Monográfico Radio Valleseco.

Bee Gees es un grupo de origen británico compuesto por tres hermanos: Barry, nacido en 1946 y los gemelos Robin y Maurice, nacidos en 1949. En la década de los cincuenta los Bee Gees comienzan a actuar en público, en pequeños conciertos en su pueblo natal. En 1958 su familia se muda a Australia, donde los tres hermanos seguirían desarrollando su actividad artística. Así, después de tocar en diversos clubs, firman en 1963 su primer contrato con una discográfica y en 1964 graban su primer álbum. En 1966 consiguen su primer número uno en Australia con el tema 'Spicks and Specks'. Un año después regresan a Inglaterra. En 1967 Bee Gees lanzan su primer álbum en Inglaterra, 'Bee Gees First', consiguiendo un enorme éxito con temas como 'Holiday', 'To Love Somebody' o 'New York Mining Disaster'. Todas las canciones del disco fueron compuestas por Barry, con apenas diecinueve años. Después de mudarse a Miami y contactar con el productor Arif Mardin, los Bee Gees comienzan su etapa americana con el disco 'Mr Natural', en 1974 y 'Main Course', un año después. Su estilo evoluciona desde la canción romántica y sentimental hasta el Rhym & Blues. Poco después se pasan a la música disco, anticipándose a lo que luego sería la moda. Editan 'Children Of The World', consiguiendo el número uno con la canción 'You Should Be Dancing'. En 1977 llegó su mayor éxito a nivel mundial y el más vendido: 'Saturday Night Fever', el disco de la película del mismo título. En 1979 Bee Gees publican 'Spirits Having Flown', consiguiendo varios números uno con temas como 'Tragedy' y 'Too Much Heaven'. Su estilo ahora era nuevamente melódico en sus letras, aunque con un ritmo más vivo. En 1981 editan 'Living Eyes', tras el que se toman un descanso en su carrera como grupo para iniciar pequeños trabajos en solitario, aunque el que mayor éxito tuvo fue Barry, quien colaboró en composiciones para innumerables artistas de la talla de Barbra Streisand, Diana Ross o Kenny Rogers. En 1987 los Bee Gees se vuelven a reunir para grabar 'E.S.P.' y dos años después 'One'. En 1991 publican 'High Civilization' y en 1993 'Size Isn't Everything'. Su disco más reciente es 'Still Waters', en el que los Bee Gees siguen deslumbrando a medio mundo con sus voces.

Mi infancia transcurrió en Castejón, un pequeño pueblo de la provincia de Cuenca, donde nací el 18 de enero de 1945. Desde niño aprendí a amar la música, abrazando mi primer instrumento musical: un laúd con el que formé parte de la rondalla del pueblo. Dicen mis amigos de entonces que en la clase de solfeo fui un alumno asquerosamente aventajado. Creo que llevaban razón. Todavía hoy conservo en la memoria la melodía de alguna de aquellas lecciones. Fui el tercero de cuatro hermanos y el único varón, por tanto supongo que bastante consentido. A los trece años salí de Castejón para estudiar en la Universidad Laboral de Sevilla. Reconozco que no fui brillante, estudié lo justo para sacar adelante durante siete años la beca que disfrutaba, ya que mi familia no disponía de demasiados recursos económicos. Estudié electrónica y nunca tuve vocación de ingeniero, y un día, por culpa de la música, interrumpí mis estudios. En aquel colegio tuve la fortuna de conocer la música en estado puro. Un cuarteto de cámara nos regalaba algún que otro concierto y nos educó el oído y el alma para percibir cada matiz de unas partituras escritas por los clásicos y que disfrutábamos con verdadera pasión. Con otros compañeros, formamos un grupo musical, The Lunic Boys, influenciados por los grupos que entonces escuchábamos en la radio. Compaginábamos las clases con los ensayos en un pequeño cuarto que los curas nos proporcionaron, y las guitarras nos las fabricamos nosotros mismos en los talleres de la universidad. Mi primer premio llegó con motivo de uno de los festivales de música que se celebraba cada año en la plaza de la Universidad, interpretando con una melódica la canción Orfeo Negro. Era una copa que soñaba ser de plata sobre una peana de plástico marrón, que delataba su verdadero origen, y que lejos de servir para celebrar el triunfo, sirvió, una vez llena de un barato vino espumoso, para proporcionarnos nuestra primera borrachera de éxito. Como si de un juego de magia se tratara, se me pasó el tiempo del colegio y me encontré en Madrid, para continuar los estudios de electrónica, que definitivamente nunca terminé. Trabajé para sobrevivir, y poco a poco la música, una vez más, me llevó de la mano a cualquier lugar donde un músico, un cantante, o un artista cualquiera que dejara escapar el alma en sus acordes o en sus voces. Perales Autor Nunca podría haber imaginado que aquella canción “Niebla”, escrita a los dieciséis años en mi cuarto de estudiante en Sevilla, fuera el principio de una posterior y larga trayectoria como autor. Todo comenzó a finales de los años sesenta cuando llegué con cierto miedo a mi primera cita con un director discográfico, gracias a que mis amigos, dueños de un estudio de grabación, se empeñaron en presentar una maqueta mía con unas cuantas canciones, sin yo saberlo. Era una época en la que las grandes voces, como Nino Bravo, ocupaban los primeros puestos en las listas de éxitos. Mi única aspiración era que alguna de esas grandes voces llegara a interpretar alguna de mis canciones. Después de una larga espera, el director de aquella compañía me recibió en su despacho, de cuyas paredes colgaban los discos de oro y platino, símbolo de éxito de sus artistas. “He recibido unas maquetas con canciones tuyas grabadas con tu voz y tu guitarra. Debo ser sincero contigo – me puse nervioso - . Creo que como cantante no tienes mucho futuro, ya que no tienes una gran voz – era obvio – y físicamente, no eres un galán de cine – yo asentí -, sin embargo creo que eres un buen compositor de canciones – respiré -.” Estaba a punto de proponerme lo que yo deseaba: ser autor para cualquier cantante que me solicitara una canción. Me propuso escribir para los artistas de su compañía. Escribí para gente tan diferente como Marián Conde, el grupo Tartesos, Basilio, Juan Bau, Jacobo, Fórmula Quinta, etc… Mi nombre sonó rápidamente en la radio como autor de canciones para artistas de estilos y voces muy diferentes. Algunas sonaron, encaramándose a los primeros puestos de las listas, como “Te conocí”, del dúo Hierbabuena. Precisamente de la mano de uno de sus miembros, Josele, entré a formar parte como autor de la compañía Hispavox, escribiendo una canción para Jeannette, llamada “Palabras Promesas”, que dio título a uno de sus discos. Poco después escribiría para ella “Por qué te vas”, banda sonora de la película “Cría Cuervos” del director Carlos Saura, y que después de más de veinte años sigue siendo versionada por artistas de cualquier lugar del mundo y en cualquier idioma. La versión en japonés es especialmente curiosa. Sería muy larga la lista de artistas que a lo largo de más de treinta años han grabado mis temas. Todos fueron igualmente importantes para mí, aunque no todos fueron tan conocidos ni tuvieron la repercusión artística de Lola Flores, Rocío Jurado, Mocedades, Jose Luis Rodríguez, “El Puma”, Isabel Pantoja, Vicky Carr, Vicente Fernández, Daniela Romo, Yuri, Alejandro Fernández o José Feliciano, por citar algunos, y a los que quedo agradecido por hacerme crecer como autor a lo largo de todo este tiempo. Perales Intérprete Después de Jeannette fui reclamado por Rafael Trabuchelli para escribir para artistas como Raphael, Paloma San Basilio, Massiel, Enrique y Ana, etc… y paralelamente firmé un contrato como intérprete, casi obligado por aquel productor, que demostró tener una gran fe en mis canciones. A pesar de mi reiterada negativa a meterme en un estudio de grabación, intuyendo lo que me esperaba, dado mi miedo a enfrentarme al público, Trabuchelli insistió tanto que acepté, deseando de todo corazón que aquel disco pasara de noche, lo cual me facilitaría seguir trabajando como autor. Dos semanas después de salir al mercado, “Celos de mi guitarra” se ponía número uno en la lista de Cuarenta Principales. No había marcha atrás. Me despedí de mis compañeros de trabajo en un estudio de delineación, convencido de que volvería una vez pasado el éxito “momentáneo” de ese primer disco. No hubo manera. “Quisiera decir tu nombre”, “y te vas”, “Cosas de Doña Asunción” seguirían peleando con los primeros puestos de las listas. Alguna de ellas consiguió desbancar al número uno habitual por aquel entonces, Camilo Sesto. Mi primer premio profesional fue la Ibérica de Oro, por “Cosas de Doña Asunción”, y que me entregó Luis del Olmo en el festival de Roda de Barà. Inevitablemente pocos días después me ofrecieron mi primera actuación en la discoteca más importante en aquel momento en Barcelona, Don Chufo. El grupo que habitualmente acompañaba a Dyango se ofreció a ensayar conmigo mi escaso repertorio. Y debuté. Todavía me tiemblan las piernas. Miraba entre las cortinas rezando por que hubiera poca gente, para que mi temido fracaso tuviera la menor trascendencia posible. Una vez más me equivoqué. La gente me quiso más de lo que me merecí. Entendieron mis nervios y me perdonaron todo. Pocos días después debuté en Madrid en Cleofás. El resultado fue el mismo. Paralelamente los éxitos de España repercutían en todos los países de América, lo que me obligó a dividir mi tiempo entre las dos orillas del “Charco”. Hoy, después de casi cuarenta años de profesión, sigo esperando escribir mi mejor canción. No sé si algún día llegará, pero lo que nace en mí cada día al despertar es un agradecimiento profundo a la vida por tanto como me ha dado. Mi abrazo sincero a los que me habéis ayudado a caminar por este universo de la música, en donde todos necesitamos de todos, y donde una canción no habría sobrevivido de no haber alguien dispuesto a escucharla. Hoy, lejos de haberme marchado, siento que tomo aire para intentar un nuevo vuelo a caballo de alguna nueva canción. Ahora ya no soy el tercero de cuatro hermanos y único varón de la casa, ahora soy el más mayor de este pequeño grupo que es mi familia, en una casa donde la música sigue jugando al escondite. A Qué Dedico el Tiempo Libre Quizás me encantaría saber qué es eso del tiempo libre. Yo no lo conozco. Mi tiempo siempre está ocupado en algo en lo que suelo poner la misma pasión que pongo en escribir música. Me puedes encontrar cultivando el jardín, podando los rosales o en el huerto; tratando de sacar el parecido a una escultura, cociendo una vasija a mil trescientos grados en mi horno de cerámica, peleándome con los vientos, intentando dominar a ese velero que más que “Libertad” debería llamarse “Libertino”, porque a veces se escapa y me vuelvo loco buscándolo por la orilla del pantano; tumbado en el campo en el verano esperando la lluvia de estrellas, que casi nunca llueven. Emulando a Howard Carter descubriendo tumbas en el Valle de los Reyes en Egipto, o atravesando el Atlas nevado en busca de las dunas calientes del Sahara, o ascendiendo a las pirámides del Sol y de la Luna en ese Teotihuacan que visito cada vez que llego a Méjico. O sin ir más lejos, contando a mis nietos una nueva versión de aquellos cuentos que inventé para mis hijos. Será que me estoy haciendo mayor…...

Roberto Carlos Braga Moréira (Cachoeiro de Itapemirim, 19 de abril de 1941) es un cantante brasileño, considerado el rey del mercado discográfico de su país y un importante cantante melódico. Nació en el estado de Espírito Santo y fue descubierto en 1958 por el compositor y periodista Carlos Imperial. Desde los primeros años de la década de 1960, cuando triunfó en el mundo del pop brasileño a través de los programas musicales de televisión, tuvo sucesivos éxitos, gracias a su voz suave, melancólica y romántica. Líder de la ‘joven guardia’, movimiento musical influenciado por la música de The Beatles, Roberto Carlos resumía su estado de ansiedad en 1965 cantando: “Quiero que me calientes este invierno y que todo lo demás se vaya al infierno”. El movimiento se desvaneció, pero Roberto Carlos se convirtió en el rey del pop brasileño más convencional. Desde ese instante es considerado el Elvis Presley de Brasil. Entrados los años 70 Roberto Carlos se vuelve un cantante más romántico y sus éxitos comienzan uno tras otro a inundar las emisoras de radio no sólo de Brasil sino de todo el continente y de España. Es el único cantante latinoamericano que ha ganado el festival de la canción de San Remo en Italia. Otros como José Feliciano y Luís Miguel han participado en él también. Desde los 70 y hasta la fecha Roberto Carlos no ha dejado de grabar y hacer música exitosa. Tiene casi 100 millones de discos vendidos en todo el mundo, récord para un cantante latinoamericano. Ganador del Grammy al mejor intérprete pop en 1988, gracias a la canción "Si el amor se va". Es el único artista latino considerado leyenda que ha realizado un MTV acústico y colaborado con estrellas mundiales en diversas giras. Sus temas han aparecido en las bandas sonoras de varias películas. Destacar aquí alguna canción de Roberto Carlos es muy arriesgado por lo extensa que es su discografía. Es considerado uno de los más grandes cantautores de la historia en colaboración con su amigo Erasmo Carlos, juntos son una especie de GARDEL-LEPERA, o LENNON-MCARTNEY. Le ha escrito a todo, al amor, al desamor, al sexo, a dios, a la ecologia, a las madres, a los padres, a los viejos, a los niños, al amigo, al divorcio, a la guerra, etc. Realizar una lista de sus mejores canciones puede ser un trabajo largo y arduo, y ningún disco de éxitos resume su obra a la perfección, ya que serían necesarios de 3 a 4 cds para hacerlo o como por décadas como se acaba de lanzar en Brasil. Cada disco suyo contaba con más de un hit, y según registros es el artista latinoamericano que más ha sonado en la historia de las radios en el continente. El cacharrito, Jesus cristo, un millón de amigos, amada amante, que será de ti, propuesta, canzone per te, un gato en la oscuridad, detalles, el progreso, amigo, lady laura, desahogo, mi querido mi viejo mi amigo, no te apartes de mi, amantes a la antigua, cama y mesa, emociones, concavo y convexo, el amor y la moda, símbolo sexual, desde el fondo de mi corazón, apocalipsis, nuestro amor, negra, si el amor se va, mis amores, si me vas a olvidar, si piensas si quieres, amor sin límites, mujer pequeña... Todo esto sin contar la cantidad de éxitos conseguidos en Brasil que no entraron al mercado hispano por no ser traducidos al español, que suman más de 250 Ha tenido bastante mala racha con las mujeres con las que oficialmente ha estado relacionado. Su mujer Maria Rita murió hace algunos años tras una larga enfermedad. Su historia fue muy especial para estar juntos y cuando al fin lo lograron llego la enfermedad. Roberto carlos dedica cada show al terminar a Maria Rita En 1991, el cantante fue obligado a reconocer a Rafael Braga, hijo de María Lucila Torres, con quien mantuvo un romance cuando tenía 25 años. María Lucila también murió de cáncer de mama, dos días después que el artista había asumido la paternidad de Rafael, quien trabaja como vendedor de vehículos en Sao Paulo e intentó, sin éxito, seguir la misma senda de su padre. Con su primera mujer, Roberto Carlos tuvo tres hijos, uno de ellos, Segundinho, tiene serios problemas de visión y debe ser sometido a tratamiento médico periódico. Sus presentaciones son las más grandes realizadas por artista latino alguno, su orquesta es considerada la mejor de ningún cantante en la historia. Su formación original era de 32 músicos los cuales Roberto bajo a 16 con la aparición de los sintetizadores. La fama de la orquesta proviene de una vez que Tuvieron que acompañar a Frank Sinatra luego que sus músicos resultaron intoxicados y Roberto le dijo a Frank que solo le colocara las partituras y ellos lo acompañarían, así sucedió y Sinatra confeso jamas había tocado con orquesta igual. Curiosidades Es el más grande vendedor de discos de América latina- Es el único artista que ha vendido más discos que Los Beatles en América Latina- Si colocas uno al lado del otro sus discos de oro y platino dan la vuelta al estadio Maracanã (El más grande estadio de fútbol de Brasil- Perdió una pierna siendo niño la cual sustituyo por una protesis- Era el único cantante que editaba 2 discos por año uno en portugues y otro en español, tradición que abandono desde 1994. Ha lanzado en DVD sus películas de juventud y 3 más: MTV acústico, Pra sempre y Duetos los dos primeros conciertos en vivo y el último videos con otros artistas brasileros. En el 2009 celebra sus 50 años de carrera artística con una serie de eventos a lo largo de todo el país siendo el más grande un mega concierto realizado en el estadio Maracaná el más grande estadio de fútbol del mundo..

Roxette fue el primer grupo pop en exportarse de Suecia en los años 90. Integrado por Gun-Marie Fredriksson, nacida el 30 de mayo de 1958 en Östra Ljungby, y por Per Håkan Gessle, nacido el 12 de enero de 1959 en Halmstad. Inicialmente, Gessle era un solista cuya carrera empezó a inicios de los años ochenta. Antes había formado parte de la banda new wave "Gyllene Tider", fue allí donde cantó por primera vez con Marie. Thomas Johannson, quien fuera representante de ABBA lo descubrió mientras buscaba material para el álbum de Frida. En tanto Fredriksson ya había lanzado tres discos bastante populares en Suecia. Johannson los unió en 1985. La historia de Roxette empieza con la canción “Svartaa Glas”, escrita por Gressle. Este le pidió a una cantante sueco que la grabara, pero ella rechazó el trabajo. Gessle hizo una versión en inglés del tema: “Neverending Love”, Entonces Rolf Nygren, de la casa disquera EMI, le sugirió que grabara el tema con Marie, quien aceptó de inmediato. La canción se convirtió en un éxito en Suecia, por lo que en 1986 deciden unirse para formar Roxette. El nombre del dúo viene de una canción del grupo Dr. Feelgood, una de las bandas favoritas de Per. Durante 1986 se dedicaron a grabar en el estudio de Gressle en Halmstad y al año siguiente lanzaron su disco debut: “Pearls of Passion” En 1988 publican "Look Sharp", con el que realizaron una gira por Suecia. El disco es un éxito, y un muchacho norteamericano que se encontraba en Suecia por motivo de un intercambio estudiantil grabó el disco y se lo dio a una emisora norteamericana. Tuvo muchísima acogida entre los norteamericanos y muy pronto se pasaron copias entra las emisoras, hasta que Roxette comenzó a vender copias oficiales del disco. En 1990 consiguieron el número 1 con "It Must Have Been Love", que fue incluida en la banda sonora de "Pretty Woman", que tenia como protagonistas a Richard Gere y Julia Roberts. En 1991 realizan el álbum "Joyride", cuyo tema principal, que llevaba el mismo nombre del disco y otro temas, llegaron a los primeros puestos de las listas. El disco llegó a vender más de 10 millones de unidades. En el mismo disco venía "Fading Like A Flower (Every Time You Leave)" que fue número 2 en EUA en junio de ese mismo año, al mismo tiempo que marcó el final de los Top Ten norteamericanos del dúo. Para apoyar el éxito de su disco salieron de gira por 87 países presentándose en 108 ocasiones. De esta gira salió un disco bastante particular titulado “Tourism – Songs from studios, stages, hotel rooms & other strange places", que fuera grabado en países tales como Suecia, Brasil, Argentina, Australia, Chile, Suiza y Estados Unidos. Lanzado en 1992, el disco llegó a vender unas 7 millones de copias. En 1993 colaboraron en la banda sonora de la película “Super Mario Bros.”, con “Almost Unreal”, tema que tuvo trascendencia a pesar del fracaso del film. Ese mismo año grabaron en Estocolmo un recital Unplugged para MTV. En 1994 Roxette produjo el álbum “Crash! Boom! Bang! que vendió cinco millones de copias y empujó una nueva gira. Sin embargo, en esta gira no llegarían a Estados Unidos porque la filial local de EMI consideró que el disco no tendría mayor éxito. Por eso, lanzaron un disco llamado "Favorites From Crash! Boom! Bang!" que solo se vendería en los restaurantes Mc Donald’s, hasta alcanzar el millón de unidades. Ese mismo año grabaron en Estocolmo un recital Unplugged para MTV. En 1995 el dúo sacó a la venta su primer grandes éxitos “Don't Bore Us Get to the Chorus: Roxette's Greatest Hits”, y su disco de extrañas canciones “Rarities”, los cuales incluían temas anteriores y material nuevo. "Baladas en Español" salió a la luz en 1996, y recogía los más importantes temas románticos creados por Roxette y traducidos al español perfectamente por Marie. Ese mismo año Marie tiene su segundo hijo, y decide tomarse unas vacaciones para dedicarse más a su familia. Mientras tanto Per proseguía con su carrera en solitario sacando su álbum "The World According To Gessle". En 1999 se reúnen en estudios de Marbella y Estocolmo para realizar el álbum "Have A Nice Day", con tres nuevas reediciones en español. Dicho álbum muestra una marcada diferenciación de los trabajos anteriores de Roxette, tanto en las baladas, como “Wish I Could Fly”, como en los temas pop, marcado claramente en el potente “Stars”. Otro álbum con la misma tendencia tiene lugar en 2001, cuando el dúo realiza “Room Service”, su décimo álbum. Durante 2002 el dúo prepara dos recopilaciones de grandes éxitos. El primero, “The Ballad Hits”, presentado ese mismo año, y el segundo, “The Pop Hits”, presentado en 2003, incluyeron cada uno dos temas inéditos. En medio de la gira de promoción de “The Ballad Hits”, Marie sufre un desmayo y, tras realizarle estudios médicos para encontrar su causa, descubrieron un tumor en su cabeza. La cantante fue operada satisfactoriamente, y se alejó de la música para descansar con su familia. Mientras tanto Per continuó como solista con trabajos como “Mazarin”, en 2003, y “Son Of A Plumber”, en 2005, su último proyecto. Ya de vuelta en la música Marie grabó un álbum como solista en 2004: “The Change”. Recién en el 2006 el dúo reaparece con la edición de un nuevo disco de éxitos. Se trata de "Collection of Roxette Hits: Their 20 Greatest Songs". La compilación cuenta con 2 temas inéditos, el primer sencillo "One Wish", y "reveal". Esta edición viene incluida en la caja "Rox Box", que cuenta con 4 álbumes con éxitos, canciones nuevas e incluso, un disco Unplugged para MTV que grabaron en 1993. Durante los próximos años, las presentaciones del grupo fueron casi nulas. Per continuó con su carrera en solitario y Marie se sumó a él en algunas shows esporádicos, pero sólo como invitada y sin demasiada promoción. En 2009 salieron en una pequeña gira por Europa, ya como dúo, y decidieron que era el momento para regresar a lo grande, con una nueva placa y gira mundial. Así, en 2010 iniciaron el proceso de grabación y en febrero de 2011 sale a la venta "Charm School", un álbum con 12 nuevas canciones y éxitos como el primer single "She’s Got Nothing On (But The Radio)". También se embarcaron en un Tour de presentación del disco, visitando países de Europa, Sudáfrica y Latinoamérica.

Mucho más que dos En abril de 1994 junto a Víctor Manuel graba en Gijón uno de los acontecimientos más importantes de la música española; un concierto en directo con las colaboraciones de Joan Manuel Serrat, el actor Juan Echanove, Antonio Flores, Joaquín Sabina, Manolo Tena, Pablo Milanés y Miguel Ríos. El espectáculo se produjo durante dos días en el Palacio de los Deportes de la ciudad asturiana y dio lugar a un doble álbum y un DVD llamado Mucho más que dos. De este doble álbum se vendieron más de 600.000 copias sólo en España. Durante el espectáculo se repasaron los grandes éxitos de Ana Belén y Víctor Manuel con canciones a dúo con los colaboradores. Desde Asturias a El hombre del piano, pasando por Derroche, Lía, El abuelo Víctor hasta llegar a La muralla y La puerta de Alcalá. Este concierto dio pie a una exitosa gira en España y en el extranjero, pasando por países como Chile y EUA. Con este espectáculo se produjo el primer hito de Víctor y Ana en cuanto a giras musicales. En este espectáculo, dirigido y organizado por José Carlos Plaza -colaborador habitual de Ana Belén en sus espectáculos- se estrenaron dos canciones: la composición de Víctor Manuel Yo también nací en el 53 y Contamíname, un himno al mestizaje cultural, compuesto por el cantautor canario Pedro Guerra, que se convirtió en un grandísimo éxito de la pareja.

"Vía Dalma II", el regreso de Sergio Dalma Sergio Dalma inicia una nueva etapa en su carrera tras haber firmado un contrato recientemente con Warner Music Spain para el lanzamiento de sus próximos discos. Su último álbum, ‘Vía Dalma‘, superó el triple platino, fue el disco más vendido en nuestro país de los editados en el último año y aún se mantiene en la lista de ventas de Promusicae. Por ese motivo, el pasado 29 de noviembre se puso a la venta una continuación de ese trabajo con nuevas versiones de clásicos italianos tan conocidos como “Gloria”, “La Bambola”, “Te Amo”, “Yo no te pido la luna” o “Senza una donna “, entre otras

El dúo español está formado por Juan Aguirre y Eva Amaral. Ella comienza desde joven a componer sus canciones y pronto empieza a manejar la guitarra. Nació en Zaragoza, estudió escultura en la Escuela de Artes de su ciudad natal y empezó a compaginar estos estudios con pequeños conciertos en locales con Juan. Él nació en San Sebastián, trabajó en una banda de pop rock de tintes psicodélicos llamada "Días de Vino y Rosas", con la que llegó a grabar un disco; posteriormente iniciaría su andadura con Eva. Empiezan a tocar juntos, en pequeños locales. Pronto, la poderosa voz de Eva se empieza a destacar. En 1997 ambos parten hacia Madrid y empiezan con sus primeros contratos y apariciones en televisión y colaboración en campañas de Amnistía Internacional, se empieza a construir la base de lo que será su primer disco, que lleva el nombre del grupo. Un disco pop rock, con letras urbanas pero poéticas. De ahí surge su primer éxito, "Rosita", y un camino que llevaría a otros discos. El gran feeling entre ambos y la calidad de sus canciones, demostradas ya en una primera gira, les permite trabajar con gente de la talla de Cameron Jenkins, que colabora, entre otros, con artistas com Lenny Kravizt, y editan su segundo disco grabado en Londres. Se trata de "Una pequeña parte del Mundo", un álbum que los consolida y les permite ocupar ya un hueco en el pop español. Canciones como "Subamos al Cielo", "Cómo Hablar", "Cabecita Loca", "Los Aviones No Pueden Volar"... Y llegamos a su tercer disco bajo el nombre de "Estrella de Mar", preparado por Eva y Juan en su pequeño estudio casero y grabado con el mismo productor en Londres. No le ha faltado tiempo para colocarse en las listas de ventas y cabe destacar su single "Sin ti no soy nada". En 2005 regresan y presentan su disco “Pájaros en la cabeza”, el cual es presentado con la canción “El universo sobre mí” como primer corte de difusión. Compuesto por 14 temas inéditos grabados en Londres. La edición especial la publican junto a un Dvd que contiene un EPK. En 2006, "El comienzo del big bang" sale al mercado con una recopilación de 32 canciones. A mediados de 2008, lanzan su primer álbum doble de inéditos, titulado "Gato negro, Dragón rojo", un disco conceptual con un total de 19 canciones que cuentan con "Kamikaze" y "El blues de la generación perdida" como sus dos primeros cortes de difusión. Amaral, poco a poco se perfila a componer con tintes más oscuros, si bien nunca abandonan lo pop. En 2009 se edita "La barrera del sonido", un grandes éxitos en Cd + Dvd. En 2011, por fin sale a la venta un nuevo trabajo bajo el título de "Hacia lo salvaje"; de este se desprenden los cortes "Antártida", "Hacia lo salvaje" y "Como un martillo en la pared".

David Civera presenta diez temas con olor a nostalgia El cantante turolense David Civera ha presentado esta mañana su nuevo trabajo, "A ritmo de clásicos", compuesto por diez temas con olor a nostalgia. "Mis manos en tu cintura", "Gloria" o "Lady Laura" son algunas de las canciones del nuevo disco, que ha presentado coincidiendo con la apertura de la tienda Musical Mudéjar en Teruel. Teruel.- “Mis manos en tu cintura”, “Gloria”, “Lady Laura” o “Ti amo” son algunos de los diez temas del nuevo disco del turolense David Civera, que este viernes ha presentado coincidiendo con la inauguración de la nueva tienda Musical Mudéjar en Teruel. Este trabajo, “A ritmo de clásicos”, es un homenaje a las personas que le han apoyado en su diez años de carrera profesional, según ha contado el propio cantante, quien ha recordado la primera vez que actuó en Teruel: “Justo allí enfrente, en la plaza del Seminario, junto a la Torre de San Martín, hace ya más de doce años”. Una actuación en la que presentaba su primer disco dedicado a Teruel. Los temas que Civera ha elegido para su nuevo trabajo empezaron a formar parte de su repertorio durante el programa televisivo “Canciones de nuestra vida”, pero los ha transformando a su estilo pop-dance con un objetivo doble: por un lado, quiere agradecer el apoyo de sus seguidores, entre los que se encuentran fans de tres generaciones diferentes, cantando para ellos temas que conocen y que han significado mucho en otros momentos de sus vidas; y, por otro, quiere dar la oportunidad a sus admiradoras más jóvenes de descubrir estas melodías, para que puedan disfrutar tanto de ellas como sus madres e incluso sus abuelas. Está previsto que esta misma tarde, a las 18.00 horas, esté con sus fans turolenses firmando su nuevo trabajo. “Me encanta estar en Teruel, mi tierra, de la que soy uno de los más firmes defensores”, ha asegurado David Civera. “Todos los temas son impresionantes”, ha afirmado el cantante David Civera, quien ha añadido que “A ti” es una canción que le emociona muchísimo debido al momento que está viviendo con su reciente paternidad puesto que le recuerda a su hijo, ha apuntado después de cantar unas estrofas del tema. “A ritmo de clásicos” es trata de un disco para bailar, escuchar y compartir en el que David Civera se muestra tal cual es: un cantante sensible a la par que enérgico, capaz de vivir el presente cogiendo lo mejor de toda su andadura. Musical Mudéjar El acto de presentación del disco ha tenido lugar durante la inauguración de Musical Mudéjar, un nuevo establecimiento de instrumentos y complementos musicales ubicado en la calle Amantes. Además, en esta nueva tienda, según ha explicado uno de los responsables, Guillermo Torres, “también se ofrece un servicio que hasta ahora no estaba en Teruel de reparación de instrumentos y taller de lutier, y también de reparación electrónica de amplificación”. Hasta ahora, los músicos se desplazaban hasta Segorbe para poder reparar sus instrumentos. Por otro lado, entre sus proyectos de futuro está también el impartir formación musical, según el número de alumnos, así como ofrecer a los grupos turolenses un lugar donde poder dar a conocer y vender sus trabajos.

Bruce Frederick Joseph Springsteen (Long Branch, Nueva Jersey, 23 de septiembre de 1949),1 apodado The Boss (en español: "el Jefe"), es un cantante, compositor y guitarrista estadounidense ampliamente conocido por su música rock vinculada a letras poéticas y a sentimientos tradicionales americanos y relacionados particularmente con su Estado de origen, Nueva Jersey.2 Las grabaciones de Springsteen han tendido a alternar, a lo largo de cuatro décadas, entre el rock y otros trabajos orientados hacia el folk, así como el llamado heartland rock. Gran parte de su éxito deriva de su vinculación a la E Street Band, presente en una gran parte de sus grabaciones, y especialmente relevante por su particular sonido y su profesionalidad en el escenario, llegando a ofrecer conciertos de más de tres horas de duración.3 En su extensa trayectoria musical, Bruce Springsteen ha sido galardonado con numerosos premios, incluyendo veinte premios Grammy, dos Globos de Oro y un Premio de la Academia. Ha vendido 65 millones de álbumes en Estados Unidos y 100 en todo el mundo.4 Bruce Frederick Joseph Springsteen, conocido a secas como Bruce Springsteen, nació el 23 de septiembre de 1949 en Freehold, una pequeña localidad de New Jersey, de padre irlandés y madre italiana. Tras ver a Elvis Presley en un programa de televisión, se sintió atraído por el mundo de la música y se compró una guitarra. Bruce Springsteen, junto a Tex Vinyard y George Theiss, crea en 1965 el grupo 'The Castiles', al estilo de los Beatles. El grupo tuvo gran acogida en el pueblo, pero fuera de él fue un fracaso. Tres años después crea el grupo 'Earth', que acabó por convertirse en 'Steel Mill'. En 1969 este grupo también se separa y poco después se crea la 'Bruce Springsteen Band', con la que consigue su primer contrato. En enero de 1973 publica su primer álbum, 'Greetings From Asbury Park' y a continuación el segundo, 'The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle'. No fue hasta su tercer álbum, 'Born To Run', cuando Bruce Springsteen obtuvo el reconocimiento a su calidad artística. Sus canciones de rock clásico, ligadas lejanamente con el folk y el country, desprenden la rebeldía propia de este tipo de música, algo que el público echaba de menos. Bruce Springsteen (conocido también como The Boss) continuó publicando discos: 'Darkness On The Edge Of Town', en 1978 y 'The River', un doble LP con el que consiguió su primer número uno. Tras este disco se inició una gira por todo el mundo, al término de la cual sorprendió a todo el mundo con un disco grabado con un magnetófono casero. El título, 'Nebraska'. En 1984 lanza su mayor éxito de ventas: 'Born In The U.S.A.' , que permaneció siete semanas seguidas como número uno. En uno de los temas, el que da título al álbum, el Boss critica las miserias de su país. Posteriormente publicó 'Dancing In The Dark' y el famoso 'Live 1975-1985', un recopilatorio de 5 discos en directo con sus mejores canciones. En 1995 Bruce Springsteen publica 'The Ghost Of Tom Joad'. Se trata de álbum que recuerda a 'Nebraska', al utilizar una técnica parca en arreglos. En el año 2002, publica un nuevo trabajo, titulado 'The Rising', primer lanzamiento desde 1984 de un álbum completo de nuevas canciones grabadas con la E. Street Band, y el primer álbum de rock de estudio desde 1992. El álbum fue producido por Brendan O'Brien y contenía 14 temas nuevos y una versión del tema "My City Of Ruins". En 2006, el 'Boss' se inspira en la leyenda de Pete Seeger para publicar un nuevo trabajo, titulado "We Shall Overcome - Seeger Sessions", en el que reivindica la canción protesta y la música folk. Se trata del álbum número 21 en la carrera de Bruce Springsteen y un trabajo muy especial para el artista, en el que demuestra su coherencia, compromiso e independencia. A sus 55 años, Bruce Springsteen recupera la música que marcó su juventud, la más comprometida, la más solidaria, la más popular. El álbum incluye un DVD con 30 minutos de imágenes de la grabación del disco en riguroso directo mezclado con comentarios del propio artista. En 2007 Bruce Springsteen vuelve a reunirse con su banda de siempre, la E Street Band, con la que hacía 5 años que no grababa nada. El resultado es el álbum titulado "Magic". Producido y mezclado por Brendan O’Brien, 'Magic' recoge once nuevas canciones con rock de alta energía. En 2009 Bruce Springsteen publica "Working On A Dream", un álbum grabado con la E Street Band y que contiene 13 temas inéditos más un DVD que incluye imágenes tomadas en el estudio durante la grabación de siete de esos temas. También incluye un extra titulado "A Night With The Jersey Devil". "Working on a Dream" es, según cuenta el propio Springsteen, un álbum 'alegre y variado', grabado al viejo estilo "Born To Run", con muchas primeras tomas, base de guitarra, bajo, batería y teclados con la E Street Band para añadir después la voz o algunos detalles. Canciones como "Working on a Dream", "My Lucky Day" o "The Wrestler" nacen con vocación de convertirse en clásicos del repertorio de Bruce Springsteen. Este último tema, "The Wrestler", ha recibido el Globo de Oro a la Mejor Canción Original de Banda Sonora.

ABBA fue un grupo sueco de música pop, el de más éxito en su país y en Europa continental, de notable significado dentro del pop y el grupo más exitoso de la década de 1970.1 Saltó a la fama tras triunfar en el Festival de la Canción de Eurovisión 19742 y estuvo activo entre los años 1972 y 1982. El cuarteto estaba formado por dos parejas: Benny Andersson con Anni-Frid Lyngstad (mejor conocida como Frida) y Björn Ulvaeus con Agnetha Fältskog. El nombre "ABBA" es un acrónimo formado por las primeras letras del nombre de cada miembro (Agnetha, Björn, Benny, Anni-Frid).3 ABBA ganó popularidad internacional empleando melodías pegadizas, letras simples y su sonido propio, caracterizado por las armonías de las voces femeninas y el "muro de sonido", un efecto musical creado por el productor Phil Spector. Al crecer su popularidad, el grupo viajó por Europa, Australia, Estados Unidos, Canada y Japón, al mismo tiempo que se ocupaban de sus familias. Sus grabaciones tuvieron un gran impacto musical, lo que los llevó a convertirse en los artistas más exitosos de su compañía discográfica (Universal Music Group).4 Sin embargo, en la cima del éxito, ambos matrimonios se disolvieron y estos cambios se reflejaron en su música, al escribir letras más profundas con diferentes composiciones. El grupo experimentó un declive comercial y finalmente decidieron tomar un descanso temporal que se ha extendido hasta el momento. Pese a esto, permanecieron fijos en las listas radiofónicas y ABBA es ahora uno de los grupos con más ventas mundiales, habiendo vendido casi 400 millones de discos a nivel mundial,5 6 7 8 y aun así continúan vendiendo entre 2 y 3 millones de discos por año.9 ABBA también fue el primer grupo pop europeo en experimentar el éxito en países de habla inglesa fuera de Europa, principalmente Australia, Nueva Zelanda, Sudáfrica, Canadá y en menor medida Estados Unidos. Posteriormente su popularidad abrió las puertas a otros artistas europeos.10 Su música ha sido cantada por otros grandes artistas y es la base del musical Mamma Mia!. El grupo se separó en diciembre de 1982, haciendo su última aparición pública el 4 de julio de 2008, en la premiere sueca de la película del musical Mamma Mia!11 El 15 de marzo de 2010 el grupo se incorporó al Salón de la Fama del Rock and Roll de Estados Unidos, en una gala celebrada en el hotel Waldorf-Astoria en Nueva York, a la misma acudieron Anni Frid Reuss y Benny Andersson en representación del grupo

C.C. Catch nació en Holanda y fue apoyada por sus padres desde una edad temprana, cuando reconoció su talento y alentó su deseo de ser “una cantante famosa". Su padre fue su apoyo y ha desempeñado y sigue desempeñando un papel muy importante en su exitosa carrera como su manager. Desde muy temprana edad la cantante participó en concursos de talento y originalmente fue miembro de un grupo joven alemán (Optimal), con quien publicó dos singles. Ella fue descubierta por primera vez a mediados de la década de los 80 por el compositor alemán y miembro del grupo Modern Talking, Dieter Bohlen. Estaba particularmente interesado en su talento y su voz y la invitó a su estudio el mismo día que la conoció para hacer una audición. Poco después firmó un contrato con él, quien posteriormente lanzaría su carrera en solitario. Con su nuevo contrato y disco en solitario , era importante que ella tuviera un nombre artístico fuerte. Ella decidió, pues, el nombre de CCCatch, las dos "C" del principio por las primeras iniciales de sus dos nombres (Caroline Catherine) y Catch porque fue símplemente una buena idea y se veía bien con las iniciales restantes. Así que finalmente C.C.CATCH había nacido! En el verano de 1985, el día 31 de Julio,en el día de su cumpleaños , la canción "I Can Lose My Heart Tonight" fue lanzada como su primer single. Este se convirtió en un gran éxito en Europa. Dieter Bohlen y C.C. trabajaron juntos hasta 1989, durante estos años 12 éxitos estuvieron el el TOP 10 como singles y 5 Álbumes en los Charts más vendidos, esos fueron los producidos por Bohlen. Pero C.C. querían tener más personalidad y participar en la producción de las canciones, y Dieter no lo permitió, así que decidió en 1989 no renovar su contrato con él y la BMG, su sello discográfico, y se fue a vivir a Inglaterra. Durante la grabación del programa de Año Nuevo de la televisión en España en el año 1988, CC se encontró con Simon Napier Bell (ex-manager de Wham de George Michael). Simon estaba muy interesado en trabajar con ella y poco después se convirtió en su manager. Un nuevo contrato fue firmado con el sello Polygram (Metronome). Y un nuevo álbum, "Hear What I Say "fue preparado con los nuevos productores, incluyendo a Andy Taylor (ex Duran Duran), Dave Clayton (trabajó con George Michael y U2) y Jo Dworniak. De este álbum, un single fue lanzado en 1989, llamado "Big Time", que llegó al número 25 en las listas de éxitos. Durante este tiempo, BMG lanzó el single "Baby I Need Your Love", junto con la compilación "Classics". Dieter lanzó sus grabaciones "Good Guys Only Win In Movies" al mismo tiempo que C.C. lanzó su nuevo single "Midnight Hour". "Hear What I Say" fue lanzado a finales de 1989 y fue el último álbum lanzado por CC hasta la fecha. A muchos de sus fans les gustó mucho el disco, porque ella co-producía siete de las canciones y CC era feliz ,ya que al fin podía hacer lo que siempre había querido – escribir sus canciones. Fue una muy buena experiencia para ella tener un papel clave en la elaboración de este álbum. Vendió más que sus anteriores dos álbumes, "Big Fun" y "Diamonds", lo que demuestra sus habilidades como una artista que trabaja por su cuenta . Posteriormente, C.C. se separó de Metronome en buenos términos para tomarse un respiro de la industria musical. Durante este tiempo ella se centró en su crecimiento espiritual, practicando yoga y una forma de meditación; ella también comenzó a escribir sus propias canciones. Allí se casó con su profesor de Yoga , divorciándose al tiempo de él. En 1998 volvió a entrar en la escena musical. Ella accedió a hacer un trabajo de promoción para la BMG y para un nuevo Album recopilaorio "Best Of 98". Dos singles fueron lanzados también - "CC Megamix '98 " y "I Can Lose My Heart Tonight ‘ 98 "por lo que recibió un Disco de Oro. En el año 2003 volvió a Alemania, registrando su nuevo single "Shake Your Head 2003" con las producciones de Savage, que son artistas, así como productores y han producido artistas tales como Oli P, Noble Savage and Enie (quien es famoso por ser el ex-moderador de Bravo TV y ahora el rostro de los anuncios alemanes de T-Online). El single era un re-made del tema originario “ Was not Was” en la voz de nada menos que Ozzy Osbourne. Finalmente en el año 2005 CC lanzó un tema creado por ella llamado “Silence” cuyo video-clip fue rodado en Rusia, país donde actualmente tiene tanto o más éxito que en europa durante su época dorara de los 80. CCCatch todavía tiene una gran cantidad de seguidores y está siempre de gira por el este de europa o Rusia, ella también ha figurado como artista invitada y de apoyo a Modern Talking (Thomas Anders en solitario) en los EE.UU.. Ha sido comparada con Kylie Minogue, quien también comenzó su carrera en los años 80 y está en la cima ahora, más atractiva y sonando mejor que nunca! Convenceros vosotros mismos - no os arrepentiréis.

Biografía de Modern Talking Modern Talking es el grupo alemán que más discos ha vendido en todo el mundo (más de 60 millones de copias). Se formó en 1983 en Hamburgo, cuando se encuentran por primera vez Dieter Bohlen y Thomas Anders. El primero realizaba tareas de producción en una compañía editora y el segundo estaba buscando buenas canciones con las que lanzar su carrera como solista. Tras ese primer y breve encuentro, Thomas se ofreció a cantar un tema que le entregó Dieter, titulado "You're my heart, You're my soul". De esa manera nacería lo que se llamaría Modern Talking, con Dieter Bohlen, el rubio, haciéndose cargo de los teclados, aunque con capacidad para tocar también otros instrumentos, como la guitarra, el bajo y la batería. Por oto lado, Thomas Anders, acostumbrado desde pequeño a cantar, prestaba su voz para modelar las canciones del duo. Modern Talking publica su primer álbum en 1985, con el título de "The First", cuyo primer sencillo "You're my heart,you're my soul" les catapulta a la fama. Ese mismo año publican un segundo álbum, titulado "Let's talk about love", con el que también lograron un notable éxito a nivel mundial.. En 1986 Modern Talking publica "Ready for Romance" y "In the middle of nowhere", dos álbumes que se convierten rápidamente en grandes éxitos y de los que se extraen temas como "Brother Louie", "Atlantis is calling" y "Geronimo's Cadillac". Llegados a este momento, las diferencias personales entre los dos integrantes de Modern Talking comienzan a hacerse evidentes, enturbiando su relación profesional. A pesar de ello, el contrato que los Modern Talking tenían firmado con su discográfica les obligó a grabar dos discos más, que fueron titulados "Romantics warriors" y "In the garden of venus", aparecidos en 1987. Tras la separación de Modern Talking, la esposa de Thomas, Nora Balling, asume las riendas de la representación de Thomas, quien participa como invitado en el Festival Viña del Mar en 1988, mientras que Dieter publica su primer trabajo en solitario, con el título de "Blue Sistem". En 1999 Modern Talking sorprende a todos sus seguidores reapareciendo con un nuevo álbum, "Alone", publicado con el sello BMG. cuyo sencillo "You are not Alone", un tema muy bailable, se sitúa en los primeros puestos de las listas. En el año 2000, tras el éxito de su anterior trabajo, publican "Year Of The Dragon", seguido un año después por el álbum "America - The 10th Album", con un excelente tema vocal titulado "Win the race". En el 2002 Modern Talking publica "Victory" y, a continuación, "Universe", su último disco antes de su separación definitiva, ocurrida en 2003. Posteriormente se ha editado un álbum de grandes éxitos, titulado "Final Album", en el que se incluyen sus mejores canciones y sus temas más conocidos y galardonados.

Cherilyn Sarkisian (n. El Centro, 20 de mayo de 1946),[1] conocida como Cher, es una cantante, actriz, compositora, diseñadora y productora estadounidense. Ha sido galardonada por su carrera musical y como actriz con, entre otros, los premios Óscar, Grammy, Emmy, Globo de Oro y un premio en el Festival de Cine de Cannes. Denominada como «La Diosa del Pop»,[2] Cher llegó a la fama en 1965, formando parte del dúo musical Sonny & Cher, junto con su ex esposo Sonny Bono. Posteriormente Cher se estableció como solista. Ha lanzado veinticinco álbumes de estudio, varias compilaciones y cincuenta y seis sencillos; cinco de ellos han llegado a la cumbre del Billboard Hot 100, teniendo en cuenta además que trece de sus sencillos han entrado a esta lista.[3] [4] El más notable es «Believe». Fue número uno en veintitrés países y la hizo acreedora al premio Grammy, además puede considerarse como la tercera canción más exitosa de toda la historia interpretada por una artista de sexo femenino detrás de “My Heart Will Go On” de Céline Dion y “I Will Always Love You” de Whitney Houston. Según Billboard, ella es la 9º mejor artista de la historia dentro de la lista encabezada por The Beatles, Elton John y Michael Jackson.[5] Se convirtió en actriz de televisión a mediados de 1970 y en actriz de cine a comienzos de 1980. En 1987 ganó el premio Óscar como mejor actriz por la película Hechizo de luna. Con una carrera que rebasa los 40 años y sin mostrar signos de decadencia, Cher ha sido conocida por ser un ícono pop y una de las pocas cantantes consideradas divas de la música[6] [7] además de su joven apariencia, debido a sus múltiples cirugías plásticas.[8] [9] Ha vendido más de 100 millones de discos como solista[10] lo cual la convierte en una de las cantantes más exitosas de la historia y en una de las artistas más exitosas de todos los tiempos.[11] [10] [12] Dentro de los Estados Unidos la artista ha logrado la venta de más de 12,5 millones de copias certificadas por la RIAA.[13] Asimismo, la revista Rolling Stone ha considerado a su canción "I Got You Babe" como una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.[14] A 2009, la cantante reside en el hotel Caesars Palace de Las Vegas, presentando allí su espectáculo Cher At The Colosseum. También es reconocida por poseer un rango vocal de contralto.[15 Ganadora del Óscar, vampiresa de la televisión, reina de las listas de popularidad; Cher ha visto el éxito en la música, el cine, la televisión y en el escenario, por un poco más de cuatro décadas. Cherilyn Sarkisian nació en El Centro, California, el 20 de mayo de 1946 en el seno de una casa pobre mantenida por una madre casada ocho veces y que se dedicaba a la actuación y al canto. A los 16 años, Cher, abandonó su casa y la secundaria y partió con rumbo a Los Ángeles para aprender a actuación. Sin embargo, la idea no alcanzó a concretarse porque en 1963 se encontró de casualidad en una cafetería con Sonny Bono, un compositor y productor de 28 años de quien se enamoró casi de inmediato. Su relación fue una especie de trama oculta al inicio. Vivían juntos en un departamento, pero dormían en camas separadas. Sonny Bono trabajaba con Phil Spector, mientras Cher se encargaba de las tareas del hogar. No fue sino hasta que la madre de Cher descubrió el engaño que decidieron hacer evidente su relación amorosa. La relación de Sonny con Phil Spector ayudó a Cher empezara a cantar en los coros de artistas como las Ronettes, Darlene Love, Glen Campbell y los Rigtheous Brothers. Bono se dio cuenta del potencial de Cher y decidió grabarla en solitario. Spector tenía sus dudas sobre la habilidad de Cher y aunque permitió el experimento, estaba tan nerviosa sola frente al micrófono que le pidió a Sonny Bono que cantara con ella. La pareja sonaba bien y así fue como nació el dúo Sonny y Cher. Inicialmente se llamaron César y Cleo y se presentaron en lugares de poca monta. Luego vendría un sencillo que salió bajo el pseudónimo de Bonni Jo Manson y Cerilyn que tampoco logró hacer mucho. Sin embargo en 1965 las cosas cambiaron cuando “I Got You Babe” se convirtió en disco de oro y “Sonny and Cher” era su nombre oficial. El éxito fue aprovechado para que “Baby Don’t Go” y “Just You” fueran relanzadas. A pesar del éxito musical, lo que más llamaba la atención de esta pareja era su apariencia. Ropa suelta, muchos colores, pelos sueltos y vestidos originales era lo que llamaba la atención de la gente. De hecho Cher se convirtió en una especie de icono de la moda debido a su contextura física. Por su parte, Sonny Bono empezó a reproducir “la pared de sonido” de Phil Spector en las grabaciones del dúo. A finales de 1965 habían colocado seis canciones entre las 40 más populares de Estados Unidos. Sin embargo, el éxito fue corto por la aparición de formas musicales más fuertes y ácidas que pusieron el romanticismo e idealismo de Sonny y Cher a esperar mejores tiempos. Su último acierto fue “The Beat Goes On” en 1967. Intentando salvar su imagen Bono puso a Cher en varias películas e invirtió su dinero cuando los estudios dejaron de financiar sus filmes. “Buenos Tiempos” y “Chastity” fueron sonados fracasos y los llevó a perder lo que habían ganado como cantantes. Mientras tanto, la deuda con la Hacienda norteamericana y el nacimiento de su hija Chastity en 1969, puso presión para que volvieran al escenario, aunque en lugares no muy importantes. Cher rápidamente se cansó de esta situación y en varias ocasiones se marchó molesta del escenario. Estos altercados de pareja en público se convirtieron en el sello distintivo que los volvió a lanzar a la fama. Primero los llamaron de Las Vegas para que se presentaran y más tarde la CBS los contrató para grabar una serie que se estrenó en 1971. El programa se llamaba “The Sonny and Cher Comedy Hour” y en él se veía a una Cher con ropas realmente de vanguardia que solo podían verse bien en alguien con su físico, pero que inevitablemente se convirtió en una tendencia de moda. El programa despegó fuerte y se convirtió en un éxito. Verlos cantar y pelear volvía loca a la audiencia. El programa sirvió para que Cher colocara a “Gypsys, Tramps and Thieves” en el primer lugar de las listas de popularidad. Le siguieron varios álbumes con diferente suceso. Al mismo tiempo la relación de la pareja empezaba a parecerse más a las peleas de la televisión. La relación casi paternal de Bono con Cher se convirtió en asfixiante y ella buscó la salida. La separación obligó a cerrar el programa para sorpresa de la cadena y de los televidentes. Luego de la separación la pareja tuvo encuentros y desencuentros que, en muchos casos, se hacían a través de la prensa sensacionalista que no perdía la oportunidad de publicar fotos y comentarios. En 1975 la CBS le pide a Cher que protagonice su propio programa de variedades. Su primer episodio tuvo como invitados a Elton John y a Bette Midler. La responsabilidad resultó agobiante e inmediatamente llamó a Sonny Bono para que la ayudara, lo que desembocó en el relanzamiento del programa de Sony y Cher. Para entonces Cher estaba casada en segundas nupcias y esperaba el hijo de su nuevo esposo, Gregg Allman. El morbo inicial de la audiencia pronto se convirtió en indiferencia y el programa salió definitivamente del aire en 1977. Dos años después, en 1979, Cher estaba nuevamente divorciada y a cargo de dos hijos. Intentó entonces entrar en el mundo de las películas, pero sus problemas a través de la prensa sensacionalista le hicieron las cosas difíciles. Así, empezó a cantar en casinos, cantó su propio tema disco (“Take Me Home”) que llegó al número cinco, tuvo su propia banda de rock, Black Rose, y cantó con Meat Loaf. Finalmente vio la luz cuando en 1982 actuó en una obra de teatro. Eso le valió la posibilidad de actuar junto a Meryl Streep en la película Silkwood. Los críticos la alabaron e incluso logró una nominación al Óscar con Mask. Para 1987 apareció en tres películas: “Las Brujas de Eastwick”, “Sospechoso” y “Moonstruck”. Para esa época decidió relanzar su carrera musical. Se afilió al sello Greffen y obtuvo la colaboración de Jon Bon Jovi, Michael Bolton, Diane Warren y Richie Sambora. La radio la recibió con cierta frialdad, pero su estilo ligeramente metálico y sus vestimentas revueltas en redes de pescar la convirtieron en todo un suceso mediático. Fue en 1988 cuando Cher alcanzó la cima de su carrera. Tenía dos frentes exitosos: la música y el cine, pero además, a los 41 años, le tocaba recibir el Óscar como mejor actriz por Moonstruck. En lo musical, entre 1987 y 1992, puso 8 sencillos a calentar las listas. En 1991, tuvo que parar porque el cuerpo y la mente pedían descanso de las giras y las películas. En ese momento se dedicó únicamente a actividades comerciales como respaldar a algunos gimnasios, champús, edulcorantes y a producir sus propios videos de ejercicios. Rápidamente Hollywood se olvidó de ella y se convirtió en objeto de broma de muchos programas de televisión. En 1996 volvió al redil con dos películas (“Faithful” y “If These Walls Could talk”) y un álbum (“It’s a Man’s World”). Durante los próximos años recibió dos noticias que fueron duras de procesar. La primera fue la declarada homosexualidad de su hija, que luego asumió con toda naturalidad; la otra fue la muerte de Sonny Bono, para entonces dedicado a la política, en una pista de Ski. En honor a Bono hizo un especial en la CBS en el que abiertamente pudo expresar su dolor por la pérdida. En 1998 volvió a las giras con su disco “Believe” que se convirtió en otro pico de una carrera llena de altos y bajos. El material es una amplia colección de música dance dirigido específicamente a sus seguidores homosexuales. El disco tuvo un éxito descomunal tanto en Europa como en Estados Unidos. Se convirtió así en la mujer de mayor edad en llegar al número uno y en sostener el disco por más tiempo en esa casilla desde 1965 en la lista pop de Billboard. Un año después filmó con Franco Zefirelli la película “Tea With Mussolini” en la que comparte créditos con Judi Dench, Maggie Smith y Joan Plowlight. Al mismo tiempo preparaba su nueva gira dirigida a los adolescentes. Por encima de cualquier cosa, Cher es una luchadora, una superviviente. Se puede decir mucho de su rol en la música, las películas y en la moda. Pero al final lo que cuenta es el rol que cada cual cumple en la vida.

Reginald Kenneth Dwight (Londres, 25 de marzo de 1947), más conocido como Sir Elton John, CBE, es un cantante, compositor y pianista británico, de música pop, rock, glam rock y piano rock. A lo largo de sus más de 40 años de carrera musical, Elton John ha vendido más de 250 millones de álbumes y más de 150 millones de singles y ha colocado más de 50 canciones en las listas de éxitos, convirtiéndose en uno de los músicos de más éxito de todos los tiempos. En el año 2004 la revista Rolling Stone le otorgó el puesto 49 en su lista de los 100 mejores artistas de la historia. Su canción «Candle in the Wind», regrabada en 1997 en recuerdo de la fallecida Lady Di, se convirtió en el single más vendido de todos los tiempos con 37 millones de copias.[1] Sus múltiples premios incluyen el título de Sir al ser nombrado miembro de la Orden del Imperio Británico por Isabel II de Inglaterra. Según Billboard, es el tercer más grande artista de todos los tiempos en Estados Unidos, solo por detrás de The Beatles y Madonna.[2] También ha colaborado con el lanzamiento al panorama musical de grandes artistas como Anastacia. Fue educado en la Royal Academy of Music, gracias a una beca que consiguió en esta institución a la edad de 11 años que abandonó seis años después para dedicarse a la música rock. A partir de 1964 comenzó a colaborar con grupos locales como Bluesology, donde conoció al cantante Long John Baldry. Como homenaje a él y al saxofonista Elton Dean adoptó el nombre artístico de Elton John. En la década de los sesenta participó en varios grupos, pero sin demasiado éxito, si bien colaboró como músico de sesión para varios artistas de éxito de la época. Cabe destacar que en 1968 un desconocido para aquel entonces llamado Reginald Dwight tocó el piano durante la grabación del single «Imagine»/«Mr Boyd» de un desconocido grupo llamado Argosy, liderado por Roger Hodgson, el que luego sería cofundador de Supertramp, o del tema «He Ain't heavy He's my Brother», el cual se convertiría a la postre en el mayor éxito de The Hollies. [editar] Primeros éxitos A finales de los sesenta, Elton conoció al letrista y poeta Bernie Taupin. Juntos obtuvieron su primer gran éxito en 1970 con el álbum Elton John por la canción «Your Song» (famosa nuevamente 30 años después por la película Moulin Rouge!). En 1971 se colocaron cuatro álbumes simultáneamente entre los diez primeros de las listas de Estados Unidos, algo que no ocurría desde los Beatles. También en ese mismo año Elton empezó a desarrollar una galopante alopecia que le conduciría años después al uso de peluca. La década de los setenta fue la de su consagración como auténtica estrella; comenzó a actuar ataviado con extravagantes disfraces y otros adornos característicos del glam rock usándolos en conciertos multitudinarios. En esa época tuvo grandes éxitos como «Crocodile Rock» (1972), «Bennie and the Jets» (1973) y «Don’t Let The Sun Go Down On Me» (1974). Otro éxito de la época fue «Candle In The Wind» (1973), dedicado a Marilyn Monroe y que regrabaría en 1997 en honor de otra celebridad fallecida igualmente: Diana de Gales. Entre 1972 y 1975, siete de sus discos entraron a los primeros puestos de las listas de ventas británicas. Ademas en 1974, colaboraria con el legendario John Lennon, en el tema «Whatever Gets You Thru The Night», del album en solitario Walls and Bridges de Lennon, suponiendo todo un exito con este tema en los Estados Unidos. En 1975 participó en la película Tommy, dirigida por Ken Russell y escrita por Pete Townshend, guitarrista de The Who. Por aquella época escandalizó a la opinión pública con ciertas declaraciones sobre su homosexualidad, aunque posteriormente se casaría con una mujer. [editar] Consagración Al entrar la década de 1980, Elton John dejó de lado temporalmente su relación con Taupin además de que moderó su imagen y su música, haciéndola más melódica. Produjo nuevos éxitos como «I'm Still Standing», «Little Jeannie» y «Nikita» pero ya con menos frecuencia, y su vida privada vivió también algunos problemas. El 14 de febrero de 1984 contrajo matrimonio con la ingeniera de sonido Renate Blauel. En julio de 1985, Elton John participó en el concierto Live Aid realizado en el Estadio de Wembley de Londres en el que también participaron David Bowie, Sting, Eric Clapton, Phil Collins y Queen, entre otros. A finales de los 80's tocó en vivo el piano con Debbie Gibson, fan numero uno del artista. En 1990 le afectó profundamente la muerte por SIDA de un amigo suyo que sufría de hemofilia, Ryan White. Tras el funeral confirmó estar en tratamiento para superar su adicción al alcohol, las drogas y la bulimia. En 1992 fundó la Elton John AIDS Foundation, una de las mayores organizaciones no lucrativas para la erradicación del sida, a la que decidió destinar todos los beneficios de sus singles. En Marzo de 1991 grabó en vivo junto a George Michael la canción «Don't Let The Sun Go Down On Me» en un concierto en estadio Wimbledon, donde Elton John era un invitado sorpresa de George Michael. El dueto se convirtió en un éxito masivo a ambos lados del Atlántico. Fue publicado menos de un año más tarde y alcanzó el Nº1 en el RU por dos semanas en diciembre de 1991 y fue Nº1 en el Billboard Hot 100 por una semana en febrero de 1992. La canción es el único Nº1 de la era moderna en ser grabado en exteriores, fuera de un estudio. El 20 de abril de 1992 compartió escenario con Brian May, Roger Taylor, John Deacon y Axl Rose además de otras figuras como Metallica, David Bowie, Robert Plant y Roger Daltrey en el Freddie Mercury Tribute Concert interpretando «Bohemian Rhapsody» y «The Show Must Go On». Elton John ya renovado y más sobrio obtuvo un nuevo éxito en 1994 con su participación en la banda sonora de El Rey León en colaboración con Tim Rice. También ganó un Grammy y un Óscar. El asesinato de su amigo Gianni Versace y la muerte en accidente de tráfico de su también amiga Diana de Gales supusieron para Elton un fuerte golpe en 1997. Obtuvo un rotundo éxito con su homenaje a la princesa Diana, con el tema «Candle in the Wind», que batió todos los récords y resultó ser el single más vendido en la historia de la música.[3] Al año siguiente fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico después recibió un Grammy honorífico por su trayectoria musical. En el año 2000 colaboró como músico invitado junto a la banda estadounidense Collective Soul, el tema «Perfect Day». En 2001 grabó una vez más con su letrista de cabecera Bernie Taupin, Songs From the West Coast le siguió en el 2004 el álbum número 43 de su carrera Peachtree Road. Ese mismo año publicó una carta en el cual Elton John criticaba a varios artistas incluyendo a su amigo George Michael, el cual se mostró muy decepcionado por la cantidad de barbaridades escritas, enojándose casi a muerte con el cantante. En julio de 2005 se reconciliaron. En diciembre de 2005, Elton John formalizó su relación con su pareja de más de 12 años, el director de cine canadiense David Furnish, al entrar en vigencia la nueva ley británica de uniones civiles homosexuales. En septiembre de 2006 publica su álbum número 44 (aunque puede que esta cuenta no incluya todos sus discos) llamado The Captain And The Kid que resulta ser la secuela del álbum de 1975 titulado Captain Fantastic And The Brown Dirty Cowboy, ambos discos autobiográficos y aclamados por la critica. Actualmente se encuentra de gira con su último disco y en sus últimas declaraciones en un concierto de Las Vegas (The red piano) ha dejado entrever que no va a publicar más discos al menos bajo el nombre de Elton John. En 2007, año en que cumplió sus 60 años y 40 de carrera artística, estuvo en el sexto lugar de "Personajes Artísticos de Influencia Mundial", del multimedial Forbes. En este año, también, se editó un DVD Especial con su aparición en vivo en el New York Madison Square Garden (realizada el 25 de marzo, por motivo de su sexagésimo aniversario). Elton John en un recital en 2008. En septiembre de 2008 anunció el inicio de una gira por Latinoamérica para enero de 2009 con fines benéficos.[4] En la actualidad, Elton John, pese a no aparecer de forma constante en los medios, sigue siendo una figura musical de reconocimiento mundial, y uno de los máximos exponentes del rock-pop de todos los tiempos. Elton John también canta junto con The Killers la canción navideña para la compañía (PRODUCT)RED, llamada «Joseph, Better You than Me». En enero de 2009 ofreció un concierto de beneficencia por la educación en México, y otros particulares en Argentina, Venezuela, Brasil y Chile. También, en este mismo año, Elton John apareció en el videoclip "Who'd Have Known" de Lily Allen, en él Lily Allen se obsesionaba con Elton y lo encerraba y ataba a una silla. En marzo de 2010 se confirmó que Elton John está grabando un disco con el cantautor norteamericano Leon Russell. Las 16 canciones que lo compondrían tendrían un sonido que iría desde el rock and roll stone pasando por las baladas country y en clave gospel, hasta algo del sonido de Frank Sinatra. El disco se llamará The Union y saldrá a la venta el 19 de octubre en Estados Unidos y el 25 del mismo mes en Europa

Eddy Grant nace el 5 de marzo de 1948 en Plaisance, Guallana. Empezó como cantante, guitarrista y letrista del grupo the Equals, siendo responsable de muchos hits en el Reino Unido con su pop al estilo caribeño. Durante los años ’70 empezó a desarrollar un nuevo estilo de música llamado “soca” combinando soul, pop, calypso y ritmos africanos en un sonido nuevo y fresco. En poco tiempo consiguió varios hits en el Reino Unido y en Europa, en la mayoría de los cuales era el único responsable de cantar y tocar todos los instrumentos. En 1982 Eddy Grant montó los ya famosos estudios de grabación Blue Wave donde grabó el álbum clave “Killer On The Rampage”. El single “Electric Avenue” se convirtió en un gran éxito. Este tema bailable habla de la tensión en las calles, sobre una base pulsante y funky y lanzó el disco al éxito internacional.. Ahora estamos en el 2001 y la remezcla Ringbang de “Electric Avenue” se acaba de convertir en el single más impactante y más cotizado destacado en la Conferencia de Dance en Miami. Todo un fenómeno en las pistas de baile en el Reino Unido, y arrasando en lo más alto de la lista de rotación de radio en el Reino Unido, este tema promete ser un exitazo este verano, demostrando de nuevo que Eddy Grant sigue siendo uno de los personajes más importantes de la escena internacional de la música.

Alaska, nombre artístico de Olvido Gara Jova (Ciudad de México, 13 de junio de 1963) es una cantante, actriz y empresaria española y una de las figuras de la Movida madrileña. Está a favor del movimiento LGBT.[1] Se ha opuesto públicamente a las corridas de toros[2] [3] en una campaña promovida por la organización por los derechos de los animales AnimaNaturalis. Empezó su carrera musical en 1978 a los 14 años y aún hoy en día sigue cosechando éxitos, es una de las cantantes con mayores ventas y de las más reconocidas de España. Olvido Gara Jova nace el 13 de junio de 1963 en la ciudad de México, hija de Manuel Gara, un exiliado español, y América Jova, nacida en Cuba. Vivió durante los diez primeros años de su vida en la ciudad de México. Su infancia quedó marcada por series de televisión como Star Trek, Los Munsters, Perdidos en el espacio, los Archies y I Love Lucy, entre otras. También le influyen revistas como Sixteen y Tiger Beat, películas como El Santo, El Enmascarado de Plata y Hello Dolly, y por ídolos musicales como Los Carpenters, Yes y Raphael (su primer disco fue precisamente de este cantante). Pero el gran ídolo para ella es David Cassidy. En 1973 llega con sus padres y su abuela a Madrid. Y esto significa en la vida de ella un duro golpe, ya que tiene que romper con su estilo de vida en México. En esta época, la gran revelación para Olvido son los libros y tebeos que sustituyen su cultura televisiva mexicana. Entre ellos destacan los libros de música que compra y lee en el Drugstore, destacando sobre el resto Gay Rock de Eduardo Haro Ibars. Libro que le abre a nuevos ídolos como David Bowie y Lou Reed. En estos primeros años, Olvido y su madre estudian un curso de estética, siempre bajo la influencia del 'glam', que determina la evolución estética de Olvido como estrella. Ya con trece años comienza a frecuentar el Rastro con su amigo El Zurdo, al que conoce en esa época. Surge la idea de hacer una revista y un grupo, debido a la experiencia previa de El Zurdo con un grupo llamado Los Pechugliglios. Olvido por su parte comienza en el fanzine Bazofia, donde se hace llamar por primera vez Alaska. [editar] Kaka de Luxe En 1977 forma junto a Nacho Canut, Carlos Berlanga, El Zurdo, Manolo Campoamor, Enrique Sierra y Pablo Beneyto, el grupo punk Kaka de Luxe, donde ella toca la guitarra eléctrica. Antes de que finalice el 77, el grupo ya se estrena por primera vez encima de un escenario. El primer sitio donde actúan es People, ubicado en el popular barrio de Argüelles. La estética de Kaka de Luxe viene dominada por el punk y por su inconfundible sonido. Pronto se dan cuenta de que existen grandes diferencias en la forma de ver las cosas dentro del grupo, presagiándose casi desde el principio su disolución. Pero antes de que el grupo se disuelva, queda un testimonio discográfico. Se trata de un EP con cuatro canciones: Rosario, Toca el pito, La pluma eléctrica y Viva el Metro. Este disco se graba en el 78 como consecuencia de la participación de Kaka en el Concurso Rock Villa de Madrid, en el que quedan en segundo lugar. La formación se separa finalmente cuando varios de sus componentes masculinos tienen que hacer el servicio militar (mili). El Zurdo forma Paraíso y Enrique se va a Radio Futura. Alaska, Carlos, Nacho y Campoamor, que son los que tienen algo en común dentro del grupo, deciden crear un grupo con un nuevo nombre: Alaska y los Pegamoides. [editar] Alaska y los Pegamoides Tras pasar diferentes componentes del grupo, la formación definitiva es: Alaska (voz), Carlos (guitarra), Nacho (bajo), Ana Curra (teclados) y Eduardo Benavente (batería). Durante esta época Pedro Almodóvar está preparando su primer largometraje y, al conocer a Alaska, decide que sea ella la persona ideal para interpretar a Bom en la película Erecciones Generales, que finalmente se estrena con el título Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón. Sacan su primer sencillo en 1980 Horror en el hipermercado que se convierte en todo un éxito. Empieza el año 1981 y el grupo cambia su imagen hacia un lado más punk y dark wave, debido a un viaje que Ana, Olvido y Eduardo hacen a Londres. Ese mismo año el grupo saca su segundo sencillo Otra dimensión, cuya cara B Bote de Colón se hace muy popular. Es ahora cuando el grupo empieza a grabar lo que será su primer disco. Una vez que Carlos abandona el grupo, en primavera de 1982 sale a la luz "Grandes éxitos". El primer sencillo es Bailando, que se convierte en la canción del verano, y tanto el sencillo como el álbum son editados, obteniendo buenos resultados, en países como Grecia, Holanda, Canadá, Inglaterra y Portugal. El álbum logra vender más de 50.000 copias en España y el sencillo 25.000. Esto hace que el grupo tenga más de 100 galas confirmadas para todo el año, mientras las relaciones entre los miembros del grupo se enfrían cada vez más hasta en diciembre de ese mismo año el grupo se disuelve. Nacho y Carlos forman Dinarama, Eduardo y Ana forman Parálisis Permanente y queda Alaska sola, sin saber qué hacer. Tras unos meses se une a Dinarama, dando lugar a Dinarama + Alaska, que más tarde se consolidaría como Alaska y Dinarama. [editar] Alaska y Dinarama En mayo de 1983 se pone a la venta Canciones profanas y se inicia la gira de Dinarama + Alaska, coincidiendo fatalmente con la trágica muerte de Eduardo Benavente en un accidente de tráfico. Los dos primeros sencillos de Dinarama salen simultáneamente: Crisis, por iniciativa de Hispavox, que pide una versión extendida, y Perlas ensangrentadas, elegido por el grupo, el más radiado y el que quedaría en la memoria de los fans. Estos dos temas no llegan a tener la misma repercusión que Bailando, aunque el disco obtiene una muy buena acogida. Por esta razón se empiezan a contratar muchas galas. Con el siguiente sencillo, Deja de bailar, repiten la misma fórmula en plan reprise de Bailando. Con la vuelta de Carlos de la mili, llegan nuevas canciones, que entusiasman tanto a Alaska como a Nacho y, sobre todo, a su mánager Pito. Altolaguirre, como estaba pactado, se va del grupo con la grabación de una nueva versión de Rey del Glam. Colaboran en los coros Loquillo y Jaime Urrutia. Este sencillo se convierte en un éxito rotundo que supera a los tres sencillos anteriores, acercándose al éxito de "Bailando". Se calcula que el disco ha vendido más de 40.000 copias en España y para Hispavox supone el relanzamiento a nivel comercial de Alaska, comenzando un apoyo total en proyectos futuros. Cómo pudiste hacerme esto a mí, el primer sencillo de Deseo carnal, se convierte rápidamente en número 1 y se mantiene hasta principios de 1985 en los primeros puestos de ventas y radio-fórmulas. Como consecuencia, el álbum también entra fuerte en las superventas, trepando poco a poco hasta que a finales de año es nº1 y se convierte en un éxito masivo. El disco, con diez canciones, sale a la venta en septiembre, coincidiendo en tiempo con el comienzo de "La Bola de Cristal", programa de TVE presentado por Alaska. Un programa que ha hecho historia, que hoy día está justamente mitificado y que se ha convertido en objeto de culto. El nuevo sencillo Ni tú ni nadie, un éxito todavía mayor al anterior. Se prepara una macrogira de verano con más de cien conciertos por toda España, con alguna actuación internacional. En el verano sale el tercer sencillo, Un hombre de verdad, con una cara b especial en la que colaboran Latinos Unidos. Por supuesto, otro éxito. En invierno inician la gira por América, empiezan a componer el siguiente disco y se empiezan a publicar los sencillos de La Bola de Cristal: Abracadabra, Esclava del mal y No se ría, este último ya en 1986. Finalizado el año 1985, se calcula que Deseo Carnal ya ha vendido en España más de 500.000 de copias y, en todo el mundo, más 1.500.000. En noviembre de 1986 sale No es pecado con una portada más polémica que la del anterior. Incluso llega a ser censurada en México, aunque sorprendentemente sustituida por otra mucha más lasciva. El primer sencillo es 'A quién le importa', que por su letra se ha convertido en la canción más emblemática y versionada de Alaska y Dinarama. La canción se hace mundialmente conocida y es a día de hoy la canción más exitosa en toda la carrera de Alaska. El álbum logra vender más de 250.000 copias en España y más de 1.500.000 en Latinoamérica. Posteriormente al primer sencillo, se lanzan otros, como 'La funcionaria asesina', 'Un millón de hormigas' y 'Sólo creo lo que veo'. Aunque también tienen éxito y una gran difusión en la radio, no son equiparables al primero. Entre tanto prosigue con gran éxito "La Bola de Cristal" con Alaska al frente. A finales de 1987 sale a la venta Diez, el álbum que incluye dos nuevas canciones, alguna cara b de algún sencillo y un par de antiguas canciones no editadas en Latinoamérica. La repercusión de este disco, aunque tiene buena promoción en España, no es demasiado alta y se calcula que se vendieron unas 75.000 copias. La promoción del disco se centra más en el mercado americano, donde sí goza de una mayor aceptación. Por esta época también conocen el Acid House y se embarcan en una larguísima gira por Latinoamérica que logra reforzar la relación del grupo que estaba muy desmejorada. En el mes de marzo de 1989 sale "Fan Fatal", con influencias como el acid, el hip-hop y el house y compuesto por las canciones del grupo paralelo a Nacho, logró reforzar el éxito del grupo, aunque se volvieron a enfriar las relaciones de Nacho y Alaska con Carlos. El primer sencillo es la versión de Los Vegetales "Mi novio es un zombi" con una gran acogida popular y comercial que sorprende a la discográfica, lo que hace potenciar la campaña de promoción del álbum, probablemente la mejor promoción que ha tenido un álbum en toda la carrera de Alaska. "Quiero ser santa", versión de la canción de Parálisis Permanente escrita originalmente por Alaska y Ana Curra, es elegida como segundo sencillo a pesar de aparecer sólo en el cd. Quizás un experimento más de la compañía. No sólo obtiene mucho éxito, sino que supera a "Mi novio es un zombie". Se realizan tres remezclas, editadas en un maxi especial para djs. En septiembre se edita "Descongélate" como tercer maxi, otro éxito. Una de las innovaciones de esta nueva y breve etapa, pero que trascenderá en el futuro hasta hoy día, se trata de la gira "Disco Inferno", que incluye sesión de dj's, y que divide los conciertos en dos partes: una más rockera, pop o glam, y otra mucho más disco, acid, house. Es durante el principio de esta gira cuando estallan los problemas entre Nacho y Carlos. Alaska se posiciona al lado de Nacho y deciden disolver Dinarama al finalizar la gira. Es entonces cuando Alaska y Nacho forman Fangoria.

Jon Francis Bongiovi, más conocido como Jon Bon Jovi, nace en 1962 en Perth Amboy, New Jersey. Su madre, una antigua miss, intenta adentrarle en el mundo de la música, pero el tema no le atrae hasta varios años después, tras asistir a algunos conciertos. Bon Jovi comienza a tocar en una banda de rythm 'n' blues, 'Atlantic City Expressway', conocida en el ambiente musical de New Jersey. Aquí conoce a Dave Bryan, con quien colaborará después en proyectos de mayor calado. Unos años después, Jon entró en el grupo 'The Rest', pero problemas con el jefe del grupo hacen que lo deje al poco tiempo. Entonces decide irse a Nueva York, a trabajar a unos conocidos estudios de grabación. Aquí tiene la posibilidad de ver grabar a los más grandes artistas del momento y aprender de ellos. Consigue grabar una maqueta con un tema, 'Runaway', que tiempo después sería un gran éxito. Junto a Dave Bryan crea un grupo, 'Wild Ones', que resultó ser un fracaso en sus actuaciones en directo y que no fue capaz de conseguir el patrocinio de ninguna discográfica. Gracias al éxito de 'Runaway', Polygram se fijó en Jon y le hizo un gran contrato, dándole libertad absoluta para contratar a los músicos que deseara para un nuevo grupo. Entonces se puso en contacto con David Bryan y contrataron a Alen John Such, Tico Torres, como batería, y Richie Sambora como guitarrista. El primer disco, 'Bon Jovi', salió en 1984, y el primer single fue precisamente 'Runaway', su primer éxito. Consiguieron un notable resultado en ventas, a pesar de ser un grupo de rock duro, menos acostumbrados a vender. El segundo disco, '7800º Fahrenheit' tuvo un resultado más discreto y hubo que esperar al tercer álbum, 'Slippery When Wet', para ver el triunfo definitivo del grupo. Con este trabajo consiguieron llegar al número uno de las listas de éxitos y propició una gira de más de un año por todo el mundo. En 1988 publican 'New Jersey', una repetición de la fórmula empleada en el disco anterior y que les sirvió para repetir con un rotundo éxito. En 1990 sale a la luz 'Blaze Of Glory', la banda sonora de la película 'Arma Joven', con la que Jon optó al Oscar de Hollywood y con el que ganó el premio al mejor single de los premios Award. En 1991, tras cambiar de mánager, Bon Jovi publica 'Keep The Faith', un nuevo éxito para el grupo, llegando nuevamente a ser número uno y quizás el mejor del grupo. El ritmo se endureció un poco y las letras maduraron. Después de ello, han publicado un disco recopilatorio, 'Crossroad', y un disco de estudio, 'These Days'. Sus siguientes trabajos fueron 'Destination Anywhere' y 'Crush'. En 2002 publican un nuevo álbum, titulado 'Bounce'. 12 nuevas composiciones, tanto baladas como temas rockeros, hacen uso de la narrativa y música de éxitos anteriores del grupo. Grabado en el Estado natal del grupo, Nueva Jersey, el altamente esperado "Bounce" muestra a Jon Bon Jovi y a Richie Sambora como productores junto a Luke Ebbin, el cual produjo "Crush", disco que fue doble platino en USA y que vendió más de 8 millones de copias en todo el mundo. A finales de 2009 Bon Jovi publica "The Circle", escrito y coproducido por Jon Bon Jovi y Richie Sambora y que coincide con el 25 aniversario de la banda.

Philip David Charles Collins (n. 30 de enero de 1951 en Chiswick, Inglaterra) es un cantante, compositor, baterista, pianista y actor británico y uno de los personajes más activos y de mayor éxito de la música rock. Collins ha liderado el Billboard Top 100 estadounidense como vocalista en ocho ocasiones entre 1984 y 1989, siete como solista y uno con Genesis. De 1970 a 1996 fue el baterista del grupo de rock británico Génesis. Tras la salida de Peter Gabriel en 1975 se convirtió en el vocalista principal del grupo, con el que ha tenido alguna colaboración esporádica desde 2007. El 7 de marzo de 2011 se hizo pública su retirada del mundo musical por problemas de salud. Sus canciones a menudo tratan de amores perdidos, temas personales y sobre el consumo de drogas. Según datos de Atlantic Records (de 2002) las ventas correspondientes a su carrera en solitario han alcanzado los 150 millones de discos en todo el mundo.[1 Cuando los Collins le regalaron por Navidad una batería de juguete nunca pensaron que en él nacería un interés tan importante por la música. Phil tenía por entonces cinco años y éste sería el primero de los muchos juguetes que los Collins comprarían a su hijo.[2] Aprendía jugando junto a la televisión y la radio y, como nadie le enseñó a leer y escribir en notación musical convencional, diseñó su propio sistema.[3] Su formación profesional comenzó con catorce años cuando entró en la Barbara Speake Stage School. Empezó a trabajar como actor y modelo, ganando su primer papel importante como Artful Dodger en la producción de Oliver!. Participaría también en "The Beatles - A Hard Day's Night"[4] y en "Chitty Chitty Bang Bang". Collins también estaría entre los tres finalistas para el papel de "IQ" en el show televisisivo estadounidense The Bugaloos (que perdió frente al también actor y músico John McIndoe[5] ). A pesar de los inicios de una carrera, Collins continuó a gravitar hacia la música. Mientras asistía a la Escuela Comunitaria Chiswick, formó una banda llamada The Real Thing y más tarde se unió a The Freehold. Con este último grupo escribió su primera canción, titulada "Lying Crying Dying".[6] La primera grabación de Collins fue como baterista de Flamming Youth. en 1969 (junto a Ronnie Caryl, Brian Chatton y Gordon "Flash" Smith). "Ark 2" estaba inspirado en el reciente interés de los medios por la Luna. No tuvo mucho éxito comercial a pesar de las críticas positivas (Melody Maker lo destacó como el álbum "Álbum Pop del Mes"[7] ). Después de un año de gira, las tensiones dentro de la banda y la falta de éxito comercial terminaron por disolver el grupo. [editar] Carrera con Genesis Artículo principal: Genesis (grupo) En 1970, Collins respondió a un anuncio clasificado de Melody Maker donde se buscaba "... un baterista sensible a la música acústica, y un guitarrista de acústica de doce cuerdas".[8] La audición se produjo en la casa de los padres de Peter Gabriel y consistió en tocar algunas pistas del segundo álbum del grupo, Trespass (1970). Como Collins llegó temprano, pudo memorizar las piezas escuchando a los demás.[9] Un año más tarde sacarían su tercer álbum, "Nursery Cryme". Phil Collins se encargaría de la batería, la percusión y las voces secundarias (voz principal en "For Absent Friends") los cinco años siguientes. En 1974, mientras Genesis grababa el álbum "The Lamb Lies Down on Broadway", Brian Eno necesitó de un baterista para su "Another Green World". Collins fue enviado como pago al trabajo de Eno en la banda.[cita requerida] En 1975, Gabriel abandonó el grupo para realizar sus proyectos en solitario. Después de la infructuosa búsqueda de un sustituto Collins se convirtió en la voz principal. El primer álbum de esta nueva etapa fue "A Trick of the Tail" (1976), que alcanzó al tercer puesto en las listas del Reino Unido. En marzo de 1996, después de 26 exitosos años con Genesis, Collins decide abandonar amistosamente la formación para dedicar más tiempo a su carrera como solista y a su familia.[10] [editar] Otras colaboraciones Collins ha colaborado ocasionalmente con otros músicos. Participó en el grupo Brand X como baterista y acompañó a Steve Hackett en su álbum "Voyage of the Acolyte", en el cual puso la voz y tocó los tambores. En Brand X supo plasmar sus mejores virtudes como eximio baterista, editando nueve discos (tres de ellos en vivo) desde 1976 hasta 1983. En el año 1979 colaboró con Camel en su disco I Can See Your House From Here en la percusión. Al año siguiente colabora con Mike Oldfield en el disco "QEII" también en las percusiones. Ha producido a artistas como Eric Clapton, Robert Plant, Brand X, 2pac e incluso a Anni-Frid Lyngstad del grupo ABBA. Aparte de la industria musical, Phil Collins aparece en Grand Theft Auto: Vice City Stories. [editar] Carrera en solitario Desde 1981 desarrolló su carrera en solitario paralela a la de su trabajo con Genesis. Su primer álbum en solitario, "Face Value" (1981), reflejaba la ruptura de su primer matrimonio, con canciones como "If Leaving Me is Easy" e "In the Air Tonight". Este disco es autobiográfico y demuestra una profunda melancolía por el dolor que la causo su separación. "Hello, I Must Be Going" (1982) fue otro disco que alcanzó gran popularidad y del cual se extrajo un sencillo, "You Can’t Hurry Love", que se situó en el primer puesto de las listas de ventas británicas. También alcanzó gran éxito internacional el álbum "No Jacket Required" (1985 de donde se desprendieron sencillos como "Sussudio" "One more night", "Take me home". Otros títulos a destacar en su discografía son: "...But Seriously" (1989),disco que para muchos es el mejor que ha grabado en su carrera, siendo ganador de Grammy´s, siendo el corte mas famoso "Another day in paradise" asi como "Do you remember" "Both Sides'siendo el primer sencillo "Both sides of the story" (1993), "Dance Into the Light" (1996) y "Testify" (2002). Su tema para la película Contra todo riesgo (1983, Taylor Hackford) fue número uno en Estados Unidos. Su capacidad como actor se puso de nuevo de manifiesto con su interpretación del papel principal de la película "Buster, el robo del siglo" (1988, David Green), con la que ganó un premio Grammy por la canción "Two Hearts". Posteriormente ha centrado su actividad creativa en la composición de bandas sonoras, como la de la película "Tarzán" (1999) y la de "Hermano Oso" (2003), ambas producidas por Disney. Su penúltimo álbum de estudio es "Testify", del año 2002, y su último disco hasta el momento, "Going Back", que salío en Septiembre del 2010, plasma covers de canciones que el escucho de niño y siempre quiso grabar. En 2007 se reúne con sus ex compañeros de Genesis, Tony Banks y Mike Rutheford, después de 15 años de separación e inicia con ellos una gira por Europa y los Estados Unidos donde grabaron un Dvd y un Cd en vivo. Luego de no tener noticias de Phil Collins durante el año 2009, el día 10 de septiembre de 2009 el diario inglés The Mirror publicó una noticia en la cual se decía que Collins "no volvería a tocar nunca más la batería" debido a una seria lesión en sus vértebras cervicales.[12] Sin embargo, el mismo Collins en un comunicado aclaró todo lo referente a su estado de salud. Sus palabras fueron las siguientes: "No hay ningún drama acerca de mi "discapacidad" y el tocar la batería. De algún modo durante la última gira de Genesis me disloqué algunas vértebras del cuello y eso afectó a mis manos. Tras una exitosa operación en el cuello, mis manos aún no pueden funcionar normalmente. Quizás en un año más o menos eso cambie, pero por ahora me es imposible tocar la batería o el piano. No estoy en ningún estado de "malestar", en la vida las cosas pasan. Phil"[13] Phil Collins anunció su retirada del mundo de la música por los persistentes problemas de salud que le impiden continuar cantando y componiendo, informó a la revista People en marzo de 2011, dejando consigo un innegable legado musical fruto de su larga trayectoria como músico y productor. Según él mismo explica en su web oficial,los problemas de salud a los que se aludía en sus entrevistas habían sido sacados de contexto.Niega que esa sea la causa de su retirada y añade que lo que le lleva a dejar la música es su deseo de ser, a partir de ahora, padre a tiempo completo de sus dos hijos pequeños. [editar] Anuncio de su nuevo trabajo musical Luego de varios años de inactividad al concluir la gira con Genesis el 2007, Phil Collins regresará al panorama discografico con un nuevo disco que verá la luz en Septiembre de 2010. Este nuevo trabajo musical de Collins lleva por nombre "Going Back", en el cual Collins reversionará temas clásicos del estilo R&B característico del sello Motown. En palabras del propio Collins, "esto realmente comenzó por diversión, y opté por las canciones de Motown que más me gustan, las más oscuras, las menos conocidas".[14] Según músicos cercanos a Collins (entre ellos, Chester Thompson y Daryl Stuermer), Collins trabajó en la grabacion del disco junto a parte del grupo The Funk Brothers e incluso grabó el mismo las partes de batería a pesar de los efectos adversos de la lesión en sus vertebras que comprometió parte de la movilidad en sus manos (segun Collins, debio pegar las baquetas a sus manos con cinta adhesiva para poder tocar la batería).[15] Además. su sitio web oficial está funcionando nuevamente, el cual anunció como fecha de lanzamiento de su nuevo disco el 13 de Septiembre de 2010.[16

Mecano fue un grupo español de música pop activo entre 1981 y 1992, periodo al que hay que sumar una fugaz reaparición en 1998 que duró apenas ocho meses a partir de la edición de un doble disco recopilatorio que incluía siete nuevos temas grabados para la ocasión. El grupo estaba compuesto por Ana Torroja y los hermanos Nacho Cano y José María Cano . Fuera del grupo, pero parte integrante de la banda, tanto para las sesiones de estudio como para los directos, estuvieron grandes músicos entre bajistas y bateristas entre los que destacan Arturo Terriza, Manolo Aguilar, Nacho Mañó, Javier Quílez y los baterías Ángel Celada y Óscar Astruga. Mecano ha vendido hasta la fecha más de veinticinco millones de discos en todo el mundo, alcanzando un éxito sin precedentes en países como España, México, Colombia, Francia, Italia, Venezuela, Puerto Rico y Chile.[cita requerida] Está considerado uno de los grupos más importantes e influyentes de la historia del pop y del rock en español, de tal suerte que sus conciertos en vivo siguen siendo uno de los acontecimientos musicales de mayor envergadura en la memoria musical española. Gracias a las adaptaciones de algunos de sus temas a otros idiomas llegaron a obtener una gran repercusión en países de habla no hispana como Italia y Francia, especialmente en los países francófonos de Europa donde la versión francesa de su tema «Mujer contra mujer» continúa siendo la canción extranjera que más semanas ha estado en el Número Uno en las listas galas de grandes éxitos

Stefani Joanne Angelina Germanotta, más conocida por su nombre artístico Lady Gaga (Manhattan, Nueva York, 28 de marzo de 1986),[2] es una cantante, compositora, productora musical, bailarina, pianista y modelo[3] estadounidense. Stefani creció escuchando a bandas tales como Queen, al igual que a artistas pop como Michael Jackson y Madonna, quienes luego se convertirían en grandes influencias para ella.[2] [4] [5] En agosto de 2008, la cantante lanzó su álbum de debut, The Fame, que contó con la aprobación de los críticos de música contemporánea,[6] y con un gran recibimiento comercial, logrando vender más de 12 millones de copias a nivel mundial entre 2008 y 2010.[7] Los dos primeros sencillos del álbum, "Just Dance" y "Poker Face", tuvieron una gran repercusión mundial, llegando al Nº1 en los principales mercados musicales.[8] [9] Además de la buena recepción en los países, "Poker Face" se convirtió en el sencillo más exitoso de 2009 con más de 9,8 millones de copias legales vendidas,[10] mientras que "Just Dance" logró vender 7,7 millones de descargas legales quedando como la cuarta canción más exitosa de 2009.[10] Para la promoción del disco, la cantante se embarcó en su primera gira mundial, llamada The Fame Ball Tour.[11] A fines de noviembre de 2009, Lady Gaga lanzó su tercer EP, titulado The Fame Monster.[12] El disco contó con comentarios diversos, mayormente positivos, por parte de los críticos de música contemporánea,[13] y también con una buena recepción comercial, entrando en el repertorio de los diez álbumes más vendidos de casi todos los países en los que estuvo.[14] Los tres sencillos del álbum lanzados para la promoción del mismo tuvieron gran éxito mundial, logrando vender digitalmente más de 8,4 millones de unidades lo que hace a Gaga la artista con más ventas digitales.[15] Cuatro días después del lanzamiento del álbum, la cantante inició su segunda gira mundial llamada The Monster Ball Tour.[16] [17] Hasta la fecha, la cantante ha vendido 15 millones de álbumes y cuarenta millones de sencillos. En mayo de 2010, la revista Time incluyó a la cantante en la lista anual Time 100 de las personas más influyentes del mundo.[18] Un mes después, la revista Forbes nombró a la cantante como la cuarta celebridad más poderosa e influyente del mundo, siendo la segunda música más poderosa.[19] [20] Billboard en 2010 la nombró la Artista del Año de los Estados Unidos y logró quedar en el puesto 73 de los artistas de la década del 2000.[21] [22] Sus mayores éxitos son "Just Dance", "Poker Face", "Bad Romance", "Telephone" y "Born This Way". Lady Gaga inicialmente había firmado un contrato con Def Jam Recordings, cuando tenía diecinueve años, después de que L. A. Reid, productor musical, la escuchase por los pasillos de su oficina. Sin embargo, Gaga afirma que nunca llegó a reunirse con Reid y tras tres meses tuvo que abandonar el sello discográfico.[2] Antes de abandonar el sello, conoció al productor y compositor RedOne. La primera canción que produjo junto a RedOne fue "Boys Boys Boys". La canción es un mash-up inspirado por "Girls, Girls, Girls" de Mötley Crüe y "T.N.T." de AC/DC. Volvió a la casa de sus padres y comenzó a actuar en un club neoyorkino llamado Lower East Side, con grupos como Mackin Pulsifer y SGBand.[33] Al mismo tiempo, comenzó a tomar drogas y a participar en actuaciones de tipo burlesque. Gaga dijo que su padre "simplemente no lo entendía" y estuvo meses sin poder mirarla a la cara.[34] Rob, además la apodó con el sobrenombre de Gaga, que proviene de la canción del grupo Queen, "Radio Ga Ga". A partir de ese momento comenzó a usar su sobrenombre como nombre artístico siendo conocida a partir de enconces como Lady Gaga.[34] [35] [36] Fusari dijo: Cada día, cuando Stef venía al estudio, en lugar de decir 'hola', me cantaba "Radio Ga Ga". Ese fue su canto de entrada. Entonces cambié el "radio" por "lady" y la llamé. Ella al oír el nombre me dijo "no me llames nunca más Stefani". Después de ese día, era Lady Gaga.[36] Rob Fusari Gaga en una presentación en octubre de 2008. Ella era conocida en adelante como Lady Gaga.[34] A lo largo de 2007, Gaga colaboró con la artista Lady Starlight, quien la ayudó a crear algunos de los trajes de su espectáculo.[37] La pareja comenzó a actuar en locales del centro de Nueva York, tales como Mercury Lounge, Bitter End y Rockwood Music Hall, con su espectáculo en directo, conocido como "Lady Gaga and the Starlight revue"[38] anunciado como "El espectáculo rock definitivo del pop burlesque",[39] su espectáculo consitía en varios actos homenaje lo-fi a la década de los setenta.[40] En agosto de 2007, ella y Lady Starlight fueron invitadas a tocar en el festival de música estadounidense "Lollapalooza".[41] El show fue aclamado por la crítica, y su actuación recibió comentarios positivos. El espectáculo se centró en el vanguardismo, y en la música dance y electrónica. Gaga encontró su estilo musical cuando incorporó el genéro pop y el estilo glam rock de David Bowie y Queen en el espectáculo.[42] Mientras tanto, Rob Fusari había enviado las canciones que produjo con Gaga a su amigo, el productor y ejecutivo discográfico Vincent Herbert.[43] Herbert se apresuró a firmar un contrato con ella para Streamline Records, un sello de Interscope Records, desde su creación en el 2007.[44] Ella ha acreditado a Herbert como el hombre que la descubrió, a lo que añade que "realmente siento que hemos aportado mucho al pop, y vamos a seguir adelante".[43] Habiendo servido como compositora aprendiz en una pasantía en Famous Musik Publishing, la cual después fue adquirida por Sony/ATV Musik Publiching, ella posteriormente llegó a un acuerdo de publicación de su música con Sony/ATV.[45] Como resultado de ello, fue contratada para escribir canciones para Britney Spears, además de ser encargada por Interscope a escribir para sus compañeros de sello, los New Kids on the Block, Fergie y las Pussycat Dolls.[45] Mientras Gaga estaba escribiendo en Interscope, el cantautor Akon reconoció su capacidad vocal en el momento que la escuchó componiendo una de sus canciones. El así convenció a Interscope-Geffen-A&M, Chairman y CEO Jimmy Lovine, para formar un acuerdo en conjunto, teniéndola a ella como cantante con su propio sello, Kon Live Distribution.[2] Gaga continuó su colaboración con RedOne trabajando con él en el estudio durante una semana en su álbum de debut,[45] trabajando en éxitos internacionales como "Just Dance" y "Poker Face". Gaga también se unió a la lista de Cherrytree Records, un sello de Interscope establecido por el productor y compositor Martin Kierszenbaum, luego de haber escrito y producido cuatro canciones con Kierszenbaum, incluyendo el sencillo "Eh Eh (Nothing Else I Can Say)".[45] 2008-2010: la nueva revelación del pop Véanse también: The Fame y The Fame Monster Gaga cantando en el tour The New Kids on the Block: Live. En 2008, Gaga se había trasladado a Los Ángeles para trabajar con su sello discográfico a fin de terminar su álbum debut, The Fame.[34] Gaga dijo que combinó gran cantidad de géneros musicales en el álbum, "desde la batería y percusión de Def Leppard a los tambores del heavy metal en música urban".[2] The Fame fue recibido positivamente; de acuerdo con Metacritic, el disco ha obtenido una puntuación de 71 sobre 100.[46] The Fame llegó al número uno en países como Austria, Reino Unido, Canadá, Irlanda, entre otros países, y al número dos en Estados Unidos.[47] [48] El primer sencillo del álbum fue "Just dance", lanzado el 8 de abril de 2008 y llegó al número uno en muchos países, incluyendo Australia, Canadá, Países Bajos, Irlanda, Reino Unido y Estados Unidos.[49] La canción estuvo nominada a los premios Grammy en la categoría de Mejor canción dance, pero no consiguió ganarlo.[50] El segundo sencillo fue "Poker Face", lanzado el 23 de septiembre de 2008. La canción llegó al número uno casi en veinte países, en los que se incluyen algunos de los mercados musicales más importantes del mundo. "Poker Face" se convirtió en el segundo número uno de Lady Gaga en la lista estadounidense Billboard Hot 100 en abril de 2009. Después, Haus Of Gaga cambia su enfoque sobre el mercado americano cuando Gaga comienza su primer gira, en la cual era telonera, llamada New Kids on the Block: Live, de la reformada banda pop New Kids on the Block, con quienes Gaga compartía el sello discográfico, Interscope. Comenzó la gira con ellos en Los Ángeles, el 8 de octubre de 2008, y se prolongó hasta finales de noviembre.[51] Su primer gira norteamericana, The Fame Ball Tour, comenzó el 12 de marzo de 2009, y ha recibido elogios de la crítica.[52] [53] También fue telonera del grupo Pussycat Dolls, en el Reino Unido y Australia, en su gira World Domination Tour, en mayo de 2009. Su actuación en dicho tour fue bien recibido por los críticos, y algunos comentaron que Gaga "supero a las Dolls" en sus actuaciones.[54] [55] Lady Gaga tocando un keytar. En octubre de 2009, Gaga recibió el premio Rising Star of 2009 de la revista Billboard.[56] [57] Asistió a la cena de Human Rights Campaign, en español conocida como Campaña de Derechos Humanos, el 10 de octubre de 2009, antes de marchar en el día Nacional de la Igualdad. Gaga dijo: "en la industria de la música todavía hay una gran cantidad de personas homófobas. [...] Así que me estoy tomando una posición".[58] [59] En noviembre de 2009 se anunció el lanzamiento de The Fame Monster, un disco de ocho canciones que tratan el lado oscuro de la fama, así como por su experiencia en el curso de 2008-2009 durante su viaje alrededor del mundo, en las cuales las letras se expresan a través de una metáfora de monstruo. "Bad Romance" fue lanzado como el primer single del álbum. La canción encabezó las principales listas de Reino Unido, Canadá, Irlanda, Finlandia, Suecia, entre otras, mientras que llegó al número dos en los Estados Unidos, Italia, Australia y Nueva Zelanda.[60] [61] El 11 de diciembre de 2009, Gaga se presentó y cantó su canción "Speechless", una balada, para la reina Isabel II.[62] También anunció que haría su segundo tour, The Monster Ball Tour, para la promoción de su reciente álbum.[63] Gaga fue nombrada directora creativa de una línea de productos de Polaroid, en el evento Consumer Electronics Show, el 7 de enero de 2010, donde ella comentó que va a crear la moda, la tecnología y productos de fotografía. "Estoy trabajando para llevar la cámara de película instantánea de nuevo como parte del futuro".[64] El 15 de marzo de 2010, Billboard anunció que el segundo sencillo de The Fame Monster, “Telephone”, alcanzó el número uno en la lista Pop Songs, siendo su sexto número uno consecutivo, y haciendo que Gaga sea la única artista en la historia de la lista que logra esto. Coincidiendo con esto, Beyoncé, quien es la artista invitada de la canción, logra también su sexto número uno como artista invitada en una canción. De esta forma, el dúo se suma a Mariah Carey, quien sumó también seis números uno entre 1993 y 2005.[65] El 19 de marzo, el ex productor de Gaga Rob Fusari demandó a la compañía de ésta, Mermaid Music LLC, alegando que tenía derecho a una cuota del 20% de sus ingresos. El abogado de Gaga, Charles Ortner, describió esto como ilegal y se negó a dar comentarios.[66] Gaga cantando "Speechless" en The Monster Ball Tour. En abril del 2010, el video de "Bad Romance" se convirtió en el video más visto de la historia de YouTube, con 179,83 millones de visitas en el momento del la condecoración; y es el primer video de YouTube en superar las 200 millones de visitas.[67] [68] [69] A finales de abril de 2010, Gaga fue nombrada como una de las artistas más influyentes del mundo por la revista Time, en su lista anual Time 100.[70] En dicha edición, la cantante Cyndi Lauper escribió una nota sobre Lady Gaga.[71] Ella expresó: Gaga presenta sus ideas en una manera sofisticada. Ella tiene una increíble sensación pop. La gente olvida lo joven que es ella (...) sólo tiene dos álbumes, pero ya inspira a otros artistas a ir adelante con su propio trabajo. Cuando veo alguien como Gaga, me recuesto en la admiración (...) ella no es un acto en la música pop, es un artista de interpretación. Cyndi Lauper[72] El 20 de junio del 2010, la canción "Bad Romance" logró superar las cuatro millones de copias digitales vendidas, haciendo a Gaga la primera artista en la historia digital en tener tres sencillos con más de cuatro millones de copias digitales vendidas,[73] tan solo después de "Just Dance" y "Poker Face".[74] [75] 2011 – presente: Born This Way Véase también: Born This Way El 12 de septiembre del 2010, durante la ceremonia de los MTV Video Music Awards, la cantante reveló que su tercer álbum de estudio se llamará Born This Way.[76] Luego, en una entrevista con la BBC News, Gaga habló sobre el disco y dijo que «el álbum es el matrimonio de la música electrónica con las melodías épicas, me atrevo a decir incluso, el metal o el rock 'n' roll. Del pop con las melodías bailables bastante marcadas y pegajosas. Está terminado, y todos estamos ajustando todo. Es algo así como la etapa post-operatoria del álbum. Ya he hecho la cirugía de corazón, ahora sólo lo hay que de coser de nuevo. Creo que líricamente este álbum es más poético. Esta realmente escrito por los fans, ellos lo escribieron para mí, porque todas las noches están canalizando tanto en mí. Así que lo escribí por ellos y para ellos. Born This Way, es todo acerca de mis pequeños monstruos y yo, la madre monstruo».[77] La cantante confirmó que el disco saldrá el 23 de mayo de 2011, mientras que el primer sencillo del disco, titulado «Born This Way», estará disponible a partir del 11 de febrero de 2011.[78] [79] [80] [81] Estilo musical e influencias Lady Gaga ha sido influenciada por músicos y grupos glam rock tales como David Bowie y Queen,[82] [83] así como de artistas de música pop como Madonna, Britney Spears y Michael Jackson.[84] [2] [4] John Dingwall de Daily Record, escribió que «Gaga dice que se ha inspirado en Madonna y el difunto Michael Jackson, pero el mayor artista que más influencia ha dado a Gaga fue sin dudas Freddie Mercury».[4] La canción de la banda Queen, "Radio Ga Ga", es la que ha inspirado su nombre artístico.[85] [86] Gaga comentó al respecto: Yo adoraba a Freddie Mercury y a Queen. Ellos tuvieron un éxito llamado "Radio Ga Ga", y es por eso que me encanta el nombre. (...) Freddie fue único, una de las mayores personalidades de música pop.[4] Lady Gaga Madonna en una entrevista con Rolling Stone comentó que se ve a ella misma reflejada en Gaga.[87] En respuesta a las comparaciones, Gaga declaró que «no quiero parecer presuntuosa, pero he hecho mi objetivo, que es revolucionar la música pop. La última revolución fue hace 25 años, por Madonna».[4] Las cantantes Grace Jones y Debbie Harry también han sido citadas como una inspiración de Gaga.[88] [89] [90] Gaga posee un tipo de voz contralto,[1] y frecuentemente ha sido punto de comparación con las voces de Madonna y Gwen Stefani.[91] Además, algunos críticos afirman que la estructura de su música hace eco del pop clásico de los años '80 y del europop de los '90.[91] Al revisar el álbum debut de Gaga, The Fame, Sarah Hajibageri del periódico The Sunday Times comentó que «en la combinación de música, moda, arte y tecnología, Lady Gaga evoca a Madonna, a la Gwen Stefani de "Hollaback Girl", a la Kylie Minogue del 2001 o a la actual Grace Jones».[92] Del mismo modo, Sarah Rodman, crítica de The Boston Globe comentó que la cantante posee «inspiraciones obvias desde Madonna a Gwen Stefani (...) en sus ritmos burbujeantes, y en su voz».[93] Evan Sawdey de PopMatters comentó que a pesar de que sus letras carecen de estímulo intelectual, «ella se las arregla para empezar a moverte y marcar el ritmo sin ningún problema».[94] La recepción de su música, su sentido único de la moda y su personalidad se mezclan. Su estatus como modelo a seguir y como icono de la moda fue por momentos afirmado y por otros negado.[95] [96] [97] [98] Sus álbumes han recibido revisiones positivas,[6] [13] con los críticos señalando distintas cosas, como por ejemplo, su lugar único en la música pop, la necesidad de nuevos movimientos en la cultura popular, la atención de Gaga que lleva a importantes cuestiones sociales y la naturaleza subjetiva de su arte.[99] [100] [101] Su papel como refuerzo de autoestima para con sus fanáticos ha sido elogiado, al igual que su papel en dar vida a la industria de la moda.[102] Sus actuaciones se describen como muy «entretenidas e innovadoras»; en particular, se destaca su presentación en los VMA 2009 donde la cantante simula perder sangre, la cual fue descrita por MTV como «alucinante».[103] Imagen pública Excentricidad La cantante se caracteriza por su peculiar y excéntrica forma de vestirse. Gaga ha dicho y demostrado que la moda es una gran influencia en su carrera.[25] [32] [104] La cantante ha citado a Donatella Versace como su musa inspiradora.[25] Lady Gaga creó un equipo de producción propio denominado the Haus of Gaga, el cual se encarga de inventar y crear muchas de sus ropas, accesorios para el escenario y peinados.[105] [106] De acuerdo con la cantante, su amor por la moda proviene de su madre,[23] y declaró que «cuando estoy escribiendo música, ya estoy pensando en la ropa que quiero llevar en el escenario. Es todo completo: el arte de la performance y la moda».[32] La revista estadounidense Entertainment Weekly calificó a sus trajes en la lista de "lo mejor de la década" diciendo que: «Ya sea trate de un vestido hecho con los Muppets o burbujas estratégicamente colocadas, la vestimenta extravagante que Lady Gaga usa en sus presentaciones marcan tendencia».[107] Entertainment Weekly En 2009, la cantante fue nominada por sus vestidos para dos categorías en los premios NME Awards, entregados por la revista musical NME.[108] El público votó a la cantante como la mejor vestida, pero a su vez, fue votada también como la peor vestida.[