se puede decir que era el último intento de Kiko de hacer algo en la música, ya que el artista llevaba tiempo retirado del mundo de arte incluso ya tenía un empleo fijo en la diputación de Sevilla. En una visita de su amigo Santiago Auserón, de Radio Futura, le comento a este que iba a hacer un disco y si no triunfaba dejaba la música. Auserón tenía que ayudar a su amigo y le propuso ser algo así como su coach en la creación y grabación del disco. Incluso participó en algunos coros del mismo y vaya si consigo reflotar la carrera de su amigo Kiko. El temazo que nos ocupa hoy no debe su nombre al niño prodigio conocido como el pequeño ruiseñor, aunque bien podría ser, sino que debe su inspiración a José Marín Rodríguez. Os cuento quien es José Marín. José Marín era un vecino de Conil de la Frontera, jornalero del Mar, aficionado al cante y gran bebedor mollatoso…. Kiko Veneno y Joselito se conocieron en los años 80 cuando, cuando, tras la disolución del grupo Veneno, que juntó para la historia a Kiko y los hermanos Amador, Kiko apartó su carrera musical y se afincó en la localidad gaditana de Conil de la frontera donde montó algo así como un chiringuito/Pub, el Adán se llamaba. Fue allí donde conoció a Joselito al que el propio Kiko definía de esta manera:“ Era un marinero temporero muy golfo, se levantaba para ir a la mar, se tomaba dos copas y ya no iba a pescar ni ná”. Eso sí Joselito manejaba unas frases y expresiones muy particulares que gustaron tanto a Kiko que se las apunto. El Adán era el último bar de la ronda de Joselito ya que estaba a dos casas de la suya, allí se tomaba la última antes de irse a su casa a dormir la tajá... y así lo inmortalizó Kiko en su canción. En otra estrofa de la canción se nombran las botellas de Coca-cola llena de vino de Chiclana y es que así se servía este mollate en el bar ligero que también era parada obligatoria de Joselito donde se bebía siempre unas pocas. Según cuentan los tabernáculos coincidentes de Joselito, tenía mala bebida y si fresco era un tío educadísimo con la papa era faltón y metepatas. pero eso sí, tenía la suerte de que su primo era el jefe de los municipales y no fueron pocas las veces que los guardias lo metían en el calabozo a dormirla para evitarle broncas. El Adán era el sitio donde le dejaban cantar y allí entonaba La Zarzamora, eso sí con una letra inventada por el llena de chistes, cargas e ironía. Cuentan que tenía una gran voz por eso lo de “el de la voz de oro”. Estás ocurrencias de Joselito se hicieron canción pasadas por la pluma de un poeta de bar y cronista de barrio como Kiko Veneno. Soltero de por vida, tuvo siete novias, más novias que un moro como reza la canción, porque como dice su sobrina Paqui, que mujer iba a aguantar la vida de Joselito. Dejo Joselito de subir con los ojos brillantitos por la calle peñón y empezó a dejarse ver por el hogar del jubilado vendió su casa y se mudo con sus sobrinas, el Adán sigue existiendo pero Kiko no es su dueño y la vida siguió su ritmo impasible hasta que el 30 de Septiembre de 2008 Joselito nos dejó, el tabaco paso factura y el cáncer reclamo el pago. Cuenta su sobrina que lo cuidó que hasta sus últimos días canturreó “Yo soy Joselito, el de la voz de oro”.

Hola a todos. Un saludo de Ruben. Normalmente podéis escucharme en el podcast Diskobox, que podéis encontrar en iVoox, buscando por el nombre del programa, Diskobox (con K y con B). Pero el programa de hoy es un especial para el podcast “Explorando Versiones”, y el especial de hoy va a estar dedicado a la canción “Train Kept a Rollin’ ”. Una canción que tiene múltiples y variadas versiones, y de las que he seleccionado para el programa de hoy las que considero las más interesantes. JOHNNY BURNETTE & THE ROCK AND ROLL TRIO: https://www.youtube.com/watch?v=VuwEaxdsonc Si he de empezar por la versión más representativa de este tema, tengo claro que debo empezar por el grupo que popularizó la canción en la década de los años 50. Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio. Que en 1956 publicaron uno de los discos más importantes en la génesis del Rockabilly, titulado como ellos “Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio”. A mediados de los 50, nace el Rock and Roll. Dentro de las corrientes paralelas que surgieron de la mezcla del Rhythm and blues con diversos estilos, el Rockabilly fue aquella que mezcló el Rhythm and Blues con el country, adoptando una formación, en su formato más clásico, de guitarra eléctrica, contrabajo y caja. Dentro de este disco se encuentra la que es la versión de referencia del “Train Kept a rollin’ ”, que fue publicada como single también ese mismo año. El disco, y la propia canción, son considerados como el arquetipo del rockabilly más primitivo, y una de las piezas clave del nacimiento del Rock and Roll. La voz de Johnny Burnette, es afilada, casi violenta, y la guitarra eléctrica de Paul Burlison tiene un sonido absolutamente inaudito para la época en la que se grabó la canción. Un sonido que ha sido una influencia para guitarristas como Jimmy Page o Jeff Beck, y que nació de casualidad. En el amplificador de Burlison había dos válvulas que no estaban bien instaladas. Se habían desencajado debido a un golpe que se había llevado el amplificador. Eso provocó una vibración en la membrana del altavoz que producía una especie de saturación muy particular. Un efecto de Fuzz, pero ojo, porque el pedal Fuzz aún no se había inventado. Así que este sonido se convirtió en algo innovador, y que por supuesto le dio personalidad al sonido del grupo. El grupo se separó poco después, y Johnny Burnette paso a un estilo más melódico, alejado de este rockabilly salvaje, con el que interpretan este “Train Kept a Rollin’ ”. TONY BRADSHAW: https://www.youtube.com/watch?v=eiScL3wIUwI Pero esta versión, aunque es la versión de referencia, no es la original. Fue Tony Bradshaw, quien compuso y grabó esta canción en 1951. Tony Bradshaw fue pianista, batería, cantante y director de orquesta, y comenzó su carrera en los años 30 haciendo Swing, y derivó en los años 40 hacia el jump blues, la forma primigenia del Rhythm and Blues, La canción pasó completamente desapercibida cuando se publicó. Ni siquiera llego a entrar en las listas de Rhythm and Blues. Curioso, porque luego se ha convertido en un clásico, gracias a la versión de Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio. Es impresionante ver hasta qué punto estos modificaron la canción, haciéndola sonar completamente diferente, alejada del estilo Rhythm and Blues de la original. THE YARDBIRDS: https://www.youtube.com/watch?v=5axZNnnDPWY Como ya os he comentado antes, la versión de “Train Kept a Rollin’ ” de Johnny Burnette influyó de una manera decisiva en guitarristas como Jeff Beck o Jimmy Page. Hasta el punto de que éstos grabarían una versión con su grupo. Y éste no era otro que uno de los grupos más importantes de la escena del Rhythm and Blues británico de los 60. El grupo del que formaron parte Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page, aunque no todos al mismo tiempo. Por supuesto, estoy hablando de los Yardbirds. Cuando Eric Clapton dejó el grupo, un tal Jeff Beck le sustituyó, dotando al sonido del grupo de una personalidad única. Mostrando que iba a convertirse en una leyenda de la guitarra, por su técnica y su habilidad para experimentar con el sonido. Fue él quien quiso hacer una versión del “Train Kept a Rollin’ ”, y la grabaron para su segundo disco publicado en Estados Unidos, “Having a Rave up”, de 1965. THE YARDBIRDS - STROLL ON: https://www.youtube.com/watch?v=AhHRWNT7Zqo Pero los Yardbirds, no contentos con hacer una versión, hicieron también una versión de la versión. Esto ocurrió en la época en la que se había incorporado también al grupo un tal Jimmy Page. El director de cine Michenagelo Antonioni se fijó en el grupo para su película de 1966 “Blow-up”. En una de las escenas aparecía un grupo de rock tocando en directo, en lo que se llamó una “rave-up”, una especie de jam en las que el grupo creaba pasajes instrumentales, solos, y comenzaba a desbarrar con sus instrumentos. Y aquí nace una de las escenas musicales en el cine más míticas de la historia, cuando Jeff Beck pierde el control, y destroza su guitarra. Lo que grabaron para esta película fue una canción llamada “Stroll On”, que no es sino una nueva versión del “Train Kept a Rollin’ ”. Debido a problemas de derechos de autor, tocaron la canción, pero con un nuevo título, la letra cambiada, y un toque algo más salvaje. La canción se incluyó en algunas versiones de la banda sonora de la película, pero lo más aconsejable por supuesto en ver la escena de la película que os he comentado, en la que también vais a poder apreciar en el escenario a Jimmy Page, ya que la película se rodó en ese corto periodo de tiempo en el que coincidieron los dos guitarristas en el grupo. Aquí os dejo el enlace a la Escena de “Blow up”: https://www.youtube.com/watch?v=R18qCKNLQdM LOS SIREX – TREN DE LA COSTA: https://www.youtube.com/watch?v=VPdWjxSdZRs Esta canción a la que estoy dedicando este especial “Explorando Versiones”, tuvo también una influencia decisiva en uno de los grupos de rock más importantes en la historia de nuestro país. Estoy hablando de los Sirex. Uno de los grandes grupos de la historia del rock en España. Y unos de los grupos más importantes de la década de los 60. Leslie, su cantante, cuenta cómo esta canción tuvo un verdadero impacto en su vida, hasta el punto de que reconoce que algo pasó dentro de él al escucharla. Lo cierto es que esta canción le cambió la vida, ya que se convirtió en uno de los grandes éxitos de la carrera de los Sirex. Leslie cuenta como quedó impactado cuando un DJ puso esta canción en un local de Barcelona. El DJ era uno de los muchos militares americanos que en ese momento estaban en Barcelona, y que eran el punto de entrada de mucha de la música de Estados Unidos. Fue tal el impacto de esta canción que Leslie se acercó al DJ para comprarle el disco. Pero no hubo suerte. Fue tal la cara de desprecio que el militar le puso a Leslie que éste acabo robándole el disco. Y acabó felizmente adaptando este tema al español. Aunque hay que decir que la letra no es una adaptación de la letra original. Es una nueva letra que no tiene nada que ver. Está inspirada en el tren que tenían que coger los Sirex desde la Estación de Francia, en Barcelona, hasta Calella, para ir a ensayar. La canción fue cara B de un EP que supuso el mayor éxito comercial del grupo. Año 1965. Vendieron más de 100.000 discos. Una auténtica barbaridad, aunque, a decir verdad, mucha de la culpa del éxito la tuvo una de las canciones más conocidas del grupo, incluida en la cara A: “La escoba”. Pero sin duda, yo personalmente me quedo con esta canción: “El tren de la costa”, su versión del “Train Kept a Rollin’ “. LOQUILLO & NU NILES: https://www.youtube.com/watch?v=DdOMjj-lfH0 Un músico español que siempre ha declarado su admiración por los Sirex ha sido Loquillo. En el año 2015, Loquillo publicó, junto al grupo Nu Niles, el disco “Código Rocker”. Un disco en el que quiso volver a sus raíces de “rocker”, y volvió a grabar algunas de las canciones de toda su carrera, y también alguna canción nueva. Precisamente aprovechó este disco para grabar su versión del “Tren de la costa”, haciendo así un homenaje a su admirado grupo. Como decía el propio Loquillo, “Los Sirex, el primer grupo en vestirse de cuero sobre un escenario”. MOTORHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=TqF6TEwBtoo Termino este especial “Explorando Versiones”, dedicado al tema “Train Kept a Rollin’ “, con un Bonus track muy especial. El primer disco de Motorhead contenía también una versión de este tema. Y es que, a alguien que no conozca bien a Lemmy, su cantante, le puede sorprender que haya elegido este clásico del Rockabilly para hacer una versión. Pero Lemmy, además de idolatrar a los Beatles, era un admirador del rock and roll de los años 50, como demostró cuando se juntó, a principios de los años 2000, con Slim Jim Phantom, batería de los Stray Cats, y el guitarrista Danny B, para formar un grupo de versiones de rock and roll de los años 50. Pero ya en el primer disco de Motohead, Lemmy acudió a Johnny Burnette y su Rock and Roll Trio para realizar esta versión, aunque esta vez llevada al terreno más eléctrico y pesado de Motorhead. En su disco homónimo de 1977 incluyeron esta versión. En lo que fue el primer disco publicado en la carrera de Motohead, aunque no es el primer disco que grabaron. Su primer disco en realidad se grabó en 1976, aunque la discográfica no se decidió a publicarlo hasta 3 años mas tarde, cuando ya Motorhead tenía ya cierto renombre en la escena inglesa, y se publicó con el nombre de “On Parole”. Pero eso ya es otra historia. Espero que hayáis disfrutado de este especial “Explorando Versiones”. Un saludo de Ruben, y hasta un próximo programa. Enlace a Ivoox del podcast Diskobox: https://www.ivoox.com/podcast-diskobox_sq_f11248636_1.html

Hola soy Laly y he sido invitada a participar en Explorando Versiones. Yo os voy ha hablar de una de mis canciones favoritas…..¿Os acordáis de aquel videoclip a finales de los 80 donde un gato de plastilina intenta colarse en un club para ver a una gatita cantar? NINA SIMONE - MY BABY JUST CARES FOR ME: https://www.youtube.com/watch?v=3ZS7iKdRo5Q Si, exacto! MY BABY JUST CARE FOR ME de Nina Simone. No recuerdo exactamente cuando vi el video por primera vez, que fue el que me descubrió la canción, sería en casa de mis padres en Torreblanca, o como dicen por aquí: White Tower o Torre White. Me encantó esa voz, esa manera de cantar, el piano… Recuerdo hablar de esta canción con mi amigo Ción en el autobús de Alcalá (de vuelta del Instituto). Hablamos de esta y de otras canciones de Nina Simone, y de otras canciones y de otros grupos. Buenos ratitos hablando de música, así se hacía más corto el camino de vuelta… EDDIE CANTOR: https://www.youtube.com/watch?v=oaNStTkU-cA La canción no es original de Nina Simone. Había sido compuesta en 1930 por Walter Donalson (la música) y Gus Kahn (letra) como tema para la película WHOOPEE!, dirigida por Thorntor Freeland, interpretada por Eddie Cantor, el primer black face, esto es que sale primero con la cara pintada de negro y luego sin pintar. La canción tuvo cierta popularidad y fue grabada por artistas como Harry James, Natking Cole, Count Basie… Suenan muy diferentes a la versión de Nina. Las hay instrumentales, big band… y todas tienen su punto. HARRY JAMES (instrumental): https://www.youtube.com/watch?v=V0Yz87_VbGM Nina la grabó en 1958 para su primer álbum: «Little girl blue» y la canción pasó desapercibida. NINA SIMONE - I LOVE YOU POGGY: https://www.youtube.com/watch?v=tq5A0YadWKs El éxito del disco fue “I Love You Poggy” de George Gershwin. COUNT BASIE: https://www.youtube.com/watch?v=NVXxohDstyw “My baby just care for me” se publicó como single en 1962. La versión de Nina es muy especial. Comienza con una característica introducción a piano con una sucesión de escala descendente que cuando la oyes ya sabes que canción es. Entra luego la batería y la voz cálida y característica e inconfundible de Nina y después de la segunda frase un característico break que se repite al final de otra frase. La instrumentación se limita o se reduce a la sección rítmica: piano, bajo y batería, tocada con escobilla, que le da un toque íntimo pero con swing. HADA BROOKS - CHOP CHOP BOGGIE: https://www.youtube.com/watch?v=5pHEEX259qY Las versiones anteriores como ya hemos dicho tenían un toque de jazz y big band. La introducción es similar a la del tema de 1958 “Chop Chop Boggie”, de Hada Brooks, que es instrumental. Hada Brooks recordamos que es la reina del boggie, también pianista, vocalista y compositora como Nina. ANUNCIO DE CHANEL Nº 5: https://www.youtube.com/watch?v=Jo1QN812S6g Pero tenemos que esperar hasta 1987 cuando un fragmento de medio minuto de esta canción aparece en un anuncio de Chanel Nº 5… Y entonces recibió el reconocimiento popular con 30 años de retraso y se convierte en un gran éxito, se vuelve a grabar el single, llegando al número 5 de las listas británicas, y con ella se popularizó el videoclip de animación donde Nina aparece como una gatita de plastilina cantando la canción en un club nocturno y un gato enamorado va a verla. Lo echan varias veces y vuelve a entrar por una claraboya del techo, cayendo en los brazos de ella y besándose. ¡Una monada! FRANK SINATRA: https://www.youtube.com/watch?v=zxCdLthupeM La letra nos habla de Baby, su bebé, su amor, que solo tiene ojitos para ella, ni actrices famosas, ni ropa, ni coches… Ella se pregunta si él no ve lo que ven los demás, ni lo que piensen de ella ni de su amor, lo que explicaría un poco el video clip. Ella trabaja en un club nocturno, no tiene buena reputación, pero a él no le importa nada lo que digan los demás. Él está enamorado. Posteriormente la versionarían: Frank Sinatra, George Michael, Michael Buble, Natalie Cole, Sophia Milman y otros. BANDA SONORA DE “EVERYONE SAYS I LOVE YOU” DE EDWARD NORTON): https://www.youtube.com/watch?v=WsiIPY_vzFU También se ha incluido en películas como “Todos dicen I Love You“ de Woody Allen de 1996 en una bonita escena de baile de Eduard Norton y Natasha Lyonne siguiendo el estilo clásico de los musicales de Hollywood. GEORGE MICHAEL: https://www.youtube.com/watch?v=Vjp3Wu4qny0 Nina nació el 21 de febrero de 1933 en Tyron, Carolina del Norte, como Eunice Katheen Waymon y conocida como “La Alta Sacerdotisa Del Soul”.. Ella, como otras estrellas de la canción, empezó cantando y tocando el piano en la iglesia metodista de Carolina del Norte y junto a su madre recorría todo el condado. Ella, Mary Kate, era una piadosa y reconocida predicadora metodista y ama de llaves. Su padre John Divine Waymon era un artista reconvertido en empresario. Fue gracias a la familia Miller, donde trabajaba su madre como ama de llaves a finales de los años 30, que pagarían las clases de piano y a la señora Mazzy, su profesora de piano, que hizo una colecta por su ciudad en lo que hoy llamaríamos un Crowdfunding. Fue como la pequeña obtuvo el dinero para sus estudios de secundaria y piano. Se trasladaron a Filadelfia para que pudiera ingresar en el prestigioso “Curtis Institute Of Music” pero fue rechazada por puro racismo… “Nunca me pude recuperar de aquello”, dijo Nina en alguna ocasión. SOPHIE MILMAN: https://www.youtube.com/watch?v=pqLa6u6_TBo Tras una época de desaliento, en los 50 comenzó a trabajar acompañando a su profesora de piano y a los con los que tocaba clásicos de jazz y del momento. También empezó a tocar el piano en locales de Atlantic City, como no quería que su madre viera su nombre en los carteles, se puso de nombre artístico NINA por un novio latino que tuvo que la llamaba niña, y SIMONE por SIMONE SIGNORET, actriz francesa a la que admiraba. Y así comenzó a tocar el piano. La primera noche tras 7 horas de recital-actuación, el dueño le preguntó porqué no cantaba y ella contestó que era pianista, no cantante y él le dijo “mañana serás cantante o no vuelvas“ y así comenzó a cantar y a tocar el piano. MICHAEL BUBLÉ: https://www.youtube.com/watch?v=KgmFXye1FLc Fue Sid Nathan quién viendo el talento de aquella pianista le ofreció su primer contrato discográfico en 1958. Grabó durante 14 horas temas de jazz, góspel y varias canciones propias que arregló sobre la marcha y este le pidió que añadiera algo más animado para el final y ella eligió «My Baby Just Care For Me». Este primer disco se llamó «Little Baby Blue» y aunque pasó sin pena ni gloria, la hizo despuntar como cantante entre el jazz, el soul, el pop. Le dió un nombre, una reputación y bastante trabajo en los 60 y los 70. En el 61 se casa con Andy Stroud, quien se convertiría en su manager y que la explotó y la maltrató. En él tuvo a su única hija. En los 80 ya era una vieja gloria en algún cartel de jazz, hasta que 1987 llegaron noticias del triunfo de esta canción en Europa. Ella llamó a su representante y comprobó que no tenía derecho a un solo céntimo de los royalties después de 30 años. Nina reconoció que allá por 1958, y tras 14 horas de grabación, Nathan le dio a firmar unos papeles y lo hizo sin leerlo. Había renunciado a prácticamente todo lo generaron sus grabaciones. Llegó a grabar unos 50 discos. NATALIE COLE: https://www.youtube.com/watch?v=bVQjEWHW1_0 Con una vida marcada por el racismo, la explotación musical y el maltrato, Nina a partir de los 60 se involucró mucho en el movimiento por los derechos civiles. Fue una gran activista de los derechos de las mujeres afroamericanas grabando algunas canciones de carácter político y de injusticia social. NINA SIMONE - MY BABY JUST CARES FOR ME: https://www.youtube.com/watch?v=3ZS7iKdRo5Q Decepcionada por los políticos de su país del momento y tras la muerte de Martin Luther King vivió en diferentes países, estableciéndose definitivamente en el sur de Francia, donde moriría de cáncer de mama el 21 de abril de 2003. Dos días antes de su muerte, el 19 de Abril, le fue concedido el diploma Honorio en el “Curtis Institute Of Music” de Filadelfia, el instituto que la rechazó por ser negra. ¿Creéis que lo hubiera recibido? Ahí lo dejo… yo pienso que no… ¡Aparcao! He dicho.

Hola, les habla Pedro A. Luis en un episodio más de Explorando Versiones. THE BEATLES - WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS: https://www.youtube.com/watch?v=rp7dMLeSTT0 Iniciaremos el programa con una frase que extraje de la canción que va a ser objeto de este episodio. Se llama así “I'm sitting here doing nothing but aging”, que significa “Mientras estoy sentado aquí, haciendo nada más que envejecer”. Es como que va pasando el tiempo sin poder hacer algo significativo. sentimiento común en momentos de introspección o desilusión, cuando las personas sienten que sus vidas se están desperdiciando o que no están alcanzando su pleno potencial. While My Guitar Gently Weeps, a mi juicio toda una obra de arte musical y casi celestial, es una de las composiciones más hermosas que he oído a lo largo de mis 61 años de vida. Mientras las luchas por los derechos civiles, la igualdad racial y la oposición a la explotación laboral, ocurrían con rotunda fuerza, George Harrison nos entregaba esta excepcional canción. George, lanza al mundo esta hermosa pieza musical llena de arte en el año 1968 como parte del Álbum Blanco (The White Album) de los BEATLES. Esta joya musical destaca y atrapa la atención colectiva de inmediato por su profundidad lírica como por su melodía eternamente conmovedora, constituyéndose así en una inigualable irreverente referencia histórica universal. Harrison, inspirado por el concepto oriental de interconexión, sobre el impacto del azar en las cosas cotidianas, lo llevó a escribir y a componer esta pieza musical que reflexiona sobre la falta de amor y de conexión en el mundo, utilizando la guitarra como una metáfora emocional. Para los Beatles no era habitual incorporar músicos externos en sus grabaciones, sin embargo sin lugar a dudas fue una tenaz y gran decisión de Harrison, convenciendo a Clapton para que colaborara, lo que añadió una capa emotiva y distintiva a la pieza. Musicalmente, combina elementos del rock, blues y psicodelia, destacando tanto la expresividad de la guitarra como la sensibilidad de las letras. Es una obra que ha trascendido generaciones, consolidándose como un himno atemporal de extraordinaria belleza. PRINCE, TOM PETTY, JEFF LYNNE AND STEVE WINWOOD: https://www.youtube.com/watch?v=dWRCooFKk3c La primera de las versiones que escucharemos pertenece a Prince Rogers Nelson, mejor conocido como Prince. Con una actuación magistral de su carrera durante la ceremonia del Salón de la Fama del Rock & Roll en 2004, interpretando "While My Guitar Gently Weeps". Acompañado por Tom Petty, Jeff Lynne, Steve Winwood y Dhani Harrison, transformó un homenaje que se le hacía a George Harrison en un espectáculo legendario. Los ensayos estuvieron marcados por tensiones y problemas de coordinación. Jeff Lynne, quien reprodujo traste por traste el solo de guitarra de Clapton, no permitió la entrada a Prince a la pieza musical, quien pacientemente se mantuvo al margen, hasta que el productor por fin logró un entendimiento entre los músicos. Particularmente respecto al protagonismo de Prince en el acto final. Sin embargo, el resultado fue un momento maravilloso, sublime y por demás épico. Destilando muchísima emoción, deslumbrando al público con su energía única y enorme talento y reafirmando su estatus como maestro de la música y del escenario. Esta descarga eléctrica, como se decía en mi época refiriéndome al solo de guitarra, lo describo como uno de los mejores de todos los tiempos, también simbolizó las luchas culturales y raciales dentro del rock. Prince brilló entre los demás músicos, Tom Petty y Harrison hijo quedaron maravillados dejando claro que el momento no solo fue un tributo a Harrison, sino una afirmación de su propio lugar en la historia de la música. CARLOS SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=L-5M1_DKvb0 La segunda de las versiones de la obra de arte de Harrison es de Carlos Santana, a quien he escuchado desde muy joven. Como un inciso anecdótico, los temas de Europa y Samba pa tí, clásicos inmortales de Santana que mi madre no dejaba de reproducir con bastante frecuencia. Recuerdo que ella tenía la costumbre de repetir una y otra vez la canción de su agrado, hasta que al final terminaba grabado en mi muy joven disco duro. Les puedo asegurar que no se me olvidarán jamás, ni las canciones, ni aquellos momentos!. No se imaginan lo mucho que disfruté de los comentarios hechos de los grandes conciertos que dio Carlos Santana en Maracaibo, Valencia y Caracas por allá en 1973. Entre porros, ácidos y anis "el mono”se construyeron historias de todo tipo, lo que sí es cierto fue el lamentable fallecimiento de dos jóvenes, uno de ellos se lanzó al vacío muriendo de manera instantánea y el otro murió por aplastamiento. Estos conciertos marcaron un hito en el rock venezolano. Es decir, un antes y un después. En fin aunque me salí un poco del tema, al fin de cuentas son historias que me encanta compartirlas y relatárlaselas a ustedes. Volviendo con la conversación, este grande del rock, nació Tijuana (Mexico), reimaginó "While My Guitar Gently Weeps" en su álbum "Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics of All Time" editado y lanzado a mercado en el año 2010, acompañado por dos artistas de gran calibre, a quien desconocía hasta el día de hoy, como es India Arie, cantante afroamericana, compositora y guitarrista, y Yo-Yo Ma, chelista Franco Americano de origen chino. India aportó una interpretación vocal conmovedora y llena de soul, mientras que Yo-Yo Ma añadió un toque clásico con su chelo. Santana, con su muy particular estilo fusionó el blues y rock con influencias latinas, creando una versión profundamente expresiva, ofreciendo un homenaje especial al legado de George Harrison. GEORGE HARRISON: https://www.youtube.com/watch?v=RdgXJ0jQtVw Y con esta última versión cerramos nuestro capítulo de hoy. Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. Gracias por su compañía y atención. Me despido de todas y todos ustedes, su servidor, Pedro A. Luis. ¡Hasta la próxima!

¡Hola amigos! Soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones hablaremos de Siniestro Total, una de las bandas que marcó mi juventud y la de toda una generación y de su canción "Ayatollah". La primera que les hizo famosos a nivel nacional. ST: AYATOLLAH (MAQUETA): https://www.youtube.com/watch?v=NTICW_V62HA Y es que este tema les hizo dar el gran, gracias, en parte, al icónico programa de radio “Esto no es Hawai” que presentaba Jesús Ordovás en Radio 3. Por aquel entonces Julián Hernandez, creador de la canción, estudiaba en Madrid y contactó con Jesús para hacerle llegar esta maqueta para que la pusiera en el programa, y cuando Jesús la escuchó, ¡quedó tan impactado que no dejó de ponerla una y otra vez! Tal fue el impacto que el programa confeccionaba una lista de canciones que votaban los propios oyentes y «Ayatolah!» se alzó al número uno rápidamente. ST: AYATOLLAH (AYUDANDO A LOS ENFERMOS): https://www.youtube.com/watch?v=FuCHOVBunVw Pero, antes de entrar de lleno en la canción, un poco de contexto. Siniestro Total es un grupo gallego se formó en Vigo en 1981, en pleno auge de la denominada Movida Viguesa. La primera formación de la banda estaba compuesta por Germán Coppini, Miguel Costas, Alberto Torrado y Julián Hernández. Con esta alineación, lanzaron su primer EP llamado “Ayudando a los enfermos” en el que se incluye esta primera versión de Ayatollah. Vamos a la letra. A simple vista, "Ayatollah" puede parecer absurda, pero es la perfecta muestra del estilo irreverente del grupo usando mucha retranca y sorna gallega. Estamos en los años 80 y el Ayatolá Jomeini estaba en todos los titulares internacionales tras la revolución iraní. Éste había protagonizado una revolución que le llevaría al poder aupado por una población que había estado sometida a la tiranía de la monarquía del Sha de Persia Mohammad Reza Pahlevi. Pronto se convertiría en una nueva tiranía teocrática y fundamentalista de corte islámico con imágenes duras de gente colgada de los pies o con las manos cortadas. En el estribillo, "Ayatollah, no me toques la pirola", al igual que en la canción de Elvis y sus zapatos de gamuza azul, el protagonista de la canción pide que le pueden hacer cualquier cosa menos tocarle la pirola. Esta mezcla entre lo infantil y lo polémico era un sello distintivo del grupo, haciendo que lo que podría haber sido una crítica política pesada se transformara en algo ligero y memorable. Y en lugar de abordar este tema con solemnidad, Siniestro Total hizo todo lo contrario: usaron el humor más corrosivo y absurdo para denunciar tales abusos. Musicalmente, el tema es puro punk: directo, sencillo y con mucha actitud. Aunque la banda en ese momento no destacaba por su virtuosismo instrumental y pelo lo compensaban con una gran energía y desparpajo. ST: AYATOLLAH (¿CUANDO SE COME AQUÍ?): https://www.youtube.com/watch?v=wKartIt095E En este viaje por las versiones de Ayatollah empezaremos por la versión incluida en el primer álbum de larga duración de la banda llamado ¿Cuando se come aquí? grabado en octubre de 1982. En la portada de este disco aparecen los 4 siniestros originales caricaturizados como los hermanos Dalton (de los comics de Lucky Luke). Este fantástico dibujo es obra de Óscar Mariné sobre una idea del propio grupo y de Pepo Fuentes (amigo de Julián y road mánager del grupo). El título del disco también fue sacado del famoso cómic creado por Morris: se comenta que tras pasar tres días grabando el disco encerrados sin comer nada y muy lejos del bar más cercano, Pepo Fuentes recordó el cómic donde aparece Averell Dalton diciendo eso de "¿Cuándo se come aquí?" ST: AYATOLLAH Nº9 (MENOS MAL QUE NOS QUEDA PORTUGAL): https://www.youtube.com/watch?v=HoJL-7nXhSU La siguiente versión se llama “Ayatollah Number 9” y aparece como bonus track del tercer disco de estudio titulado “Menos mal que nos queda Portugal” publicado en 1984 y como cara B del single “Si yo canto” publicado un año más tarde, en 1985. Esta versión es más sosegada, cantada con desgana y con una instrumentación más acústica y en la que destaca el acompañamiento de percusión. ST: AYATOLLAH (ANTE TODO MUCHA CALMA): https://www.youtube.com/watch?v=UKyJiethQaE En el año 1992, en su auge de popularidad, el grupo publica el doble álbum en directo titulado Ante Todo: Mucha Calma, y en el que para mí es el mejor disco de la banda, en el que aparece la versión que está sonando. Con un ritmo más rockero, esta versión destaca por los riff de guitarra de Javier Soto y la personalidad que le da Julian Hernandez y Miguel Costas cantando a dúo este tema. NINGOONIES + GERMAN COPPINI: https://www.youtube.com/watch?v=p_qLRIalDVM Pero hay más vida ahí afuera aparte de las propias versiones de Siniestro Total y en este repaso nos tenemos que detener en la versión que hicieron en junio de 2013 el grupo Ningoonies junto a Germán Coppini en el que interpretaron en directo esta versión con motivo del treinta aniversario de la publicación del álbum ¿Cuándo se come aquí?, el primer álbum de estudio de Siniestro Total. La colaboración de Germán junto a Ningoonies añadió un toque muy particular, ya que Coppini, como uno de los miembros fundadores, aportó una carga nostálgica y emocional a la ocasión, más si cabe con el fallecimiento meses después del propio German Coppini por una enfermedad hepática. LAGARTIJA NICK + JOSE MAROTO: https://www.youtube.com/watch?v=R71knmbEuMo Tras el fallecimiento de Germán Coppini en diciembre de 2013, su influencia y legado fueron reconocidos por varias bandas. Tanto es así que en abril de 2014, el grupo granadino Lagartija Nick, junto con José Maroto (ex-KGB), le rindieron un sentido homenaje interpretando “Ayatollah” en un concierto especial en la sala El Tren de Granada. Esta versión, con el estilo rock experimental de Lagartija Nick, añadió una identidad única al tema, destacando la fuerza emocional de la letra. La colaboración aportó un enfoque nostálgico y, a la vez, potente, con un sonido crudo y directo que capturaba perfectamente el espíritu de Coppini y el impacto que dejó en la música española. ILEGALES: https://www.youtube.com/watch?v=nl-A0d8WXpQ Nos tenemos que poner en pie ante esta versión de los Ilegales que grabaron para el disco “Sótano Total”, publicado en noviembre de 2022 y hacen un homenaje a Siniestro Total impulsado por el programa El Sótano de Radio 3 ya que esta interpretación va más allá de una simple adaptación. En esta versión, el grupo asturiano logra darle su propio sello. La música incorpora reminiscencias árabes que aportan un aire exótico y misterioso, mientras que la voz inconfundible de Jorge Ilegal aporta una nueva profundidad y gravedad, logrando que la canción adquiera una dimensión única y oscura. ANARQUÍA TROPICAL: https://www.youtube.com/watch?v=ZcB9SB6su08 Y como en este mundo tiene que haber de tó, en junio de 2024 se publica esta adaptación tropical de Ayatollah en un canal de youtube llamado “Anarquía Tropical”. Bajo el nombre de “Anarquía Tropical Vol 2” encontramos este tema salsero que lejos de perder la esencia punk, la lleva a un terreno inesperado, lleno de ritmos latinos y percusiones tropicales. En esta interpretación, los compases rápidos y enérgicos de Ayatollah se fusionan con la cadencia y el sabor caribeño, logrando que la crítica y el humor de la letra adquieran un tono juguetón, casi festivo. DEF CON DOS: https://www.youtube.com/watch?v=cl4HvRZozA0 La versión más reciente es la que ha lanzado el grupo Def con Dos en octubre de 2024 en la que se aporta un giro fresco y potente al clásico de Siniestro Total. Def Con Dos ha modernizado el tema, integrando su característico estilo de rap metal con una mayor carga de guitarras y una base rítmica más intensa. Esta versión no solo rinde homenaje a la original, sino que también la revitaliza para un público nuevo, introduciendo un sonido más agresivo y contemporáneo, fiel a la identidad de la banda. SINIESTRO TOTAL (40 AÑOS SIN PISAR LA AUDIENCIA NACIONAL): https://www.youtube.com/watch?v=DB435_hFGnw Para rematar este viaje por la canción de Ayatollah os dejo esta versión. Esta es la última vez que Siniestro Total ha tocado el tema y fue en su concierto de despedida de los escenarios en el concierto “40 Años Sin Pisar La Audiencia Nacional”, celebrado los días 6 y 7 de mayo de 2022. Para esa ocasión se volvieron a reunir todos los músicos que han pasado por la banda en esos 40 años de trayectoria. CONCLUSIÓN: Y aunque hoy día Siniestro Total ya no está en los escenarios, su legado sigue vivo y es tan relevante como en aquellos primeros años. A través de Ayatollah, esta canción que a priori parecía una broma punk de corta duración, el grupo logró condensar la ironía y el humor corrosivo que los caracterizaban, y ofreció una forma distinta de hacer crítica social y política. Al fin y al cabo Ayatollah se ha convertido en un tema que desafía el paso del tiempo, logrando que, 40 años después, siga siendo igual de provocador y relevante. Así que, ya sabéis, 'no me toquéis la pirola'... ¡y tampoco os perdáis el próximo episodio de Explorando Versiones! Nos vemos pronto.

Hola, aquí José Carlos, de los Bar-Kings. SLIM HARPO - I'VE GOT LOVE IF YOU WANT IT: https://www.youtube.com/watch?v=fXLhbwSHK30 Ni en sueños se podía imaginar el amigo James Moore, más conocido como Slim Harpo, que la cara B de su primer single, grabado años atrás en un destartalado estudio de los pantanos de Luisiana, iba a ser todo un éxito siete años después en la pista del Scene Club, un garito subterráneo de Londres donde un DJ llamado Guy Stevens parece que lo pinchaba anoche sí y noche también. THE YARDBIRDS - I GOT LOVE IF YOU WANT IT: https://www.youtube.com/watch?v=Ufia9nPmppo Entre los asiduos al Scene estaban los Yardbirds que hicieron una tremenda versión de este tema en su primer LP grabado en directo en el Marquee, aunque no es la que he escogido, sino otra adaptación un tanto más particular grabada casi al mismo tiempo. THE HIGH NUMBERS - I'M THE FACE: https://www.youtube.com/watch?v=bW9j_-zm_80 Como es natural, el disco original de Slim Harpo en una pieza imposible de encontrar en Londres por aquel entonces, pero un chico que andaba siempre merodeando por el Scene llamado Peter Meaden consiguió que Guy Stevens le prestara su copia. Este chaval, con todo el morro, le cambió la letra a su antojo. La llamó I’m the face, se atribuyó la autoría y le pasó el disco a un grupo a los que estaban intentando representar por aquellos días y que había bautizado como de The High Numbers. Los High Numbers la grabaron, recibieron su paga en anfetaminas, el disco se editó sin ninguna repercusión y poco más. Así que los chavales dejaron a Meaden, se fueron con otros managers, se cambiaron el nombre a The Who y el resto es historia. CONCLUSIONES: Como no, le tengo que dedicar este tema con todo mi cariño al Slim Harpo de Torreblanca, al face de la Caverna: el imprescindible Ción Cabana. Va por ti maestro.

Chavaleria, hoy en Explorando Versiones nos vamos a las antípodas, al territorio australiano, donde cualquier bicho pica tela o te mata en poco tiempo. EASYBEATS - FRIDAY ON MY MIND: https://www.youtube.com/watch?v=NSowZcvoqr4 La banda de la que hablaremos hoy, por desmadres, excesos, duraron menos que un telegrama, desde el año 64 al 69. Fue considerada la mejor banda australiana de los años 60. Con el tema que exploraremos hoy, consiguieron un éxito mundial. La banda estaba formada por dos ingleses, un escoces, y dos holandeses. Inmigrantes en la tierra roja de los canguros. Ellos eran: Dick Diamonte al bajo, Harry Vanda a la guitarra, George Young a la guitarra y teclas (sí, este era el hermano mayor de los hermanos de ACDC), Gordon "Snowy" Fleet a la batería, Stevie Wright a la voz. La canción nos habla del cachondeo de sus fines de semana en hostales diversos de Sidney. En la letra se quejan del bajón, del lunes, martes, miércoles, jueves... hasta llegar al viernes, volviendo al desmadre y alegría. Vanda sacó el riff del inicio de un espectáculo de los swingle singers, volviendo a casa no podía dejar de tararear esa melodía, así que la incorporó. Producida por Shel Talmy y grabada en los IBC Studios de Londres bajo el sello de United Artist Records, fue sacada como sencillo un 14 de Octubre del 66 del álbum cuarto de estudio "Good Friday" lanzado en Mayo del 67 y abriéndolo. Con ustedes the EasyBeats con el tema "Friday on my mind". TEDDY ROBIN & THE PLAYBOYS: https://www.youtube.com/watch?v=ReynoWwAH0I Teddy Robin & The Playboys - 365 days: Estilo pop, del año 1967. Comenzaremos con esta banda de Hong Kong que seguramente escucharían al levantarse por la mañana el mensaje de los EasyBeats, templados y de buen oído su álbum 365 days plagada de covers incluye una maravillosa versión, de chicos que parecen no haber partido un plato, ea a levantarse que ya es viernes... LOS WIKINGOS - EL VIERNES EN MI RECUERDO: https://www.youtube.com/watch?v=vi9WqK75QfM Los Wikingos, del EP Los Wikingos vol.2, también del año 1967. Una de esas bandas flojitas de Barcelona de los años 60. Incluyeron este tema en un EP formado por las versiones de The EasyBeats - Friday on my mind "El viernes en mi recuerdo" y "Lady Jane" de los Stones, y otros dos temas "Como yo te prometí" y " Yo soy un pez", muy “duduaas”, pero agradables a la escucha, se les ve bien en el estilo de canciones flojitas, al que le guste...hay lo lleva. LOS ANGELES: https://www.youtube.com/watch?v=i3ZbuMj6iIg Los Angeles. Esta banda de Granada, que grabó en directo en el 72 esta canción, fue incluida en Spanish Pop Story Vol.9 es muy, muy, fidedigna a la original, está muy bien conseguida, escuchalos. DAVID BOWIE: https://www.youtube.com/watch?v=Kofe-_3eUPQ Y como no, el duque blanco cuando escucho la canción original, quiso hacer una versión, que a mi entender es bastante buena, como todo lo que hacía aquí el David Bowie pero a mí, sigue sin ser mi favorita. En el álbum “Pin Ups” de 1973 incluyó “Friday on my mind” con su estilo personal. Pues también hay que escucharle. LONDON: https://www.youtube.com/watch?v=fEMipBxIfM0 Estos están sacados de un frenopático. Estos tíos están como una cabra, pero para mí es la mejor versión que he escuchado de esta canción. En un EP del grupo London titulado Summer of Love cuando salieron de permiso en 1977, hicieron esta pedazo de versión, de verdad, increíble, a mi es la que más me ha gustado, por su originalidad, su mala hostia. Increíble, es como si hubieran salido del frenopático, se hubieran sentado a tocar y se hubieran vuelto a pirar. THE GOLAN PISTONS: https://www.youtube.com/watch?v=S-9VhZn7ulw Y cómo no íbamos a tener una versión un poquito más dura, bueno lo categorizan como punk, pero para mi las guitarras no son punk, pero bueno, este grupo que se llama The Golan Pistons en su álbum “We do em our way” de 1980, no se si lo he pronunciado bien, estos hicieron una versión más pesada bastante dura, con ramalazos un poco heavy sin llegar a serlo, pero bueno estos para los que le guste el heavy trasnochao y tal les puede gustar, yo me sigo quedando con los London (risas), bueno pues nada al que le guste los Golan Pistons, pues ala ....pa ti. CONCLUSIONES Bueno chavalería, me despido de todos vosotros, el motivo por el que he elegido la versión de London es porque creo a mi entender, a mi humilde entender, han cogido la canción y han hecho lo que les ha dado la gana, eso sí es hacer una versión no es hacer un cover. Creo que los punkis de London sabían lo que hacían, claro que sí, y luego se fueron al frenopático otra vez. Y nada chavaleria, intentad pasarlo bien porque hay que hacerlo, como dicen los EasyBeats, el viernes está en mi mente. Adiós.

Hola, soy José y te doy la bienvenida a "Explorando Versiones". Hoy os traigo un clásico del pop que nunca pasa de moda. Hablamos ni más ni menos de la canción "Thriller" de Michael Jackson. MICHAEL JACKSON - THRILLER https://www.youtube.com/watch?v=rLMr9CsJHME Lanzada en 1982, la canción Thriller da título a uno de los discos más influyentes de todos los tiempos y revolucionando la música pop del momento. La canción fue escrita por Rod Temperton y producida por Quincy Jones. En sus primeros años, llegó al número 4 de la lista Billboard, pero su impacto fue mucho más allá. El álbum en sí fue un fenómeno sin precedentes vendiendo más de 70 millones de copias, lo que hizo que Jackson ganara el título de "Rey del Pop". Pero el impacto de Thriller no fue solo por la música. El videoclip, dirigido por John Landis, quien también hizo pelis de terror como Un hombre lobo americano en Londres, le añadió ese toque tenebroso, con coreografías de zombis, maquillaje impactante y la famosa narración de terror de Vincent Price. ¿Te imaginas ver algo así en los años 80? Fue una locura en su momento, y sigue siendo uno de los videos más recordados. MICHAEL JACKSON - THRILLER (This Is It): https://www.youtube.com/watch?v=ye6tPfJe2kc Años después, Michael había preparado una versión increíblemente mejorada de Thriller para la gira. Quería ir más allá y pensó en una coreografía con efectos visuales en 3D, bailarines disfrazados de zombis y una escenografía llena de sorpresas para el público. Aunque nunca llegó a presentarse en vivo, los ensayos quedaron registrados en el documental This Is It, mostrando cómo Michael perfeccionaba cada detalle, cada movimiento. Pero Thriller no se quedó solo en el legado de Michael. Esta canción ha inspirado a muchísimos artistas de todo tipo de géneros, y la variedad de versiones lo demuestra. A continuación, repasaremos algunas que se han ganado un lugar en el corazón de los fans. Algunas son versiones que respetan la original, y otras... ¡bueno, las han llevado a lugares insospechados! IMOGEN HEAP: https://www.youtube.com/watch?v=gFzHv53UVXI La versión de Thriller que hizo la cantante británica Imogen Heap es completamente distinta. Esta artista lanzó su interpretación en 2005. Imogen transforma Thriller en algo atmosférico, con un sonido que invita a escucharlo en un ambiente relajado, casi meditativo. En lugar de seguir la energía de la versión de Jackson, Heap explora una faceta más sutil, usando efectos de sonido que le dan un aire de misterio y melancolía. ¡Definitivamente una versión para quienes quieren experimentar una cara totalmente distinta de Thriller! 2CELLOS: https://www.youtube.com/watch?v=58ttNPQHOgs A continuación os dejo esta versión del dúo croata 2CELLOS, que llevó Thriller a la música instrumental en 2012. Estos dos músicos usan solo sus violonchelos para reinterpretar la canción, pero logran capturar la misma energía y misterio. En sus conciertos, incluso recrean la intensidad del videoclip, usando efectos de iluminación y movimientos casi teatrales que encajan perfecto con el toque oscuro de la canción. Al escuchar su versión, pareciera que Thriller fue hecho para los violonchelos desde el principio, porque ellos le sacan el lado dramático y casi gótico de una forma increíble. HONEYWAGON: https://www.youtube.com/watch?v=yL5_Sl9aMoI A continuación os dejo esta peculiar versión que hizo Honeywagon. Este grupo es conocido por sus versiones en estilo bluegrass de canciones pop y rock y en esta interpretación de Thriller, convierten el clásico de Michael Jackson en un tema acústico, con un estilo de instrumentos tradicionales como el banjo y el contrabajo, dándole un toque rústico y a la vez refrescante. Este contraste entre el ritmo bluegrass y el tema de misterio de Thriller genera una versión que es tan curiosa como entretenida, acercándola a un ambiente más campestre y menos terrorífico. WAYNE BRADY: https://www.youtube.com/watch?v=td-_pUPVjdo El cantante y humorista Wayne Brady también hizo una versión de Thriller pero con un estilo más íntimo. Ésta destaca por enfocarse en el lado vocal de la canción, dándole un toque de Rhythm and blues y soul. Mientras que en el videoclip de Jackson la música y los efectos son el centro de atención, Brady se enfoca en el mensaje y en la emoción de la letra, haciendo que Thriller suene casi como una confesión. Es perfecta si buscas una versión más suave y melódica, sin tanto misterio y terror. KEVIN CEBALLO & MICHAEL STUART: https://www.youtube.com/watch?v=-SMGccd0N8c Otra versión que seguramente te sorprenderá es la de los artistas latinos Kevin Ceballo y Michael Stuart, quienes hicieron una adaptación en salsa. En esta versión, Thriller se convierte en una canción de baile con ritmos latinos y toques de trompetas y percusión que invitan a moverse. ¿Te imaginas bailar salsa al ritmo de Thriller? Pues ellos lograron combinar la esencia de la canción original con el sabor de la salsa, lo que la hace ideal para disfrutar en una fiesta. AZUCARILLO KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=xa1ZFdY4arw En el año 1998 el grupo barcelonés Azucarillo Kings incluye en su primer álbum esta adaptación humorística que llamaron "Espeluznante (Thriller)”, dándole un toque cómico y extravagante. Esta versión resalta la creatividad de la banda, famosa por sus versiones cómicas de éxitos internacionales, adaptando temas populares con un toque de humor y pachanga en español LA TERREMOTO DE ALCORCÓN: https://www.youtube.com/watch?v=yub0PPxnURI No podíamos olvidar la versión humorística que hizo La Terremoto de Alcorcón en el año 2006, quien transforma la canción de Michael Jackson en una comedia. Esta artista adapta la letra para incluir referencias a la vida cotidiana, convirtiendo Thriller en una parodia divertida que no tiene miedo de hacer reír. Es una versión que no busca ser fiel a la original, sino darle una vuelta cómica y celebrar Thriller desde un ángulo humorístico y cercano. LUIXI TOLEDO: https://www.youtube.com/watch?v=VwzAPRodrZc Y cerramos con una historia curiosa que podría ser la versión más bizarra de el tema y es que en los años 90, el músico español Luixi Toledo afirmó que Thriller estaba basada en su canción Exorcismo, compuesta en 1975. Según Toledo, Michael Jackson tomó inspiración de su obra. Aunque la demanda no prosperó y el caso no avanzó, la historia se ha quedado como una anécdota que añade otro toque de misterio a Thriller. No importa si fue una coincidencia o no, esta historia ha quedado en la memoria como una de esas leyendas urbanas que solo una canción tan emblemática como Thriller puede tener. CONCLUSIONES Para cerrar, podemos decir que Thriller es mucho más que una canción; es un fenómeno que sigue vivo gracias a la creatividad de otros artistas. Desde el pop y el rock hasta la salsa y el humor, esta canción ha sido interpretada en tantas versiones que, aunque el propósito inicial era asustarnos, ¡terminó siendo una fuente de diversión para todos! Gracias por escuchar "Explorando Versiones". Espero que hayas disfrutado este recorrido, y nos vemos en el próximo episodio. ¡Hasta la próxima!

CHUCK BERRY: https://www.youtube.com/watch?v=Uf4rxCB4lys Johnny B. Good” es una de las canciones más icónicas de la historia del rock and roll, popularizada por Charles Edward Anderson Berry, mejor conocido como Chuck Berry, quien nació el 18 de octubre de 1926 en San Luis, Misuri. De origen humilde y afroamericano, pero con un gran talento musical, Berry alcanzó el estrellato en 1958, en una época marcada por la segregación y el racismo extremo. Inspirado por la frase que solía decirle a un amigo guitarrista, quien tenía una relación cercana con los botellines, "Johnny, be good" algo así como "Johnny, pórtate bien", Berry comenzó a escribir una canción que capturaba la esencia de su época. Así nació este relato vibrante, que se volvió un clásico perpetuo e inmortal a nivel mundial. Mi madre no solo la escuchaba y la bailaba con el mismo entusiasmo que yo, sino que hoy en día mis hijos también la tienen entre sus favoritas en sus playlists. Esta canción se ha convertido en un puente musical entre épocas y generaciones, demostrando cómo la música negra es fundamental en la cultura global. THE BEATLES: https://www.youtube.com/watch?v=6BUvtdz_r2E En enero de 1964, los Beatles grabaron una versión de "Johnny B. Goode" para el programa de radio de la BBC Saturday Club. Esta interpretación fue una muestra del impacto que Chuck Berry y su música ejercieron sobre ellos y sobre toda una generación de músicos británicos y del mundo, quienes adoptaron el rock and roll como su inspiración y base musical. ELVIS PRESLEY: https://open.spotify.com/track/6dZKVw9oe0NJ1klsrfO4KI?si=RysfuSi5Q_K-Siu9gzWxKw Elvis Presley (1973): Una versión de Jhhony be good, concierto Elvis Aloha from Hawai vía Satellite. el "Rey del Rock", hace de esta canción parte de su repertorio musical. La música negra en Elvis fue determinante para el éxito de su carrera. THE ROLLING STONES: https://www.youtube.com/watch?v=facz5L35D-I The Rolling Stones (década de 1960-1970): Otra banda británica profundamente influenciada por Chuck Berry fue The Rolling Stones. Su guitarrista, Keith Richards, ha hablado abiertamente de cómo la música de Berry moldeó su estilo y sonido. A pesar de que Berry le dio un golpe a Richards en los camerinos por atreverse a tocar su guitarra, Richards mantuvo su admiración y amistad hacia él. Durante sus giras, los Stones interpretaron "Johnny B. Goode" como un tributo al pionero del rock. JIMI HENDRIX: https://open.spotify.com/track/2Evi89iMO3vQMsGPMuSwhx?si=K64Vocg4QsuReFpMWZcVWw Jimi Hendrix (1970): Aunque de ascendencia afroamericana, Hendrix fue una figura transgresora en la escena musical blanca. Versionó "Johnny B. Goode" con su estilo único, mezclando psicodelia y rock, y demostrando cómo la música de Berry se adaptaba a nuevas formas de expresión artística. PETER TOSH: https://open.spotify.com/track/1chzx4gX3jVJOScCjgQGL4?si=rpmRxoRBT_Ct3FBSIUOtrA Peter Tosh (1983): El icónico músico de reggae jamaicano también versionó la canción, fusionando su mensaje rebelde con el espíritu del reggae. Esta versión destacó la universalidad de Johnny B. Goode, que trascendía géneros musicales y fronteras geográficas. JUDAS PRIEST: https://open.spotify.com/track/307B0j257d72HTyAiohF8N?si=bRvbhyV1Qguwcs1dZ8ZlLg Judas Priest (1988): La banda británica de heavy metal incluyó su propia versión en su álbum Ram It Down, demostrando cómo la influencia de Chuck Berry y su canción se extendía incluso a géneros más duros como el metal. JOHNNY WHINTER: https://open.spotify.com/track/4E1aPqbaOZB1GkbIQeuk68?si=oAPVHP7TSrSYZ1EUttLNFQ Johnny Winter: Un guitarrista blanco norteamericano de excepcional talento, interpretó "Johnny B. Goode" en el icónico festival de Woodstock de 1969, uno de los eventos más grandes y transformadores de la historia de la música rock. Su actuación formó parte de un movimiento musical revolucionario que marcó un cambio de paradigma en una sociedad que clamaba por el fin de la guerra, la libertad de pensamiento, la igualdad racial y la libertad sexual, cuestionando además los valores tradicionales sobre el trabajo, fecundo y creador . AC/DC: https://www.youtube.com/watch?v=hV11HRcbCJU AC/DC (década de 1980): En sus conciertos, la legendaria banda australiana de hard rock versionó la canción "Johnny B. Goode", demostrando que el espíritu de este clásico seguía vivo en el sonido y la energía del rock. Inspirado por su vitalidad, Angus Young, guitarrista líder de la banda, popularizó aún más el inconfundible "duck walk" o paso del pato, añadiendo su sello personal a este icónico movimiento escénico. SEX PISTOLS: https://www.youtube.com/watch?v=H9JohxoR9dg Sex Pistols: Con su inconfundible y rotundo punk, la banda hizo de este tema una de las versiones más memorables de su repertorio. En esta interpretación, su líder expresó todo su talento, aportando una energía cruda y auténtica que le dio nueva vida al clásico "Johnny B. Goode", convirtiéndolo en una de las mejores versiones jamás escuchadas. BRUCE SPRINGSTEEN: https://www.youtube.com/watch?v=6swgiM9vSEE Por último, y para cerrar con broche de oro, tenemos al Boss, Bruce Springsteen, quien rindió homenaje a la icónica "Johnny B. Goode" en un momento que quedó grabado en la historia del rock. Durante The Concert for the Rock and Roll Hall of Fame in 1995 in Cleveland, Ohio. un concierto legendario, donde Springsteen se unió a Chuck Berry en el escenario para interpretar juntos el clásico, una actuación que reunió a dos generaciones y estilos distintos, ambos profundamente influenciados por el rock and roll. CONCLUSIONES Y así cerramos el episodio de hoy, recordando cómo "Johnny B. Goode" ha sido y sigue siendo un himno, no solo para el rock and roll, sino para generaciones de músicos y fanáticos. Desde sus inicios hasta las versiones de los grandes del rock, esta canción ha cruzado décadas y estilos, consolidándose como un puente entre artistas y culturas Definitivamente Johnny B. Good es un símbolo del poder de la música para desafiar las desigualdades sociales y raciales. Berry logró, con su guitarra y su talento, cruzar las fronteras impuestas por el racismo.

Hola a todos los oyentes de "Explorando versiones". Soy Merxi, una sevillana amante de la música y que pretende vivir de ella o al menos sacar unos ahorrillos mientras disfruta haciendo lo que le gusta. GUNS N' ROSES - SWEET CHILD O' MINE: https://www.youtube.com/watch?v=1w7OgIMMRc4 Hoy vengo a hablaros sobre "Sweet child o'mine" que es uno de los 3 sencillos que aparecen en el primer álbum de los Guns and roses, llamado "Appetite for destruction" y publicado en 1987. Desde sus inicios y, hasta la actualidad, no ha parado de cosechar éxitos y puestos de importancia en grandes listas del panorama musical. Fue el primer sencillo en alcanzar el N.1 entre los 100 de "Billboard hot" y ahí permaneció durante 2 semanas consecutivas. En el 2019, se convirtió en la primera canción de la década de los 80' en llegar a mil millones de visitas en YouTube. Casi ná' También ocupa el N.37 de la lista de los 100 mejores solos de guitarra por "Guitar World" Y está entre las 40 mejores canciones que cambiaron el mundo, en la revista "Rolling Stone". En el canal VH1 es la N.7 de las 100 mejores canciones de los 80 Y bueno, así podríamos seguir enumerando éxitos hasta aburrirnos. En una reciente encuesta de la BBC, la canción fue elegida por tener el «mejor riff de guitarra de la historia» y os cuento que el riff inicial aparece en muchas canciones famosas de distintos artistas, en algunos videojuegos, en algún anuncio de tv y en varias películas. Vamos, todo un éxito desde el principio. Y eso que, al parecer, fue creada casi por casualidad, de manera improvisada durante el descanso de un ensayo. De hecho, Slash, el guitarrista de la banda, confesó en una entrevista que sentía "algo de desprecio" por la canción por el modo en que se había creado. Vamos, lo que viene siendo un poquito de tirria. Él cuenta que comenzó a tocar una melodía en modo de broma mientras hacía burlas a Steven Adler. El baterista le dijo que tocara el riff de nuevo, e Izzy Stradlin llegó para unirse con los acordes. Entonces, Axl se unió y comenzó a cantar un poema que había escrito a su entonces novia y después esposa Erin Everly. Y ¡voila'! Temazo que te crió. He de decir que la letra es tan dulce como su título y, como curiosidad, os cuento que todas las novias de los miembros de la banda en ese momento, aparecen en el videoclip. Y bueno, ya sabéis que este podcast va de versiones así que aquí os traigo la primera: SHERYL CROW: https://www.youtube.com/watch?v=vyr-CtYGfmY *De la mano de... bueno, mejor dicho, en la voz de Sheryl Crow. Su versión aparece en la película de Adam Sandler, Un papá genial (1999). Esta versión fue incluída en el tercer álbum de estudio de Sheryl, "The Globe Sessions" Con ella obtuvo un Grammy a la mejor interpretación de rock femenina. TAKEN BY TREES: https://www.youtube.com/watch?v=6LGbhD9ZJC8 En 2010, el proyecto en solitario de Victoria Bergsman, llamado "Taken by Trees", lanzó como sencillo una versión de esta canción que alcanzó el N.23 en las listas del Reino Unido Y aparece al final de la comedia "Life as We Know It" titulada en España "Como la vida misma" Y también aparece en el tráiler del remake de "La última casa a la izquierda" THE BLACK EYED PEAS: https://www.youtube.com/watch?v=Az5rmsaPxw8 Un año más tarde, durante el show del descanso de la Super Bowl, tras la actuación de The Black Eyed Peas, Slash se unió a Fergie para versionar esta canción y bueno, el resultado no fue lo que ellos esperaban. El guitarrista hizo lo posible por salvar la actuación pero la voz de Fergie fue la gran protagonista de los comentarios negativos sobre el evento. Un desastre, vaya. CAPITÁN FANTÁSTICO (SOUNDTRACK): https://www.youtube.com/watch?v=Zdh2hot8rjU Luego, en 2016, en la película de "Capitán fantástico", protagonizada por Viggo Mortensen, aparece una versión más lenta y acústica, interpretada por los mismos actores. La película cuenta como un padre de familia, tras morir su esposa, intenta sacar adelante a sus 6 hijos de una manera poco tradicional, sin ir a la escuela, curtiéndose en la naturaleza y aprendiendo a tomar decisiones y pensar por sí mismos sin la influencia de los prejuicios y las normas preestablecidas. THOR: LOVE AND THUNDER (SOUNDTRACK): https://www.youtube.com/watch?v=tC79uu-9KxQ La banda sonora de la película "Thor: Love and thunder" incluye los 4 temas más importantes en la carrera de Guns N' Roses : "Welcome to the jungle", "Paradise city", "November rain" y justo en el final aparece Sweet child o'mine. Este hecho sirvió de inspiración al grupo Baltic House Orchestra, que son especialistas en crear versiones de temas populares de bandas sonoras y a mí me parece chulísima, la verdad. SON ALMA: https://www.instagram.com/sonalma_oficial Y bueno, tras este viaje a través de la historia de este temazo que es Sweet Child, me despido esperando que hayáis disfrutado de este podcast y os dejo como "bonus track" una versión de aficionada, un poco especial porque, en este caso, la que canta es una servidora. Recordad: Portáos mal y pasadlo bien. Aquí dejo el Instagram del dúo SonAlma https://www.instagram.com/sonalma_oficial

Hola soy Sergio Serrato y hoy quiero hablaros de una canción muy reconocible en la cultura popular pero a la vez con un trasfondo ideológico e histórico muy interesante, además porque no decirlo es una canción muy importante de mi infancia y ahora os contaré por qué, hoy en Explorando Versiones os voy a hablar de Bella Ciao…. BELLA CIAO: https://www.youtube.com/watch?v=4CI3lhyNKfo Bella Ciao es una canción popular italiana que fue adoptada como un himno por Los Partisanos italianos que formaron la resistencia antifascista contra los nazis que ocuparon Italia con el beneplácito del dictador Benito Musolini entre 1943 y 1945. Más tarde se convirtió en lo que es, un himno antifascista de libertad y resistencia a nivel mundial. Su origen se cree no obstante que es mucho más antiguo y hay historiadores que sitúan su creación en las mujeres campesinas, trabajadoras de los arrozales del norte de Italia a finales del siglo XIX y que la entonaban como protesta ante las inhumanas condiciones de trabajo que sufrían. Aunque hay historiadores que no están de acuerdo con esta teoría, sin duda la canción habla entre otras cosas de la juventud que se pierde en el trabajo casi esclavo. GIOVANNA DAFFINI: https://www.youtube.com/watch?v=sP-7kECZ6Ow Está seguramente sea la primera grabación que se hizo de esta canción a cargo de la cantante Italiana Giovanna Daffini en 1962 ADOLFO CERDAN: https://www.youtube.com/watch?v=zRNNI3DtcxA En La España franquista de 1969 en cantautor Alicantino Adolfo Cerdan adaptó a nuestra lengua esta versión en el disco que llamó “No radiable” teniendo claro desde la elección del nombre que la censura no permitiría su difusión QUILAPAYUN: https://www.youtube.com/watch?v=-wF1dbSH-r4 Pero su letra reivindicativa y su asimilación por parte de una generación de jóvenes comunistas de toda Europa hizo que la difusión de esta canción fuera inevitable y quedará marcada en la cultura popular y el ambiente cultural del viejo continente. Aunque también formó parte del acervo popular de la América revolucionaria de Fidel, Allende por ejemplo Está versión de Quilapayun es un ejemplo de la influencia de la canción en Sudamérica NAJWA NIMRI (LA CASA DE PAPEL): https://www.youtube.com/watch?v=zmUsrIq33U4 Muchas gente sobre todo de generaciones más jóvenes conocieron está canción a raíz de la versión que interpretó Najwa Nimri en la afamada serie La Casa de Papel JUAN PINILLA Y AMPARANOIA: https://www.youtube.com/watch?v=v04uDtF87RY En estas castigadas tierras sureñas que diría Silvio, los cantos de libertad y resistencia son prácticamente necesarios, la cantante granadina Amparo Sánchez más conocida como Amparanoia junto a Juan Pinilla nos dejaron está versión flamenca en 2019 que fue banda sonora del VI congreso del partido de la izquierda europea. BOIKOT: https://www.youtube.com/watch?v=FG-8Ksc1hs0 Como no puede faltar en un Explorando versiones y encima más recientemente, en 2021 la banda de punk rock madrileña Boikot incluía esta versión en su disco Balkan Acoustic. GORAN BREGOVIC: https://www.youtube.com/watch?v=KLGY_htXtPI Son innumerables las versiones y covers de este tema y ahora os voy a contar porque es importante en mi infancia. Mi abuelo paterno, que no lo era de manera biológica pero quién carajo es la biología para ejercer de abuelo…. Fue entre otras cosas Partisano en el norte de Italia y tuvo a bien acompañar mi tierna infancia con canciones que para él fueron imprescindibles en su vida, Bella Ciao en italiano era una de ellas, me la cantaba en la lengua de Dante porque así la aprendió él mientras luchaba contra los nazis… Años más tarde está canción fue una de las canciones de excursión que cantábamos en el autobús del Colegio donde estudié, un colegio de monjas donde las hermanas habían adaptado la letra haciéndola más romántica si cabe… Gracias Yuyu por enseñarme esta canción y joder que pronto te me fuiste.. Hay cientos de versiones y covers de esta canción pero para mí, aparte de la de mi abuelo, está es sin duda la que más me gusta. Se trata de la interpretada por Goran Bregovic en un concierto en París en 2013 rodeado de músicos zíngaros, Gitanos y demás parias que hacemos de esta canción un himno de inconformismo.

Hola hola!, que tal? Soy Raulillo. Bienvenidos al Explorando versiones de Creep. EPIC ORCHESTRA: https://www.youtube.com/watch?v=INIxNrls094 Si este tema te está desbloqueando buenos recuerdos, este podcast va por ti, viejoven!! Va por todos los que fuimos niños en los 80 y adolescentes en los 90. Que según un estudio ficticio, es última generación con un criterio aceptable. Por eso dejaos de pendejadas y os obligo a creedme si os digo que Creep de Radiohead, es uno de los temas más icónicos del estilo musical predominante de la década de los 90. ¿Las pruebas? Este podcast en el que os mostraré la cantidad de versiones de calidad de artistas relevantes que tiene. ¿Empezamos? RADIOHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=XFkzRNyygfk Allá por el 93, un canal local pinchaba la señal de la MTV. Cuando molaba porque se dedicaba únicamente a la música y no parecía un maratón de “Hombres, Mujeres, Bíceps y Berzas”. Y a las 5 comenzaba el programa de Rock y metal. Y un Raulillo de 12 años lleno de acné esperaba impaciente mando de VHS en mano.De repente aparecieron estos Radiohead y me explotó la cabeza. Fue un flechazo, amor a primera vista. «Creep» es el sencillo debut de la banda de rock británica Radiohead, lanzado en un E.P. el 21 de septiembre de 1992. Apareció en su álbum de estudio debut, Pablo Honey (1993). Y seguro que en miles de cassettes recopilatorios caseros baja bragas, con la etiqueta de "Varios" o "Baladas cañeras". La canción fue compuesta en las letras por Thom Yorke, que expresa una atracción romántica obsesiva y autodestructiva. La parte musical de Jhonny Greenwood produce unas ráfagas de guitarra muy características. Este tema de Rock alternativo o post Grunge, no estaba pensado por la banda como single debut, ya que para el estribillo se tomaron elementos de la canción "The Air that i Breathe" de los británicos Gibraltareños "The Hollies". THE HOLLIES - THE AIR THAT I BREATHE: https://www.youtube.com/watch?v=HydvceA1PAI El tema que estáis oyendo, fue todo un éxito internacional en 1972. Y preocupados por los royalties, no querían debutar con una cuasi versión . Pero a los ejecutivos y productores de E.M.I. les flipaba este tema, así que acreditaron como co-autores de Creep a Albert Hammond y Mike Hazlewood de The Hollies. Así Radiohead, finalmente pudo lanzar sin preocupaciones Creep como single debut. RADIOHEAD UNPLUGGED: https://www.youtube.com/watch?v=4BX5xpB2DBM Le costó, pero con el tiempo triunfó. Y se la comparó con otros éxitos llamados "Himnos holgazanes" de los 90 como "Smells Like teen Spirit" de Nirvana o "Loser" de Beck. Fue tal bombazo que sacaron una versión acústica en un E.P. A los más fans de las pelis de Marvel, les sonará de Guardianes de la Galaxia 3. Aparece en la primera escena, en la que el mapache cabreado llamado Rocket, la canta muy apenado por la desaparición de algunos compañeros. Aunque Radiohead logró un mayor éxito comercial y crítico con álbumes posteriores, «Creep» sigue siendo el sencillo más exitoso de Radiohead. Fue nombrado uno de los mejores sencillos de debut por la revista Rolling Stone. CRISSIE HYNDE (THE PRETENDERS): https://www.youtube.com/watch?v=XIhg6eqmdn4 Las versiones acústicas de Creep son abundantes. Y la más temprana, se interpretó en un directo acústico en 1995 : " Live at London's Jackob Street".Por Crissie Hynde, la lideresa de THE Pretenders. Dicha actuación forma parte del documental sobre los Pretenders: THE Isle of view. CRISSIE Hynde, el tipo de chica que aparece en los sueños de todo Rockero que se precie. KORN: https://www.youtube.com/watch?v=viQ0CX-rywc Os dije que la MTV molaba cuando se dedicaba a la música? Pues una de las cosas que lo partían eran los conciertos acústicos que organizaba, claramente popularizados por Nirvana con su MTV UNPLUGGED on NY. 1993. En 2006 le tocó el turno a Korn. La banda que abanderaba el movimiento N.U. Metal a principios de milenio, pasó por un UNPLUGGED como ya lo hiciera la banda de Kurt Cobain. No desaprovecharon la oportunidad y ofrecieron un "desenchufado" de lo más currado. MACY GREY: https://www.youtube.com/watch?v=FSFs1571i9g Macy Gray , es una cantante y actriz estadounidense de R&B y soul . Es conocida por su distintiva voz rota y un estilo de canto fuertemente influenciado por Billie Holiday . Como actriz ha aparecido en pelis como “Training day” o “Spiderman” (la de Tobbey Mcgyre) Covered se lanzó el 26 de marzo de 2012. Es el sexto álbum de estudio de la cantante estadounidense. Y como su nombre indica, es un álbum de covers, o versiones, donde aparece Creep. Es curioso que este álbum, siendo de versiones, sea el primero en el que a Macy Gray le pusieron la advertencia de "Parental Advisory". A mí siempre me gustó la voz de esta chica. Me recuerda a la chica negra de la centralita de loca academia de policía, que no le salía la voz... Pues eso. MONICA NARANJO: https://www.youtube.com/watch?v=Gr5PQR2w7nQ Vamos de una Diva "la Diva Española". Hablo de la gran Mónica Naranjo. Que lanzó su versión de “Creep” de Radiohead en 2020 como parte de su álbum “Mes Excentricités, Vol. 2”. Segunda parte de una trilogía de álbumes llenos de versiones y rarezas varias. Compartió una grabación en directo de esta versión en su cuenta de Instagram, lo que generó gran expectación antes de su lanzamiento oficial . La canción fue bien recibida por sus fans y ha sido interpretada en varios de sus conciertos. Esta versión destaca por su potente interpretación vocal y su estilo rock, que le da un toque único y diferente al original. Siempre he pensado que La Naranjo en un grupo de Heavy metal lo habría petado. La verdad, Le pega tela. OCEANS: https://www.youtube.com/watch?v=GMQefJ8sFhc El grupo Oceans es una banda de metal alternativo originaria de Berlín, Alemania. Se formaron en 2018 y han ganado reconocimiento por su estilo único que combina elementos de metal, rock y música electrónica. Su música a menudo aborda temas oscuros y emocionales. Por lo que este tema “Creep” de Radiohead les venía al pelo para su álbum de versiones "Cover Me in Darkness” de 2019. Esta versión mantiene la esencia de la original, con letras que expresan sentimientos y deseos de pertenencia. Oceans le da su propio toque, manteniendo la intensidad emocional de la canción. Dicen que si reproduces esto en tu equipo de alta fidelidad, a tope de volumen, el barrio entero quedará libre de ratas, cucarachas, reguetoneros y otras alimañas. SCALA Y KOLACNY BROTHERS: https://www.youtube.com/watch?v=U2WfLahLes0 Un tipo de versión que se oye mucho hoy día, son las 'trailerizaciones', que seguro que estáis más que acostumbrados a oírlas. Os explico: Los trailers de pelis, series o videojuegos, juegan un papel fundamental en la estrategia de marketing. De hecho, en muchas ocasiones son un acontecimiento en sí mismos, casi a la altura del propio estreno. Pero el ansia de las productoras les obliga a sacar el trailer hasta año y medio antes. Por lo que muchas veces ni siquiera tienen la banda sonora. Por lo que se eligió está versión de Scala y Kolacny brothers, es un grupo coral de 16 mujeres Belgas. Usada para la película la red social ( dedicada a ese señor que me echa de Facebook durante un mes, de vez en cuando) Si, Mark Zuckerberg... Este tráiler fue el que inició la tendencia de emplear versiones tristes o lánguidas de canciones famosas Si veis la peli y no escucháis la canción, no es mi culpa. Las canciones 'trailerizadas', no suelen entrar en el montaje final de la película. RENFIELD: https://www.youtube.com/watch?v=1LKKnhwNFyw Y como ahora las cosas se hacen así, existen numerosas firmas y empresas de producción musical (Two Steps From Hell, Immediate Music, Confidential Music, Totem), con una amplia nómina de compositores, especializados en crear música específicamente para los tráilers. Uno de sus principales trucos es hacer versiones de canciones populares, ya sean clásicos o éxitos modernos, para enganchar al público más fácilmente. Y fue la empresa de producción musical "TÓTEM", quien se encargó de modificar la versión original de Creep, para el trailer de RENFIELD. La película en la que Nicolas Cage interpreta a un Drácula venido a menos. ¿Queréis oír cómo queda el trailer?, aquí os lo dejo: https://www.youtube.com/watch?v=1LKKnhwNFyw SOCIAL REPOSE: https://www.youtube.com/watch?v=2ehHHLbfGRc Nunca pensé que iba a incluir un creador de contenido en este podcast. Pero tengo que rendirme ante la mamarrachez y espantajeria con buen gusto de Social Repose. Es el nombre artístico de Richie Giese, un creador de contenido y músico estadounidense conocido por su estilo único y su presencia en plataformas como YouTube y TikTok. Desde que comenzó en 2011, ha ganado popularidad por sus covers de canciones, así como por su música original y estética distintiva. Su contenido a menudo explora temas emocionales y personales, lo que le ha permitido conectar profundamente con su audiencia. Que para este video le han visitado: 518 K. Que no sabía muy bien como contarlo hasta que una hijastra adolescente que tengo me dijo que la K era 1000. Hostia! Hijastra mía: Se te quiere. BALTIC HOUSE ORCHESTRA: https://www.youtube.com/watch?v=sJpINPxGXng Y como dije al principio, esta canción es todo un himno de los 90's. Por eso me gustaría despedirme con una versión Épica de la Baltic House Orchestra. La Baltic House Orchestra no es una orquesta tradicional, sino un proyecto de un productor, compositor y arreglista del Reino Unido que se esconde en el anonimato. Este artista se especializa en crear versiones épicas de canciones populares y temas de bandas sonoras, a menudo inspiradas en tráilers de películas y videojuegos. Baltic House Orchestra ha logrado capturar la intensidad emocional de la canción original, añadiendo arreglos orquestales que le dan un toque grandioso y cinematográfico. CONCLUSIONES: Esto ha sido el Explorando versiones de Creep, de Radiohead. Un tema icónico para una generación, que hablaba sobre aquellos que posiblemente pasasen desapercibidos o fuesen unos incomprendidos. Una puta obra de arte minimalista, que se presta a sonar así de emocionante. Yo ya me despido, así que como siempre digo: Pon el oído, y sube el volumen, si friki.

Hola, soy Francisco y os doy la bienvenida a Explorando Versiones. Hoy vamos a hablar de una canción que marcó mi adolescencia y que, incluso después de tantos años, sigue siendo muy especial para mí. Estoy hablando de «I Want Out», uno de los temas más representativos del power metal; un subgénero del heavy metal que fusiona la velocidad y fuerza del metal con elementos melódicos. HELLOWEEN - I WANT OUT: https://www.youtube.com/watch?v=FjV8SHjHvHk Lanzado en 1988, «I Want Out» es el cuarto sencillo de la banda alemana Helloween siendo sin lugar a dudas una de sus canciones más emblemáticas. Aunque los inicios de la formación se remontan a 1978 la banda no pasa a llamarse “Helloween" hasta 1984. La portada de este sencillo muestra la caricatura de un personaje con cabeza de calabaza, señalando al espectador de una manera que recuerda al famoso cartel de reclutamiento estadounidense del Tío Sam. Esa imagen, que rápidamente se asoció a la banda, define su identidad visual hasta el día de hoy. Cabe decir que, desde sus inicios, la banda siempre ha utilizado calabazas en diversas formas en sus portadas de álbumes, sencillos y material promocional a lo largo de su carrera. Este símbolo se ha convertido en una parte integral de su identidad visual y es inmediatamente reconocible para todos los fans. Aunque el tema fue lanzado inicialmente como sencillo en 1988, la canción también forma parte del álbum "Keeper of the Seven Keys: Part II", siendo éste el disco más vendido de la historia del grupo, alcanzando el disco de oro en Alemania gracias a temas que rápidamente se convertirían en clásicos como «Dr. Stein», «I Want Out» o «Eagle Fly Free». Cantada por Michael Kiske, la canción fue escrita por el exguitarrista y también cantante del grupo Kai Hansen, quien mencionó en una entrevista que era una señal de que realmente quería salir de la banda. GAMMA RAY: https://www.youtube.com/watch?v=64YKBlCqOXM Y dicho y hecho. Hansen deja la banda en 1988 después de publicar el álbum y funda otra banda de power metal llamada Gamma Ray. Gamma Ray ha tocado «I Want Out» en conciertos, incluyendo el tema en algunos de sus álbumes en directo y en varias recopilaciones debido a que Kai Hansen tiene los derechos de la canción, por lo que él junto a Gamma Ray pueden hacer uso de la misma. HAMMERFALL: https://www.youtube.com/watch?v=ZPGejBYJgoE Y no solo Helloween y Gamma Ray han mantenido viva esta canción, sino que varias bandas han rendido homenaje a este himno. La banda sueca de power metal HammerFall realizó una versión de esta canción en su álbum "Legacy of Kings" del año 1997. La versión tiene un sonido muy fiel al original, con la voz potente de Joacim Cans dándole su toque personal. Es una de las versiones más conocidas y apreciadas por los fanáticos del género. SONATA ARCTICA: https://www.youtube.com/watch?v=RHK_HoOM1xo Sonata Arctica es una banda finlandesa de power metal formada en 1996. A lo largo de su carrera, han experimentado diversos cambios musicales. Comenzaron fusionando el power metal melódico con elementos de metal neoclásico, y luego adoptaron un estilo con influencias de metal sinfónico. ANDREEA COMAN: https://www.youtube.com/watch?v=YogB-hOr8tY Las nuevas generaciones de músicos también han hecho suya «I Want Out». En 2023, Andreea Coman, una joven cantante rumana que realiza diversas interpretaciones de canciones populares, graba en vídeo esta versión de «I Want Out» y que se publica en su canal de YouTube. CANELA SOL: https://www.youtube.com/watch?v=0XfhuFx9I5Q Y desde Buenos Aires, Canela Sol, acompañada de Luiyi Black Side y Cas Ti, nos ofreció una versión más lírica, mostrando que este clásico sigue inspirando artistas de distintos estilos. HELLOWEEN REMASTERED 2020: https://www.youtube.com/watch?v=omxrgrbt0nA Y volviendo a Helloween, en el año 2009, y coincidiendo con su 25 aniversario, la banda lanzó el álbum Unarmed, en el que regrabaron varios de sus clásicos, incluyendo una nueva versión de «I Want Out». Esta versión ofrecía un enfoque más relajado y orquestal de la canción, mostrando una faceta distinta de la banda. En el año 2020, el grupo remasterizó varios de sus álbumes clásicos, lanzando ediciones mejoradas. Esta iniciativa también incluyó la remasterización de este icónico tema, dándole un toque más moderno pero sin perder el espíritu original de la canción. Una de las sorpresas en esta versión remasterizada es el inicio, donde un coro de niños canta el riff, añadiendo un toque inesperado y emotivo al clásico sonido de «I Want Out». CONCLUSIONES En resumen, «I Want Out» no solo es un clásico del power metal, sino un verdadero himno. Helloween sigue siendo una de las bandas más influyentes del género, y esta canción ha dejado una marca imborrable tanto en la historia del metal como en la de sus fans. Gracias por acompañarme y espero que este viaje por la historia de «I Want Out» te haya resultado tan interesante como a mí y nos escuchamos en el próximo episodio.

HOLA A TODOS, soy Jose Ortiz. Hoy he querido analizar y derribar mitos o la leyenda negra que hay detrás de la canción SYMPATHY FOR THE DEVIL, del grupo británico ROLLING STONES. THE CLACK CROWES: https://www.youtube.com/watch?v=niij8gMtlA0 Antes de empezar, quiero decir una cosa: "sympathy for the devil" no significa "simpatía por el diablo". Es una traducción literal que confunde y da un sentido no sólo diferente sino incluso contrario al de la traducción correcta, es decir: "COMPASIÓN POR EL DIABLO". En 1967 los Rolling Stones lanzaron su sexto álbum, titulado "Sus Satánicas Majestades", siendo el primer disco producido al completo por ellos. Fue criticado por similitud al Sargento Pimienta de los Beatles que se lanzaba en el mismo año. Música psicodélica y la carátula se asemejaba bastante. A partir de ese título del disco vendrían las acusaciones a Satán, si bien sólo era el título, ya que las letras de las canciones no tenían nada que ver con Lucifer, pero alimentó la controversia que rodeó a esta banda de rock como chicos malos. (Posiblemente a nivel de producción les interesaba) Año 1968, sacan el álbum BEGGARS BANQUET (banquete de los mendigos), que trataría de la crítica socio cultural, los conflictos de la época, e incluso la filosofía de la cual Mick Jagger era un asiduo lector en esa fecha. Dentro del álbum, existen referentes al conocido como "Rey del Delta Blues", Robert Johnson, que cuenta la historia que hizo un pacto con el diablo en un cruce de caminos. Pero no sabemos cómo murió, se lo llevaría el diablo?… Coinciden en el tiempo, la guerra de Vietnam desarrollada dentro de la guerra fría entre los Estados Unidos de América y la Unión de Repúblicas Socialistas Soviética. El rechazo a la violencia y el movimiento hippie estaba en su auge y tenían numerosos simpatizantes en muchos países. En medio de todo ese contexto LOS ROLLING STONES narran una historia de las características del ser humano, la envidia, avaricia, egoísmo, violencia, siempre presente. La historia de esta canción es la que sigue: Hay alguna entidad malévola que nos haga hacer a todos esos defectos, según esta canción NO. La canción se le atribuye a Mick Jagger y los arreglos a Keitch Richard. El título inicial de la canción era «The Devil Is My Name» y, en ella, el cantante adopta la voz de un personaje desconocido que oculta su nombre y que se atribuye al Diablo. FREEDOM DUB: https://www.youtube.com/watch?v=KSevTZkuPkw LA TEORIA DE LA CANCION PRIMERA.- La entonces novia de Mick Jaggers, actriz, modelo y cantante Marianne Faithfull, regaló un libro del escritor ruso Mijaíl Bulgákov denominado "El maestro y Margarita", que inspiró a éste la canción sobre la cual analizamos. En la Unión Soviética vivía el autor. Bulgákov se encontraba en Kiev (Ucrania), trabajado como escritor de obras de teatro y en varias de ellas caracterizaba a la sociedad soviética satíricamente. Comenzó a ganarse enemigos políticos, siendo censuradas muchas obras de teatro y novelas. Por tal motivo solicitó al gobierno emigrar de la Unión Soviética, recibiendo un NO como respuesta y comenzando de esta forma a escribir una de las más altas obras de la literatura rusa. El libro llamado "El maestro y Margarita", narra cómo las vidas de los ciudadanos de Moscú, se ve afectada por la llegada de un personaje, "El Ángel Caído" en persona, preparado para el terror, crear el caos y recoger almas. En fin, no era más que una sátira del régimen Stalin, presidente de las repúblicas soviéticas y en general del comunismo. SEGUNDA.- La otra teoría es que Mick Jagger, para tener una larga y exitosa carrera hizo un pacto con el diablo, sin embargo no hay ninguna prueba detrás de ésta, por lo que la olvidamos. GUNS N' ROSES: https://www.youtube.com/watch?v=dSmkkD32PtU Esta canción sólo por el nombre no se puede expresar que sea satánica, y se puede decir que en un inicio estaba destinada a llamarse "MI NOMBRE ES EL DIABLO", al final se decidió cambiarla por el título que ya conocemos y agregarle ese aliento de misterio que después de 59 años de su creación aún posee. La canción está narrada en primera persona, de tal manera que nos cuenta una historia plagada de codicia, envidia y sangre, siendo testigo de todos los males que asola el planeta, todo ello causado por LOS HUMANOS. Aunque al comienzo no se menciona su nombre, poco antes de terminar la canción pide que lo llames Lucifer. Bajo ese prisma diferente, la canción podría reinterpretarse como una crítica a la inmoralidad de la propia humanidad o a su hipocresía al levantar una figura metafórica del mal en lugar de buscarlo en su interior. Significar que algunas partes de la letra hay semejanzas a frases de una película de fantasía de 1941, titulada "El Diablo y Daniel Webster" o "Todo lo que el dinero puede comprar". Varios episodios están narrados en la misma, desde la crucifixión de Jesús, al asesinato de la familia Romanov durante la revolución rusa, la segunda guerra mundial, los asesinatos de los hermanos Kennedy (Jonh y Robert), hechos históricos donde Jaggers se los atribuye al diablo. Posiblemente la referencia más curiosa de la letra es la parte en que el personaje del Diablo dice que puso trampas a los trovadores, que fueron asesinados antes de llegar a Bombay. Se sostiene que esta parte del tema se refiere a los jóvenes que, en aquellos tiempos de 1968, solían viajar siguiendo la llamada "ruta de los hippies" hacia Oriente, buscando llegar a Katmandú, en Nepal a bordo de "Magic Bus" que inmortalizaba los WHO. Por cierto, muchos de estos jóvenes fueron asesinados o timados por vendedores de drogas en Pakistán o Afganistán. Este tema se ha convertido en una obra maestra del Rock por el personaje protagonista del tema, la producción orgánica, africana, brasileña (con ecos de vudú y santería), los gritos selváticos y tribales de Jagguer, esos coros contagiosos y el desarrollo musical encadenado e irresistible, donde el piano se deja llevar por el góspel y el blues, la convirtieron muy pronto en un éxito formidable y en un icono, pero circunstancias 'diabólicas' acabaron por casi condenarla al ostracismo y los Stones dejaron de interpretarla en directo durante dos décadas, para volver a incluirla en sus setlist a partir de 1989 y no sacarla de ahí ya nunca jamás. POPA CHUBBY: https://youtube.com/watch?v=gJWdFshK-pk Para la grabación de esta canción cogieron a un tipo africano, un tal Rocky Dzidzornu que ofreció un ritmo caribeño a la percusión. Keith Richard se encargó de su guitarra Gibson para los arreglos y punteos, también tocó el Bajo de manera magnífica, siendo la guía de la canción y dejándolo de tocar Bill Wyman, al cual le cedieron las Maracas (si podéis mirar el video veréis la cara de Bill…) Se trata de una de las pocas canciones de rock que cuenta con su propia película de making of…, dirigida por un cineasta de los más revolucionarios de la llamada nueva ola del cine francés, al lado de realizadores de leyenda como François Truffaut, Jacques Rivette y Claude Chabrol o de estrellas míticas como Jean Paul Belmondo, Briggite Bardot, y Jeanne Moreau. Me refiero a Jean-Luc Godard. En 1968, Godard viajó a Londres, con la intención de filmar una película sobre el aborto, aparentemente sin saber que la Ley del Aborto de 1967 acababa de legalizado en Gran Bretaña. Cuando se dio cuenta de que este ya no era un tema candente, decretó que haría otra película en su lugar, pero con la condición de que en ella participaran los Beatles o los Rolling Stones. Los Beatles lo rechazaron, pero los Stones dijeron que sí. Godard y su equipo acudieron a los Estudios Olympic a las afueras de Londres, donde Jagger, Richards y compañía, estaban grabando su gran disco "Beggars Banquet". Instalaron las cámaras y comenzaron a filmar. Lo que Godard capturó durante cinco días hasta el 10 de diciembre de 1968, fue a los Rolling Stones en las últimas etapas de componer y grabar el tema "Sympathy for the Devil". El resultado, junto con una buena cantidad de otras cosas que filmó en sus tiempos libres, se convirtió en la película "One Plus One". De algún modo, estamos viendo un antecedente (o un anti-antecedente) de lo que habrá de ser la película "Let It Be", de los Beatles, dirigida por Michael Lindsay-Hogg, dos años más tarde. THE ROLLING STONES: https://www.youtube.com/watch?v=Jwtyn-L-2gQ Los Stones tocaron "Sympathy for the Devil" en su espectáculo "Rock ‘n Roll Circus", de diciembre de 1968. Como dato curioso en el minuto 4:54 del video se puede ver al Beatle John Lennon bailando al ritmo de la canción. En 1969 por los Estados Unidos incluyeron el tema en el repertorio de su recital gratuito del autódromo de Altamont, donde desde temprano hubo muchas malas vibraciones entre el público. La mala onda alcanzó su punto máximo cuando un espectador que después de desenfundar un revolver, murió a puñaladas por un miembro de los ÁNGELES DEL INFIERNO que eran los encargados de la seguridad. Momentos antes, el comentario de Jagger había sido: "siempre hay algún problema cuando tocamos esta canción…" Cierto es, que el homicidio fue durante la canción "Under my Thumb", que fue en la siguiente canción, y ya Mick había pedido que se tranquilizaran, que se sentaran, que estuvieran tranquilos…, al final se lió y se lo atribuyeron a esta canción. Si ya tachaban de satánica a esta banda, imaginaros, sirvió de caza contra los Rolling, aumentando el rechazo al tema. Hay versiones por una multitud de artistas diferentes y creo que ninguna ha alcanzado a la original. Las más temprana de las versiones de este tema es al años siguiente 1969, la cantante británica Sandie Shaw grabó este tema para su disco de covers Reviewing the Situation. También Jane's Addiction y también el ex-Roxy Music Bryan Ferry graba esta versión en 1973. Pearl Jam hace una improvisación de Sympathy for the Devil en un directo en San Francisco en el 92. Incluso el polémico rockero argentino Charly García graba esta versión para su disco llamado «Estaba en Llamas Cuando Me Acosté» de 1995. Otro es Jon Bon Jovi, que interpreta este tema durante una presentación en directo en 1997. Guns n Roses, quizá sea esta la más conocida de todas las versiones, para la banda sonora de la película Entrevista con el Vampiro. Otro, que es el «Príncipe de la Oscuridad», Ozzy Osbourne, graba esta versión para su disco de 2005. También otro, Motörhead en 2015. The black crowes... Incluso la Orquesta Sinfónica de Londres tiene su propia versión. En resumen, todos podemos ser ese diablo en algún momento de nuestra vida. Así que, "SI TE ENCUENTRAS CONMIGO, TEN ALGO DE CORTESÍA, ALGO DE COMPASIÓN Y GUSTO, USA TODOS LOS MODALES QUE APRENDISTES O DEJARÉ TU ALMA EN RUINAS" Nos vemos en la próxima. Un saludo.

Muy buenas, soy el Marcha y desde “Marcha Producciones el Show” para Explorando Versiones, un podcast de Locos por Incordiar, vamos a repasar y a oír un poquito las versiones que se han hecho de un tema muy mítico. Estamos hablando del «Paint It, Black» de los Rolling Stones. ROLLING STONES - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=O4irXQhgMqg «Paint It, Black» es una de las canciones más icónicas de Rolling Stones. Fue lanzada como sencillo en 1966 y luego incluida en la edición estadounidense del álbum “Aftermath”. Escrita por Mick Jagger y Keith Richards, la canción destaca por su tono oscuro y melancólico y es conocida por su distinto riff de guitarra y el uso del sitar, un instrumento tradicional de la música india tocado por Brian Jones. La letra de «Paint It, Black» aborda temas de dolor, pérdida y desesperanza. La narración de la canción proviene de una persona que ha experimentado una pérdida significativa, posiblemente la muerte de un ser querido, y desea que todo a su alrededor se oscurezca para reflejar su estado emocional. El deseo de pintarlo todo de negro simboliza la depresión y la falta de esperanza. El uso del sitar, influenciado por la fascinación de Brian Jones con la música oriental, le da a la canción un sonido único que la distingue de otras producciones de la época. Esta mezcla de rock con elementos de música india fue innovadora y contribuyó a la popularidad de la canción. «Paint It, Black» fue un gran éxito comercial. Alcanzó el número uno en las listas de éxitos en Estados Unidos y Reino Unido. La canción ha perdurado como un clásico del rock y sigue siendo una de las más populares de la banda. A lo largo de los años «Paint It, Black» ha sido versionada por numerosos artistas y ha aparecido en diversas películas, series de televisión y anuncios publicitarios. Su tema sombrío y su estilo distintivo han asegurado su lugar en la historia de la música rock. En resumen «Paint It, Black» es una canción que captura perfectamente la habilidad de los Rolling Stones para combinar letras intensas y emocionales con innovaciones musicales y sigue siendo un pilar fundamental en su discografía. DEEP PURPLE - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=nnXScjqcXdY Deep Purple, la legendaria banda de rock británica, ha realizado varias versiones en vivo de «Paint It, Black» a lo largo de su carrera, pero es importante señalar que no grabaron una versión de estudio oficial de la canción. Sus interpretaciones en vivo son famosas por su energía y su enfoque único, característico del estilo de Deep Purple. Deep Purple suele reinterpretar «Paint It, Black» con un estilo más cercano al hard rock y al heavy metal, géneros por los cuales son ampliamente conocidos. Su versión es más agresiva y potente que la original, destacándose por el uso de guitarras eléctricas más distorsionadas y el teclado de Jon Lord que añade un toque psicodélico y pesado. En las actuaciones en vivo, Deep Purple es conocida por su capacidad para extender canciones con largas secciones de improvisación. Su versión de «Paint It, Black» a menudo incluye sólos de guitarra de Ritchie Blackmore y pasajes instrumentales que muestran la virtuosidad de la banda. Esto convierte la canción en una experiencia diferente y más expansiva en comparación con la versión de los Rolling Stones. Una de las versiones en vivo más destacadas de «Paint It, Black» por Deep Purple puede encontrarse en el álbum en vivo «Scandinavian Nights», también conocido como «Live in Stockholm» de 1970. En este concierto la banda ofrece una interpretación electrizante de la canción que se fusiona con su estilo único y la energía cruda de sus presentaciones en vivo. Aunque no es una de las versiones más conocidas de «Paint It, Black», los fans de Deep Purple suelen apreciar estas interpretaciones en vivo por la forma en que la banda logra hacer suya la canción integrandola en su repertorio de madera fluida y respetuosa pero a la vez aportándole su propia identidad sonora. En resumen la versión de «Paint It, Black» de Deep Purple es un testimonio del poder de la banda para reimaginar canciones clásicas dentro de su propio estilo mezclando el rock psicodélico o en el Hard Rock. GLENN TIPTON - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=VTN96m1-07Y La versión de «Paint It, Black» de Glenn Tipton es una interpretación única de este clásico. Incluido en su álbum en solitario «Baptizm of Fire» de 1997. Glenn Tipton reconocido guitarrista de Judas Priest le inyecta a la canción su característico estilo de heavy metal, dándole un enfoque mucho más agresivo y oscuro que el original. En esta versión la guitarra eléctrica toma un papel protagónico con un sonido distorsionado y solos vertiginosos que realzan la intensidad de la melodía. Tipton respeta la esencia melódica de la canción, pero la transforma en una pieza mucho más potente y dinámica. Su interpretación vocal también añade un matiz más sombrío y contundente a la letra. La agresión de Tipton es un claro ejemplo de cómo una canción clásica puede ser reinterpretada en un estilo completamente diferente, manteniendo su integridad mientras se le da un nuevo giro. LOS SALVAJES - TODO NEGRO: https://www.youtube.com/watch?v=OA8ngyvRXCg «Todo negro» es la versión en español de «Paint It, Black» interpretada por Los Salvajes, una banda de rock española de los años 60. Lanzada en 1966, la versión de Los Salvajes mantiene la intensidad y el tono oscuro del original pero con su propio estilo. La letra traducida al español, como la original refleja el dolor y la desesperación de alguien que ha perdido su amor, deseando que todo su alrededor sea negro para coincidir con su estado de ánimo. Musicalmente Los Salvajes logran capturar la esencia del garaje rock, con guitarras crudas y una energía visceral que caracteriza a la banda. «Todo negro» es un ejemplo destacado de cómo el rock internacional fue adaptado y reinterpretado en la España de la época, convenciéndose en un himno de la juventud rebelde en plena dictadura franquista. MEDINA AZAHARA - PÍNTALO DE NEGRO: https://www.youtube.com/watch?v=KlJctafldyI La version del «Paint It, Black» de Medina Azahara es una reinterpretación de «Todo negro» de Los Salvajes, que hemos eschado antes. Esta versión viene en su disco “Árabe” de 1995. La banda pionera del rock andaluz fusiona en esta versión su estilo característico que mezcla el rock con influencias flamencas, dando un toque distintivo a la icónica canción. Medina Azahara mantiene la esencia oscura y melancólica del tema original, pero le añade su propia personalidad, con guitarras eléctricas más potentes, toques de teclado que aportan una atmósfera más mística y un estilo vocal más dramático típico del rock andaluz. El ritmo acelerado y las guitarras distorsionadas se combinan con elementos del flamenco, lo que resulta una fusión interesante entre el rock británico y la música española. Esta versión se ha convertido en una de las más conocidas dentro del repertorio de Medina Azahara mostrando la versatilidad del grupo y su capacidad para adaptar éxitos internacionales a su propio estilo musical. ANVIL - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=AiXfRE-hvhQ Anvil, la banda canadiense de heavy metal, realizó una versión de «Paint It, Black» en su álbum “Plugged in Permanent” de 1996. Esta versión destaca por su estilo característico de heavy metal, con guitarras distorsionadas y una energía más intensa en comparación con el tema original de los Rolling Stones que tiene un aire más psicodélico y rock clásico. La interpretación de Anvil transforma la canción en algo más pesado y agresivo pero respetando la melodía y al ritmo principal del tema. CONCLUSIONES Bueno, con esta versión de Anvil me despido hasta la próxima, ¿y porque hasta la próxima? porque tengo más versión el «Paint It, Black»… Tengo muchas más versiones del «Paint It, Black» y prometo volver con una segunda parte. Lo dicho soy el Marcha desde “Marcha Producciones el Show” para Explorando Versiones de Locos por Incordiar. ¡Agur!

Kia ora (hola en maorí) amigos, y bienvenidos a una nueva edición de Explorando Versiones. Yo soy Jesus, batería de “Friki Martin” y de “Traficante” y ex batería de “Los Fraguels” (gran grupo y mejores personas). En el programa de hoy, la versión a analizar será: Tequila. THE CHAMPS: https://www.youtube.com/watch?v=q3sJVbHlcdQ El tema fue grabado originalmente por el grupo “The Champs” como cara B de su primer single, en enero del 58. El single no tuvo mucho éxito pero la cara B... ¡esa cara B explotó! El compositor del tema y componente de the champs, Danny Flores era un multi instrumentista y músico de estudio que tuvo que cambiarse el nombre a Chuck del Río ya que tenía contrato discográfico con una compañía diferente. El tema original es instrumental, con la palabra tequila cantada por el propio Chuck tres veces. Pero ya veremos que esta no es la única manera de interpretar esta canción, ni mucho menos. THE CHAMPS EN EL SHOW DE ED SULLIVAN https://www.youtube.com/watch?v=MJtzD-eQMWA Así suena la versión original tocada en directo por “The champs” en el famoso programa de televisión Ed Sullivan y os recomiendo que veáis el vídeo de la actuación cuando podáis porque tiene una coreografía impresionante. La canción tequila tiene más de a00 grabaciones registradas, y al igual que sucede con la bebida, estas versiones van desde lo muy cutre, hasta lo muy glamuroso. Van desde el chupito de tequila que te tomas en el cutre bar a las 3 de la mañana antes de vomitar por fin todo lo que te has metido desde que saliste a las 8, hasta el tequila reposado que te tomas con el pañuelo al cuello mientras ves zarpar el yate de tu amigo Jacobo desde la terraza del club náutico. O lo que es lo mismo, desde el punk más sucio o el ska más sudoroso, hasta refinadas versiones con orquesta y coros de senoritas de color. LENNINGRAD COWBOYS: https://www.youtube.com/watch?v=YFMSKw2vDtI Comencemos por esta versión de Lenningrad cowboys del año 89. Aquí se canta y se dice tequila, pero ojo a la pronunciación en finlandés (¿o es finés?). HENRY MANCINI: https://www.youtube.com/watch?v=Ywywl0TxJFQ Cambiamos el paso por completo y vamos a escuchar la versión de Henry Mancini del año 61. Aquí ni siquiera se canta nada, pero podemos imaginarnos perfectamente esta canción sonando en una fiesta privada en una casa de lujo y con Peter Sellers de invitado sorpresa. CORN HEAD: https://www.youtube.com/watch?v=b-NNYM04Xxg Y ahora pasamos de no cantar la palabra tequila, a cantar, y mucho… Y en Japonés. Aquí tenemos al amigo Corn Head, o en andalú, “cabesa de maís” y su regueton en japones del año 2000. Ahí lo tenéis: Tequila en japonés. ANSAMBL ISKRE: https://www.youtube.com/watch?v=HkOVexNeH2I La siguiente versión es mi favorita, sin duda. El grupo yugoslavo “Ansambl Iskre” del año 65. Aquí tampoco se canta la palabra tequila, pero no importa, hay risas, y hay una percusión que ya quisieran muchos grupos de rock occidentales. LOS BITCHOS: https://www.youtube.com/watch?v=nqIsrap4Xdg La siguiente versión es muy muy reciente, del año pasado, del grupo indie inglés Los Bitchos. Cantan algunos temas en español y aquí cantan… Tequila. AZUCAR MORENO: https://www.youtube.com/watch?v=WAWvqBpnm4Y Y después de haber viajado por Estados Unidos, Finlandia, Yugoslavia, Japón e Inglaterra, no me puedo despedir sin poner algo de la tierra. Como pasa con otros licores, el tequila también se puede hacer y cantar en España. Quizá no sea la mejor versión pero si al tequila le ponemos azúcar, Encarni y Toni lo dan todo. Gracias y un abrazo.