Música clásica, ¿ por qué no?

¿Qué tal amigos?, estoy seguro que si preguntara a cada uno de vosotros acerca de los motivos que empujaron a Carreras, Domingo y Pavarotti a montar el negocio de Los Tres Tenores, cada uno podría dar una explicación diferente, todas ellas plausibles, por supuesto. Yo os daré la mía. El dinero. Y que conste que ésto no me parece mal. Cada uno tiene derecho a buscarse la vida de la manera que más le convenga, faltaría más. Lo que ya no me parece tan bien es que se quisiera enmascarar la iniciativa como un proyecto para acercar una música, a priori minoritaria, al gran público y a los jóvenes. Como nos cuenta Jesús Ruiz Mantilla en su libro “Divos”, podrían haber hecho como otro divo, Mick Jagger, un tipo que nunca dijo que quisiera cambiar el mundo pero que si dejó constancia de que lo único que quería con la música era forrarse. Pues eso.

Franz Schubert tuvo una corta vida, murió a los 31 años. A pesar de su extraordinario talento, su paso por este mundo no fue acompañado ni por la fama ni por el reconocimiento de su obra. Tuvieron que pasar más de cuarenta años después de su muerte para que el mundo conociera y reconociera la calidad de su extensa obra. Coincidir en el tiempo con el genio de Beethoven no se lo puso nada fácil. Su música, con un estilo personal, melódico y expresivo y esa manera suya de transmitir emociones desde el pentagrama, influyó de manera determinante en el desarrollo del romanticismo y marcó el camino a otros grandes compositores como Schumann, Brahms o Mahler. Franz Schubert, a pesar de morir tan joven, nos dejó escritas numerosas obras: más de 600 lieder, nueve sinfonías, música de cámara, sonatas para piano y óperas. Hoy repasaremos una de estas sinfonías, la novena en Do mayor, conocida igualmente como la “Gran Sinfonía”.

Ana María Cecilia Sofía Kalogerpoulos, siempre fue contracorriente. Su madre tardó cuatro días en querer verla y le costó darle un nombre, lo cierto es que cuando lo hizo se despachó a gusto, en cualquier caso ella lo cambió para la posteridad porque siempre, para todos, ella será “La Callas”, la Divina, María Callas.

“¡No hay mujeres compositoras, no las ha habido nunca ni las habrá!” Sir Thomas Beecham, fundador de la London Philarmonic Orchestra, 1920. Aunque la cita es de 1920, el asunto es tan viejo como el mundo. En 1686 el papa promulga un edicto que prohíbe a todas las mujeres “solteras, casadas o viudas” estudiar música, entrar en los conservatorios o exhibirse en público. Y antes, en 1633 el diplomático y poeta italiano Fulvio Testi, reconocido como uno de los principales exponentes de la literatura barroca italiana del siglo XVII, dejó escrito en una carta: “Una mujer que ejercite el oficio de la música pone en grave peligro su propia reputación. Si buscamos una perfecta honestidad en las cantantes, no lo hagamos bajo este cielo”. Bueno pues así han sido las cosas para las mujeres en casi todos los campos a lo largo de la historia, pero especialmente en el mundo de la música.

Nuestro programa de hoy está dedicado al genio de Chaikovski, uno de los compositores rusos más populares de todos los tiempos, especialmente en el periodo del Romanticismo, entre los años 1850 y 1910. Lo que le hace todavía más grande es que fue el primero que valoró el ballet como un arte en si mismo y como un nuevo espacio para el desarrollo creativo. Suyas son las obras más icónicas de la danza clásica: El lago de los cisnes, La bella durmiente y El cascanueces. Su música fue un hito en la historia del ballet y, además, cambió la técnica de las coreografías porque la partitura exige una habilidad y flexibilidad especial a los bailarines. Hoy nos ocuparemos de una de estas obras: El Cascanueces.

A Dvorak se le apareció la virgen en el cuerpo mortal de Jeannette Thurber, una millonaria hija de un rico inmigrante danés. Como diría el Padrino, le hizo una oferta que no pudo rechazar. Nuestro amigo Antonin andaba, allá por el año 1891, sin un duro en el bolsillo y apurado a más no poder pero, tuvo su particular epifanía. Su mecenas Thurber le ofreció la dirección del recientemente creado Conservatorio Nacional de Música de América en Nueva York. Obviamente Dvorak aceptó la generosa oferta y salió pitando a hacer las américas acompañado de toda su familia y de uno de sus alumnos, el violinista Joseph Kovarik que, a la postre, se convertiría en un gran amigo del músico y su secretario personal.

Este año se ha celebrado el bicentenario del estreno de la Novena Sinfonía de Beethoven. Se ha escrito tanto y tan bien acerca de esta obra que resulta muy difícil encontrar nuevos argumentos que la definan. Como simple aficionado me remito a lo que, en el día del estreno, dejó escrito Anton Schindler, amigo y biógrafo de Beethoven: “Le ruego me disculpe por señalar que esta sinfonía es una excepción respecto a todas las anteriores; es la más grandiosa y difícil”. El estreno fue complicado, la orquestación requería de un gran número de músicos, los cantantes eran demasiado jóvenes, no pudieron hacer los ensayos necesarios, la apuesta económica también era arriesgada, en fin, que el asunto no estaba muy claro. A pesar de todos los inconvenientes, el estreno fue todo un acontecimiento y un gran éxito. Cuando terminó la interpretación, Bethoveen, que había estado en el escenario todo el concierto aunque por esas fecha ya no podía oír absolutamente nada, absorto como estaba, tuvo que ser avisado por una de las cantantes para que pudiera ver aplaudir al público. El maestro se volvió, miró fijamente a la platea y saludó.

La Sinfonía Fantástica fue compuesta por Héctor Berlioz en 1830 y estrenada, ese mismo año, en el Conservatorio de París el 5 de diciembre. La obra, una sinfonía programática, es una de las piezas más importantes del período romántico. Solo como recordatorio, la música programática es la que tiene como objetivo evocar en la mente de los oyentes ideas, paisajes, colores o incluso un estado de ánimo. Bien, pues volviendo a la obra, Leonard Bernstein la describió como una de las primeras experiencias musicales psicodélicas, debido a su carácter alucinatorio y soñador. Las malas lenguas, envidia, dicen que esto se debe en gran medida a que el autor trabajó en su obra bajo los efectos del opio. Bueno, ¿y qué?. Pues eso.

La Zarzuela, creo que ya lo hemos dicho alguna vez, es una expresión artística teatral, genuinamente española, que tuvo su auge durante el reinado de Felipe IV. Se presentó por primera vez en el palacio de la Zarzuela, de ahí su nombre. Por cierto, que el palacio se llamaba así porque la zona estaba llena de zarzas. Bueno, el nuevo género era, y es, una mezcla de muchas expresiones artísticas: teatro, música, canto, sainete y diálogos en prosa. Hoy recordaremos algunos de los pasajes más famosos y empezaremos con un clásico, El dúo de la africana, una zarzuela en un acto con música de Manuel Fernández Caballero y libreto de Miguel Echegaray. Se estrenó con gran éxito en el teatro Apolo de Madrid el 13 de mayo de 1893 y nos cuenta los amores y desamores de los actores de una humilde compañía de ópera, dirigida por el tacaño Querubini. De esta obra, vamos a escuchar “El coro de la murmuración”. La Orquesta de Cámara de Madrid está dirigida por Ataulfo Argenta.

Mozart escribió “La flauta mágica” al mismo tiempo que su inacabado Requiem. El genio de Mozart podía con todo, pasaba de un tema a otro sin ningún problema aún siendo ambos proyectos tan diferentes. En ese momento Mozart ya no recibía tantos encargos de la corte de Viena pero, un encuentro fortuito en la logia masónica a la que acudía con regularidad con su viejo amigo y colaborador Emanuel Schikaneder, actor y director de un compañía de teatro, propició que ente ambos decidieran sacar adelante una ópera alemana. Aunque al principio Mozart no estaba muy contento con el tema, un cuento mágico que había propuesto su colega, todos sus temores se vieron diluidos por el éxito del estreno y el entusiasmo del público.

Bien pues, hoy termina una temporada más de Música clásica ¿por qué no?. Hemos recorrido juntos un camino que nos ha permitido conocer o recordar a grandes músicos de todos los tiempos, escuchar su música y disfrutar de momentos inolvidables, ... o eso espero. El programa de hoy va a repasar algunos de esos momentos más llamativos y a volver sobre obras y compositores que nos han impresionado y también conmovido, ¿por qué no?. No descubriremos nada, por supuesto, ya que hablamos de volver a escuchar a Strauss, Dvorak, Bach, Mozart, Beethoven y algunos otros que iremos viendo.

Entre los pianistas existe la creencia de que la música de Rachmaninoff es, de largo, de las más exigentes técnicamente hablando. No les falta razón, la extraordinaria habilidad técnica de la que gozaba el músico ruso es legendaria y, seguramente, daba por sentado que, si él podía, todos podían. Pero en Rachmaninoff la técnica no lo es todo. Para él, y según su propias palabras: “La música nace solo en el corazón y apela solo al corazón; ¡es amor! ¡La hermana de la Música es la poesía, y su madre es el dolor”. La música de Rachmaninoff es pues pura sensibilidad y sentimientos. Sergei Babayan, el aclamado pianista armenio-estadounidense, grabó en diciembre de 2009 algunas de las mejores obras del compositor. El trabajo es una exploración reflexiva de lo que él describe como una “paleta emocional ilimitada”. Según la crítica especializada, lo que Babayan hace con las obras de Rachmaninoff son palabras mayores.

Arcadi Volodos es un virtuoso pianista ruso, nacido en San Petesburgo el 24 de febrero de 1972, que está nacionalizado francés pero que reside habitualmente en España. Volodos, al que hemos podido escuchar en numerosas ocasiones en el Auditorio de Zaragoza, mantiene una estrecha relación con nuestro país. A mediados de los 90, y bajo la tutela de Dimitri Baskiroz, estuvo perfeccionando su maravillosa técnica en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Volodos es hoy una figura internacional, aclamado en todo el mundo aunque, en alguna ocasión, se le ha acusado de “exceso de virtuosismo” o de “exceso de técnica”. El resuelve el asunto de la siguiente manera: “ Un virtuoso no es quien impresiona al oyente con su pirotecnia, sino quien consigue que las proezas técnicas desaparezcan en favor de la intensidad, la diversidad, la belleza de los colores y los matices y el impacto emocional de su actuación. Si consigues todo esto, si… eres un virtuoso. A mi, personalmente, la velocidad de los dedos me interesa poco”. El 9 de marzo de 2007 editó un disco dedicado íntegramente a la música de Liszt: “Volodos plays Liszt”.

Retomamos hoy las andanzas de nuestros particulares héroes, Riccardo, Amelia, Renato, y el resto del elenco de la ópera que Verdi nos regaló allá por 1859. Habíamos dejado la acción al final del primer acto y ya escuchamos los primeros compases de la obertura del segundo. Una baile de máscaras, II acto.

Guiuseppe Verdi es uno de los mayores compositores de la historia de la ópera, italiano hasta la médula y autor de músicas y personajes inolvidables para amantes y profanos en la materia. En su larga carrera escribió más de 28 óperas. Meticuloso y perfeccionista supo adaptarse, sin rupturas drásticas, con la evolución de los tiempos y los gustos de la época que le tocó vivir, casi todo el siglo XIX. Hoy disfrutaremos de “Un ballo in maschera”, Un baile de máscaras, una ópera en tres actos, con libreto de Antonio Somma cuya historia está basada, más o menos, en un hecho real ocurrido en Estocolmo en 1792. La obra se estrenó en en el Teatro Apollo de Roma, el 17 de febrero de 1859.

En el programa de hoy vamos a seguir repasando la producción sinfónica de uno de los grandes, Franz Schubert. No hace mucho disfrutamos de las sinfonías números uno y tres y hoy lo haremos con la sinfonía núm dos y la sonata para piano en La mayor. Schubert compuso esta sinfonía siendo muy joven, tenía solo 17 años. Se la dedicó a Innocenz Lang, el director de la orquesta de uno de los colegios municipales de Viena que había visitado recientemente. El músico no vio estrenada su obra ya que la premier, que tuvo lugar en el Crystal Palace de Londres, se presentó el 20 de octubre de 1877, cincuenta años después de su muerte. Bueno, por lo menos, ésta es la primera interpretación pública completa conocida. Si es cierto que, con anterioridad, se habían interpretado en público alguno de su movimientos de forma independiente.

Es casi seguro que nadie como nuestro invitado de hoy, ha generado opiniones tan contradictorias con respecto a su obra. Tachado en vida como un mediocre conservador posromántico, hoy es considerado como un gigante de la música de su tiempo. De Jean Sibelius, nuestro invitado, Stravinski dijo que era el más tedioso de los músicos. Por contra, su biógrafo, el inglés Cecil Gray dejó escrito que Sibelius fue “el mayor sinfonista desde Beethoven”. Como siempre, opiniones para todos los gustos. Lo que si es cierto es que, hoy, es ampliamente reconocido como el mejor compositor de su país, e incluso, se le atribuye un especial mérito por haber desarrollado una identidad nacional que impulsó a Finlandia durante su lucha por la independencia de Rusia.

Hola a todos, volvemos hoy nuevamente a repasar la producción de un gran compositor, Antonin Dvorak, nuestro admirado músico checo que, además, viene hoy acompañado de un no menos admirado violonchelista ruso, el genial Mstislav Rostropovich. Escucharemos en primer lugar el Concierto para violonchelo y orquesta en si menor, op. 104 que fue, por cierto, el último que compuso. Lo hizo entre 1894 y 1895 por encargo y después de haberse negado reiteradamente a acometer una obra de esta naturaleza. Decía que el violonchelo era un buen instrumento orquestal pero insuficiente para un solista. Por aquellos años, Dvorak era el Director del Conservatorio Nacional, con sede en Nueva York, y su compañero de claustro Victor Herbert había presentado su Segundo concierto para violonchelo, op. 30 con notable éxito. Dvorak asistió a varias interpretaciones de dicho concierto y, según parece, la belleza del timbre del instrumento le hizo cambiar de opinión y le animó a escribir el suyo. Lo estrenó en Londres el 16 de marzo de 1896 con Leo Stern como solista y fue todo un éxito.

Hoy vamos a escuchar ópera. La Bohéme, una obra en cuatro actos escrita por Giacomo Puccini y que fue estrenada en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896. Puccini nació en el seno de una familia de músicos. Su padre, organista de cierto relieve, murió cuando Giacomo tenía seis años pero, aún así, le guardaron la plaza de su padre hasta que pudiera hacerse cargo. Desde el principio dio muestras de un gran talento musical, al igual que de un carácter difícil que a su madre no le producía más que quebraderos de cabeza. Y así fue hasta que se cruzó en su camino una representación de la ópera de Verdi, Aida. Quedó tan impresionado que, en ese momento, decidió que su futuro dejaría de estar ligado al órgano de la Catedral de Luca para centrarse en la ópera.

Hoy pasaremos la tarde en muy buena compañía, nada menos que con el genio Johann Sebastian Bach y la brillantez instrumentista de Hilary Hahn. En 1717 Bach había abandonado su puesto en Weimar al ser nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen. En ese momento empezó el período más productivo en la vida del músico. De esa época son los Conciertos de Brandemburgo, el primer libro de El clave bien temperado, suits para violoncelo solo y los concierto para violín, entre otros. De estos últimos nos ocuparemos hoy. Del primero de ellos, el concierto para violín en La menor, número 1041 de su catálogo, siempre se creyó que había sido compuesto en Köthen, pero últimamente, algunos estudiosos de prestigio, han concluido que quizá lo hizo en Leipzig. Bueno, en cualquier caso, la única fuente autógrafa que ha sobrevivido al paso de tiempo son unas copias, manuscritas por el autor, fechadas en Leipzig en 1730. El original está perdido. Lo que si es una certeza es que fue la única vez, en los 50 años de carrera profesional, que no trabajó por encargo de la iglesia luterana. Y aunque no hay certeza de ello, es muy probable que el propio Bach fuera el solista en la presentación de la obra. El maestro tenía un violín de Jacob Stainer, un luthier cuyos instrumentos eran más apreciados que los Stradivarius en el siglo XVIII. Pero vamos al concierto.