El invitado de RFI

El investigador Jean Jacques Kourliandsky, director del Observatorio de América latina y los Caribes de la Fundación Jean-Jaurés, acaba de publicar el ensayo ‘Evangelismos y derechas en América latina’. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo. Jean-Jacques Kourliandsky es investigador y analista de las relaciones internacionales, especializado en América Latina y el Caribe. Dirige el Observatorio de América Latina y el Caribe de la Fundación Jean-Jaurès, en Francia, y colabora como cronista con la plataforma Nouveaux Espaces Latinos. Kourliandsky es un analista francés cuya actividad se centra en la política latinoamericana, las relaciones internacionales y la evolución de las fuerzas políticas de la región. Su trabajo aborda los cambios ideológicos, las transformaciones democráticas y las relaciones entre América Latina, Europa y Estados Unidos. Desde 2014, el Observatorio de América Latina y el Caribe de la Fundación Jean-Jaurès desarrolla actividades de análisis y prospectiva sobre las dinámicas políticas nacionales, regionales e internacionales, así como encuentros entre actores latinoamericanos y franceses. Kourliandsky dirige este espacio de investigación. También ha estudiado la influencia política de las corrientes evangélicas y sus vínculos con los movimientos conservadores. En un trabajo publicado por la Fundación Jean-Jaurès en 2019, analizó la relación entre evangelismo, democracia y reacción conservadora en América Latina, y utilizó el concepto de «nacional-evangelismo» para abordar la dimensión política del fenómeno.

 El realizador mexicano Fernando Eimbcke presentaba este sábado 10 de octubre su película ‘Las Moscas’ en el cine Luminor Hôtel de Ville en el marco del festival Viva México de París.   Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Fernando Eimbcke Damy (Monterrey, Nuevo León 1970) es un director de cine mexicano, dos veces galardonado con el Premio Ariel. Aunque mucha gente piensa que nació en la Ciudad de México, Fernando Eimbcke en realidad nació en Monterrey, Nuevo León (en 1970). Sin embargo, gran parte de su vida y sus estudios universitarios los realizó en la capital del país, y desciende de inmigrantes alemanes. Eimbcke Damy quiso estudiar fotografía fija, de manera que comenzó a trabajar en este ramo con su brother Carlos Somonte. Cuando conoció al cinematografista Emmanuel Lubezki, quien había estudiado cine, Eimbcke decidió ingresar al Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) de la UNAM. Aunque realizó el examen, fue rechazado y durante todo el siguiente año se dedicó sólo a ver películas. Más tarde, por fin, fue aceptado en el CUEC (1992-1996). Inició su carrera realizando videoclips para grupos musicales alternativos como Plastilina Mosh (Mr. P-Mosh), Jumbo (Siento que), Zurdok (Si Me Advertí) y Molotov (Rastaman-dita), de los cuales obtuvo varios premios MTV. También realizó varios cortometrajes, entre ellos La suerte de la fea... a la bonita no le importa (2002), ganador del Primer Concurso Nacional de Proyectos de Cortometraje, realizado por el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine). Consagración Su ópera prima, Temporada de patos, se estrenó en el 2004 en las salas de cine y se convirtió en la sorpresa del cine mexicano en ese año, recibió elogios y múltiples premios, incluidos 11 Ariel de la Academia Mexicana de Cine a Mejor película, ópera prima, dirección, guion (Eimbcke, Markovitch), actor (Enrique Arreola), actriz (Danny Perea), cinematografía (Alexis Zabe), edición (Mariana Rodríguez), música (Liquits, Alejandro Rosso), dirección de arte y sonido. La idea de Temporada de patos surgió de la lectura del libro Alta fidelidad de Nick Hornby, en la cual los personajes trabajan en una tienda de discos y se la pasan platicando durante toda la novela, en la cual "no pasa nada". De ahí Eimbcke ideó unos personajes que no tienen nada que hacer en un domingo cuando se les va la luz. En un taller conoció a Paula Markovitch, quien le ayudó a retomar la historia de los personajes enfrentados al tedio de un domingo. Para empezar a darle forma a su ópera prima, Fernando recurrió a varias influencias, entre las cuales menciona a Jim Jarmusch y Yasujiro Ozu, así como películas sudamericanas como 25 watts o Nueve reinas. Su segundo largometraje fue Lake Tahoe (2008) narra la historia de Juan, un adolescente de 16 años que recorre una ciudad en busca de una refacción para un automóvil que acaba de chocar con un poste. En su recorrido, el espectador descubre también que su familia ha perdido poco antes al padre, amargo trance que cada familiar transmite y asume a su manera. Lake Tahoe fue muy bien recibida por los medios internacionales y recibió el premio de la crítica internacional Fipresci.[1] y el premio Alfred Bauer en reconocimiento a las nuevas perspectivas del cine en la Berlinale de febrero del 2008.[2] Por su tercer largometraje Club sándwich (2013) Eimbcke ganó el premio a Mejor dirección en el Festival de cine de San Sebastián. Esta película, traducida al ruso por Andrey Efremov, se proyectó en Moscú en junio de 2014 en el marco del Festival Internacional de Cine de Moscú bajo el título "Клубный сэндвич".

La realizadora mexicana Indira Cato presentaba este miércoles en el festival Viva México, que está teniendo lugar en el cine Luminor-Hôtel de Ville de París su documental “Llamarse Olimpia”. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Indira Cato es una directora, productora, guionista y gestora cultural mexicana, especializada en cine documental y en proyectos con perspectiva de género. Nació el 17 de enero de 1991 en Ensenada, Baja California. Su trayectoria combina la producción cinematográfica con la realización y la formación de nuevos proyectos audiovisuales. Estudió la Licenciatura en Literatura Dramática y Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, entre 2009 y 2014, con especialidad en Diseño y Producción. Su acercamiento al cine comenzó muy temprano: a los 16 años realizó el cortometraje Percepciones, que recibió el premio a Mejor Obra hecha por jóvenes en el Festival Kolibrí, en Bolivia.  Aunque inicialmente exploró distintos lenguajes —entre ellos la animación stop motion y la ficción—, terminó orientándose hacia el documental. Entre las películas que reconoce como particularmente importantes en su formación está El lugar más pequeño (2011), de Tatiana Huezo, que le mostró las posibilidades creativas del documental para aproximarse a la realidad. También ha señalado su admiración por documentalistas como la chilena Maite Alberdi.  Uno de los primeros hitos de su carrera fue su participación como productora en Llévate mis amores (2014), dirigida por Arturo González Villaseñor. La película retrata a Las Patronas, grupo de mujeres de Veracruz que desde 1995 prepara alimentos y los entrega a migrantes que viajan sobre el tren de carga conocido como La Bestia, rumbo a Estados Unidos. SSystème d'Information Culturelle Cato produjo la película junto con Nicolás Celis y Sebastián Celis. El documental tuvo una amplia trayectoria internacional y obtuvo, entre otros reconocimientos, el Premio a Mejor Película en la sección México Primero del Festival Internacional de Cine de Los Cabos, además de premios en festivales de España, Francia, Bélgica, Cuba y México.  Esta experiencia contribuyó a consolidarla como productora de cine documental y a definir un interés recurrente en su trabajo: historias protagonizadas por personas y comunidades que enfrentan formas de desigualdad, violencia o exclusión.Chumbera En 2018 fundó Chumbera Producciones, compañía dedicada a la creación artística y audiovisual con perspectiva de género. Desde esta empresa ha desarrollado y producido diversos proyectos documentales y de ficción. DDDCM+1 Su formación profesional también se ha desarrollado mediante programas nacionales e internacionales. Participó en el Producer's Workshop de UNAM Los Ángeles (2015), el Rotterdam Producer's Lab (2018), Campus Latino (2020-2021) y el (Egg)celerator Lab de Chicken & Egg Films (2022). También aparece vinculada a la Residencia Zanate 2020.  En 2023 produjo, junto con Hugo Chávez, el cortometraje documental Amor Ice, dirigido por Katy Araiza. La película parte del archivo fotográfico de Araiza para reconstruir, diez años después, su experiencia con las drogas, el dolor, el amor y la recuperación. Fue realizada por Chumbera Producciones con apoyo del Programa Fomento al Cine Mexicano (FOCINE).  Ese mismo año participó como productora en Hijas del maíz, dirigida por Alfonso Gastiaburo, documental centrado en dos mujeres indígenas de San Cristóbal de las Casas, Chiapas —una partera y una educadora— y su lucha frente a la violencia de género. También produjo Mickey, documental de Dano García sobre una joven mujer trans de Mazatlán, Sinaloa, que explora su identidad y su relación con la actuación en un contexto marcado por la homofobia y la transfobia. La película fue producida por Venado Films, Phototaxia e IMCINE y recibió el Premio del Público en su estreno en SXSW. 

El realizador mexicano Rodrigo Plá presenta este jueves su película “Los nuevos” en el cine Luminor-Hôtel de Ville de París en el marco del festival Viva México. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.   Rodrigo Plá nació en Montevideo (Uruguay), el 9 de junio de 1968. Estudió cine en el Centro de Capacitación Cinematográfica de México. Es director, productor y guionista. Entre los cortometrajes que ha realizado se encuentra Novia mía (1995), El ojo en la nuca (2000) y 30-30 (2010), que forma parte del largometraje colectivo Revolución, presentado en el Festival de Berlín y en la Semana de la Crítica de Cannes. Dirigió los largometrajes La Zona (2007), Desierto adentro (2008) y La demora (2012), estrenados en los Festivales de Cine de Venecia, Cannes y Berlín respectivamente. A lo largo de veinticinco años de trayectoria en el cine, sus películas han obtenido más de cien premios y distinciones, nacionales e internacionales. Entre ellos destacan el Oscar Estudiantil al Mejor Cortometraje Extranjero obtenido en el año 2001, el León del Futuro otorgado a la Mejor Ópera Prima en el Festival de Venecia y el Premio de la Crítica Internacional recibido en el Festival Internacional de Cine de Toronto, ambos del año 2007. Durante el transcurso del año 2012, fue reconocido con el Premio del Jurado Ecuménico y el Tagesspiegel Readers’ Award en el Forum de la Berlinale en Alemania. En 2015 realizó el largometraje Un monstruo de mil cabezas.

La artista plástica peruana Nereida Apaza Mamani acaba de inaugurar en la Galería Younique de París su exposición “Trenzar” en la que nos habla de su infancia marcada por el conflicto bélico de los años ochenta en Perú. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo.    Nereida Apaza Mamani (Arequipa, 1979) es una artista visual, poeta, curadora y editora peruana cuya trayectoria se caracteriza por el uso de múltiples lenguajes —bordado, pintura, acuarela, grabado, fotografía, video, escultura, instalación, libros de artista y poesía— para explorar la memoria personal y colectiva, la educación, la identidad, la migración, las relaciones de género y las huellas de la violencia política en el Perú. Vive y trabaja principalmente en Arequipa. Su obra tiene un marcado componente autobiográfico. En ella, experiencias familiares y recuerdos de infancia se transforman en materia artística: los oficios de sus padres, los libros, la escuela, los uniformes, los cuadernos, las telas y los periódicos se convierten en documentos, imágenes y objetos poéticos. Esta dimensión íntima no está separada de la historia social del país; por el contrario, Apaza utiliza su propia experiencia para interrogar estructuras más amplias de desigualdad, discriminación y violencia. Orígenes y formación Nereida Apaza nació en Arequipa en 1979. Es hija de una familia vinculada a la migración desde Puno y ha señalado la importancia de esa procedencia en la construcción de su identidad. El propio Ministerio de Relaciones Exteriores ha descrito su trabajo como una reflexión sobre su experiencia de mujer arequipeña e hija de migrantes puneños. Su relación con el bordado comenzó en el ámbito familiar. Su madre estudió corte y confección y en la casa había telas, hilos, agujas y una máquina de coser. Apaza ha contado que desde aproximadamente los ocho años jugaba a coser vestidos para sus muñecas. Esa experiencia infantil terminó convirtiéndose, décadas después, en uno de los principales lenguajes de su producción artística. Ingresó a la Escuela Superior Pública de Arte Carlos Baca Flor de Arequipa a los 21 años y estudió Pintura. Formó parte de la promoción que egresó en 2007 y recibió la Medalla de Oro de su promoción. Durante su formación tuvo además que afrontar la escasez de materiales. Según ha explicado, esa limitación contribuyó a que comenzara a experimentar con telas e hilos como materiales artísticos. De esta manera, una práctica doméstica asociada tradicionalmente a lo femenino pasó progresivamente a convertirse en una herramienta de creación, reflexión y cuestionamiento.

El realizador mexicano Bruno Santamaría abre este martes con su película “Seis meses en el edificio rosa con azul” la 14ª edición del Festival “Viva México” que tiene lugar en el cine Luminor Hôtel de Ville de París. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Bruno Santamaría Razo (Ciudad de México, 1986) es un realizador, cinefotógrafo, guionista y montajista mexicano. Su trayectoria se ha desarrollado principalmente en el cine documental, aunque en 2026 presentó su primer largometraje de ficción, Seis meses en el edificio rosa con azul, seleccionado en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes. Formación y primeros años Santamaría Razo estudió Comunicación en el ITESM y posteriormente la Licenciatura en Cinematografía, con especialidad en fotografía, en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Además de su trabajo como realizador, ha ejercido como director de fotografía y ha impartido clases de documental y cinefotografía en instituciones y programas como el CCC, la UNAM FES Aragón, la Escuela Veracruzana de Cine Luis Buñuel, Ambulante Más Allá y DocsMX. Su carrera profesional en la fotografía cinematográfica comenzó a adquirir visibilidad a mediados de la década de 2010. Entre sus primeros trabajos destaca la fotografía de Ayotzinapa: crónica de un crimen de Estado (2014), dirigida por Xavier Robles. También participó como fotógrafo en películas como Artemio, El actor principal, Lo mejor que puedes hacer con tu vida y Cuadros en la oscuridad. Inicio como director: Médula y Margarita En 2014 debutó como director con el cortometraje Médula. Posteriormente realizó Margarita (2016), su primer largometraje documental. La película nació de una relación de aproximadamente 15 años entre el realizador y su protagonista, Margarita, una mujer que vivía en las calles de Ciudad de México. Margarita fue presentada en el Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DocsMX) y obtuvo, entre otros reconocimientos, una Mención Especial del Premio Mezcal en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara y una mención en el Zanate Festival de Cine Documental Mexicano. La película ya muestra una de las preocupaciones centrales de Santamaría: acercarse a personas situadas en los márgenes sociales y explorar su intimidad sin reducirlas a una condición de vulnerabilidad. Cosas que no hacemos Su segundo largometraje, Cosas que no hacemos (Things We Dare Not Do, 2020), consolidó su reconocimiento internacional. La película sigue a Arturo/Dayanara, un adolescente de 16 años que vive en un pequeño pueblo de la costa del Pacífico mexicano y que desea poder vestirse de mujer y expresar abiertamente su identidad. La película tiene una fuerte dimensión de observación social: a través de la experiencia de Arturo, Santamaría aborda el machismo, la violencia, la identidad de género, la homosexualidad y las dificultades para expresar el deseo en comunidades pequeñas. Al mismo tiempo, conserva una mirada cercana y afectiva hacia sus personajes. El filme tuvo una trayectoria especialmente destacada en festivales. . Su trabajo como cinefotógrafo Aunque es conocido internacionalmente sobre todo por sus películas como director, Santamaría ha desarrollado una importante carrera paralela como director de fotografía. Su filmografía incluye trabajos en documentales, ficción y cortometrajes, entre ellos Artemio (2017), Cuadros en la oscuridad (2017), El actor principal (2019), Vivos (2020), Mi pecho está lleno de centellas (2024) y otros proyectos. Esta doble condición de director y fotógrafo es importante para entender su cine: sus películas se apoyan mucho en la observación de los rostros, los espacios cotidianos, la intimidad familiar y la relación entre los personajes y su entorno. Seis meses en el edificio rosa con azul En 2026 Santamaría dio un paso decisivo con Seis meses en el edificio rosa con azul (Six Months in a Pink and Blue Building), su primer largometraje de ficción. La película, coproducción entre México, Brasil y Dinamarca, fue seleccionada en Competencia de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes 2026, donde tuvo su estreno mundial. La historia está inspirada directamente en la infancia del propio director. Ambientada en el México de comienzos de los años noventa, sigue a Bruno, un niño de 11 años que comienza a descubrir sus sentimientos hacia su mejor amigo Vladimir justo cuando su padre recibe un diagnóstico de VIH. La familia intenta proteger a los niños del miedo y el dolor mediante la música, las fiestas y una aparente alegría permanente. La película mezcla memoria autobiográfica, ficción y elementos documentales. Para construirla, Santamaría revisó fotografías, videos y recuerdos familiares, intentando llenar con imaginación los vacíos de su memoria infantil. Incluso rodó parte de la película en la escuela a la que asistió durante su infancia. En Cannes, el director explicó que la película nace de una necesidad de regresar a un periodo de su vida que durante años no había podido comprender plenamente. El VIH, el miedo, el estigma hacia la homosexualidad y los silencios familiares aparecen así filtrados por la mirada de un niño. La película también fue programada en el Festival de San Sebastián 2026, dentro de Horizontes Latinos. Tiene una duración de 105 minutos y cuenta con fotografía de Fernando Hernández García y montaje de Andrea Rabasa Jofre, Bruno Santamaría Razo y Marilia Moraes. Una obra marcada por la intimidad En conjunto, el cine de Bruno Santamaría Razo se caracteriza por una aproximación íntima, sensible y humanista. Tanto Margarita como Cosas que no hacemos se acercan a personajes cuya identidad, deseo o forma de vida entra en tensión con las normas sociales. Con Seis meses en el edificio rosa con azul, esa búsqueda se vuelve autobiográfica: el director pasa de observar las experiencias de otras personas a reconstruir una parte de su propia infancia. Por ello, puede considerarse un cineasta interesado particularmente en la identidad, el deseo, la memoria, la familia, la vulnerabilidad y aquello que permanece oculto dentro de la vida cotidiana. El propio Festival de Cinélatino de Toulouse ha descrito su trabajo como un cine que explora las capas más íntimas y frágiles de personas en búsqueda de reconocimiento de su identidad.

La arqueóloga peruana Carito Tavera Medina fue protagonista de un encuentro organizado por el Centro Cultural Peruano en la Maison de l’Amérique latine de París donde dio su visión sobre la arqueología femenina en Perú. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Carito Tavera Medina es investigadora predoctoral de la Universidad de Barcelona, Magister por la Universidad de Rennes 1 y Licenciada en Arqueología por la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Es así mismo coordinadora de la Red de Mujeres en Arqueología Peruana, miembro del Committee on the Status of Women in Archaeology de la Society of American Archaeology  y directora del Instituto Peruano de Estudios Arqueológicos. Co directora del Programa Arqueológico Chicama e integrante del equipo de trabajo del proyecto Arqueólogas/Herstory  financiado por el Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades, Agencia Estatal de Investigación y la Unión Europea. Ha sido profesora del departamento de arqueología de la Universidad San Antonio Abad del Cusco, Perú y de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Lima, Perú. Su línea de investigación es el estudio del papel y la situación de las mujeres en la arqueología peruana desde una perspectiva feminista. Ha co-editado el libro Mujeres del Pasado y del Presente: Una Visión desde la Arqueología Peruana. Además, ha trabajado sobre la muerte en el mundo prehispánico y la relación entre el ser humano y las plantas, con énfasis en la sociedad Moche.

La cantante venezolana Eliana saca al mercado el próximo 24 de octubre “Le voyage extraordinaire de Coline Bernard” su primer álbum íntegramente en francés. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Eliana es cantante, compositora e intérprete, nacida en Caracas, Venezuela. Su trayectoria artística se ha desarrollado entre Venezuela y Francia. Su propuesta combina el jazz con la música latinoamericana, la poesía, la canción francesa y elementos de la tradición musical venezolana. Desde 2017 está instalada en Francia. Eliana creció en un ambiente familiar muy vinculado a la música. Su padre era músico y desde pequeña escuchaba repertorio latinoamericano, entre ello Bobo de la yuca, asociado a Benny Moré. También desarrolló tempranamente admiración por Édith Piaf y La Lupe, a quienes comenzó a imitar. Entró a formar parte del Teatro del Laberinto a los 8 años, lo que hizo que teatro y música estuvieron unidos desde su infancia y adolescencia. Durante su formación teatral tuvo contacto con repertorio del musical estadounidense, incluyendo canciones como I Feel Pretty, My Favorite Things e I Got Rhythm. Esta experiencia ayuda a explicar la posterior combinación que caracteriza su trabajo: interpretación escénica, canto y exploración de diferentes tradiciones musicales. En 2017 se trasladó a Francia. Allí continuó su formación musical al mismo tiempo que estudiaba literatura hispanoamericana, disciplina que, según la información publicada sobre ella, utiliza como fuente de inspiración para sus composiciones. Su experiencia migratoria terminó convirtiéndose también en parte de su lenguaje artístico. Su música reúne elementos de distintas procedencias y, en particular, combina su herencia venezolana con el jazz y otras influencias adquiridas en Francia. Su primer álbum « Instants d'après-midi » fue publicado en 2024. En la grabación y presentación del proyecto participaron, entre otros, Arthur Baud (bajo), Miguel Castro (guitarra), Mehdi Laakairi (batería) y Luisa Frago (saxofón). En abril de 2024 presentó el proyecto en una “release party” en Le Baiser Salé, uno de los conocidos clubes de jazz de París. La dimensión teatral no ha desaparecido de su carrera musical. De hecho, uno de sus proyectos posteriores gira alrededor de un personaje llamado Coline Bernard. Después de Instants d'après-midi, Eliana comenzó a desarrollar Le Voyage extraordinaire de Coline Bernard, concebido como un universo musical y narrativo en el que el público sigue las peripecias de este personaje a través de diferentes presentaciones. El nuevo proyecto amplía considerablemente sus referencias musicales. Además del jazz, incorpora influencias de Charles Mingus, Debussy, Chopin y la poesía de la Beat Generation, junto con composiciones propias. En 2025 desarrolló este proyecto mediante una residencia en Le Baiser Salé. Una de las últimas fechas de aquella residencia fue el 23 de julio de 2025, en un concierto junto a César, Aoko Soga al piano y Dereck Louwerse al contrabajo.

El historiador y empresario cubano Omar Sixto presentaba este martes en la Maison de l’Amérique latine de París su libro “Se acabó la diversión, la economía cubana: el salto del capitalismo al socialismo (1959-1965)”. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo.   Omar Sixto nació en La Habana en 1969, en el barrio de Luyanó, y se crio en El Cerro. Es sobrino del artista cubano Florencio Gelabert (1904–1995), músico, pintor y escultor. Salió de Cuba el 23 de septiembre de 1995, cuando tenía 26 años. Posteriormente desarrolló una trayectoria empresarial, incluida actividad en el comercio de calzado, además de su trabajo como escritor e investigador de historia cubana. Su libro “Se acabó la diversión” estudia fundamentalmente la transformación económica y social de Cuba durante los primeros años posteriores a 1959. El propio Sixto explica que el origen del texto estuvo en una tesis universitaria de grado, de la que conservó estadísticas y materiales de investigación para el libro. Mantiene el proyecto “Cuba olvidada: Recordar el pasado es recuperar el futuro”, dedicado a la investigación y divulgación de episodios de la historia cubana. Entre sus proyectos anunciados figura El tren de los egos. “Historia documentada del primer ferrocarril de Hispanoamérica (1834–1842)”, además de una historia de La Habana correspondiente al período 1859–1893. El título “Se acabó la diversión” alude además a una conocida canción de Carlos Puebla, asociada a la llegada de Fidel Castro al poder; Sixto utiliza el título en un sentido histórico relacionado con la ruptura del sistema económico y social cubano a partir de 1959.

El violoncelista venezolano Gregorio Nieto ha sido nominado a los Grammys latinos en la categoría Musica clásica por su álbum ‘Op. 33, Romantic Cello’’. El ganador se dará a conocer el próximo 12 de noviembre de 2026 en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Gregorio Nieto es un violonchelista venezolano de proyección internacional radicado en Nueva York que concibe el violonchelo como una voz más que como un instrumento en sí mismo, desarrollando un lenguaje artístico propio basado en la autenticidad. Inició su formación en Barquisimeto, conocida como la ciudad musical de Venezuela, dentro del Sistema Nacional de Orquestas, fundado por el Maestro José Antonio Abreu, quien con el tiempo se convertiría en su gran mentor. Desde los 10 años inició un recorrido dentro del Sistema Nacional de Orquestas de Venezuela que lo llevó a formar parte de sus principales agrupaciones, desde la Orquesta Nacional Infantil y Juvenil hasta la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, participando en giras internacionales por América Latina, Europa y Estados Unidos y trabajando con directores como Giuseppe Sinopoli, Simon Rattle, Claudio Abbado y Gustavo Dudamel. Posteriormente, a los 22 años, obtuvo por concurso el puesto de primer violonchelista solista de la Orquesta Sinfónica de Venezuela, la más antigua del país. Su desarrollo como solista comenzó en Venezuela, donde formó parte de la Academia Latinoamericana de Violonchelo bajo la guía de William Molina. Posteriormente realizó una breve estancia en París en 2005. Años más tarde se trasladó a Moscú, donde fue admitido en el Conservatorio Tchaikovsky, integrando la exclusiva cátedra de la legendaria violonchelista rusa Natalia Gutman, siendo uno de sus cinco alumnos entre 2009 y 2012. Durante este período debutó como solista en 2011 en la Sala Filarmónica Tchaikovsky de Moscú, en el concierto “Gutman y sus alumnos”. Complementó su formación con clases magistrales de destacados maestros como Gary Hoffman, Philippe Muller, Miklós Perényi, David Finckel y Richard Aaron. Desde su llegada a Nueva York, con motivo de un concierto privado para la distinguida diseñadora venezolana Carolina Herrera, Gregorio estableció una conexión instantánea con la energía vibrante de la ciudad, su desbordante inspiración artística y su riqueza multicultural, elementos que lo hicieron sentirse en casa y que han sido fundamentales en la evolución de su identidad artística y en la proyección de sus proyectos. Desarrolla una activa carrera como solista, con presencia especialmente en Estados Unidos y Europa, en paralelo a una línea de producciones discográficas realizadas bajo el sello ARIAclassics y con la producción ejecutiva de Cora Capriles. Entre ellas destaca su álbum Esencia: Latin American Masterpieces for Cello and Piano, junto a la pianista japonesa Riko Higuma, con la participación del Maestro Paquito D’Rivera, quien lo ha descrito como “uno de los mejores chelistas con los que ha tenido la oportunidad de tocar”. Grabó Opus 33 – Romantic Cello junto a la London Symphony Orchestra. Actualmente prepara el lanzamiento de su más reciente álbum para cello y piano, titulado Berceuse for the Soul, dedicado al repertorio francés, previsto para diciembre de 2026. En el ámbito académico participa como jurado en importantes certámenes internacionales, entre ellos el Concurso Internacional de Violonchelo Kachaturián. Además del repertorio clásico tradicional, Gregorio ha mostrado un marcado interés por la creación de música contemporánea, colaborando en este ámbito con figuras como Paquito D’Rivera y Arturo Márquez, y manteniendo actualmente proyectos con Gonzalo Grau y Anthony Hopkins, en un entorno de colaboración que incluye al maestro Gustavo Dudamel, consolidando una presencia activa en el panorama internacional.

El pianista de jazz francés Adrien Brandeis presenta el sábado 17 de octubre en el Auditorio Jean-Pierre Miquel de Vincennes, a dos pasos de París, su nuevo álbum en solitario “Handmade”. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Adrien Brandeis es pianista y compositor de jazz, nacido en la ciudad francesa de Annecy en 1992, graduado en el Conservatorio de París. En 2017 produjo su primer álbum, «Euforia», que cosechó un gran éxito internacional y lanzó a Adrien al primer plano de la escena del jazz tras ganar el premio Letter One Rising Stars Jazz Award 2018. En 2020 compuso su segundo álbum, «Meetings», con el que evolucionó hacia un sonido más moderno y fresco. El álbum fue seleccionado por TSF Jazz entre los 10 mejores discos de jazz en Francia. En 2022, «Siempre más allá» supuso el homenaje personal de Adrien a México tras haber realizado varias giras por el país. En noviembre de 2022 recibió el Gran Premio UNAC al Nuevo Talento de Jazz (UNAC - Unión Nacional de Autores y Compositores de Francia). En mayo de 2025 lanza su cuarto álbum, «Résurgence», marcando su regreso a la escena francesa y europea. Es un proyecto compuesto por piezas profundas y exigentes, interpretadas con una expresividad musical exquisita y un despliegue de ritmos impulsados ​​por melodías poderosas y una gran riqueza armónica. En busca de nuevos retos, resultó ganador de la 21.ª edición del Concurso de composición de música para cine «Musique en Courts» 2025. En 2026 publica su quinto álbum, «Handmade», testimonio de sus numerosos recitales por todo el mundo. A sus 33 años, Adrien Brandeis ya ha presentado su música en algunos de los festivales de jazz más importantes de Europa (Nice Jazz Festival —Francia—, Umbria Jazz Festival y Roma Jazz Festival —Italia—, Jazz Open Stuttgart —Alemania—, Love Supreme Jazz Festival —Reino Unido—), así como en Asia (Jazzmandu —Nepal—, Kolkata Jazz Festival —India—, Blue Note en Shanghái y Pekín —China—) y en América del Norte (Zacatecas Jazz Festival, Polanco Jazz Festival y Festival de Música de Morelia —México—; San Jose Jazz Festival —Estados Unidos—).

El periodista e historiador del futbol peruano Antenor Guerra-García ofrecía una conferencia sobre la historia del futbol peruano en el Consulado de Perú en París. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Antenor Guerra-García es Licenciado en Comunicación en la especialidad de periodismo por la Universidad de Lima. Es autor de los libros El Fútbol Peruano: Protagonistas de su historia (Dos ediciones y Premio Luces Mejor Edición Especial Diario El Comercio 2017); Seleccionario: Diccionario de jugadores de la selección peruana 1927-2017); El Fútbol Macho. 50 años de Copa Perú (Nominado al Premio Luces Mejor Edición Especial Diario El Comercio 2019); Equipos que fueron (Nominado al Premio Luces Mejor Edición Especial Diario El Comercio 2021) Celeste para siempre (2022), Temporadas Internacionales de Fútbol en Perú 1924-1974. (2022), Estadios en Perú (Nominado al Premio Luces Mejor Edición Especial Diario El Comercio 2023, Universitario El más campeón (2024. Dos ediciones), DiccionariU Jugadores de Universitario de Deportes 1924-2024 (2024), Las mejores U en Crema y Negro (2025) y El Fútbol Achorado. El Mundialito de El Porvenir (En imprenta 2026) En 1986 formó parte del grupo de periodistas que fundó el suplemento Deporte Total del diario El Comercio. Entre 1991 y 1995 trabajó como consultor en proyectos del Fondo de Población de las Naciones Unidas (UNFPA). En 1992 ganó en Barbados el premio de periodismo en Latinoamérica de la Federación Internacional de la Planificación de la Familia (IPPF). Entre 1998 y 2010 fue jefe de Prensa de la Universidad de Lima y director de Proyectos del Grupo de Opinión Pública de esa casa de estudios. Entre el 2011 y 2012 fue gerente del Área Social de Arellano Marketing. Entre el 2023 y 2024 fue gerente de Sunqu Consultoría de Comunicación. Es Consultor Senior de Pleno Ingeniería Social. Colabora con las revistas Once, Sudor, Caretas y el portal de noticias Infobae. Ha dictado el Curso de Extensión “Historia del Fútbol Peruano” para el Instituto Riva Agüero (PUCP). Realiza  Pódcast sobre temas de fútbol para la Asociación Cultural Peruano Británica.  Página web: antenorguerragarcia-libros.com

La escritora mexicana Guadalupe Nettel participa este viernes en una mesa redonda, en la Maison du Méxique de la Cité Internacional de París, entorno a las relaciones literarias entre Francia y México en el marco de los actos del segundo centenario de las relaciones diplomáticas entre ambos países. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  La escritora Guadalupe Nettel (Ciudad de México, 1973) es, sin lugar a dudas, una de las escritoras más determinante en la literatrua contemporánea, por sus temas, complejidad de su obra y por su trabajo como promotora y difusora de la litertura y la cultura. Es egresada de la licenciatura en Lengua y Literatura Hispánica de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), y tiene un doctorado en Ciencias del Lenguaje por la École des Hautes Études en Sciences Sociales de París. A los 17 años ganó el Premio Punto de Partida, organizado por la dirección de literatura de la UNAM en 1991 y un año después obtuvo el segundo lugar en el Grand Prix International a la Meilleure Nouvelle de Langue Française, organizado por Radio Francia Internacional. Su obra ha sido galardonada con distintos premios como el Premio Anna Seghers 2009, el Premio Antonin Artaud 2008, el Premio Nacional de Cuentos Gilberto Owen 2007, en 2013 obtuvo el Premio Internacional de Narrativa Breve Ribera del Duero con el libro El matrimonio de los peces rojos​ (Páginas de espuma, 2013) y en 2014 el Premio Herralde de Novela con Después del invierno (Anagrama, 2014). Entre sus obras publicadas se encuentran dos ensayos sobre los escritores Julio Cortázar y Octavio Paz, quien fue el tema de su disertación doctoral. Su cuento Fenêtre participó en el proyecto In my Room, dirigido por la artista multimedia Agnès De Cayeux en el Centro Georges Pompidou y fue adaptado por la cadena de televisión ARTE. En 2007 fue seleccionada por el Hay Festival como una de las autoras de Bogotá 39. Ha dirigido hasta el 2010 junto con Pablo Raphael, la revista Número 0, un proyecto de intersección entre las culturas iberoamericanas y francófonas.  También ha colaborado en distintas revistas y suplementos literarios francófonos e hispano-hablantes como L’atelier du roman, L’inconvénient, Qué Leer, Confabulario, El Ángel, Letras Libres y El País. El huésped es su primer libro y empezó a escribirlo 10 años antes de su publicación, aproximadamente en 1995. El desdoblamiento, la belleza extraña, la forma rebelde a la norma, son algunos de sus temas  Obras Les jours fossiles (Éditions de l'Éclose, 2002) · El huésped (Anagrama, 2006) · Pétalos y otras historias incómodas (Anagrama, 2008) · Para entender a Julio Cortázar (Nostra Ediciones, 2008) · El matrimonio de los peces rojos (Páginas de espuma, 2013) · Después del invierno (Anagrama, 2014) · Octavio Paz. Las palabras en libertad (Taurus, 2014) · El cuerpo en que nací (Anagrama, 2019) · La hija única (Anagrama, 2020) · El caribe No. 874- 875 (Revista de la Universidad de México, 2021) · Los Muertos: Day of the Dead Fiction (Tinta Books, 2025)

La escritora venezolana Carol Prunhuber presenta este viernes en la Maison de l’Amérique latine de París su libro "De Venezuela al Kurdistán, crónicas de un destino" editado en Madrid por Kálatho Ediciones. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Carol Prunhuber (Caracas, Venezuela, 26 de julio de 1956) estudió Letras en Caracas y posteriormente cursó un doctorado en estudios hispanoamericanos en la Universidad de París. Desarrolló su trabajo periodístico en asuntos internacionales, se concentró específicamente en la situación del pueblo kurdo, y en los derechos humanos. ​ Comenzó a escribir para periódicos en español y después trabajó como agregada de prensa con destacados diplomáticos y políticos en Madrid. Fue corresponsal en el extranjero para el periódico venezolano El Nacional en Madrid en los años ochenta. Conoció al líder iraní kurdo Abdul Rahman Ghassemlou en París en 1983.​ Mediante la agencia de noticias francesa Gamma TV, Carol viajó en 1985 a Kurdistán iraní, en Bagdad, para filmar sobre la lucha de los kurdos en Irán. Después de tres años de extensa investigación y entrevistas, Carol terminó de escribir Pasión y muerte de Rahmán el kurdo en 1991.​ El libro fue traducido al turco y al kurdo en 2009.​ Ha escrito varios libros, incluyendo Agua, silencio, memoria y Felisberto Hernández (Caracas, 1986) y Pasión y muerte de Rahmán el kurdo (1991), y es coautora de Femmes: Les Grands Mythes Féminins à travers le monde (París, 1987) y Women: Around the World y Through the Ages (USA, 1990).​ En 2019 Carol publicó su libro Sangre y Asfalto sobre las protestas en Venezuela de 2017, que fue presentado en Madrid,​ en París,​ y en la Feria del Libro de Miami.

La mexicana Alicia Leos es la directora del  Festival Mujer Mariachi que va a tener lugar del 25 al 27 en París. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI acompañada por Greta Guzman, coordinadora de comunicación y Sofía Viramontes encargada de su Expofoto. Cantautora e intérprete, Alicia Leos es originaria de la norteña Cd. Cuauhtémoc, Chihuahua, México. Es fundadora de "ArrieraSomos", el primer Mariachi Femenil de la historia de Francia (MFAS). Desde temprana edad ha demostrado una gran pasión por la música popular latinoamericana en general y, en particular, por la música tradicional mexicana. Durante más de diez años, ha estado involucrada en varios proyectos musicales, tanto amateurs como profesionales, en París y la región parisina. En 2020 crea una AC artístico-cultural para llevar a cabo su proyecto de Mariachi Femenil, así como un Podcast con el objetivo de entrevistar a mujeres artistas de diversas disciplinas, a artesanas y a creadoras, liderando un conversatorio relacionado con sus trabajos, pasiones y trayectorias profesionales. Como parte de este proyecto, crea en paralelo la marca comercial "Châlilèe • amourmextil", dedicada a la promoción y venta del arte textil mexicano. Este 2023 inaugura CASARRIERA Productions, una microempresa dedicada a la producción de músicas y espectáculos latino-mexicanos, con el objetivo de continuar desarrollando y profesionalizando su pasión por la transmisión del arte y la cultura. En 2021 publica su primer EP de 6 títulos, intitulado ÉPOCAS una coproducción entre su ciudad natal Cuauhtémoc y su ciudad de corazón, París; dicho material discográfico con 3 canciones de su autoría: “Épocas”, “Lo que tuve contigo” y “Mi raíz”, un canto de amor por México; (esta última pieza existe también en versión mariachi) Así como también 3 poemas musicalizados: “Salsa de Baudelaire” (Sur Le Tasse en prison) de Les Fleurs du Mal de Charles Baudelaire; “Balada de mi nombre” de la poeta chilena Gabriela Mistral y “Motivos” de la poeta brasileña Cecilia Meireles.

La artista argentina Ruth Arbiser acaba de inaugurar una exposición à dúo con la también argentina Alicia Dujovne Ortiz en "Le Select", una de las míticas braserías del barrio parisino de Montparnasse.  Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Ruth Arbiser artista y psicologa, nació en Buenos Aires pero vive y trabaja en París desde sus dieciocha años. Esta exposición individual permite a Ruth Arbiser mostrar al espectador la curiosidad que le despiertan las escenas de la vida cotidiana. Desde las ventanas de su espacio creativo, los objetos se transforman adquiriendo nuevas proporciones y nuevos significados. Con un estilo marcado por lo irreal, Arbiser aborda sutilmente cuestiones actuales, tal y como podemos apreciar en ‘Devaluación’, donde los billetes parecen esfumarse, una metáfora clara de las tensiones económicas contemporáneas. Tal y como ella misma afirma: “Quien quiera expresar ideas detalladas, que escriba un libro”. Alicia Dujovne Ortiz, periodista, escritora y artista autodidacta argentina; nacio en Buenos AIres. Su obra gráfica fusiona recuerdos de infancia, imágenes aparentemente inocentes, episodios de la vida y asociaciones caprichosas con un estilo artístico sumamente espontáneo. Si bien inicialmente puede parecer desenfadada y humorística, también nos invita a reflexionar sobre la relación de cada persona con su propia infancia y su papel en la formación de su personalidad. Las apariencias engañan en sus obras, que subvierten con ingenio las convenciones de la imaginería infantil. La artista transforma estas convenciones en escenas inquietantes o absurdas. La metamorfosis impregna su trabajo: crea retratos de animales que reflejan su ferviente compromiso con los derechos de los animales.

Los artistas argentinos Chiachio & Giannone acaban de inaugurar en la Galería Bendana Pinel de París su muestra “La familia elegida”. Naturalmente han estado Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. El dúo artístico Chiachio & Giannone está compuesto por Leo Chiachio (Buenos Aires, 1969) y Daniel Giannone (Córdoba, Argentina, 1964), pareja tanto en el arte como en la vida, quienes viven y trabajan juntos en Buenos Aires desde 2003. Ambos cuentan con estudios académicos en pintura, mientras que han decidido utilizar el arte textil como lenguaje para contar su historia, bordando como si pintaran con aguja e hilo. Su obra reciente consiste en piezas realizadas con materiales domésticos rescatados de casas de amigos y de las suyas propias, que cuentan o llevan la historia reciente de sus lugares de origen. En ellos, el dúo presenta su familia, integrada también por tres perros dachshund como hijos/mascotas, en ambientes festivos, a la usanza de los retratos familiares tradicionales, subvirtiendo las nociones de familia actuales. Junto a sus exposiciones alrededor del mundo, Chiachio & Giannone trabajan con las comunidades locales en la creación de piezas colaborativas que celebran la diversidad, difuminando las líneas de género y cuestionando la forma en que las identidades, especialmente la LGBTQ+, han sido presentadas por la historia. Su proyecto Celebrating Diversity fue presentado por el Museo de Arte Latinoamericano de Los Ángeles (California) en 2019, oportunidad en la que junto a 3.000 participantes de la comunidad local bordaron una bandera del orgullo de 36.5 metros de largo, con la que lideraron el Pride 2022 de Long Beach el pasado mes de julio. Entre enero y marzo de 2020 participaron de una residencia y posterior exposición en el Lux Institute de San Diego (California), en tanto que entre febrero y abril de 2022 presentaron su proyecto Hope Will Never Be Silent en Transpalette – Centre d´Art Contemporain en Bourges (Francia). Junto a Isabel Croxatto Galería presentaron Genio Doméstico en 2019, su primera exposición en Chile, ocasión en que la dupla realizó la actividad colaborativa Bordatón y donó una pieza inédita al Museo Violeta Parra en homenaje a la artista y a los heridos durante el 18-O; mientras que en enero de 2021 curaron la muestra virtual CUIR en la plataforma ICG+, que reunió las obras de una constelación de 20 artistas queer de toda América. Chiachio & Giannone viven y trabajan en Buenos Aires.

El artista francés Louis Durot acaba de inaugurar en la Galería Argentina de París una exposición que con el nombre de “Alquimia y diseño pop” se enmarca en la “París Design Week”. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Louis Durot es químico, diseñador y escultor francés. Nacido en París el 28 de abril de 1937, su trabajo se inspira en el “pop art”. Tras una denuncia durante la Segunda Guerra Mundial, Louis Durot y su familia fueron arrestados en una redada en Plascassier y deportados en camión al campo de exterminio de Auschwitz. En el camino, el vehículo se averió y los pasajeros perdieron el tren a Auschwitz. Louis Durot fue acogido por un pastor de cabras que vivía recluido en Magagnosc, en el sur de Francia. Madame Guizol escondía a otros doce niños judíos. Su casa estaba al pie de un estrecho camino cuesta arriba, donde fluía un río; fue allí donde Louis Durot esculpió sus primeros juguetes de arcilla. En 1960, se matriculó en la Facultad de Ciencias, donde obtuvo un título preparatorio en Matemáticas 1 Mecánica. En 1963, trabajó como técnico durante dos meses y luego como ingeniero en Equipiel, donde se encargó de los cálculos y las mediciones de resistencia para el desarrollo de prototipos de centrales nucleares. Cuando la filial francesa se disolvió y se convirtió en una empresa de investigación, Equipiel le ofreció un año de formación en química orgánica. Entre 1966 y 1972, Louis Durot dirigió una docena de proyectos de investigación. En 1964, Louis Durot fundó Freelane Studio con el objetivo de reunir a artistas de diversas disciplinas con aspiraciones artísticas comunes. Freelane Studio congregó al periodista de jazz Gilles Brinon, al pintor Jean Ihallero y a Maxime Defert. Fue a través de ellos que Louis Durot conoció al pintor François Arnal, quien le presentó al escultor francés César Baldaccini, conocido como César, en 1966. Louis Durot fue asistente de César durante un año, poniendo a su servicio sus habilidades como ingeniero químico. En el taller de César, perfeccionó sus conocimientos sobre la espuma de poliuretano y las creaciones de espuma del artista, sus expansiones. Gracias a César, Louis Durot conoció a Pierre Restany —fundador y figura principal del grupo “Nouveau Réalisme” , creado en 1960, a Arman y a Robert Malaval . Estos encuentros resultaron cruciales para Durot, quien descubrió el mundo del arte y la práctica artística a través de sus nuevos amigos. Creó sus primeras obras en 1968. Los primeros bocetos revelan un mundo fantástico poblado por setas y plantas carnívoras. Esta nueva actividad requería más espacio, por lo que instaló su estudio en el número 35 de la rue Léon, en el distrito 18 de París.     Buscando una manera de crear objetos permanentes a partir de un material más flexible, colorido, resistente e inalterable, Louis Durot continuó su investigación fundando la empresa química de poliuretano Durgalith en 1972, la cual vendió en 1997 a SOPREMA . Louis Durot sigue siendo el director de investigación de poliuretano en Soprema y es responsable de la presentación de cientos de patentes. Louis Durot también es ingeniero de poliuretano en Shinjuker en Pekín.   La obra de Louis Durot está vinculada a la estética del arte pop: formas que sugieren algo más allá de su función y la apariencia de un solo material, sin rastros de ensamblaje, coloridas e inspiradas en el mundo del cómic.   A partir de 1998, Louis Durot expuso regularmente en China. En 2002, se celebró una exposición dedicada a él en el Museo de Arte de Guangdong, en Guangzhou «Juguetes de ensueño en el mundo adulto». Este éxito propició que Louis Durot fuera contratado como profesor en la Academia de Bellas Artes de Guangzhou.   La obra de Louis Durot está presente actualmente en varios continentes (Estados Unidos, Europa, Asia).

La cantante mallorquina María del Mar Bonet actuará el próximo 11 de octubre en el Olympia de Paris, cincuenta años después de su primera actuación en la mítica sala parisina. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Maria del Mar Bonet es una de las voces fundamentales de la música catalana y mediterránea contemporánea. Cantante, compositora e intérprete de una gran riqueza expresiva, ha desarrollado durante seis décadas una obra estrechamente vinculada a la cultura popular de Mallorca, la poesía catalana y las tradiciones musicales del Mediterráneo. Nació en Palma de Mallorca el 27 de abril de 1947 y continúa en activo.  Infancia y formación Maria del Mar Bonet i Verdaguer nació en Palma en el seno de una familia relacionada con la cultura. Es hija del escritor y periodista Juan Bonet y hermana del cantautor Joan Ramon Bonet, que también estuvo vinculado a los primeros círculos de la Nova Cançó. Desde joven mostró interés por las artes plásticas y estudió cerámica en la Escuela de Artes y Oficios de Palma y posteriormente en la Escola Massana de Barcelona. Sin embargo, su trayectoria acabaría orientándose hacia la música.  Llegada a Barcelona y la Nova Cançó En 1967, con veinte años, se trasladó a Barcelona. Allí entró en contacto con el ambiente cultural que estaba dando forma a la Nova Cançó, movimiento que reivindicaba la utilización del catalán en la música popular y que se desarrolló durante los últimos años del franquismo. Ese mismo año se incorporó a Els Setze Jutges, colectivo al que pertenecieron algunos de los principales protagonistas de la Nova Cançó. Su incorporación fue especialmente significativa porque aportó al movimiento una sensibilidad procedente de la tradición musical mallorquina. EEnciclopedia A diferencia de otros cantautores de la época, que cultivaron principalmente la canción política y de protesta, Bonet desarrolló una obra muy vinculada a la poesía, el folklore, el paisaje y la cultura mediterránea. Eso no impidió que algunas de sus canciones adquirieran un fuerte significado político y social. Primeros éxitos Uno de sus primeros grandes éxitos fue «Què volen aquesta gent?», con letra de Lluís Serrahima. La canción, de marcado contenido de denuncia, se convirtió en una de las piezas emblemáticas de la canción catalana durante el franquismo.  También alcanzó una gran popularidad con «L'àguila negra», adaptación de una canción de la cantautora francesa Barbara, y con «No voldria res més ara». Estas canciones contribuyeron a que obtuviera un Disco de Oro en España en 1971.  Una cantante profundamente mediterránea El elemento que probablemente define mejor la trayectoria de Maria del Mar Bonet es su relación con el Mediterráneo. Desde sus primeros discos recuperó canciones y melodías de la tradición popular de las Baleares, especialmente de Mallorca, y posteriormente amplió su investigación hacia otras culturas mediterráneas. En su obra aparecen influencias de las músicas griega, magrebí, valenciana, catalana y de otras tradiciones del Mediterráneo. canciones tradicionales mallorquinas y mediterráneas.

El dramaturgo español Paco Bezerra estrena el próximo miércoles16 de septiembre su obra ‘Muero porque no muero’ en el Teatro de la Bastilla de París, cuatro años después de que fuera desprogramada por los Teatros del Canal de Madrid. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Francisco Jesús Becerra Rodríguez, más conocido como Paco Bezerra (Almería, 1978), es un dramaturgo español, licenciado en Dramaturgia y Ciencias Teatrales por la RESAD en 2004. Además, está titulado en Técnica e Interpretación por el Laboratorio de Teatro William Layton (2000). En 2003 publicó la obra Ventaquemada representada en octubre de 2008 como lectura dramatizada en Milán. Ganador del premio Barahona de Soto a la mejor obra de autor andaluz en 2004 por Viaje a Tindspunkt; Premio Calderón de la Barca en 2007, otorgado por el Ministerio de Cultura de España, para autores teatrales noveles, por Dentro de la tierra, con el cual obtuvo en 2009 el Premio Nacional de Literatura en la modalidad de Literatura Dramática. En 2022 es galardonado con el XXX Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela, por su obra Muero porque no muero, la vida doble de Teresa. Aunque nacido en Almería y criado en el popular barrio almeriense de El Alquián, es en Madrid donde desarrolla buena parte de su formación teatral y trabajo como actor y dramaturgo. Ha sido colaborador crítico habitual en la revista de investigación y creación teatral Acotaciones, coordinada por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. También ha trabajado como profesor y conferenciante en talleres de escritura dramática en diferentes universidades, escuelas y festivales. En 2008, becado por la Sociedad General de Autores de España, Bezerra estuvo presente en el Obrador d’Estiu, organizado por la Sala Beckett de Barcelona, como representante español junto con otros siete jóvenes dramaturgos de diferentes países. Allí participó en el taller "L’altra llengua/la llengua de l’altre", coordinado por el dramaturgo marroquí Ahmed Ghazali, donde se realizó una lectura dramatizada de su texto La noche del dragón. De ahí nació su obra El señor Ye ama los dragones, que fue la primera producción programada por Juan Carlos Pérez de la Fuente tras ser nombrado director del Teatro Español de Madrid en 2014, con puesta en escena de Luis Luque. En su faceta de actor, en teatro ha trabajado para directores como Francisco Vidal, Paca Ojea, Carlos Alonso o Nacho Sevilla entre otros; y en cine para los Hermanos Rico y para José Miguel Ganga. En la actualidad trabaja como letrista musical para La Prohibida, cantante española de música electropop, y como profesor de Literatura Dramática en el Laboratorio de Teatro William Layton de Madrid. Formación Paco Bezerra está titulado en Técnica e Interpretación por el Laboratorio de Teatro de William Layton, y licenciado en Dramaturgia y Ciencias Teatrales en la Real Escuela Superior de Arte Dramático. En el Laboratorio tuvo como profesor, entre otros, al actor y director Francisco Vidal y al dramaturgo José Ramón Fernández que también le acompañó en la RESAD y durante el proceso de creación de su obra Dentro de la tierra. Como ampliación de su formación ha asistido a diversos cursos de teatro, entre ellos: "Gozar con el bien decir" impartido por Mari Paz Ballesteros, "Voz" impartido por Concha Doñaque, "Interpretación" impartido por José Pedro Carrión, "Verso", impartido por Alicia Hermida, "Transformación" por Antonio Llopis, "Escritura dramática" por Michel Azama, "Dramaturgia de Textos narrativos" por José Sanchis Sinistierra y "Escritura dramática" impartido por José Ramón Fernández. Sus estudios de interpretación y su dominio de la técnica actoral han influido directamente en su obra. Bezerra considera indispensable la unión del campo interpretativo con el campo literario para lograr que sus palabras, puestas en boca de sus personajes, consigan su objetivo.