Musical Sur

Y en este último programa de la temporada les propongo conocer y compartir la acción de Calabriasona, un proyecto creado hace muy poco tiempo, dedicado a revitalizar y a difundir la música tradicional de Calabria, tanto a nivel regional, como nacional e internacional, a través de la coordinación entre las fuerzas y proyectos musicales que durante años han ido creciendo y desarrollándose en la región. Abrimos el programa con una canción que es un homenaje a Calabria, una tierra rica en costumbres y tradiciones; tierra de agricultores, artesanos y pescadores que después de un duro día de trabajo, aprovechan para reunirse en la noche a tocar instrumentos típicos y danzas como la tarantela, para aliviar el cansancio y encontrar nuevas energías para el trabajo del día siguiente. Una tierra rica en historia, donde en la antigüedad han llegado muchos pueblos extranjeros, como los griegos, romanos, normandos, sarracenos, bizantinos y borbones, cada uno de los cuales ha dejado un pedazo de sus tradiciones. Basta pensar, por ejemplo, los numerosos monumentos históricos que existen en esta región. Calabria, rodeada de hermosos mares de aguas cristalinas, pero que con los años, a partir de finales del siglo XIX, ha visto a muchos jóvenes tener que emigrar al norte o a otros países en busca de fortuna. Calabria, tierra de bandoleros que han luchado, e incluso muerto, por defender los ideales de justicia y libertad. La música de Calabria es parte de la tradición musical italiana. Al igual que otras regiones del sur de Italia, Calabria durante muchos siglos fue una parte integral del reino de Nápoles, y, como en otras regiones, la vida musical tendió a ser eclipsada por las actividades importantes de la capital del norte, los compositores y la gran cantidad de música que se interpretaba en las iglesias. Sin embargo, la Calabria moderna ha desarrollado una vibrante vida musical basada en su historia. La tradición popular rural de Calabria está más estrechamente relacionada con la zampoña y la gaita italiana, que se encuentra en toda Italia, pero es una parte muy importante de la tradición calabresa. Calabria es el hogar de al menos cinco tipos diferentes de zampoña, pero también hay una antigua tradición de Lira, Pipita y Tamburine. El éxito de la tarantella, o más genéricamente de la música popular "Hecha en Calabria," es un fenómeno en crecimiento constante y rápido, un crecimiento que ahora involucra a toda la región, que representa la vitalidad de un Sur que quiere ganar y no estar subordinado. De la música marginal como "fenómeno popular", en los últimos años ha pasado a ser "música del mundo” calabresa, un espacio conquistado, que adquirió tal prestigio y credibilidad para convertirse en un verdadero movimiento popular y cultural trans-generacional. A partir de sus tradiciones, de las calles, y de su gente, el éxito de la música popular de Calabria se convirtió sin querer en una revancha, una especie de bandera para una región que quiere lograr la recuperación de su identidad cultural e histórica. A través de su "Música Popular" Calabria ha obtenido hoy una importante oportunidad para el desarrollo económico y el turismo, y la oportunidad de conseguir "una visibilidad real y saludable" a nivel nacional e internacional. El proyecto Calabriasona, nacido en 2013, se propuso la idea de la coordinación entre las fuerzas y proyectos que durante años han ido creciendo y desarrollándose en la región. Para ello, puso en marcha un plan de trabajo que abarca a algunos de los principales acontecimientos que animan el verano de Calabria. Porque considera que ahora ha llegado el momento de unir las energías y experiencias en un proyecto de organización y de comunicación única, con el fin de conquistar un turismo significativo y lograr el desarrollo cultural y económico del territorio, sobre la base de las tradiciones indiscutibles y arraigadas relacionadas con la música popular de Calabria. Calabriasona consiste en una serie coordinada de eventos y festivales. Los acontecimientos y espectáculos, como los conciertos de música popular, están apoyados por atracciones secundarias específicas dependiendo de la zona en la que se realiza el evento particular, como ir a clases de baile o de instrumentos típicos, etno-gastronomía, conferencias temáticas y exposiciones. El circuito y la coordinación entre los distintos festivales se promueven a través de una comunicación amplia y específica que permite a Calabriasona labrarse espacios para la visibilidad significativa tanto a escala regional como a escala nacional e internacional, mediante la captación de nuevo turismo en Calabria, donde el movimiento relacionado con la tarantella ya es de proporciones significativas. Son varios los festivales que se coordinan en la región entre julio y agosto de cada año, como Le piazze della música que se lleva a cabo en Rossano, el Scialuarti Festival, en Marina di Gioiosa Ionica, el Tarantarsia en Tarsia, el Satriantella Festival, en Satriano, y varios más. El circuito, encuentra su culminación en el Kaulonia Tarantella Festival, el principal evento regional dedicado a la música popular de Calabria, que se llevó a cabo en su XVI edición del 19 al 23 de agosto pasado en la ciudad de Caulonia. La preservación de la función de la música en diversos rituales religiosos tradicionales tiene lugar en Caulonia, una comuna italiana de 7.500 habitantes de la provincia de Reggio Calabria en Calabria y, además, el nombre de una antigua ciudad griega cercana. Especialmente durante la Semana Santa, la presencia de numerosos músicos, y la antigua tradición de la población local en las bodas y otras fiestas, mostraron la persistencia de una tradición y el crecimiento de un evento que tenía las características y la especificidad de la música, que se acompaña con bailes, marcada al ritmo de la Tarantella. Desde entonces, el evento ha crecido considerablemente, y en términos exponenciales en los últimos años, hasta convertirse en la fiesta popular más importante de Calabria, y considerada como un prestigioso escaparate para artistas nacionales e internacionales, como Noa, Carlos Núñez, Eugene Jackson, Ornella Vanoni, Teresa De Sio, Enzo Avitabile, Ambrogio Sparagna, y muchos otros más. Desde 2012, el director artístico del festival es Mimmo Cavallaro, un famoso músico e investigador cauloniese, líder del movimiento popular que está explotando en Calabria en los últimos años, que recoge e interpreta varias canciones de la tradición oral, sagrada y secular. Su obra es una antología de gran valor cultural y un evento en vivo que representa un viaje a través del tiempo y el espacio. La información vertida durante el programa fue extraída del sitio calabriasona.it. En cuanto a la música son muchísimos los intérpretes que se presentan en los escenarios de los distintos festivales que coordina el proyecto Calabriasona, pero por razones de tiempo nos hemos visto obligados a seleccionar sólo algunos de ellos. No obstante, creo que es una muestra bastante representativa de la moderna música tradicional de Calabria que se puede disfrutar en la actualidad. Es una realización de Jorge Laraia.

Austria durante toda su historia ha formado parte de varios imperios durante los diferentes años, hasta que en 1955 que se creó la República Austriaca. Y la música es un claro reflejo de esto, ya que la música austriaca tiene gran parecido con la música de los países que la rodean. A pesar de esto, Austria cuenta con varios géneros musicales típicos y exclusivos de este gran país. Sin dudas, cuando uno piensa en la música austríaca y en particular de Viena, lo primero que le surge es el vals. El origen de este género se remonta al siglo XII y proviene de la zona oeste de Austria, de la zona de Tirol. En su época, el vals era un baile practicado únicamente por la nobleza. La palabra Vals viene de la palabra “walzen” que significa girar en alemán. Con el tiempo fueron surgiendo varios géneros o tipos de vals, pero sin duda el vals clásico, hoy en día, es el llamado vals vienés. Pero la música popular austríaca va mucho más allá de estos hermosos valses vieneses, aunque no es tan conocida por estas latitudes. Uno de los géneros más difundidos es el denominado Schramelmusik, que también se suele tocar en las Heurigen, las tabernas dónde sirven el vino joven, y es muy antigua. Su origen se remonta al siglo XIX, creada por los hermanos Johann y Josef Schrammel, los que, en un pequeño distrito de Viena llamado Nussdorf, se dedicaron a tocar canciones populares con violines, una guitarra de dos mástiles, un acordeón y a veces un clarinete, y así siguen haciéndolo al día de hoy los grupos que han seguido su estela. La Schrammelmusik se compone de canciones populares austríacas, húngaras, eslovenas y de Baviera, así como por las más de 200 canciones que los hermanos Schrammel compusieron durante su vida. Esta música no sólo transmite folklore y alegría, sino que también recuerda un poco a la música clásica, y eso es porque compositores tan importantes como Johann Strauss, Johannes Brahms o Arnold Schönberg se sintieron influenciados por ella. Otro tipo de música es la llamada Volksmusic (música del pueblo, en alemán), que es un género que se frecuenta mucho en la zona del Oeste de Austria. Este género nace en la zona de los Alpes, en el Tirol (Alemania, Austria, Suiza, Italia), Es característica ya que utiliza un dialecto tirolés en sus canciones y en la letra de éstas refleja el estado de vida, tradiciones y acontecimientos de los granjeros de la zona. En este género lo más destacado son los instrumentos, ya que se emplean instrumentos únicos de esta región, como lo son los cuernos de los Alpes. También se emplean guitarras, cítaras, violas, trompetas y armónicas. Otro aspecto característico de este género es que durante las canciones se aplica el yodeleo (canto típico de esta región). Por lo general, el yodeleo se utiliza en canciones armónicas, y los instrumentos se utilizan en general en canciones rápidas para bailes intensos. El característico de estos bailes es el famoso atuendo que emplean. Para estos bailes se utilizan los Dientlkleider/hosen, otra particularidad es que se emplea mucho aplaudir ya sea con las manos o con las piernas para acompañar a la música. Una de las ramas de este género es la llamada “Blasmusik” una vertiente del Volksmusik, pero la gran diferencia con ésta, es que los instrumentos implementados, (como lo dice su nombre en “alemán “música soplada”, son únicamente instrumentos de aire soplados como la trompeta, el oboe y el saxofón, entre otros, aunque en oportunidades es acompañado por instrumentos de percusión como lo son la batería, trombones o platillos. Otro género que nace de la Volksmusik, es la Slager Musik, que se considera como una evolución de esta. Surge en la zona del Tirol y es una mezcla de la típica Volksmusik y música electrónica moderna. Surgió en las cantinas en los Alpes y es característica hoy en día de fiestas grandes, como por ejemplo el Oktoberfest de Alemania y los Alpes. En las tabernas de los centros de esquí de los Alpes se frecuenta mucho este tipo de música, y hoy en día es esta la música típica más escuchada dentro de Austria y los países de habla alemana. Recorriendo algunos de los variados géneros de la música popular austríaca, nos vamos a detener en uno en particular: el llamado Wienerlieder, que así se denominan a las canciones vienesas. Los Wienerlieder, como bien lo dice su nombre nacieron en la capital del país austriaco en las tabernas de la misma. Surgieron en el siglo XIX y son características y únicas del estado de Viena y sus alrededores (Baja Austria). La letra de estas, se centran en hablar de acontecimientos cotidianos en la capital y por lo general están cantadas en el dialecto vienés. Las Wienerlied son un fenómeno socio-cultural único, una radiografía del estilo de vida vienés cantado con idealismo y, a la vez, con desesperación. Bien dicen que la historia de Viena se podría deducir de los Wienerlieder. Este género se compone, por lo general, de una voz y un acordeón, o una guitarra, ya que estos instrumentos son relativamente fáciles de transportar y se podían llevar a las tabernas. La canción vienesa no es sólo un fenómeno musical sino un fenómeno principalmente sociocultural, explica Susanne Schedtler, directora de la "Wiener Volksliedwerk", una institución que se dedica al estudio científico de la música popular vienesa. El historiador literario Harry Zohn considera la canción vienesa, que ya existe como género específico desde hace unos 150 años, una autoglorificación músico-literaria de los vieneses. La canción vienesa dispone de una amplia gama de giros cromáticos y armónicos, así como de numerosos cambios de ritmo. Y algunas piezas no pueden negar la influencia recibida de las canciones alpinas del siglo XIX. Comentarios extraídos de los sitios musicaustriaca.wordpress.com, b2b.wien.info y wienervolksliedwerk.at. Y en cuanto a la música escuchamos el vals Danubio Azul de Johan Strauss interpretado por la Orquesta Filarmónica de Viena, bajo la dirección del argentino Daniel Baremboin, el Schrammel Ensemble, Kurt Pascher y su Böhmerwälder Musikanten, al DJ Otzi, y al trío Zillertaler Vagabunden. También a Roland Neuwirth, Anton Karas, Horst Chmels, el TrioWien, Karl Hodina y el dúo Rutka/Steurer. Es una realización de Jorge Laraia.

Pakistán es una región en constante contacto cultural con Asia del sur, central y Medio Oriente. Así es como la música de Pakistán ha emergido como una fusión de muchos otros tipos de sonidos, ya que su música incluye diversos elementos de la música oriental y tradicional asiática, donde el sonido deriva tanto de la música asiática del centro como de la sureña, la persa, la turca, la árabe y la india. Pakistán es un Estado soberano del sur de Asia. Con una población que supera los 180 millones de personas, es el sexto país más populoso del mundo. Está ubicado en una encrucijada de caminos entre las regiones estratégicamente importantes del sur, el centro y el oriente asiático. Cuenta con algo más de 1000 km de costa hacia el mar Arábigo y el golfo de Omán en su parte sur. Además, tiene fronteras con la India por el este, con Afganistán por el oeste y el norte, con Irán por el suroeste y con China en su extremo noreste. La historia de Pakistán ?la cual, para el período que precede la fundación de la nación en 1947, es compartida intermitentemente con Afganistán, India e Irán? se puede datar hasta los principios de la vida humana en el sur de Asia. Por ello, es hogar de algunos de los más importantes sitios arqueológicos, incluyendo el yacimiento más antiguo de homínidos del Paleolítico en el sur de Asia, ubicado en el valle del río Soan. Toda aquella región estuvo gobernada por numerosos imperios y dinastías como el Califato omeya, el Imperio mongol, el Reino sij y el Imperio británico. Como resultado de los esfuerzos del movimiento liderado por Muhammad Ali Jinnah y del movimiento de independencia indio, en 1947 Pakistán consiguió su independencia y se configuró como la nación de los musulmanes que habitaban en las regiones del este y oeste de la India, donde eran mayoría. Inicialmente Pakistán fue un dominio británico, pero en 1956 el país aprobó una constitución y se convirtió en una república islámica. Una guerra civil en 1971 resultó en la secesión de Pakistán Oriental, que pasó a llamarse Bangladésh. La historia de Pakistán posterior a su independencia ha estado caracterizada por períodos de gobierno militar, inestabilidad política y el conflicto con su vecina India, otro país con armas nucleares, por el control de Cachemira. Hoy, el país sigue afrontando grandes problemas como el terrorismo, la pobreza, el analfabetismo y la corrupción. En cuanto a la música pakistaní está representada por una amplia variedad de aspectos. Desde estilos tradicionales, como el qawwali, a estilos más modernos que tratan de fusionar la música tradicional pakistaní con la música occidental. El maestro del qawwali, Ustad Nusrat Fateh Ali Khan, con el que compartiremos los próximos dos temas, en Pakistán también es conocido como El Legendario King Khan, cuya familia es natural de Afganistán, y es famoso internacionalmente por crear un estilo de música que sincronizó el qawwali con la música occidental. La aparición de refugiados afganos en las provincias fronterizas ha reavivado las músicas pashto y persa en Pakistán. Peshawar se ha convertido en el centro de músicos afganos, y un centro de distribución para la música afgana en el extranjero. Cantantes afganos se han hecho famosos en todas partes de la frontera y algunos hasta se han casado con población local, lo que refuerza el parentesco étnico de los afganos. Qawwali, es la música piadosa de los Sufis, que ha estado viviente desde hace más de 700 años y antes era realizada originalmente en las capillas de los Sufis. Esta música transporta a los oyentes y también a los músicos a un estado de Wajad, es decir, trance, fase liminal donde uno se siente más apegado al Dios en cuestión. Las raíces de este género datan del siglo VIII. Esta música ha emigrado a la parte sur de Asia, así como también a Turquía y Uzbekistan. Además, el qawwali se ha exportado internacionalmente a través del trabajo de su mayor exponente Nusrat Fateh Ali Khan, quien ha fusionado este género con varios músicos de occidente así como también lo ha expuesto en diversos festivales a nivel mundial, ganándose un reconocimiento global. Y otro género muy difundido en Pakistán, es la música Ghazal. Es una forma poética de construir una canción en rima, donde cada línea debe compartir el mismo metro. En el Ghazal tradicionalmente se expresan el amor la separación o la soledad, para los cuales el canto es una forma apropiada de representar estos sentimientos. La música Ghazal se entiende como la expresión poética del dolor de la pérdida o de la separación y de la belleza del amor a pesar de dicho dolor, esta forma musical data del siglo X A.C. Los requisitos estructurales para escribir la poética del Ghazal son aún más estrictos que la poética que se conoce en inglés. La extensión de este género se dio hacia la parte sur de Asia en el siglo XII bajo influencia de las nuevas cortes islámicas y de los Sufi, y este género hoy en día ha influenciado la poesía en muchos idiomas. Iniciamos entonces la segunda parte de este programa que le estamos dedicando a Pakistán y a su música, una música que hoy está siendo atacada en algunas regiones del país por grupos talibanes. Si bien Pakistán brindó su apoyo a los talibanes a partir de 1994, a partir del 2004 los talibanes han emprendido acciones contra el gobierno de Pakistan, llegando a dominar algunas regiones. Tanto es así, que Waziristán del Norte, una región del norte de Pakistán, que limíta con Afganistán, es base de operaciones de numerosos grupos insurgentes, incluidos talibanes afganos y paquistaníes. Algunos de ellos se enfrentan abiertamente al Estado paquistaní, mientras que otros se limitan a operar al otro lado de la frontera, contra las fuerzas afganas y de la OTAN. Y entre las muchas acciones que los talibanes llevan a cabo, se encuentra la ofensiva contra la música, que consideran contraria al Islam, en las zonas que están bajo su influencia. Músicos, intérpretes, empresarios y dueños de teatros se vieron forzados a exiliarse o a refugiarse en sus casas. Sin embargo, son varios los cantantes tradicionales, músicos de jazz y productores discográficos que pudieron sortear semejante afrenta. Aquí brindamos algunas de sus historias de lucha. “En los últimos años canté más de 10 temas contra el talibán. Recibí amenazas a través de mensajes de texto, pero seguiré haciéndolo porque me da fuerzas”, apuntó el premiado músico pakistaní Khyal Mohammad, a quien estábamos escuchando. Sin embargo, no todos los artistas en el atribulado norte de Pakistán siguieron el mismo camino. Shamim Ara, de 30 años, destacó que recibió varias cartas de amenaza del movimiento islamista afgano, y decidió abandonar la música. “Todavía quiero cantar porque me apasiona, aunque mis hermanos no quieren. Varios actores y cantantes de esta provincia pidieron asilo político tras recibir amenazas de muerte del talibán”, contó. Comentarios extraídos del sitio desdelasraicesdelamusica, de una nota de Zofeen Ebrahim publicada en almamagazine.com y de Wikipedia. Es una realización de Jorge Laraia.

Jorge Reyes es reconocido a nivel mundial por difundir la música prehispánica a través de sus discos, mezclando el rock con la música mesoamericana, y divulgando de esta forma, la cultura popular de su país. Autodefinido como etnomúsico, Reyes es considerado uno de los artistas más famosos en la música contemporánea mexicana, ya que su obra abarca un amplio rango de experimentación sonora, al incorporar instrumentos mesaoamericanos a la música rock, jazz y electrónica, creando su propio género musical, que definió como "tloque nahuaque" (música corporal con canto armónico). Reyes nació en 1952 en Uruapan, Michoacán, México y falleció en el 2009. Estudió flauta traversa en la Escuela Nacional de Música de la UNAM antes de optar por un estilo propio, y en los años 70 viajó a Europa en una aventura de aprendizaje musical que le llevó hasta Alemania. Allí estudió música clásica, electrónica y jazz. Después, en la India, estudió la música tradicional hindú y tibetana. Al regresar a su país formó los grupos musicales Al Universo y Nuevo México, donde hizo sus primeras fusiones mezclando el rock con instrumentos como el teponaztle (caparazones de tortuga y de caracol). En 1980, junto con Armando Suárez formó la banda Chac Mool, con el que abrimos el programa. Flautista y guitarrista del grupo, imprimió sus conocimientos en cuatro discos y le dio a la banda su característica esencial: la creación de atmósferas con letras profundas que trasladaban a los oyentes a un mundo fantástico. La aparición de Chac Mool coincidió con el auge del rock mexicano; fueron pioneros al incorporar instrumentos como violoncelo, mandolina, timbales, sintetizadores, flauta e instrumentos autóctonos prehispánicos. De este disco escuchamos ahora el tema El visitante, que se puede interpretar como un ser extraterrestre que es introducido a la muy peculiar forma de vivir del ser humano, pero en una segunda interpretación sugiere que el extraterrestre puede ser cualquier persona que visita otro país. En 1985, la legendaria agrupación Chac Mool se disuelve y Jorge comienza una prolífica carrera de solista que le llevará a muchos lugares y a ser uno de los músicos mexicanos más reconocidos del mundo. Jorge Reyes inicia su carrera en solitario con el disco “A la Izquierda del Colibri”, publicado en 1985, que obtuvo una mención honorífica en la Academia de Ciencias de Rusia. Contó con la participación de Antonio Zepeda, otro mejicano que rinde culto en sus conciertos a la música prehispánica. Se diferencia levemente del proyecto sonoro de Reyes por una enfática búsqueda de estructuras netamente acústicas, sin la intervención de instrumentos eléctricos, intentando recrear así atmósferas antiguas. En el mismo, Zepeda toca únicamente instrumentos como flautas de barro y carrizo, teponaztle, caparazones de tortuga, tambores mayas y tarahumaras. Reyes y Zepeda lograron amalgamar sonidos emulando otros tiempos, trayendo la presencia de la selva, o recurriendo a bases de batería elaboradas en modernas cajas de ritmo. Insistentes percusiones tocadas en troncos y tambores, y también melodías que surgen desde las flautas o desde los teclados, creando una música uniforme donde ya no importa qué se ejecuta, sino una última forma que trasmite emoción y la sensación de participar en algún antiguo ritual de magia. El séptimo álbum de este músico mexicano, titulado “Bajo el sol jaguar”, publicado en 1991, es quizás su obra solista más conocida, haciendo esa especie de krautrock (esa corriente musical de rock experimental surgida en Alemania Occidental a fines de los años 60) indígena creada desde las enigmáticas profundidades creativas de Jorge Reyes. Este es uno de sus discos solistas más famosos, quizás el más famoso de su larga carrera, su obra fundamental, angular y básica. Convengamos, que es muy difícil tratar de realizar un comentario coherente de este disco, tratar de catalogarlo o encasillarlo, como es difícil definir un adjetivo o atrapar el agua... en el disco se utilizan una gran gama de instrumentos de origen mesoamericano, tanto de percusión, como tambores, teponaztlis, (un tronco de árbol grueso, ahuecado por abajo para que se forme una cámara de resonancia), caparazones de tortugas, piedras y sonajas, así como otros de viento, entre los que destacan ocarinas, trompetas de caracol y silbatos. Si su música es poco difundida, menos conocida aún es su faceta como productor. En el 2006, Jorge Reyes, con el auspicio de la Universidad de Guadalajara, produjo el disco Cupaima, con 12 canciones, para cumplir el deseo que Chavela Vargas tenía desde hace más de 10 años: grabar un disco con esta fusión de estilos, de hacer una mezcla de sonidos prehispánicos y música ranchera, aunque Reyes consideró que el mismo llegó en un momento donde cobró sentido de legado. Veo esto como una despedida de Chavela, en cada tema nos va diciendo adiós, tanto, que al final del disco se despide, señalaba Reyes, quien trató de respetar el espíritu melancólico de la intérprete y de vestir su voz con un aire místico, con flautas, ocarinas, tambores y sonidos del cuerpo. En la última entrevista que le hicieron, Jorge decía que la verdadera lucha de los músicos se gesta dentro de la misma música. En su caso, consideraba como una afrenta el auge de la música a la que él llamaba “hipnótica”, repetida electrónicamente hasta la ignominia con la finalidad de adormecer, no de liberar el espíritu. Le resultaba ofensivo que la producción de música auténtica fuera tan escasa, contra el avasallante y desproporcionado mercado de lo artificial y lo superfluo. Y no podemos dejar de estar de acuerdo con lo que decía. Es una lástima que este tipo de música no sea lo suficientemente difundida en Argentina, y supongo que en el resto de los países de América Latina, y por ello le hacemos una reparación desde nuestro sencillo espacio. En ese momento, cuando valoremos nuestras raíces y reencontremos nuestra esencia, estas obras estarán allí, esperándonos, enseñándonos a descubrir que debajo de nuestra cultura actual, permanece la de nuestros ancestros. Comentarios basados em el blog cabezademoog,, que tiene una gran recopilación de notas sobre Jorge Reyes, extraídas de otros sitios que menciona, de una nota de Leobardo Jacob Lechuga publicada en revistavariopinto.com, y otra publicada por eluniversal.com.mx. En cuanto a los temas musicales pertenecen a los discos “Nadie en especial” de Chac Mool, de 1980, “A la Izquierda del Colibri”, publicado en 1985, “Bajo el sol jaguar”, publicado en 1991, “Xipe Totec – El dios desollado”, de 1994 Tonami, de 1995, y Cupaima, el disco que en el 2006 produjo para Chavela Vargas. Es una realización de Jorge Laraia.

La música góspel, música espiritual o música evangélica, en su definición más restrictiva, es la música religiosa que surgió de las iglesias afroamericanas en el siglo XVIII y que se hizo popular durante la década de 1930. Más generalmente, suele incluirse también la música religiosa compuesta y cantada por cantantes cristianos sureños, independientemente de su etnia. Es un género musical caracterizado por el uso dominante de coros con un uso excelente de la armonía. Si bien hoy está extendido por todo el mundo, y muy fuertemente en Sudáfrica, se originó en los cantos de los esclavos africanos llevados a los EEUU a partir del siglo XVII. La música góspel nace de la tradición de los «espirituales negros», una música arraigada en el sufrimiento de generaciones de esclavos africanos que fueron arrancados de su tierra y deportados a los países de América. La música afroamericana se remonta a 1619, fecha en que el primer africano llega a la colonia de Virginia, mientras que la primera noticia de un esclavo que se bautiza como cristiano viene del año 1641 en Massachusetts. Muchos de los negreros europeos (británicos, franceses, españoles y portugueses) predican la fe cristiana sólo para mantener sumisos a sus cautivos (por aquello de que «los mansos heredarán la tierra»). Los intereses comerciales, un clima político favorable al lucrativo tráfico en seres humanos, y la religión dan la mano para impedir la rebelión de los oprimidos. Sin embargo, la historia sugiere que una interpretación exclusivamente sociopolítica no basta para explicar la conversión masiva de los africanos al evangelio de Jesucristo. Parece que muchos adoptaron la fe cristiana libre y sinceramente, porque ésta les ofrecía una esperanza que este mundo definitivamente no proporcionaba. Una característica del género autóctono que los esclavos importan es la balada, la narración –la tradición oral de la tribu– de las hazañas de los héroes antiguos. Este aspecto se incorpora en los nuevos contenidos cristianos. Los héroes del Antiguo Testamento, como Abraham, Josué, y Daniel forman parte del panteón musical. Cruzar el río Jordán se equipara con pasar del sufrimiento de esta vida a la felicidad celestial. El carro que lleva a Elías a la gloria sirve de emblema, y los esclavos piden que Dios mande su carro para llevarlos a ellos también. El ejemplo de Daniel, que sobrevive en el foso de los leones, aviva una esperanza que vence el temor. Además del recuerdo de los héroes de la Biblia, los espirituales negros sirven para que los esclavos se comuniquen en clave y burlen la vigilancia del amo. También recogen aspectos de la época como el «ferrocarril subterráneo», nombre con que se describe la cadena de ayudantes clandestinos que con pisos francos y documentos falsificados propician la huida de los esclavos de las plantaciones de algodón a las ciudades norteñas y libres, con canciones como esta titulada « Mantén tu lámpara aderezada y encendida » (señal que indicaba una casa segura), y el pulso implacable del ritmo que hace eco del ruido del tren. Estos inmigrantes forzosos trajeron consigo un estilo musical propio. Una vida comunitaria basada en la música y el baile, siempre dirigido por una percusión insistente, se incorpora al rito de la recién descubierta fe cristiana. El canto se acentúa con la animada participación de los oyentes (exhortaciones, palmas y bailes improvisados), y poco a poco la música eclesiástica blanca, europea y estéril a oídos de estos nuevos conversos, se transforma, y nacen los llamados espirituales negros. Como bien señala la Dra. Eileen Southern, catedrática de Música y Estudios Afroamericanos de la Universidad de Harvard (EEUU), la melodía de los espirituales suele ser modal o pentatónica, con una constante improvisación melódica y textual. Hay frases musicales que se repiten con variaciones, dirigiendo el cantante principal y haciendo eco el coro, creando un patrón de llamadas y respuestas. Los espirituales negros evolucionan en música gospel propiamente hablando, con la incorporación de una instrumentación y armonización más sofisticadas. La música ya no se limita a temas modales y pentatónicos, aunque las raíces africanas siguen notándose. Ahora la tradición oral se centra en la persona de Jesucristo. La palabra gospel se deriva del vocablo anglosajón godspell, que significa «palabra buena», traduciendo el término bíblico griego euangelion, «buena noticia». Los esclavos consideran que la mejor noticia de todas es el evangelio de la salvación en Jesucristo. Si bien los amos propagan la fe para mantener a las masas embrutecidas, muchos de los que componen esas masas ahora ven en Jesús el mayor de todos los héroes antiguos, y cantan de su amor, su poder, su sufrimiento, y su cruz. La música góspel, a diferencia de los himnos cristianos, son de carácter ligero en cuanto a música. A esta forma de cantar se la denominó así ya que era un canto evangélico, para invitar a las personas hacia Dios. Las letras suelen reflejar los valores de la vida cristiana. La fuerte división entre blancos y afrodescendientes en EE. UU., especialmente entre iglesias de blancos y las de afrodesendientes, ha mantenido separadas ambas ramas del góspel, aunque esta separación nunca fue absoluta (ambas parten de los himnos metodistas y los artistas de una tradición cantan a veces canciones de la otra), y dicha separación ha disminuido ligeramente en el último medio siglo pasado. Aunque la música góspel es un fenómeno estadounidense, se ha extendido a lo largo del mundo. Es un género musical caracterizado por el uso dominante de coros con un uso excelente de la armonía. Entre los subgéneros se incluyen entre otros, el góspel tradicional, el góspel negro, el sureño, y el góspel blues, con el que vamos a cerrar esta primera media hora, por lo que hoy en día hay varios subgéneros llamados góspel. Y cuando se habla de góspel es frecuente que se venga a la cabeza Sudáfrica, así que en esta segunda parte, vamos a dedicarnos específicamente a interpretaciones de góspel mediante artistas de ese país. Fue en los años treinta cuando las llamadas Iglesias Sionistas Cristianas empezaron a expandirse por Sudáfrica, y obviamente incorporaron los ritmos tradicionales a su liturgia. Fue así como surgió el góspel sudafricano, una de las músicas más famosas de este país. Comentarios basados en una nota de Chema Caballero publicada en blogs.elpais.com, y de Wikipedia. En cuanto a la música, se escuchan interpretaciones de Fred McDowell, Ernie Ford, Gospel Baptist Church, Glenn Kaiser, Soweto Gospel Choir, Rebecca Malope, Lusanda Spiritual Group , Hlengiwe Mhlaba y Solly Moholo. Es una realización de Jorge Laraia.

De las provincias de Buenos Aires y La Pampa, del sur de Santa Fe y Entre Ríos y del país vecino de Uruguay, proviene la Milonga surera, género pampeano de enorme divulgación. Se destaca por la forma en la que se la interpreta de manera tradicional, cuando un cantor junto a la guitarra recita una serie de sentencias que aluden a las problemáticas sociales rurales, a los enredos amorosos y a las picardías cotidianas. Los personajes más populares que interpretan esta música son el payador, que maneja a la perfección la improvisación rápida y certera, como cuando le contesta a un contrincante; y el recitador criollo, acabado conocedor de la ancestral poesía local. Y en esta forma nos adherimos al día de la tradición que se celebra en la Argentina el 10 de noviembre, fecha que fue elegida en conmemoración del nacimiento del poeta argentino José Hernández, que escribió El gaucho Martín Fierro, relato en forma de verso de la experiencia de un gaucho argentino, su estilo de vida, sus costumbres, su lengua y códigos de honor. Y lo hacemos dedicándonos a la música surera, un modismo con el cual se identifica a la música criolla de la provincia de Buenos Aires, diferenciándose de la música llamada “sureña”, con la que se denomina a la música del sur de la Argentina, música patagónica, que nada tiene que ver con la anterior mencionada. Así mismo, aunque la música de la región pampeana parece igual a la surera, no lo es. Todo esto lo explica el gran exponente de esta música, Don Omar Moreno Palacios, músico compositor, guitarrista, criolla y criador de caballos, cuando dice: “Sus diferencias residen en el modo musical de la milonga. El modo pampeano es en modo menor, en cambio la milonga surera o corralera es en modo mayor”. Lo mismo sucede en la cantidad de frases de cada estrofa en su letra. Puede notarse, también, cierto parentesco con la milonga porteña en su rítmica, sin embargo, esta es de orden bailable, y la surera no. La música de la provincia de Buenos Aires y en especial la milonga, invita a escuchar todo lo que tiene que decir al mundo criollo. En cuanto al origen de este género según don Omar Moreno Palacios, es la música de España hecha en Buenos Aires luego de mucha ciudadanía en estas tierras. Ritmos como la mazurka, el vals, la cifra, la polka, la ranchera, el triunfo, el malambo y la misma milonga corralera, son expresiones europeas que ya han tomado vida propia por calidad he historia de sus compositores e intérpretes sureros. Volviendo a la milonga, tampoco se puede dejar de lado la negritud que los esclavos imprimieron en nuestro arte, quienes convivieron en los últimos dos siglos en esta región, dejando la impronta del tambor, ya no sólo en la música surera sino en toda la música criolla argentina. Y para introducirnos en la milonga surera, me pareció oportuno compartir con ustedes fragmentos del audio del programa “El origen de las especies”, que el cantautor y músico tucumano Juan Quintero condujo, sobre la milonga, y que fuera emitido por el Canal Encuentro. En el mismo se pueden escuchar las voces de don Atahualpa Yupanqui, de las musicólogas Elena Hermo y Ercilia Moreno Cha, de los músicos Atilio Reynoso, Facundo Picone y Omar Moreno Palacios y de los payadores David Tokar y Luis Guraco. Comentarios basados en notas del blog musicasurera, de la redacción de El Norte, y del sitio de eldiario.com. Los intérpretes que escuchamos durante el programa fueron José Ballesteros, Fabián Reyes, Jorge Cafrune, Alberto Merlo, Claudio Agrelo y recién era Víctor Velázquez. Es una realización de Jorge Laraia.

Los premios Folk de la BBC Radio 2 celebran logros sobresalientes durante el año anterior en el campo de la música folk en el Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda del Norte. Los premios han sido otorgados anualmente desde el año 2000 por la emisora de radio británica BBC Radio 2. Los nominados son elegidos por un panel de entre 100 a 150 representantes de la industria de la música, incluyendo locutores, periodistas, organizadores de festivales, directores de compañías discográficas, agentes y promotores. Los representantes pueden variar de un año a otro y son seleccionados por el equipo de producción que está detrás de los premios, Smooth Operations Ltd. dirigido por el veterano productor de la BBC, John Leonard. A principios de este año se produjo el lanzamiento de este conjunto de 2 Cds que incluye una pista representativa de cada uno de los artistas nominados para Los Premios Folk BBC Radio 2 2014. Los premios, que celebraron su 15 º aniversario en este 2014, se fueron entregados el 19 de febrero pasado en el Royal Albert Hall de Londres, en una ceremonia que incluyó las actuaciones de algunos de los nombres más grandes en el campo de la música folk del Reino Unido. En una pequeña coincidencia de aniversarios emblemáticos, esta fue la 15 ª edición de los Premios Folk anuales de la BBC Radio Dos y también el décimo juego de compilaciones de CD, con los músicos y cantantes que fueran nominados. Por una razón u otra no siempre ha sido fácil poder ofrecer a todos los nominados, por lo que ha habido un puñado de exclusiones a largo de los años. Pero la compilación de este año ha logrado reunir a un conjunto bastante completo. Fue un cantante inglés, compositor, comediante, escritor, poeta, locutor y multi-instrumentista, Mike Harding, el que instigó a la Radio BBC 2 por los Premios Folk después de un viaje a EEUU y ser testigo de los premios American Music Awards, o alguna celebración similar de su propia cosecha de cultura musical. El proceso que creó empujó más allá de un compromiso habitual de la BBC para la música especializada, y se ha ganado su lugar como un punto de reunión en el calendario de la comunidad más amplia de músicos que caen bajo la bandera de la música folk. Es por lo menos un punto de enfoque valioso para los medios de comunicación y genera más columnas de cobertura gráfica, y más minutos de radio y televisión que cualquier otra cosa que pudiera llamarse un acontecimiento popular. Inevitablemente los premios han traído una cuota de controversia a lo largo del camino, como cualquier premio lo hará. Para empezar hay nominados y ganadores, pero la lista restringida y la selección final, naturalmente, no incluyen más de lo que se pueden abarcar. Si bien las selecciones son una fuente obvia de murmullos descontentos desde dentro, los premios también se destacan como un faro para los músicos folk y los detractores de la BBC por igual. Se puede decir lo que uno quiera acerca de las listas cortas, porque especialmente si uno realmente pasara algún tiempo sería imposible escuchar toda la variedad de la música folk, asistiendo a fiestas populares y clubes, pero sugerir que alguien tiene un interés personal en algún tipo de determinación sería risible. Y así, estamos terminando de recorrer estos 2 CD, como siempre un punto de referencia para la situación artística del folk y por lo tanto para conocedores y aficionados es una publicación que vale la pena. Comentarios extraídos de una nota de Simon Holland publicada en el sitio folkradio.co.uk, y del sitio bbc.co.uk, como así también de páginas de los intérpretes mencionados. Los temas escuchados pertenecen a Bella Hardy, Phillip Henry y Hannah Martin, The Full English, Aidan O'Rourke, Mischa MacPherson Trio, Lisa Knapp, Clannad, Martin Carthy con Eliza Carthy, Georgia Ruth, RANT, Ross y Jarlath, y Lucy Ward. Es una realización de Jorge Laraia.

Siendo una sociedad moderna y cosmopolita, en la actualidad, todo tipo de música se puede encontrar en la provincia canadiense de Quebec. Lo que es específico de Quebec, son sus canciones tradicionales, además de una variedad única de música celta, legiones de excelentes músicos de jazz, una cultura de la música clásica. Y por otra parte, los pueblos originarios y los inuit de Quebec tienen asimismo su propia música tradicional. Extendiéndose desde la fértil cuenca del río Saint Lawrence en el sur, hasta la helada tundra de la región de la Bahía Hudson en el norte, Quebec es una de las provincias más fascinantes de Canadá. Conocida afectuosamente entre sus residentes como “Le Belle Provence” o “La Provincia Hermosa”, Quebec es el hogar de la mayoría de la población francófona (franco-parlantes) de toda América. El legado francés en la región se hace evidente no sólo en el idioma, sino también en la cocina, la música y otras expresiones culturales. En Quebec también habita una gran población de habla inglesa, además de un número significativo de aborígenes, muchos de los cuales aún conservan sus lenguas nativas y mantienen, orgullosamente, muchas de sus antiguas tradiciones. Los cientos de miles de inmigrantes que actualmente consideran a Québec su hogar, contribuyen a la fusión cultural de la región. Abrimos el programa con el ensamble Le Vent du Nord, de Quebec, del que algunos dicen que se escucha lo mejor de la música de Canadá . Sin importar que su público entienda o no francés, Le Vent du Nord (El viento del norte) es un grupo de música folclórica de Quebec, que está fuertemente influenciado por la música celta de Irlanda y Bretaña. Los instrumentos que interpretan, acordeón, bajo, piano, guitarra, violín y mandolina producen chispas en cada lugar en que se presentan. El habitante típico de Quebec aprecia profundamente todo tipo de música, como lo demuestra el gran número de festivales musicales que allí se desarrollan a lo largo del año. El famoso Festival de Jazz de Montreal, Les FrancoFolies y el Festival d'été de Québec son algunos de los festivales reconocidos mundialmente donde se presentan los principales artistas de todo el planeta. Así, la escena musical local es increíblemente vibrante, y abarca desde la música folclórica tradicional de Quebec al pop francófono. Pero a pesar de toda su riqueza, la música de Quebec no es tan conocida fuera de sus fronteras. Deseamos que este programa ayude a difundirla y aliente a descubrir más de la música maravillosa que ofrece esta provincia tan particular. Y a quienes escuchamos en la parte final de esta primera media hora fue al grupo Genticorum Genticorum, un trío popular de musical tradicional Quebequense con sede en Montreal, Canadá. Los miembros son Pascal Gemme (violín y voz), Yann Falquet (guitarra, arpa de mandíbula, y voz), y Alexandre de Grosbois-Garand (flauta de madera, bajo y voz). Cada miembro dispone, además, de percusión por obstrucción. La banda se formó en el otoño de 2000, y a partir de 2011, se han publicado cuatro álbumes todos en Roues Et Archets, un sello discográfico independiente. A diferencia de las demás provincias, tiene como única lengua oficial el francés, y es la única región mayoritariamente francófona de Norteamérica. El idioma francés goza de protección legal e incluso la provincia cuenta con inspectores lingüísticos que revisan y controlan su uso. El celo de los quebequeses (en francés: Québécois) por su lengua y su estatus de minoría lingüística en América del Norte ha llegado a ciertos extremos políticos, pero también en su historia, el pueblo quebequés sufrió periodos de represión y asimilación inglesa. El Referéndum de independencia de Quebec de 1980 tuvo lugar el 20 de mayo de ese mismo año y los independentistas liderados por René Lévesque obtuvieron el 40,5% de los sufragios. En cambio, en el Referéndum de independencia de Quebec de 1995, los independentistas se quedaron a menos de un punto porcentual de conseguirlo con el 49,6% de los votos. Y ahora vamos a compartir a uno de los más famosos grupos de Quebec: La Bottine Souriante, considerados los representantes principales de la música tradicional quebequense, con raíces en las tradiciones folk francesas, inglesas, escocesas e irlandesas. Con una formación que habitualmente utiliza acordeón, violines, guitarras, percusión corporal y zapateo, La Bottine Souriante (cuyo nombre significa “la bota sonriente”, en referencia a las botas de trabajo con suelas solapadas separadas) le inyectó un sonido moderno a la música quebequense, que incluye la participación de un cuarteto de metales. La exclusión económica de los francoparlantes en Quebec fue considerada siempre un problema en Quebec hasta las reformas de los años 1960, la llamada "Revolución Tranquila". El primer ministro de Quebec en ese entonces, Jean Lesage, propuso la nacionalización de la producción de electricidad, y su gobierno creó empresas y bancas nacionales y después, impuso la legislación para reconocer el derecho de trabajar en francés. En 1948 se aprobó la actual bandera de Quebec como oficial y la lengua francesa sería cooficial junto al inglés en Canadá desde 1968. El 27 de noviembre de 2006 el parlamento canadiense, con el apoyo del partido en el gobierno, reconoció a los quebequeses como nación dentro de un Canadá unido en un intento de aplacar los deseos secesionistas de los partidos independentistas, aunque en sentido cultural y social, no legal. Asimismo la provincia de Quebec tiene otras 10 naciones de indios e inuits, los pueblos esquimales que habitan las regiones árticas de América , reconocidos como tales por su Asamblea Nacional en la época de René Lévesque, y son también reconocidas por el gobierno federal. Otras naciones en la provincia de Quebec podrían eventualmente ser reconocidas, como los “métis”, los anglo-quebequeses. Y como no podía ser de otra manera el hip hop ha tomado su lugar en Quebec. Loco Locass es un grupo de hip hop formado en 1995. El grupo defiende a menudo el papel de la lengua francesa, y el derecho a la soberanía de Quebec. Canciones como "Resistencia", que escucharemos a continuación, ponen de relieve las tendencias políticas de la banda, y su fuerte advocación de Quebec a la secesión de Canadá. Comentarios extraídos del sitio canada-culture.org, del sitio centrodeartigos.com y de Wikipedia. Es una realización de Jorge Laraia.

Líbano es un mosaico de voces y sonidos que emergen de la música tradicional árabe, su folclore, sus instrumentos más representativos como el oud, y que transitan, en la búsqueda de nuevos lenguajes que sirvan de puente y entendimiento entre Oriente y Occidente, por los ritmos más modernos como el pop, el rock, el rap o el rock alternativo. En la antigüedad, Líbano estaba habitado por los fenicios; una cultura que se dedicaba ampliamente al comercio y fueron pioneros en la navegación. Líbano fue parte del imperio Turco Otomano desde el siglo XVI, durante 400 años, lo cual le dejó una fuerte influencia en su cultura, costumbres y lenguaje. Posteriormente, después de la primera guerra mundial, Líbano estuvo bajo el mandato de Francia, hasta que el 22 de Noviembre de 1943, durante la ocupación alemana en Francia en la segunda guerra mundial, Líbano consiguió su independencia. Después de su independencia Líbano se formó como un centro económico de medio oriente, de tal forma que en 1970 era apodado "la Suiza del medio oriente"; sin embargo esta prosperidad se vio amenazada con la guerra civil y posteriormente con enfrentamientos entre países vecinos y grupos radicales que habitan Líbano. Actualmente Líbano se encuentra de nuevo en desarrollo, esperando, con el trabajo de su gente, recuperar el esplendor con el que siempre fue caracterizado. Si hablamos de los inicios de la música en Líbano, podemos decir que Líbano en la edad antigua, formaba parte del territorio de Fenicia, junto con Palestina, Siria e Israel. Los fenicios era un pueblo que se dedicaba al comercio, y fueron pioneros en la navegación; además, el alfabeto fenicio fue el antecesor de casi todos los alfabetos modernos. Los primeros instrumentos musicales utilizados en Fenicia, fueron el oud, antecesor del popular laud, el cual se considera el antecesor del violin y el cello; y el halil, un clarinete primitivo a dos tubos, el cual sigue siendo utilizado en la montaña libanesa. Se sabe que los fenicios disfrutaban de la música en su vida diaria, dentro de sus ciudades, y sobre todo al navegar en sus viajes, y sus composiciones sencillas estaban inspiradas en la naturaleza. El uso de las percusiones es sin duda característico de la música árabe, y no puede faltar en la música libanesa, donde destacan instrumentos como el pandero, y el inconfundible derbake. El arte del Líbano se vio influenciado por muchas culturas, y esto naturalmente se vio reflejado en la música. La cultura que más influenció a Líbano fue probablemente la Turca Otomana, ya que su dominio en el territorio perduró por 400 años. Y siguiendo con este viaje sonoro por la geografía libanesa, podemos decir que desde hace años, su capital Beirut, de acuerdo a lo que expresa Déborah Phares, graduada en la Academia Libanesa de Bellas Artes, se ha convertido en un laboratorio musical abierto a los lenguajes y estilos más transgresores, encarnados en una generación de jóvenes que explora nuevas formas artísticas a través de la música electrónica, el rap, el rock alternativo o la música indie. Una generación de nuevos músicos que, como la propia ciudad en la que viven, se encuentra en constante renovación y movimiento. Beirut, a pesar de haber sido varias veces destruida y otras tantas reconstruida, es una ciudad multifacética, es una mezcla entre Occidente y Oriente, elegante y dinámica, muestra diferentes aspectos en cada momento, y en ella se concentra más del 40% de la población. Es una ciudad que cuenta con una historia de mas de cinco mil años, que la convierten en imponente capital de la costa cananita-fenicia, y que disfruta de una armoniosa convivencia de sus habitantes y un clima ideal. Uno de los estilos que destacan en Líbano después de esto es el Dabké, el cuál va acompañado de una danza particular, en la que participan tanto hombres como mujeres y donde se destaca el estilo de la música y la coreografía utilizada, ya que se puede decir que es puramente oriental. En este sentido vale mencionar a uno de los artistas contemporáneos más relevantes como lo es Farés Karma, quien se ha especializado en rescatar el dabke, que siendo de los estilos más representativos, está teniendo una gran difusión actualmente. En los años 50's surgió una revolución musical en Líbano, en la cual se mezclaron los estilos orientales con la nueva influencia occidental, movimiento que fue liderado por los Hermanos Rahbani y Fairuz. Estos intérpretes utilizaban los típicos instrumentos orientales, junto con los instrumentos que se usan también en occidente y formaron un estilo de música que alcanzó la fama mundial, y fue incluso utilizado como soundtrack de algunas películas orientales. La tendencia en la actualidad en Líbano en materia musical, es la de regresar a sus raíces musicales, y a la vez entrar en la corriente musical mundial contemporánea. En conclusión, podemos decir que Líbano, es un país rico en diversidad cultural, lo cuál se refleja ampliamente en su música, y que, al igual que otros países en la actualidad, está buscando volver a sus raíces, conservar su identidad musical y difundirla en todo el mundo. Comentarios extraídos del sitio muguruzafm.com y notas del sitio musicalibanesa.blogspot.com.ar. En cuanto a los temas musicales que compartimos, fueron interpretaciones de Fairuz, Wadi al Safi, Ghada Shbeir, Assi El Hellani, Marcel Khalife, Michel Elefteriades, Sumaya Baalbaki, Zeid Hamdan Fares Karam, Tania Saleh, Youmna Saba, y Malikah. Es una realización de Jorge Laraia.

Organizado cada 3 años, bajo el patrocinio de la Federación Internacional para la Música Coral (FIMC), el Simposio Mundial de Música Coral es un encuentro único de los directores corales más prestigiosos del mundo y de los coros de los más diversos países. El 10 º Simposio Mundial de Música Coral se llevó a cabo en la República de Corea o Corea del Sur, entre el 6 y el 13 de agosto pasado con el tema "La sanación y la Juventud". En la apertura del encuentro, el Sr. Sang-Kil Lee, Presidente de la Federación Coreana para la Música Coral expresó que: Organizado cada tres años bajo el patrocinio de la Federación Internacional para la Música Coral, el Simposio Mundial de Música Coral es uno de los encuentros más prestigiosos para directores y conjuntos corales. Estoy muy orgulloso de anunciar que, por primera vez desde el comienzo del Simposio, esta 10º edición tendrá lugar bajo el lema: "La sanación y la juventud". Como todos estamos experimentando, el mundo está cambiando rápidamente, con enormes logros en el campo de la ciencia, la economía, y los medios de comunicación, que nos proporcionan mejores condiciones de vida. Sin embargo, todavía estamos luchando con la degradación del medio ambiente, las desigualdades y los conflictos planteados, por lo que coexisten muchos tipos de diferencias que llevan a las personas a la angustia, la desconfianza y la falta de respeto. Durante el desarrollo de este Simposio, se llevaron a cabo un sinnúmero de actividades, además de la presentación de los diversos coros intervinientes. Cabe destacar las conferencias realizadas por prestigiosos eruditos en materia de música coral, que versaron sobre los más variados temas como: Música Coral para la curación de la gente, El lenguaje de los gestos antes de que comience la música, Música coral báltica y escandinava, Cómo interpretar las canciones tradicionales del folklore coreano, Pasos para lograr un sonido bien producido con la incorporación de la pedagogía vocal en los ensayos corales, Preparaciones y métodos de trabajo para cautivar y llegar a un público de conciertos, y Cómo los cantantes de coro y el director del coro trabajan juntos para profundizar en la interpretación de la música mediante el uso de expresiones y movimientos, entre muchos temas más. La República de Corea comúnmente conocida como Corea del Sur para distinguirla de Corea del Norte, es un país de Asia Oriental, ubicado en la parte sur de la península de Corea. Limita al norte con la República Popular Democrática de Corea o Corea del Norte, con la cual formó un solo país hasta 1945. Al este se encuentra el mar de Corea o el mar del Este, al sur el estrecho de Corea, que lo separa de Japón, y al oeste el mar Amarillo. Su territorio comprende la mitad sur de la península de Corea englobando unas tres mil islas que la rodean. Aproximadamente la mitad de la población del país vive en su capital, Seúl, o en su zona metropolitana, que es una de las áreas metropolitanas más pobladas del mundo, y algunas fuentes la ubican como la segunda más poblada, sólo detrás de Tokio, en Japón. A través del tiempo, la historia de Corea ha sido turbulenta con numerosas guerras, incluyendo invasiones tanto de China como de Japón. Desde el establecimiento de la república moderna en 1948, Corea del Sur luchó con las secuelas de conflictos bélicos anteriores como la ocupación japonesa (1910-1945), además de la Guerra de Corea (1950-1953) y las décadas de gobiernos autoritarios. A pesar de todo ello, la economía de Corea del Sur ha crecido rápidamente desde la década de 1950. Hoy en día, es la 13ª economía más grande del mundo y está clasificado como país desarrollado por la ONU, el Banco Mundial y el Fondo Monetario Internacional. También se encuentra entre los países más avanzados tecnológicamente y mejor comunicados, siendo el tercer país con mayor número de usuarios de Internet de banda ancha entre los países de la OCDE, la Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económicos, siendo también uno de los líderes globales en producción de aparatos electrónicos, dispositivos semiconductores y teléfonos móviles. A lo largo del programa se escuchan interpretaciones de los siguientes coros: The Hong Kong Children's Choir, una agrupación que fue fundada en 1969 y está dirigida por Kathy Fok, el coro es ahora el mayor coro de niños en el mundo con más de 100 integrantes. Voz en Punto, que fue fundado en 1990 por su director José Galván, es un grupo vocal a capella con el nivel más internacional de toda la historia de la música mexicana. De Israel, el Moran Choir creado en 1986 por Naomí Faran, su actual directora musical. Los integrantes del coro son unos 50 cantantes de 12 a 18 años. Eel Oslo Chamber Choir, fundado en 1984 por Grete Pedersen, que se ha convertido en una voz innovadora en el ámbito coral internacional. El Inner Mongolian Youth Choir,, fundado en el 2008 como el primer coro de niños que patrocinó el gobierno en la historia de Mongolia Interior y está dirigido por Yalun Gerile. El Hamilton Children's Choir, que existe desde hace 38 años, y es conducido por Zimfira Poloz. Dentro del grupo hay cinco coros, con aproximadamente 150 cantantes con edades de 4 a 18 años y está situado en Hamilton, Ontario, Canadá. MúsicaQuántica, un coro de cámara argentino fundado en el 2006 por Camilo Santostefano. Fue formado por estudiantes de música y se ha convertido en uno de los grupos más exitosos de la Argentina, con programas eclécticos con música del siglo 16 hasta el siglo 21. El Harmonia Ensemble, fundado en el 2009 como un coro de cámara compuesto por miembros que antes cantaban en el World Youth Choir, así como jóvenes y cantantes con formación profesional de los colegios de música. Situado en Japón el grupo, sin un conductor, crea música voluntariamente, mediante el intercambio de opiniones. El Incheon City Chorale, localizado en la ciudad de Incheon, la tercera ciudad más grande de Corea del Sur, después de Seúl y Busán. Fue re-lanzado en 1995 bajo la dirección de Hakwon Yoon. El Sofia Vocal Ensemble, que formó en 1995 Bengt Ollen, quien permanece como su conductor. En su casa, en Estocolmo, Suecia, el coro da conciertos regulares en la iglesia de Sofía, y música de Bach, Poulenc, Part y Schnittke se ejecuta con frecuencia en su repertorio. El Kammerchor Stuttgart, uno de los principales conjuntos de este tipo. Su conductor, Frieder Bernius ha llevado al coro a ser uno de los mejores conjuntos del mundo, con repertorio que va desde el siglo 17 al 21. El Coro de Jóvenes de Casablanca, creado en el 2006 por Adnan Matrone y está integrado por cantantes de variado origen marroquí, que se esfuerzan a través de su música para presentar los diferentes tipos de música coral que se encuentran en su país. El Roomful of Teeth, fundado en el 2009 por Brad Wells, y que consta de 8 cantantes de formación clásica. El grupo se encuentra en la costa este de EE.UU. y disfruta de trabajos con maestros vocales de las tradiciones no clásicas de todo el mundo. Y terminamos con el Leioa Kantika Korale, creado por su conductor Basilio Astúlez en el año 2000. Se trata de un coro de la región vasca de España, con 45 miembros, niños y niñas de 10 a 18 años. Comentarios extraídos del sitio del 10º Simposio Mundial de Música Coral, y de Wikipedia. Es una realización de Jorge Laraia.

La historia comienza en Watts, un barrio ubicado a unos 16 kms. al sur del Los Angeles Coliseum, siete años antes del festival que se llevó a cabo. 34 personas murieron durante los disturbios de Watts. Miles de personas más resultaron heridas. $ 40 millones en daños. En conmemoración de esos sucesos, el 20 de agosto de 1972, el Wattstax Festival se llevó a cabo en el Coliseo de Los Ángeles. Los artistas incluyeron algunos de los mayores nombres de Stax Records, como Isaac Hayes, Albert King, los Staple Singers, y Jonnie Taylor, entre otros que escucharemos a lo largo del programa. El 11 de agosto de 1965, una semana de disturbios estalló en el barrio de Watts en Los Angeles luego de que un oficial de la Policía de la Carretera detuviera a un motorista negro bajo sospecha de conducción bajo la influencia del alcohol. En 1965, Watts era un barrio tenso, uno de los pocos lugares donde los afroamericanos podían vivir dentro de Los Angeles. La tasa de desempleo era alta, no había hospitales y la fuerza policial era mayormente blanca. El Acta de Derechos Civiles había sido aprobada en 1964, pero algunos estados intentaron eludir la nueva ley. California era uno de estos estados. El Estado creó la Proposición 14, que intentaba bloquear la porción sobre vivienda justa del Acta de Derechos Civiles. “Esto creó enojo mucho y creó sentimientos de injusticia entre los sectores marginales de las ciudades.” “Las pésimas condiciones de Watts, la tensa relación entre la policía y la comunidad africana-americana y el caluroso clima” del 11 de agosto “se combinaron,” explica BlackPast.org. Lo que comenzó como una detención de tráfico para el Oficial de Carretera Lee W. Minikus eventualmente se transformó en un disturbio de una semana de duración en el barrio de Watts en Los Angeles. Minikus detuvo a Marquette Frye por conducir bajo la influencia del alcohol, pero la situación empeoró cuando la madre y el hermano de Frye se vieron involucrados en el incidente, y una multitud de 250 a 300 personas se reunieron a observar. Un rumor circuló entre los espectadores que la policía había asaltado a la madre de Frye y tal vez también a su novia embarazada. Las peleas comenzaron a estallar, y durante los días siguientes, 34 personas murieron, más de 1,000 resultaron heridas y más de 600 edificios fueron dañados o destruidos. El 20 de agosto llegó a Watts Martin Luther King. Al tiempo que deploró los disturbios y el uso de la violencia, Luther King se apresuró a señalar que los problemas que llevaron a la violencia eran '' ambientales y no raciales. La privación económica, el aislamiento social, la vivienda inadecuada, y la desesperación general de miles de negros atiborrados en guetos del norte y el oeste son las semillas listas que dan a luz a estas trágicas expresiones de violencia. Aunque el gobernador de California Edmund Marrón esperaba que Luther King no iría a Watts, King fue a apoyar a quienes vivían en el gueto que, según él, aleja más hacia la '' la desesperación y la desesperanza '' por el motín. Expresó también su esperanza de reforzar la alianza deshilachado entre negros y blancos que favorecen la reforma de los derechos civiles. Además, se ofreció a mediar entre la población local y los funcionarios del gobierno, y presionó para soluciones sistemáticas a los problemas económicos y sociales que aquejaban Watts y otros ghettos negros. Y antes de salir de Los Angeles, Luther King habló por teléfono con el presidente Lyndon B. Johnson sobre lo que podría hacerse para aliviar la situación. King recomienda que Johnson desplegara un programa federal de lucha contra la pobreza en Los Ángeles inmediatamente. Johnson estuvo de acuerdo con la sugerencia, diciendo a Luther King: ''Has hecho un buen trabajo al ir por ahí”. Wattstax es concebido como la respuesta afroamericana de Woodstock y reunió a numerosos músicos e intérpretes de la música soul, funk y R&B del sello Stax Records. Dicho festival se organiza con la intención de conmemorar el séptimo aniversario de los disturbios del barrio negro de Watts, una zona económicamente deprimida al sur de Los Ángeles, donde a mediados de los 60 sucedió una controvertida revuelta popular de tintes raciales que duró casi seis días y con un fatal desenlace. El festival tuvo una duración de siete horas que fueron inmortalizadas por artistas como The Emotions, Carla Thomas, The Staple Singers, Albert King y Rufus Thomas, entre algunos otros, que escuchamos en este programa. Un año más tarde, en 1973, bajo la dirección de Mel Stuart se estrena una película documental sobre este Festival, donde se intercalaban las actuaciones con diversas entrevistas. Es un excelente documental que muestra la vibración que alcanzó este recital, y que puede ser visto desde el sitio Youtube. Grabado en el Coliseo Memorial de Los Ángeles, el 20 agosto de 1972, este festival tuvo una gran importancia dentro de la historia de la música soul, ya que estuvieron presentes, además de los ya nombrados, músicos del calibre de The Bar-Kays, Isaac Hayes, Eddie Floyd, y The Soul Children, entre otros, y finalmente la hija de Rufus Thomas, la magnánima Reina del Soul de Memphis, Carla Thomas. En esos tiempos, el "orgullo de ser negro", era enorme. Eran tiempos de tensión, de segregación racial en USA, por todo lo que había pasado: desde el asesinato de Martín Luther King, hasta el movimiento de los derechos civiles de la población afroamericana que se hacía sentir y luchaba por su reivindicación. Así fue también un concierto de caridad, ya que el dinero sería repartido entre la Fundación de Anemia Sickle Cell y el Hospital Martin Luther King … a pesar de que sus billetes hubieron costado solamente 1 dólar, el concierto duró 7 horas. Comentarios basados en notas del Equipo de encontrandoDulcinea, de los sitios mlk-kpp01.stanford.edu, y mar-abunta.blogspot.com.ar y una nota de Kevin Ferguson publicada en el sitio scpr.org. Es una realización de Jorge Laraia.

En la 14a edición de los premios anuales Native American Music Awards, un encuentro donde se celebran los premios de las músicas de los pueblos y naciones indígenas de América del Norte, los ganadores se decidieron conjuntamente entre el consejo asesor de los premios y los votos del público internacional que votó a través de Internet. Este año se presentaron a los premios más de 200 CDs y DVDs. Y durante la segunda parte del programa lo vamos a recordar a Russell Means, un activista a quien el periódico Los Angeles Times lo definió como el más famoso de la historia India Americana desde Toro Sentado y Caballo Loco. Los Native American Music Awards fueron creados como un método para promocionar música nativa dando a sus artistas un respeto apropiado a nivel nacional y demostrar que hay una industria tradicional viable y profesional. Y también, para dar a las reservaciones la inspiración y oportunidades para seguir una carrera profesional y una mayor exposición necesaria. Fundada hace casi 20 años The Native American Music Awards celebra la rica herencia cultural de los primeros habitantes de la región norteamericana, y promueve la preservación cultural y la renovación a nivel nacional a través de nuevas iniciativas musicales. Su objetivo es elevar el nivel de conciencia y apreciación de la cultura nativa americana para el público en general, tanto a nivel nacional como internacional, honrando a los indígenas del norte y del sur de los EE.UU. y las fronteras canadienses. Los Native American Music Awards fueron creados en 1998 como una iniciativa de los profesionales de la industria de la música y los sellos discográficos y otros para demostrar que era una industria de música viable. Los miembros de esas empresas, sus artistas, varias comunidades y las estaciones de radio tribales y personal de los medios, se unen para la primera composición de la Junta Asesora. Se comenzó recibiendo 56 grabaciones anuales y hoy son más de 200 las grabaciones de pueblos originales que se reciben cada año. Primera de su clase, esta ceremonia de premios fue el modelo de otras entregas de premios de música locales y nacionales. Estos premios y honores rinden homenaje al autor de la música nativa americana que puede ser de varios géneros, como Nativo americano, indio americano y la música aborigen de Canadá. Originalmente una música tradicional, que era una parte integral de la vida del nativo americano y la identidad tribal, la música nativa americana ha crecido hasta abarcar muchos géneros contemporáneos, tales como: rock, pop , blues, hip hop y country. Pero siempre, toda la música, ya sea lírica o por género, mantiene claramente su identidad y se ofrece a la renovación cultural. Y en la segunda parte de este programa que estamos dedicando a la música de los pueblos originarios de América del Norte, les ofrezco compartir canciones y comentarios sobre uno de los más reconocidos activistas norteamericanos en la lucha de sus pueblos por sus derechos. Russell Means, el carismático Oglala Sioux que ayudó a revivir la imagen de guerrero del indio americano en la década de 1970 murió en el 2012 a los 72 años. Russell Means vivió una vida como pocas en este siglo, un verdadero guerrero con notable valentía que fue un legado de fuerza. Dedicó su vida a eliminar el racismo de todo tipo, y, al hacerlo, dejó una huella histórica como el más revolucionario líder indio de finales del siglo XX. El periódico Los Angeles Times lo definió como el más famoso de la historia India Americana desde Toro Sentado y Caballo Loco. Un visionario inspirador, Russell Means seguirá siendo una de las voces más magnéticas en América. Él comprendía el tremendo carácter y la capacidad de múltiples medios en todos los frentes, ya sea como un co-fundador de Movimiento Indio Americano, que llevaba una protesta, la lucha por los derechos constitucionales, protagonista de una película, o la realización de su música a través de dos registros nacionales, Electric Warrior, lanzado en 1993, y El Radical, lanzado en 2009, que describió como una experiencia tribal que incluye todos los géneros de música: clásica, del país y de rock-n-roll occidental, hard rock, hip-hop, rhythm & blues, el jazz y el blues. También actuó en decenas de películas, sobre todo en un papel principal en "El último mohicano", un film de 1992. Los comentarios de este programa están basados en notas de los sitios nativeamericanmusicawards.com y canyonrecords.com y una nota de Juana Carrasco Martín para juventudrebelde.cu. En cuanto a la música abrimos el programa con el flautista Tony Duncan, un integrante de la nación apache. Su nominación como Artista del Año fue por su último trabajo discográfico titulado, "El Guerrero de la Tierra", que recibió tres nominaciones como Artista del Año, flautista del Año y Disco del Año. Luego fueron Radmilla Cody, a quien le fue otorgado el premio como Mejor disco del año, por su producción en el titulado “Shi Keyah Canciones para el pueblo”, Wayne Silas, Jr. a quien se le otorgó el premio Mejor artista masculino, el premio como Grupo del año le fue otorgado a Big City Indians, a Mitch Walking Elk, ganador del premio Mejor disco de blues y la ganadora del premio Mejor artista femenina, Fawn Word. En la segunda media hora fueron temas de Russell Means, de sus discos Electric Warrior, lanzado en 1993, y El Radical, publicado en 2009. Es una realización de Jorge Laraia.

El “Colectivo Artístico Cantata Rock” interpreta La Cantata Rock Santa María De Iquique, la obra original de Luis Advis, que fue grabada y popularizada por Quilapayún en los años 70. El “Colectivo Artístico Cantata Rock” está compuesto por: Eduardo Ibeas, Pablo Ilabaca, Felipe Ilabaca, Leonardo Corvalán del grupo de rock chileno Chancho en Piedra, junto a Ismael Oddó y Ricardo Venegas de Quilapayún, Camilo Salinas y Fernando Julio de Inti Illimani Histórico, y el destacado actor Patricio Pimienta. La versión rock fue re versionada, grabada y puesta a disposición del público en el sitio de Internet www.cantatarock.cl, en el año 2009, donde se pudo escuchar online, bajar en forma gratuita y legal hasta fines de ese año. Durante los primeros meses de 1968, el compositor Luis Advis visitó la ciudad de Iquique, en el norte de Chile, y tras la visita escribió una serie de veinte poemas. Al año siguiente, Luis Advis comenzó a preparar la obra basada en la Matanza de la Escuela Santa María de Iquique, ocurrida el 21 de diciembre de 1907, donde más de un millar de obreros de las oficinas salitreras fueron asesinados por el Ejército de Chile durante una protesta. Advis inspiró su creación en la obra Reseña Histórica de Tarapacá, que le sirvió para la recopilación de los datos históricos. Ese mismo año, Advis conoció al conjunto Quilapayún, con quienes trabajó a comienzos de 1970 luego de que el cantante Eduardo Carrasco le solicitó realizar arreglos a unas canciones de la cantante griega Danae. Ese día, Advis les presentó parte del material en que estaba trabajando, entusiasmando al grupo folclórico. Con el paso de los meses, Quilapayún y Luis Advis prepararon diligentemente la cantata. En marzo de 1970 fue terminada su composición y fue presentada por primera vez en el Teatro La Reforma durante el mes de julio. La «Cantata Popular Santa María de Iquique» fue estrenada oficialmente durante el Segundo Festival de la Nueva Canción Chilena, realizado en agosto de 1970 en el Estadio Chile de Santiago. En dicha oportunidad, los relatos fueron narrados por el actor Marcelo Romo, aunque en la grabación realizada unos meses después para el sello DICAP fue registrada la voz de Héctor Duvauchelle, la versión más conocida de dichos relatos. Posteriormente, Roberto Parada pondría la voz de los relatos históricos de la cantata. La Cantata de Santa María fue una de las principales composiciones musicales de la Nueva Canción Chilena y rápidamente se convirtió en un emblema de los grupos militantes de la Unidad Popular, la coalición política de izquierda que llevó a la Presidencia a Salvador Allende en septiembre de 1970. A pesar de ello, Luis Advis se declaraba como no militante de ningún partido político. Debido a la gran carga política que contenía, las copias de la Cantata fueron requisadas y destruidas con la instauración del Régimen Militar de Chile, instalado en el poder tras el golpe de estado del 11 de septiembre de 1973 de Pinochet que derrocó a Allende. Con el retorno de la democracia, Quilapayún regresa a Chile. El 1 de noviembre de 1997, en un histórico concierto, Quilapayún interpretó la Cantata en la oficina salitrera Santa Laura, declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. En 2007, en la conmemoración del centenario de la matanza que dio origen a la cantanta, se lanzaron varias nuevas interpretaciones de la obra. Una de ellas fue en la actual Escuela Domingo Santa María, en donde la interpretó el grupo la Trova de Iquique, exactamente a las 14:00 del 21 de diciembre de 2007, junto a miles de espectadores. Posteriormente se en el Cementerio Nº1, lugar donde yacen los restos de varias personas presentes en el tiroteo de la escuela. También se destacan la versión para cuerdas del Cuarteto Strappa que fue presentada en Canadá el mismo año, y la Cantata Rock realizada por la banda chilena Chancho en Piedra junto a integrantes de Inti Illimani y Quilapayún, que hoy estamos compartiendo. Este trabajo recuerda la matanza de obreros del salitre que tuvo lugar en 1907, en la Escuela Santa María de Iquique, hecho que a pesar de ser ignorado por la historia oficial, inspiraría en 1969 al compositor Luis Advis en la creación de la Cantata Popular Santa María de Iquique, grabada originalmente por el conjunto Quilapayún, emblema del movimiento de la Nueva Canción Chilena. La Matanza de la Escuela Santa María de Iquique fue una masacre cometida en Chile el 21 de diciembre de 1907. En estos eventos fueron asesinados un número indeterminado de trabajadores del salitre de diversas nacionalidades que se encontraban en huelga general, mientras se alojaban en la Escuela Domingo Santa María del puerto de Iquique. Los eventos que configuran los hechos, suceden durante el auge de la producción salitrera en Antofagasta y Tarapacá, bajo los gobiernos parlamentarios. La huelga, provocada por las míseras condiciones de trabajo y explotación de los trabajadores, fue reprimida por medio del indiscriminado uso de la fuerza armada por parte del gobierno del presidente Pedro Montt. El general Roberto Silva Renard, comandando las unidades militares bajo instrucciones del ministro del interior Rafael Sotomayor Gaete, ordenó reprimir las protestas, matando a los trabajadores junto con sus familias y dando un trato especialmente duro a los sobrevivientes. Habrían sido asesinados entre 2200 y 3600 personas, donde se estima que un alto número, no determinado, eran peruanos y bolivianos, quienes a pesar del pedido de sus cónsules se negaron a abandonar el movimiento, diciendo «Con los chilenos vinimos, con los chilenos morimos.» Sus antecedentes históricos se encuentran en el nacimiento del movimiento obrero en general, y el sindicalismo en particular. Ambos iniciaron su desarrollo dentro de los mineros del salitre, en tiempos de profunda decadencia institucional de su país. La matanza provocó el aquietamiento del movimiento durante cerca de diez años, ante la violencia ejercida por agentes del estado. Esta huelga y su trágico corolario fueron el fin de un ciclo huelguístico iniciado en 1902 y que tuvo como principales protagonistas a la Huelga de Valparaíso de 1903 y la de Santiago, de 1905. Geográficamente toda la zona del salitre en Chile está constituida por el desierto de Atacama. Los territorios de Tarapacá y Antofagasta fueron obtenidos por Chile tras la Guerra del Pacífico (1879-1884), significando para Chile acceder a una zona de riqueza mineral compuesta principalmente por grandes yacimientos de cobre y salitre. Este último se convertiría a fines del siglo XIX en el principal puntal de su economía, siendo su exclusivo productor a nivel mundial. Los yacimientos se encontraban en la mitad de la pampa, es decir la planicie existente entre el océano Pacífico y los faldeos de la cordillera de los Andes. La vida en las minas era muy dura, ya que las empresas ejercían un áspero control sobre la vida y obra dentro de los yacimientos, lo que provocaba un alto grado de vulnerabilidad de los trabajadores ante las arbitrariedades cometidas por los dueños, ya que este control desbordaba claramente el mero ámbito laboral de los trabajadores. La concentración de poderes era inmensa. Aparte de ser dueños de las viviendas obreras, las empresas contaban con un sistema policial propio, controlaban las pulperías y a todos aquellos que se dirigían a realizar negocios en las oficinas, establecieron un sistema exclusivo de pago por medio de fichas las cuales eran exclusivamente canjeables en las oficinas y negocios de su propiedad, y no dudaban en retrasar los pagos hasta dos o tres meses. A principios del siglo XX, la cuestión social en la región de Tarapacá empezó a manifestarse en el malestar de los obreros de las oficinas salitreras, que en distintas peticiones reclamaban al Gobierno de Santiago atención y mejoras en sus condiciones de vida y laborales, las cuales eran deplorables. Pese a lo anterior, los gobiernos parlamentarios eran reacios a intervenir en las negociaciones entre empleadores y trabajadores. Pese a esto, tendieron a considerar a los movimientos de gran escala (especialmente si iban acompañados de demostraciones masivas) como rebeliones incipientes. Por fin, el 10 de diciembre de 1907 una huelga general se desató en la salitrera San Lorenzo y el paro se amplió a la de Alto San Antonio, desde donde una numerosa columna de huelguistas llegó al puerto de Iquique, sede del gobierno regional, portando banderas de Chile, Perú, Bolivia y Argentina, alojándose en el hipódromo del puerto. A este movimiento se sumaron otras oficinas salitreras, entrando en huelga también casi todo el comercio e industria del norte del país. Todo terminaría el 21 de diciembre con la matanza de miles de obreros. Con motivo de la conmemoración de los cien años de la matanza perpetrada en la Escuela Domingo Santa María, de Iquique, la entonces presidenta y actual presidenta reelecta Michelle Bachelet accedió a que se decretase duelo nacional para el 21 de diciembre del 2007 y ordenó que se exhumaran los restos y que fueran depositados en un monumento especialmente dedicado a ellos en el lugar del crimen, además de realizar exposiciones e informaciones públicas acerca de los hechos. Los comentarios están basados en notas publicadas en el sitio Wikipedia, mientras que la música corresponde al disco La Cantata Rock Santa María de Iquique, interpretada por el Colectivo Artístico Cantata Rock y publicado por la discográfica Sony Music en el año 2009. Es una realización de Jorge Laraia.

Costa de Marfil es el nombre que le fue dado por los colonos franceses, debido a que en la región se practicaba un intenso comercio de este material extraído de los colmillos del elefante africano. Como lo indica su nombre posee varios kilómetros de playas, en la zona sur del país, y en el interior se ve cubierto por sabanas y algunas selvas. Con una extensión territorial de 322.000 kilómetros cuadrados, Costa de Marfil es relativamente del mismo tamaño que Noruega. Si bien su capital es Yamusukro, su principal población se encuentra en la ciudad de Abidjan. Como decíamos, su ciudad más importante es Abidjan, el centro comercial y financiero más destacado y su capital administrativa entre 1933 y 1983. Su significativo puerto de mar, conectado a la costa del golfo de Guinea, es uno de los principales de la región. Sus industrias principales son la alimentaria, la automovilística, la textil y la química, en la que destaca la producción de jabones. En el departamento de Abidjan se localiza también una importante refinería petrolífera. Al 2006 tenía unos 3.800.000 habitantes y 5.000.000 si se tiene en consideración el área metropolitana, lo que la convierte en la ciudad más poblada de África Occidental después de Lagos (Nigeria) y una de las más habitadas del continente africano. En un tiempo fue una de las ciudades más prósperas y pacíficas de África, pero a partir del inicio de la guerra civil de 2002, que terminó 5 años después, y de la iniciada en 2011 se ha convertido en una de las más peligrosas del continente, con frecuentes levantamientos contra la población extranjera y un grave incremento de la criminalidad. Si hay un país ligado al cacao, ése es Costa de Marfil. Primer productor mundial de las amargas semillas, en sus tierras se cultiva aproximadamente el 40 por ciento de la producción mundial. Una de las principales fuentes de recursos de un país que lleva más de una década inmerso en una cruenta guerra civil, que ha estado fuertemente ligada al control de las zonas de producción de cacao. Durante décadas, Costa de Marfil fue el modelo de éxito de un país africano. El cacao fue responsable en parte, cuando los precios aún estaban altos y el trabajo no escaseaba. Muchos migraron a las tierras más fértiles, mientras que los vecinos de países más pobres también vieron en Costa de Marfil una oportunidad para mejorar sus vidas. Todo cambió en los años 90, cuando el precio comenzó a caer y el cultivo se volvió menos rentable. Los conflictos por la tierra recrudecieron, unidos a los enfrentamientos entre diferentes etnias y nacionalidades. Un caldo de cultivo que comenzó a hervir tras la muerte en 1993 de Félix Houphouët-Boigny, quien había gobernado durante 33 años, y la celebración de las primeras elecciones democráticas. La lucha armada comenzaría en 2002, siempre con la propiedad de la tierra como transfondo y muy especialmente por los títulos de las plantaciones de cacao. Los combates pararían en 2004, pero el conflicto volvería a abrirse en 2010. La cruenta matanza de Duékoué en marzo de 2011, en la que fueron asesinadas unas 800 personas, ha sido relacionada con la propiedad de las fincas de cacao. Pero según Doudou Dièn, el experto independiente de Naciones Unidas sobre los derechos humanos en Costa de Marfil, hoy el imperio de la ley ha regresado al país. La cultura de Costa de Marfil es muy diversa, esto en gran parte se debe a que a lo largo del territorio habitan diversas etnias africanas, que siguen sus tradiciones y lenguas, sin embargo el idioma oficial de Costa de Marfil es el francés. Se estima que son alrededor de 60, sin embargo la mayoría de la población pertenece a alguno de los 7 grupos más conocidos. Y si nos referimos a la música popular, la mayoría es bailable, y los ritmos múltiples, otra de las características de África, que también se pueden apreciar en Costa de Marfil, en especial al suroeste del país. En cuanto a la música que nos acompaña a lo largo del programa, debido a que en el 2010 se celebraba el 50 º aniversario de la independencia de Costa de Marfil, se pensó que era importante este disco para poder evocar el increíble periodo cultural del "milagro marfileño", con pistas inéditas, y momentos brillantes y oscuros del funk africano. Esta compilación es el resultado de casi 3 años de trabajo de Djamel Hammadi ,el extraordinario coleccionista y buscador de vinilos que viajó por todo el continente, desde Ghana, Benin y Togo, hasta Malí y Senegal. Después de 12 hermosos pero peligrosos viajes por Costa de Marfil, con falsos policías en los controles fronterizos, con la inestabilidad política, una crisis económica profunda, la malaria y con grandes miedos, como cuando abrió la caja de vinilo en una pequeña estación de autobuses abandonada y encontró un escorpión. Así, Hammadi seleccionó estos 13 temas raros o inéditos, temas que han sido publicados con la ayuda incansable de Julien Lebrun. Comentarios extraídos del sitio www.hotcasarecords.com, una nota de Julien Lebrun & Djamel Hammadi para esa casa discográfica, y de los sitios africa.com, afrol.com y carrodecombate.com mientras que la música que compartimos son los temas incluidos en esta recopilación titulada Ivory Coast Soul que la casa discográfica Hot Casa Records publicara en Mayo del año 2010. Es una realización de Jorge Laraia.

El Reino de Suazilandia es un pequeño estado soberano sin salida al mar, situado en África del Sur, entre Sudáfrica y Mozambique, cuya forma de gobierno es la monarquía absolutista. En un principio el país estuvo bajo el protectorado de Transvaal y, tras la guerra de los bóers en 1906, estuvo bajo el protectorado de Gran Bretaña, bajo el Alto Comisariado de África del Sur, hasta 1968, cuando el rey Sobhuza II proclamó la independencia de Suazilandia. Y dentro de su cultura, mantienen ritos y creencias que aparecen incomprensibles a nuestros ojos. Abrimos el programa con el sonido grabado en directo de una ceremonia anual llamada Umhlanga, una danza tradicional donde hasta sesenta mil solteras vírgenes suazis se congregan para bailar en frente del Rey de Suazilandia. Las jóvenes tienen edades entre cuatro y veinticinco años, llevan puestos collares, faldas cortas y largas borlas que denotan su disponibilidad para casarse, y la mayoría van desnudas de la cintura para arriba. El Rey puede elegir una doncella para ser su prometida. En la ceremonia celebrada en el 2004 eligió a una joven participante de dieciséis años y finalista en un concurso de Miss Suazilandia como prometida. Pero no todas las muchachas coinciden con esta ceremonia: según una nota de mayo de 2013 Tintswalo Ngobeni, de 22 años, emigró a Inglaterra cuando era una adolescente después de que el monarca mostrara su interés por ella. Ahora, teme que el polémico jefe de Estado haya enviado gente al Reino Unido para llevársela por su activismo político contra el régimen. 'Yo no tenía elección-dijo-. "Nadie jamás ha rechazado el rey o se atreve a desobedecer, así que simplemente desaparecí”. Desde su llegada a Inglaterra, Tintswalo Ngobeni se ha convertido en una opositora del opresivo régimen Swazi opresiva. Por ello, sus actividades de alto perfil, incluyendo protestas semanales frente a la embajada de Suazilandia en Londres con el grupo activista Swazi Vigil, han llamado la atención de las autoridades de su país de origen y ahora cree que está en más peligro que nunca. Ese mismo mes otro cable, en este caso de Antena 3, informaba que el rey de Suazilandia, Mswati III, se caracteriza por su ostentoso estilo de vida en contraste con la pobreza de su pueblo. Durante su mandato ha recibido presentes como un jet privado DC-9 valorado en 45 millones de euros, y en esta ocasión el monarca ha recibido 32 automóviles de la marca BMW, a estrenar, con motivo de su 45 cumpleaños. El valor de sus regalos supera el presupuesto que su país destina a Sanidad. Por su lado, la revista Forbes calcula que el último monarca absolutista de África tiene una fortuna personal de unos 80 millones de euros. Cifra que contrasta con la desesperada situación del país que es uno de los más pobres del mundo, en el que el 70% de sus súbditos vive con menos de un dólar al día, y sobreviven gracias a la ayuda internacional y a los préstamos de Sudáfrica. Las previsiones del FMI advierten de que su economía se hundirá aún más en el próximo año. En Suazilandia, un festival musical se ha convertido en campo de batalla entre el rey y la oposición. El festival internacional de música Bushfire de Suazilandia, país fronterizo con Sudáfrica y Mozambique, se ha convertido en el campo de batalla entre la oposición y el último rey absolutista de África. El Bushfire, celebrado en la localidad de Malkerns del 25 al 27 de mayo pasado, contó con la asistencia de unas 17.000 personas, pero, con el boicot, por segundo año consecutivo, de la oposición en el exilio, que considera el certamen mera propaganda del rey. Además, el festival, que lleva ya seis ediciones, se ha erigido en una fuente de ingresos de su "Majestad", como pueden comprobar los visitantes a sólo un kilómetro de la frontera de Suazilandia con Sudáfrica, donde los teléfonos móviles, de repente, dejan de funcionar. Los miles de sudafricanos que acuden al festival deben comprar una nueva tarjeta suazi de MTN, única operadora de móviles del país y cuyo 51 por ciento pertenece a Mswati III. Las señales amarillas de MTN, patrocinador principal del evento, guían a los festivaleros por la principal carretera del país, que une la frontera sudafricana con las dos principales ciudades: la capital administrativa, Mbabane, y la capital económica, Manzini. Mal que le pese al rey, no todo es cantar y bailar, porque al menos 20 grupos de Sudáfrica se han unido al boicot iniciado por la Red de Solidaridad con Suazilandia (SSN, por sus siglas en inglés), que agrupa a los opositores suazis en el exilio. Esos disidentes dejaron un país donde no existen partidos políticos y son perseguidos por el régimen de Mswati III, cuya elite concentra todo el poder político y económico. Los espectadores suazis del festival, un 70 por ciento según la organización, eluden las cuestiones políticas, y revelan la complejidad de una sociedad anclada en un régimen medieval. "Es nuestra cultura, no podemos cambiarla. Está aquí para quedarse y nadie nos la va a quitar. Crecimos con ello, y no es un problema para nosotros. Sé que hay gente que no está de acuerdo", asegura la espectadora suazi Mombuleto Zwane. Mientras, la música sigue sonando en el Bushfire, aunque la oposición espera que, como dijo el poeta español Gabriel Celaya, sea "un arma cargada de futuro". Comentarios basados en notas del sitio Lainformación.com, de antena3.com, de La Opinión A Coruña, LaCuarta.com, de la Agencia EFE y de la BBC. En cuanto a la música que hoy hemos difundido se trata en su mayoría de grabaciones en vivo de música swazi, y de artistas de Sudáfrica que estuvieron presentes en el Festival Bushfire, y a pesar del deficiente sonido de muchas de ellas, me pareció interesante para compartir con ustedes. Es una realización de Jorge Laraia.

Todo comenzó en La Habana, en el corazón de Cuba. La casualidad quiso que los tres integrantes de Klazz Brothers, de Alemania, en su primera gira en Cuba con la Orquesta Filarmónica de Dresden, se encontraran con dos percusionistas cubanos destacados, durante una reunión espontánea. Y entonces sucedió algo extraño: los músicos, profundamente arraigados en sus tradiciones musicales tan diferentes, encontraron intuitivamente un lenguaje musical común, como si fuera la cosa más natural del mundo. Y allí fue creado un nuevo sonido, una combinación única de tradición europea, con la música clásica, junto a los elementos del swing y el jazz latino y la enorme diversidad de los ritmos cubanos. Imaginen ustedes a Johan Strauss descendiendo de un coche arrastrado por caballos que se detiene ante las blanquísimas, voluptuosas, incitantes playas de Varadero, bajo ese sol nítido, abrasador del caribe, sometido a los vaivenes de la brisa que le llega de un mar multicolor con todas las tonalidades imaginables del lapizlázuli hasta el aguamarina. Primero lanzaría lejos el sombrero de copa, el sacoleva sería inconcebible; y la bufanda y las altas botas igualmente desechadas. Entonces su imaginación, sublimada por esa constelación indescriptible de la naturaleza, solo podría escribir notas en compases de dos por cuatro, en los que se desatan las sensualidades del son y el bolero montuno, ya que solo al amanecer, junto a las palmeras y la cercana luna, volvería a pensar en las tesituras reprimidas de sus valses originales. Algo similar acontecería con el inquieto Wolfgang Amadeus Mozart, correteando feliz por las callejuelas de Trinidad, o intrigado frente a las mágicas invocaciones de los babalaos de Guanabacoa. ¿Podría sobrevivir a ese embrujo tropical sin componer un alegre mambo? De Piotr Tchaikovsky cualquiera cosa podría esperarse y hasta del sentimentalmente volátil Johan Von Fiederich Chopin cambiando sus Polonesas por alegres camadas de Cubanas. Este dúo de geniales compositores, enfundados en vistosas guayaberas, de vacaciones por el Caribe, verían transformarse sus delicados valses junto a fantásticos lagos, en melodías más cercanas a la realidad de los sentimientos humanos que se viven en esta parte del Universo. La creatividad de todos estos monstruos sagrados: Mendelsohn, Liszt, Bizet, y en especial del genial Juan Sebastián Bach, se rinde ante la fantasía de la naturaleza latinoamericana, y se transforma en una cosmogonía melódica de dimensiones desconocidas. Los temas así expresados constituyen la respuesta a los interrogantes que siempre nos hicimos cuando escuchamos a los clásicos de los rítmos cubanos: ¿Qué diría cualquiera de los grandes maestros si supiera lo que hacen los cubanos con los violines, el piano, las trompetas y la batería? En una de sus giras por todo el mundo, la orquesta filarmónica de Dresden, de Alemania, arribó a la musicalmente afamada isla de Cuba. En pleno Caribe, lejos de esa Europa de cuatro estaciones y tan cerca de palmeras, mojitos y mujeres trigueñas sacadas de un calendario que valdría varios cientos de euros, tres músicos de la afamada agrupación se dejaron vencer por la música antillana que les saludaba con percusión y mucho sabor latino. Fue así como Tobias y Kilian Forster junto con Tim Hahn, formaron los Klazz Brothers, que con sus proyectos musicales seguramente han hecho despotricar a varios Conservatorios alrededor del mundo. Como dijimos, los hermanos Foster, con aquel espíritu incluyente como legado, decidieron fundar a los Klazz Brothers, invitar a Han y viajar a Cuba para estudiar los distintos ritmos que ofrece la isla, en una estadía que los apasionó. La música fue el gran producto de exportación de Cuba en el siglo XX y seguramente lo seguirá siendo en el XXI, quizás si dejamos de lado el azúcar, los puros y el ron. La isla caribeña es, sin lugar a dudas, un auténtico semillero sonoro que ha enriquecido al mundo con sus maravillas. Tobias y Kilian, entonces, quedaron embrujados con sus descubrimientos y decidieron extenderse a un grupo que mezclara sus antecedentes clásicos y del jazz con el beat afrocaribeño. Invitaron a colaborar con ellos a Alexis Herrera Estévez (timbales y voz) y a Elio Rodríguez Ruiz (tumbadoras y voz). El primero de Guantánamo y el segundo habanero. Ambos con una larga trayectoria sonera, jazzística y salsera (con Compay Segundo, Chucho Valdés y Arturo Sandoval entre sus avales) y con mucho mundo recorrido. El conglomerado se llamó entonces Klazz Brothers & Cuba Percussion, un proyecto fresco, suntuoso y de muy alta calidad en el que todos son compositores. Comentarios extraídos de los sitios croniquillas.blogspot.com, una nota de Sergio Monsalvo para musica.nexos.com.mx y otra del colombiano Elkin Saboya publicada en salsaglobal.ning.com. Con respecto a la música que disfrutamos durante esta hora, son temas extraídos de los discos ''Classic Meets Cuba - Symphonic Salsa'' del año 2002, ''Mozart Meets Cuba'' del 2005, ''Opera Meets Cuba'' del 2007, todos editados por la discográfica Sony, interpretados por The Klazz Brothers & Cuba Percussion. Es una realización de Jorge Laraia.

Romance de la muerte de Juan Lavalle apareció en 1965, un momento de ebullición cultural, y en ciertos ambientes era un disco que no podía faltar entre la intelligentzia de la época, aunque el material traspasó esos círculos para instalarse en el imaginario popular a partir de la presencia de Eduardo Falú, conocido por sus obras folklóricas, la garganta amerindia de una joven Mercedes Sosa, y los arreglos corales del maestro Francisco Javier Ocampo. La pluma de Ernesto Sabato y su relato casi cinematográfico de la historia de este guerrero perdido en el confín norteño del país, le dan al álbum visos de pieza radiofónica o banda de sonido de una película que se completa en la cabeza del escucha. Para mejor comprender esta obra vale recordar que Juan Galo de Lavalle fue uno de los hombres más controvertidos de nuestra historia nacional. Héroe en las campañas por la independencia de San Martín y Bolívar, defendió ciegamente hasta el fin de sus días la ideología unitaria, que propugnaba un gobierno centralizado con particular hegemonía de Buenos Aires con el ejercicio de poderes sobre la totalidad del territorio, en contraposición a los federales que consideraban el legitimo derecho de las provincias a integrar un gobierno local en armónica convivencia con un gobierno central. El 1º de diciembre de 1828 el general unitario Juan Galo de Lavalle encabezó una sublevación contra el gobernador de Buenos Aires, el coronel Manuel Dorrego, de ideas federales, a quien depuso. Pocos días más tarde Dorrego fue capturado y condenado a muerte, sin proceso ni juicio previo. Finalmente, el 13 de diciembre, Lavalle fusiló a Dorrego. Y cuando Simón Bolívar se enteró, del fusilamiento de Dorrego, dijo que “en Buenos Aires se ha visto la atrocidad más digna de unos bandidos. Dorrego era jefe de aquel gobierno constitucionalmente, y a pesar de esto el general Lavalle se bate contra el presidente, le derrota, le persigue, y al tomarle le hace fusilar sin más proceso ni leyes que su voluntad; y, en consecuencia, se apodera del mando y sigue mandando liberalmente a lo tártaro”. El fusilamiento de Manuel Dorrego, ordenado por Lavalle, contribuyó al encumbramiento de Juan Manuel de Rosas como gobernador de la provincia de Buenos Aires, contra quien se levantará sin éxito en repetidas oportunidades, siempre en defensa de la causa unitaria. Luego de un tiempo de exilio en Uruguay, vuelve en 1839 a la Argentina para luchar contra Rosas, pero en sucesivas batallas es derrotado hasta que el 9 de octubre de 1841, una partida federal dio con la casa donde se encontraba Lavalle en Jujuy y disparó a la puerta. Una de las balas atravesó la cerradura y lo hirió de muerte. Su cadáver fue conducido hacia la catedral de Potosí, en Bolivia, donde fueron depositados sus restos. En 1858, los restos del General Lavalle fueron trasladados al cementerio de la Recoleta en Buenos Aires, donde descansan actualmente, a metros de la tumba de Dorrego. El general no pudo cumplir con su juramento: "Si algún día volvemos a Buenos Aires, juro sobre mi espada, por mi honor de soldado, que haré un acto de profunda expiación: rodearé de respeto y consideración a la viuda y los huérfanos del Coronel Dorrego". Dice Sábato que es inútil aclarar que no eligió un héroe unitario por motivos de bandería. Allí no hay ni unitarios ni federales, sino seres humanos ante la desdicha y la muerte. Y agrega Sábato que en la novela luchó para expresar esas intuiciones poéticas con el precario instrumento de que dispone un escritor: la palabra. ¿Cómo no soñar entonces, con darle algún día la fuerza emocional de la música? Pensó en un momento hacer un oratorio. Luego se le ocurrió que sería hermoso retomar la vieja tradición de los Cantares de Gesta. Juan Galo de Lavalle descendía de Don Pelayo y otros antiguos guerreros; en su escudo de nobleza, un brazo armado que sostiene una espada dice que no se rendirá nunca ante el Moro. Todo parecía predispuesto para que su desventurada historia permitiese retomar las tradiciones de las epopeyas medievales. Tenía un héroe y tenía un admirable trovero para que lo cantase. Por su parte Eduardo Falú, lamentablemente fallecido hace poco tiempo, contaba que había sentido una honda emoción al leer en la novela Sobre Héroes y Tumbas el relato sobre la retirada y muerte del General Lavalle. No podía, entonces, sino acoger con entusiasmo el proyecto de realizar con Sábato una obra poético musical, que retornaba una noble tradición de la raza. No ignoraba las dificultades que se presentaban para un intento de esta naturaleza, porque si bien se volvía a una tradición, no era posible hacerlo como una imitación sino como un prolongamiento aceptable. Era un intento arriesgado por lo novedoso. Pero ese mismo riesgo los entusiasmaba, y particularmente les seducía la esperanza de abrir una ruta a nuestro folklore, con una forma más amplia y abierta, en un tema tan fervorosamente nacional. Y concluía diciendo que habían tratado de lograr una unidad entre la poesía del texto y la música. Y aunque, por la naturaleza trágica de la narración, no había posibilidades de grandes contrastes musicales en los ritmos y matices de la partitura, buscó variaciones, labor en que les dio un valioso aporte la realización coral del maestro Ocampo. Los comentarios de este programa están basados en escritos del historiador argentino Felipe Pigna, publicados en el sitio elhistoriador.com.ar y una nota de Gabriel Plaza para el diario La Nación. En cuanto a la música, son fragmentos del disco publicado originalmente en 1965 con textos de Ernesto Sábato, y música de Eduardo Falú. Cuenta con una aparición de Mercedes Sosa y con el arreglo coral de Francisco Javier Ocampo. Es una realización de Jorge Laraia.

La segunda edición del Gibraltar World Music Festival llevó este año a los asistentes muy lejos, gracias a que en esta ocasión fue dedicado a Asia. Músicos excepcionales y artistas de Grecia, Turquía, Israel, Palestina e Irán viajaron hasta el Peñón de Gibraltar, (aunque no en una alfombra mágica) para actuar por primera vez en la Cueva de San Miguel. Por primera y única vez en la historia, Gibraltar se convirtió en parte de la famosa ruta de la seda, con sus olores de especias y perfumes. La directora gerente de Gibraltar Productions, Fatosh Samuray, describió este evento como un cuento de Aladino puesto que “será como hacer un viaje en una alfombra mágica metafórica hacia Asia, disfrutando de su música y de su cultura de la manera más agradable”. En la noche inicial del Festival se presentó en primer lugar el conjunto En Chordais de Salónica (Grecia), quienes interpretan los primeros tres temas del programa. Con su concierto de 30 minutos mostraron el alma de la inmigración entre Turquía y Grecia durante el siglo pasado. A través de un proceso equilibrado el grupo combina con éxito la música y el arte bizantino del Mediterráneo, con modismos regionales griegos y la música contemporánea. Colaborando en ocasiones con virtuosos de todo el mundo, el conjunto presenta un mosaico musical que va desde el siglo 13 hasta la actualidad. El resultado es un continuo diálogo entre las diferentes culturas y épocas. En Chordais, conocido por una amplia investigación sobre el legado musical del Mediterráneo oriental, ha fascinado al público en más de 400 conciertos por todo el mundo. Este apreciado conjunto ha sido invitado y ha actuado en salas muy especiales y en importantes conciertos. En marzo de 2008, durante su participación al Festival Babel Med el grupo recibió el premio "France Musique des Musiques du Monde", por el nuevo disco publicado, del que estamos compariendo algunos temas, compuesto por canciones de Estambul, Constantinopla, Esmirna y Asia Menor, y que fuera editado por Ocora y distribuido en todo el mundo por Harmonia Mundi. Como dijimos, este Festival se llevó a cabo en Gibraltar, un territorio británico de ultramar, bajo soberanía del Reino Unido, pero reclamado por España, por lo que Gibraltar se encuentra dentro de la lista de territorios no autónomos de las Naciones Unidas bajo supervisión de su Comité de Descolonización. Atendiendo al Tratado de Utrecht, el puerto, el castillo y el territorio de la ciudad de Gibraltar en 1713 sería una propiedad a perpetuidad de la Corona inglesa en territorio de jurisdicción española, debiendo retornar a España si el Reino Unido renunciase o enajenase de alguna manera dicha propiedad, pero no el istmo, las aguas territoriales o el espacio aéreo subyacente.. El istmo entre el peñón y las otras fortificaciones españolas, desde el punto de vista español, se trata de territorio ocupado, ya que España dice que construir un aeropuerto en el tramo del istmo es ilegal y que el Reino Unido aprovechó la guerra civil de España para realizarlo. Asimismo, Gibraltar se ha extendido hacia el mar, reclamando las aguas alrededor del Peñón, aunque el Tratado de Utrecht no hizo mención de dichas aguas. Gibraltar está situado en el extremo meridional de la península Ibérica, al este de la bahía de Algeciras, y se extiende sobre la formación geológica del peñón de Gibraltar, formando una península que domina la orilla norte del estrecho homónimo, comunicando el mar Mediterráneo y el océano Atlántico. Limita con España y alberga una población de 30.000 habitantes en una superficie de menos de 7 km2, con una economía basada en el sector de servicios, principalmente como centro financiero, turístico y puerto franco. Gibraltar fue conocida en la antigüedad como Mons Calpe (la expresión latina para Monte Calpe), una de las dos míticas columnas de Hércules, y posteriormente renombrada de una derivación del árabe como "montaña de Tariq", en recuerdo del general Táriq ibn Ziyad, quien dirigió el desembarco en este lugar de las fuerzas del Califato Omeya de Walid I en el 711. Integrada en la Corona de Castilla desde la segunda mitad del siglo XV, fue ocupada en 1704 por la escuadra angloholandesa en apoyo del pretendiente Carlos III de España durante la Guerra de Sucesión Española, al término de la cual, fue cedida a la corona británica en aplicación del Tratado de Utrecht en 1713. Desde entonces, el devenir político de Gibraltar ha sido objeto de controversia en las relaciones hispano-británicas. En ese sentido, en un extenso artículo del ministro español de Asuntos Exteriores, José Manuel García-Margallo, publicado en el Wall Street Journal, el martes 20 de agosto pasado comienza refiriéndose a una frase: “El Gobierno de Su Majestad la Reina no se considera obligado por las resoluciones de la Asamblea General y por lo tanto no va a negociar con el Gobierno español sobre la base de las mismas.” Ésta fue la sorprendente respuesta de Michael Stewart, el secretario de Relaciones Exteriores británico, en diciembre de 1968 a la Resolución 2429 de la Asamblea General de la ONU, que pidió al Reino Unido como potencia administradora poner fin a la situación colonial de Gibraltar, que indica que la continuación de esta situación es contraria a los propósitos y principios de la Carta de la ONU. Un año antes, la Asamblea General había aprobado la resolución 2353, que establece que cualquier posición colonial parcial o total que destruye la unidad nacional de un país y la integridad territorial, como en el caso de Gibraltar, es incompatible con los propósitos y principios de la Carta de la ONU. Además, Naciones Unidas no ha reconocido el derecho a la autodeterminación en el caso de Gibraltar, si bien ha llamado a las negociaciones bilaterales entre Reino Unido y España sobre su soberanía, a fin de tener en cuenta los intereses de la población del Peñón. Luego, siguió con un extenso análisis sobre los derechos del estado español sobre esa porción de su territorio. Y el principal espectáculo de la noche fue el Sweet Canary Ensemble, haciendo un homenaje a Rosa Eskenazi, la cantante judío / griega que sublimó el estilo de la música Rebetika de los años treinta a los años setenta. Tres Divas, una turca, una israelí y otra griega se presentaron juntas en el escenario con sus 12 músicos y cantando en sus respectivos idiomas. El Sweet Canary Ensemble, que interpreta los últimos tres temas de esta primer parte del programa, es un grupo de músicos de Israel y el Mediterráneo. El origen del grupo y su música, fue la banda que escribió para el documental My Sweet Canary, que sigue a tres músicos que exploran la vida de esa cantante judío / griega llamado Roza Eskenazi. Este conjunto multiétnico ofrece una buena parte de la historia de Oriente Medio. La segunda noche de este Gibraltar World Music Festival comenzó con el Mark Eliyahu Ensemble. Mark Eliyahu nació en Israel y pasó varios años aprendiendo a tocar la Kamencheh, el "violín" persa en Azerbaiyán. Especialmente para Gibraltar ha invitado a Amir Shahzad, el maestro musulmán persa de la flauta Ney. Marcos Eliyahu es un compositor, arreglista, productor musical y reconocido intérprete del Kamanja, un instrumento de cuerda de la familia del violín, prominente en el arte musical árabe y persa, y del baglama, otro instrumento de cuerdas, común a varias culturas del Este del Mediterráneo. Ganador de los prestigiosos premios Ophir y Jerusalén, ha compuesto, arreglado y producido música para artistas, orquestas y películas, así como de danza y proyectos de teatro. En 2002-2003 Eliyahu fue seleccionado por Benetton y la Unión Europea para ser el representante de Israel en el proyecto internacional Música Fabrica. Participa regularmente en las grabaciones de artistas israelíes e internacionales como solista invitado, y también se considera un artista líder e influyente en las músicas del mundo. Es el líder del Mark Eliyahu Ensemble, por quienes escucharemos los próximos tres temas. El acto final de la segunda noche del Festival dio la bienvenida a la famosa Yasmin Levy, a quien estábamos escuchando, la más importante diva sefardí hoy en día. Con un inconfundible estilo emotivo, Yasmin ha dado una nueva interpretación a la canción judeo-española medieval, incorporando sonidos más modernos, procedentes del flamenco andaluz, y con el uso de instrumentos tradicionales. En el Festival se presentó junto a los más de 20 músicos de la Mediterranean Andalusian Orchestra Ashkelon conducida por Tom Cohen, y ellos interpretarán los temas que compartiremos hasta el final de este programa. Tom Cohen, nacido en Beer Sheva, es graduado de la Academia de Música y Danza de Jerusalén, y compone y arregla la música en una amplia variedad de géneros para la Orquesta de Andalucía y de varios de los mejores músicos de la actualidad. La orquesta interpreta una extensa diversidad de géneros de Andalucía, de oeste a este, incluyendo Argelia, Sha'abi, Flamenco, Ladino y músicas del mundo. La variedad étnica de los músicos y solistas de la orquesta crea una fuerte intensidad cultural que se respira en su excelencia musical impecable. Comentarios extraídos del sitio campodegibraltar.es y del sitio del Gibraltar World Music Festival. En cuanto a la música estuvieron presentes los participantes de este Festival: el conjunto Em Chordais, el Sweet Canary Ensemble, el Mark Eliyahu Ensemble, la cantante Yasmin Levy y la Andalusian Orchestra Ashkelon. Es una realización de Jorge Laraia.

Más de 35 artistas actuaron durante los cinco días que duró el Sankat Festival Music Mochan, que se celebró en las instalaciones del templo Sankat Mochan del 29 de abril hasta 3 de mayo. Según la información que dio a la prensa el religioso superior del templo Sankat Mochan, Vishwambhar Nath Mishra, en este año se celebró el 90 ª aniversario del Hanuman Jayanti que se celebra cada año para conmemorar el nacimiento de Hanuman, el dios Vanara, muy venerado en toda la India, con una serie de actos culturales con la participación de artistas e intérpretes de diferentes regiones del país. Aparte de sus numerosos templos importantes, Benares ha sido sede de las artes y la música clásica. Durante muchísimos años, se ha estado celebrando el Festival de Música Sankat Mochan en el templo Sankat Mochan, que estuvo recientemente en las noticias debido a los ataques terroristas. Los recitales se celebran cada noche en el patio del templo y continúan hasta el amanecer, cuando los artistas son capaces de crear la magia entre los oyentes. De Benares, ciudad sagrada de las más antiguas de la civilización que existen actualmente y continúan manteniendo viva su cultura, se dice que tiene alrededor de 7.000 años, y es el mayor centro de peregrinaje tanto del hinduísmo como del budhismo. Se cuenta que nació cuando una lágrima del dios Shiva cayó a orillas del río sagrado Ganges, en el sitio donde hoy se levantan las escalinatas de Manikarnika, uno de los dos ghats (puertas sobre el río Ganges) donde se realizan las ceremonias de cremación. Su nombre original es Varanasi, ya que se encuentra entre los ríos Varuna y Assi (hoy en día inexistente), pero por deformaciones en la pronunciación inglesa derivó en Benares. Es centro espiritual del estado de Uttar Pradesh, a unos 800 km. al este de la capital de la India: Delhi. Y allí, en la margen occidental del Ganges se levanta la "Ciudad de la luz", con más de 1.000.000 de habitantes. Atraviesa cien ghats, desde el puente ferroviario de la estación Kashi, en el norte, hasta las escalinatas de Assi, en el límite sur. Al comentar sobre esta ciudad milenaria, hay que referirse como punto de partida a la ciudad vieja y sus alrededores. Conocido como Godowlia, este barrio se caracteriza por sus callejuelas enmarañadas y angostas. Sus construcciones semiderruidas están hechas de piedra o ladrillos de barro con pequeñísimas puertas y ventanas, por donde se filtra, casi imperceptible, algún rayo de sol. Estas casas de poca altura son oscuras y húmedas, manteniendo así la frescura en los días de calor sofocante. Cada una de ellas cuenta con varias habitaciones, generalmente superpobladas. A veces en un mismo cuarto conviven abuelos, padres e hijos. Resulta curioso que para ellos esto sea lo usual y no conciban siquiera la idea de estar o vivir solos. La mayoría no tienen baños ni duchas propios, por lo que sus habitantes utilizan lugares públicos destinados a hacer sus necesidades, y bombas de agua o el río para el aseo personal. La India mantuvo a lo largo de su historia como aspecto esencial de su cultura, la música y la danza. Originalmente éstas formaban parte de ceremonias religiosas, cantando loas a los dioses y representando historias de la mitología hindú. Con el paso del tiempo, se modificaron y surgieron nuevos estilos debido a la influencia de las culturas invasoras. La corriente más importante fue la musulmana incorporando tanto melodías y ritmos como instrumentos musicales. Músicos y bailarines consideran sus respectivas actividades dentro del orden de lo religioso, dando por hecho que una buena práctica los conducirá al nirvana. La variedad de los conciertos y festivales que brinda esta ciudad, dan cuenta de la importancia que dichas actividades artísticas tienen para sus habitantes. Asistir a uno de estos espectáculos da la posibilidad de observar un evento social en sí mismo. Una imagen que quedará grabada por siempre en la memoria del visitante puede ser la de presenciar a una decena de músicos besando los pies de un afamado gurú en señal de respeto. Todo un símbolo de la cultura hindú. Este festival de música se realiza en cuatro noches, invitando a los principales maestros de la Música Clásica indostánica a exhibir sus interpretaciones. Ellos sacan tiempo de sus apretadas agendas y conciertos en el extranjero, ya que lo consideran un honor poder venir a estar presentes en el templo del Señor Hanuman Sankat Mochan, en Benarés, que también en una de las escuelas más antiguas de la Música Clásica indostánica. Cada año en el mes de abril, el templo Sankat Mochan Hanuman organiza un festival de música clásica y danza titulado "Sankat Mochan Sangeet Samaroh", en el que participan músicos y artistas de toda la India. El primer festival fue organizado hace 90 años, y desde entonces mantiene su propósito de atraer a numerosos incondicionales de la música clásica indostaní y del mundo de la danza. Uno de sus iniciadores fue Kelucharan Mahapatra, quien estuvo participando desde sus primeros días, que tuvo un papel decisivo en el inicio de la participación de las mujeres en el festival. El festival comienza con el Kathak, que siempre sale en el primer lugar todos los días ya que esta danza es considerada como una forma de presentación a los señores y solicitar permiso para continuar con el espectáculo de allí en más. Y es entonces que el pandit de la flauta, el Pandit Hariprasad Chaurasia, se presenta en el patio del templo para llevar al público a un viaje de dos horas, en la combinación melódica de notas de su flauta y los otros instrumentos. La mayoría de los comentarios están basados en notas publicadas en el sitio viajearajasthan.com, y en cuanto a la música fueron interpretaciones de maestros invitados a participar en el Sankat Festival Music Mochan, que desde hace 90 años se lleva a cabo en la ciudad de Benarés, en la India. Es una realización de Jorge Laraia.

Luego de cinco jornadas de presentaciones de espectáculos folklóricos en espacios abiertos y teatros, se cerraron el 15 de septiembre pasado en la ciudad de Camaguey, a unos 565 kilómetros al este de La Habana, las cortinas imaginarias del VI Festival Olorum 2013, un evento consagrado a la danza y la música folklórica cubana, dedicado este año a la cultura yoruba. El Ballet folklórico camagüeyano (que festejó el 12 de septiembre su XXII Aniversario de fundación), alternó en la gala de clausura con la agrupación Rumbatá de esa ciudad, que defiende un repertorio lleno de rumbas en todas sus variantes, género que forma parte indisoluble de la esencia de la identidad de la isla, y es Patrimonio Cultural de Cuba. La Tradición religiosa de los Orishas Yorubas, extendida popularmente en América como la Regla Ocha o Santería, se origina en el Oeste de África, en la región conocida actualmente como Nigeria y Benin, y es la religión tradicional del pueblo Yoruba. La trata de esclavos trajo muchos de estos Yorubas a las costas de Cuba, Brasil, Haití, Trinidad, Puerto Rico y Santo Domingo, entre otros sitios del Caribe, y con estas personas vino su religión. La Santería es una religión considerada como las primeras conocidas por el hombre. Los Yorubas son un pueblo muy civilizado con una rica cultura y un sentido muy profundo de la ética. Creen en Dios, que en el idioma yoruba se conoce como Olodumare que es la fuente del ashe, la energía espiritual de la que se compone el universo. Olorun interactúa con el mundo y la humanidad a través de emisarios, los Santos y los Orishas, que viven en cada una de las fuerzas de la naturaleza, e influyen al humano en cada aspecto de la vida. La comunicación con los humanos se logra a través de toques de tambores batá y posesiones por trance (bajar el santo), ritos, rezos, y ofrendas. En el Nuevo Mundo, la mayor parte de su religión fue ocultada detrás de una fachada donde los orishas fueron representados por santos católicos, de donde nace el sincretismo o la comparación de los santos católicos con los yorubas. Los dueños de esclavos prohibían la celebración de ceremonias africanas, pues estaban consideradas como brujería, por eso los esclavos veneraban los santos católicos y a través de ellos llamaban a sus orishas, así los esclavistas no los molestaban y así fue como la religión llego a ser conocida como Santería. El recuerdo de este periodo de la historia cubana, es la razón por lo que, dentro de la religión muchos consideran el termino Santería como degradante; pero el nombre se hizo tan popular, que hoy el pueblo cubano ha decidido aceptarlo con orgullo. Las tradiciones de la Santería son celosamente preservadas, y el conocimiento completo de sus ritos, canciones y lenguaje es un requisito previo a cualquier participación profunda dentro de la religión. Los iniciados deben seguir un régimen estricto, y responden por sus acciones ante Olorun y los Santos u Orishas. A medida que una persona pasa a través de cada iniciación, sus conocimientos se vuelven más profundos, y sus habilidades y responsabilidades aumentan en conformidad. De hecho, en el primer año que sigue a su iniciación dentro del sacerdocio, el nuevo iniciado (Iyawo) debe vestir de blanco durante el año completo. Un Iyawo debe seguir un número de reglas de santo para purificarse y sintonizarse con su ángel de la guardia. Algunas de estas reglas son: no puede tomar licor, ni trasnocharse en fiestas o en la calle, no usar ropa de colores, no usar maquillaje durante el año, no fumar, ser fiel, etc. Lo que parece difícil a primera vista, es más bien bello y muy sano. Después de todo la palabra hacerse el santo lo abarca todo, es volver a nacer, comenzar una nueva vida. La percusión que hemos estado escuchando en estos temas, proviene de los tambores batá, el instrumento más representativo de la música yoruba. La palabra batá identifica en Cuba como genérico a todos y a cada uno de los tres tambores integrantes del conjunto, independientemente de su tamaño y registro. Es común tanto la referencia en plural los batá, o en singular el batá, ya se trate del conjunto o de uno en particular. En lengua yoruba tiene diferentes significados, pero en relación con el instrumento de música, los más afines son aquellos que se refieren al tambor usado por los fieles de Shangó y Egungun, o al tambor para Ori Shangó. Se trata de membranófonos de definida connotación ritual relacionados con estas deidades en Africa. En Cuba tienen un uso ritual en el sentido más ortodoxo, pero no de forma tan restringida, y aunque se les reconoce su relación con Shangó, se emplean en cultos diversos de la santería y con ellos se toca para todas las deidades. El grupo folclórico Afrocuba de Matanzas, que compartimos en esta primera media hora, fue fundado en 1957 en Cuba, en la ciudad de Matanzas, con el objetivo de rescatar y mantener la raíces africanas más puras del Panteón yoruba, arará, bantú, brinkamo, yyesá y abakuá. Interpretan de manera muy actual la rumba en todas sus variantes conocidas como el yambú, la columbia y el actual guaguancó. En 1973 crean el ritmo batarrumba, que como bien dice la palabra, es la mezcla de los religiosos tambores batá y las profanas congas (tumbadores) en la rumba. Con 24 integrantes entre percusionistas, pareja de bailes y cantantes, Afrocuba de Matanzas ha desarrollado una descollante trayectoria no solo en Cuba donde ha ganado numerosos premios, sino también en el extranjero con la mejor crítica. Además, ha realizado diferentes documentales en Cuba y en otros países para el cine y la televisión, y tiene grabado cinco CD y una multimedia. Alcanzar sonoridades contemporáneas sin perder el concepto y las raíces de la rumba, género musical danzario declarado Patrimonio Cultural de la nación cubana, resulta ser la propuesta del disco “La rumba del siglo”, del que en esta segunda parte del programa estamos compartiendo algunos de sus temas. Producido por el director, músico y compositor Manolito Simonet, el disco perteneciente al sello discográfico Bis Music de ARTex, muestra el quehacer de Rumbatá, agrupación creada en Camagüey en el año 1996, liderada por el cantante y compositor Wilmer Joel Ferrán Jiménez, quien además de ser graduado en la escuela Nacional de Ballet, asume la dirección general y la firma autoral de 8 de los 14 temas que integran el disco. Clásicos versionados en Guaguancó e interpretados de manera magistral, dado el trabajo vocal que los distinguen, prestigian esta producción, en la que con gran acierto, los arreglos fusionan la rumba con el son, el guaguancó y el Latin jazz, sin dejar de exponer variantes como Yambú , Columbia y la Rumba flamenca. Intérpretes y músicos de gran prestigio como Mayito Rivera quien canta la versión de Wilmer Ferrer del poema de Nicolás Guillén “Songoro Cosongo”, Vania Borges, en el próximo tema “Veinte años” y Andrés Correa Borges en “Marinero”, a los que se suman Roberto Vázquez en el bajo eléctrico, Miguel Ángel del Armas en el piano, autor de “¿Güine qué le pasa a Tata?” título que cerrará nuestra propuesta sonora, Javier Barroso, en la guitarra flamenca y José Alberto Álvarez en el cajón flamenco, respectivamente, unidos a Santiago Garzón y Eddy de los Santos, ambos percusionistas a cargo del cajón Quinto, conforman la nómina de invitados especiales. Ciertamente, la suerte de Rumbatá está echada en el ámbito cubano; toca ahora trascender las fronteras, conquistar al público extranjero que respeta el arte cubano, y poner en un pedestal a la vasta cultura camagüeyana, de la cual, son herederos. Comentarios basados en notas del sitio orishasplace.com, de lajiribilla.cu, de cubanacan.tumblr.com, de cubadebate.cu y cadenagramonte.cu, y en cuanto a la música, como ya dijimos fueron interpretaciones del Grupo Folklórico Afrocuba de Matanzas y de la agrupación Rumbatá desde su disco “La rumba del siglo”. Es una realización de Jorge Laraia.