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Pioneros: Los Brincos
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Pioneros: Los Brincos

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Los Brincos son una de las mejores formaciones que ha conocido y conocerá la música española. En una época en la cual el bagaje discográfico de los grupos se nutría básicamente de versiones anglosajonas, la banda liderada por Fernando Arbex, alma mater de sus composiciones e ideológo principal de su sonido, demostró poseer un elevado talento para la escritura propia, para la creación melódica, para el dominio de ritmos, para el empleo magistral de las voces, con unas armonías de difícil comparación en la historia del rock en castellano.
A los Brincos se les despacha con una simple similitud con los Beatles, pero en su sonido se pueden apreciar las iniciales pautas del Rhythm and Blues stoniano que configuran un vibrante sonido garage-rock, principalmente apreciable, no en sus singles, que generalmente suelen ser de valía inferior a otras piezas de su discografía, sino en sus primeros LPs., pero en su progreso compositivo también suenan voces californianas a lo folk-rock, apuntes aflamencados en puntuales ocasiones, psicodelia y rock progresivo, configurando una discografía más que interesante.
Lo tenían casi todo: Podían cantar en castellano o en inglés; alternaban baladas y medios tiempos tiernos, con piezas de una contundencia increíble; su conjunción vocal era casi perfecta, y, pese a su juventud, instrumentalmente estaban muy preparados. Los Brincos disponían de una de las secciones rítmicas más capaces de la época. Arbex era un genio de la batería y a Manolo González nunca se le ha reconocido suficientemente su habilidad con el bajo. Lo más sorprendente de todo es que siempre, y quizás sea el único grupo en el mundo, grabaron composiciones originales suyas.
El grupo se creó en Madrid en 1964. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales (“Junior”)
La banda pretende llamarse en principio “Las Ovejas Negras”, pero, finalmente, adoptan el nombre de Los Brincos y gracias a Luis Sartorius, muy amigo de Arbex por su pertenencia en los Estudiantes, logran llamar la atención del sello Zafiro para grabar en Novola. Todos los discos de su primera etapa fueron número uno en las listas españolas.
Los Brincos, que solían ensayar en sus comienzos en la azotea de la casa de Arbex, debutaron en vinilo en 1964 con un LP, “Los Brincos” (1964), dos singles y un EP. Su casa discográfica les presenta como los Beatles a la española, empleando en su vestimenta unas características capas. Su música domina los cánones del Merseybeat, con unas armonías sensacionales y mostrando en sus temas, alternando canciones en español con piezas en inglés, una energía garajera muy acusada, en especial en todo su primer LP, con temas llenos de ritmo como el bailable single “Dance the pulga”, el palpitante garage-rock “What’s the matter with you”, o “Bye bye Chiquilla”, con una guitarra muy stoniana. Sus famosas armonías y sus trazas más beat son muy apreciables en “I can’t make it” o “Cry”.
El primer single del grupo fue “Flamenco”, que les lleva a lo más alto. Probablemente ésta sea la primera vez que se empleaban sonidos de flamenco en la historia del rock.
La denominada “Brincosis” se asienta en 1965 con otro EP y alcanzan el éxito popular con singles como “Borracho”, movido tema con letra humorística más cercano al R&B stoniano que al beat, “Tú me dijiste adiós”, excelente medio tiempo pop o “Mejor”, con esa elegante intro de guitarra y voces en armonías terminadas en falsete.
En 1966 aparecen temas como “A mí con esas” o la balada “Un sorbito de champagne”, uno de sus temas más comerciales. Aparece otro EP y su segundo LP, “Brincos II” (1966), un álbum en el que incluyen temas como “Mejor”, “Tu me dijiste adiós”, “I try to find”, “Sola”, “Yo”, “Walking alone” o la magnífica “Tú en mi”, vivaz canción con retozona guitarra R&B y unas armonías prodigiosas.
Tras este álbum se producen las primeras discrepancias en el seno de la banda. El liderazgo de Arbex se ve amenazado por Junior y Pardo, quienes finalmente abandonan el grupo para iniciar una carrera como dúo. “Anduriña”, “La caza”, “Nada”, “Bajo el sol” o “Nos falta fe” serán algunos de sus éxitos.

Los nuevos Brincos se recompusieron bajo el liderazgo de Arbex, con las entradas de Ricky Morales (hermano de Junior) y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shakers.
Más tarde Vicente Martínez también abandonó la formación y lo sustituyó Miguel Morales, hermano de Junior y de Ricky. El sonido, a instancias de Arbex, se fue decantando hacia un rock más psicodélico, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Editan el LP “Contrabando” (1968), que incluye los singles “Lola”, balada menor con arreglos de viento cuasi mexicanos, y “El pasaporte”, una animosa pieza garajera en donde se aprecia su querencia por los Who o el “Paperback writer” de los Beatles. Como cara B de “Lola” aparecía “The Train”, un tema muy parecido al “Substitute” de los Who que conllevó una demanda del mismísimo Pete Townshend.
“Contrabando” incluía otras fenomenales canciones, mejores que los singles, como “Nadie te quiere ya”, con un estupendo empleo del cello, “Big temptations” o “Rápidamente”, ésta última con una melodía fenomenal y un enfático y efectivo falsete.

Arbex, atento a lo que se cuece en el contexto internacional, intentó ensanchar su música con sonidos progresivos y psicodélicos, hecho apreciable en el último disco de los Brincos, “Mundo, demonio y carne” (1970), álbum de rock psico-progresivo con portada censurada, en la que salían los componentes desnudos, que conoció una versión en lengua inglesa, “World, evil and body”.
El álbum se abre con una larga y ambiciosa pieza homónima de más de doce minutos. Posteriormente depara canciones como “Vive la realidad”, la rockera “Jenny la genio”, “Hermano Ismael” o “Butterfly”. Es un álbum progresivo.

En el año 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Fernando Arbex y Miguel Morales, editando el LP “Eterna juventud” y se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales.
El 5 de julio del año 2003 Fernando Arbex, uno de las máximas figuras del rock en español, murió a la edad de 61 años.

Los Brincos son una de las mejores formaciones que ha conocido y conocerá la música española. En una época en la cual el bagaje discográfico de los grupos se nutría básicamente de versiones anglosajonas, la banda liderada por Fernando Arbex, alma mater de sus composiciones e ideológo principal de su sonido, demostró poseer un elevado talento para la escritura propia, para la creación melódica, para el dominio de ritmos, para el empleo magistral de las voces, con unas armonías de difícil comparación en la historia del rock en castellano.
A los Brincos se les despacha con una simple similitud con los Beatles, pero en su sonido se pueden apreciar las iniciales pautas del Rhythm and Blues stoniano que configuran un vibrante sonido garage-rock, principalmente apreciable, no en sus singles, que generalmente suelen ser de valía inferior a otras piezas de su discografía, sino en sus primeros LPs., pero en su progreso compositivo también suenan voces californianas a lo folk-rock, apuntes aflamencados en puntuales ocasiones, psicodelia y rock progresivo, configurando una discografía más que interesante.
Lo tenían casi todo: Podían cantar en castellano o en inglés; alternaban baladas y medios tiempos tiernos, con piezas de una contundencia increíble; su conjunción vocal era casi perfecta, y, pese a su juventud, instrumentalmente estaban muy preparados. Los Brincos disponían de una de las secciones rítmicas más capaces de la época. Arbex era un genio de la batería y a Manolo González nunca se le ha reconocido suficientemente su habilidad con el bajo. Lo más sorprendente de todo es que siempre, y quizás sea el único grupo en el mundo, grabaron composiciones originales suyas.
El grupo se creó en Madrid en 1964. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales (“Junior”)
La banda pretende llamarse en principio “Las Ovejas Negras”, pero, finalmente, adoptan el nombre de Los Brincos y gracias a Luis Sartorius, muy amigo de Arbex por su pertenencia en los Estudiantes, logran llamar la atención del sello Zafiro para grabar en Novola. Todos los discos de su primera etapa fueron número uno en las listas españolas.
Los Brincos, que solían ensayar en sus comienzos en la azotea de la casa de Arbex, debutaron en vinilo en 1964 con un LP, “Los Brincos” (1964), dos singles y un EP. Su casa discográfica les presenta como los Beatles a la española, empleando en su vestimenta unas características capas. Su música domina los cánones del Merseybeat, con unas armonías sensacionales y mostrando en sus temas, alternando canciones en español con piezas en inglés, una energía garajera muy acusada, en especial en todo su primer LP, con temas llenos de ritmo como el bailable single “Dance the pulga”, el palpitante garage-rock “What’s the matter with you”, o “Bye bye Chiquilla”, con una guitarra muy stoniana. Sus famosas armonías y sus trazas más beat son muy apreciables en “I can’t make it” o “Cry”.
El primer single del grupo fue “Flamenco”, que les lleva a lo más alto. Probablemente ésta sea la primera vez que se empleaban sonidos de flamenco en la historia del rock.
La denominada “Brincosis” se asienta en 1965 con otro EP y alcanzan el éxito popular con singles como “Borracho”, movido tema con letra humorística más cercano al R&B stoniano que al beat, “Tú me dijiste adiós”, excelente medio tiempo pop o “Mejor”, con esa elegante intro de guitarra y voces en armonías terminadas en falsete.
En 1966 aparecen temas como “A mí con esas” o la balada “Un sorbito de champagne”, uno de sus temas más comerciales. Aparece otro EP y su segundo LP, “Brincos II” (1966), un álbum en el que incluyen temas como “Mejor”, “Tu me dijiste adiós”, “I try to find”, “Sola”, “Yo”, “Walking alone” o la magnífica “Tú en mi”, vivaz canción con retozona guitarra R&B y unas armonías prodigiosas.
Tras este álbum se producen las primeras discrepancias en el seno de la banda. El liderazgo de Arbex se ve amenazado por Junior y Pardo, quienes finalmente abandonan el grupo para iniciar una carrera como dúo. “Anduriña”, “La caza”, “Nada”, “Bajo el sol” o “Nos falta fe” serán algunos de sus éxitos.

Los nuevos Brincos se recompusieron bajo el liderazgo de Arbex, con las entradas de Ricky Morales (hermano de Junior) y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shakers.
Más tarde Vicente Martínez también abandonó la formación y lo sustituyó Miguel Morales, hermano de Junior y de Ricky. El sonido, a instancias de Arbex, se fue decantando hacia un rock más psicodélico, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Editan el LP “Contrabando” (1968), que incluye los singles “Lola”, balada menor con arreglos de viento cuasi mexicanos, y “El pasaporte”, una animosa pieza garajera en donde se aprecia su querencia por los Who o el “Paperback writer” de los Beatles. Como cara B de “Lola” aparecía “The Train”, un tema muy parecido al “Substitute” de los Who que conllevó una demanda del mismísimo Pete Townshend.
“Contrabando” incluía otras fenomenales canciones, mejores que los singles, como “Nadie te quiere ya”, con un estupendo empleo del cello, “Big temptations” o “Rápidamente”, ésta última con una melodía fenomenal y un enfático y efectivo falsete.

Arbex, atento a lo que se cuece en el contexto internacional, intentó ensanchar su música con sonidos progresivos y psicodélicos, hecho apreciable en el último disco de los Brincos, “Mundo, demonio y carne” (1970), álbum de rock psico-progresivo con portada censurada, en la que salían los componentes desnudos, que conoció una versión en lengua inglesa, “World, evil and body”.
El álbum se abre con una larga y ambiciosa pieza homónima de más de doce minutos. Posteriormente depara canciones como “Vive la realidad”, la rockera “Jenny la genio”, “Hermano Ismael” o “Butterfly”. Es un álbum progresivo.

En el año 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Fernando Arbex y Miguel Morales, editando el LP “Eterna juventud” y se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales.
El 5 de julio del año 2003 Fernando Arbex, uno de las máximas figuras del rock en español, murió a la edad de 61 años.

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Pioneros: Los Brincos (3de3)

Los Brincos son una de las mejores formaciones que ha conocido y conocerá la música española. En una época en la cual el bagaje discográfico de los grupos se nutría básicamente de versiones anglosajonas, la banda liderada por Fernando Arbex, alma mater de sus composiciones e ideológo principal de su sonido, demostró poseer un elevado talento para la escritura propia, para la creación melódica, para el dominio de ritmos, para el empleo magistral de las voces, con unas armonías de difícil comparación en la historia del rock en castellano. A los Brincos se les despacha con una simple similitud con los Beatles, pero en su sonido se pueden apreciar las iniciales pautas del Rhythm and Blues stoniano que configuran un vibrante sonido garage-rock, principalmente apreciable, no en sus singles, que generalmente suelen ser de valía inferior a otras piezas de su discografía, sino en sus primeros LPs., pero en su progreso compositivo también suenan voces californianas a lo folk-rock, apuntes aflamencados en puntuales ocasiones, psicodelia y rock progresivo, configurando una discografía más que interesante. Lo tenían casi todo: Podían cantar en castellano o en inglés; alternaban baladas y medios tiempos tiernos, con piezas de una contundencia increíble; su conjunción vocal era casi perfecta, y, pese a su juventud, instrumentalmente estaban muy preparados. Los Brincos disponían de una de las secciones rítmicas más capaces de la época. Arbex era un genio de la batería y a Manolo González nunca se le ha reconocido suficientemente su habilidad con el bajo. Lo más sorprendente de todo es que siempre, y quizás sea el único grupo en el mundo, grabaron composiciones originales suyas. El grupo se creó en Madrid en 1964. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales (“Junior”) La banda pretende llamarse en principio “Las Ovejas Negras”, pero, finalmente, adoptan el nombre de Los Brincos y gracias a Luis Sartorius, muy amigo de Arbex por su pertenencia en los Estudiantes, logran llamar la atención del sello Zafiro para grabar en Novola. Todos los discos de su primera etapa fueron número uno en las listas españolas. Los Brincos, que solían ensayar en sus comienzos en la azotea de la casa de Arbex, debutaron en vinilo en 1964 con un LP, “Los Brincos” (1964), dos singles y un EP. Su casa discográfica les presenta como los Beatles a la española, empleando en su vestimenta unas características capas. Su música domina los cánones del Merseybeat, con unas armonías sensacionales y mostrando en sus temas, alternando canciones en español con piezas en inglés, una energía garajera muy acusada, en especial en todo su primer LP, con temas llenos de ritmo como el bailable single “Dance the pulga”, el palpitante garage-rock “What’s the matter with you”, o “Bye bye Chiquilla”, con una guitarra muy stoniana. Sus famosas armonías y sus trazas más beat son muy apreciables en “I can’t make it” o “Cry”. El primer single del grupo fue “Flamenco”, que les lleva a lo más alto. Probablemente ésta sea la primera vez que se empleaban sonidos de flamenco en la historia del rock. La denominada “Brincosis” se asienta en 1965 con otro EP y alcanzan el éxito popular con singles como “Borracho”, movido tema con letra humorística más cercano al R&B stoniano que al beat, “Tú me dijiste adiós”, excelente medio tiempo pop o “Mejor”, con esa elegante intro de guitarra y voces en armonías terminadas en falsete. En 1966 aparecen temas como “A mí con esas” o la balada “Un sorbito de champagne”, uno de sus temas más comerciales. Aparece otro EP y su segundo LP, “Brincos II” (1966), un álbum en el que incluyen temas como “Mejor”, “Tu me dijiste adiós”, “I try to find”, “Sola”, “Yo”, “Walking alone” o la magnífica “Tú en mi”, vivaz canción con retozona guitarra R&B y unas armonías prodigiosas. Tras este álbum se producen las primeras discrepancias en el seno de la banda. El liderazgo de Arbex se ve amenazado por Junior y Pardo, quienes finalmente abandonan el grupo para iniciar una carrera como dúo. “Anduriña”, “La caza”, “Nada”, “Bajo el sol” o “Nos falta fe” serán algunos de sus éxitos. Los nuevos Brincos se recompusieron bajo el liderazgo de Arbex, con las entradas de Ricky Morales (hermano de Junior) y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shakers. Más tarde Vicente Martínez también abandonó la formación y lo sustituyó Miguel Morales, hermano de Junior y de Ricky. El sonido, a instancias de Arbex, se fue decantando hacia un rock más psicodélico, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Editan el LP “Contrabando” (1968), que incluye los singles “Lola”, balada menor con arreglos de viento cuasi mexicanos, y “El pasaporte”, una animosa pieza garajera en donde se aprecia su querencia por los Who o el “Paperback writer” de los Beatles. Como cara B de “Lola” aparecía “The Train”, un tema muy parecido al “Substitute” de los Who que conllevó una demanda del mismísimo Pete Townshend. “Contrabando” incluía otras fenomenales canciones, mejores que los singles, como “Nadie te quiere ya”, con un estupendo empleo del cello, “Big temptations” o “Rápidamente”, ésta última con una melodía fenomenal y un enfático y efectivo falsete. Arbex, atento a lo que se cuece en el contexto internacional, intentó ensanchar su música con sonidos progresivos y psicodélicos, hecho apreciable en el último disco de los Brincos, “Mundo, demonio y carne” (1970), álbum de rock psico-progresivo con portada censurada, en la que salían los componentes desnudos, que conoció una versión en lengua inglesa, “World, evil and body”. El álbum se abre con una larga y ambiciosa pieza homónima de más de doce minutos. Posteriormente depara canciones como “Vive la realidad”, la rockera “Jenny la genio”, “Hermano Ismael” o “Butterfly”. Es un álbum progresivo. En el año 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Fernando Arbex y Miguel Morales, editando el LP “Eterna juventud” y se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales. El 5 de julio del año 2003 Fernando Arbex, uno de las máximas figuras del rock en español, murió a la edad de 61 años.
Pop and Pop-Rock 13 years
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Pioneros: Los Brincos (2de3)

Los Brincos son una de las mejores formaciones que ha conocido y conocerá la música española. En una época en la cual el bagaje discográfico de los grupos se nutría básicamente de versiones anglosajonas, la banda liderada por Fernando Arbex, alma mater de sus composiciones e ideológo principal de su sonido, demostró poseer un elevado talento para la escritura propia, para la creación melódica, para el dominio de ritmos, para el empleo magistral de las voces, con unas armonías de difícil comparación en la historia del rock en castellano. A los Brincos se les despacha con una simple similitud con los Beatles, pero en su sonido se pueden apreciar las iniciales pautas del Rhythm and Blues stoniano que configuran un vibrante sonido garage-rock, principalmente apreciable, no en sus singles, que generalmente suelen ser de valía inferior a otras piezas de su discografía, sino en sus primeros LPs., pero en su progreso compositivo también suenan voces californianas a lo folk-rock, apuntes aflamencados en puntuales ocasiones, psicodelia y rock progresivo, configurando una discografía más que interesante. Lo tenían casi todo: Podían cantar en castellano o en inglés; alternaban baladas y medios tiempos tiernos, con piezas de una contundencia increíble; su conjunción vocal era casi perfecta, y, pese a su juventud, instrumentalmente estaban muy preparados. Los Brincos disponían de una de las secciones rítmicas más capaces de la época. Arbex era un genio de la batería y a Manolo González nunca se le ha reconocido suficientemente su habilidad con el bajo. Lo más sorprendente de todo es que siempre, y quizás sea el único grupo en el mundo, grabaron composiciones originales suyas. El grupo se creó en Madrid en 1964. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales (“Junior”) La banda pretende llamarse en principio “Las Ovejas Negras”, pero, finalmente, adoptan el nombre de Los Brincos y gracias a Luis Sartorius, muy amigo de Arbex por su pertenencia en los Estudiantes, logran llamar la atención del sello Zafiro para grabar en Novola. Todos los discos de su primera etapa fueron número uno en las listas españolas. Los Brincos, que solían ensayar en sus comienzos en la azotea de la casa de Arbex, debutaron en vinilo en 1964 con un LP, “Los Brincos” (1964), dos singles y un EP. Su casa discográfica les presenta como los Beatles a la española, empleando en su vestimenta unas características capas. Su música domina los cánones del Merseybeat, con unas armonías sensacionales y mostrando en sus temas, alternando canciones en español con piezas en inglés, una energía garajera muy acusada, en especial en todo su primer LP, con temas llenos de ritmo como el bailable single “Dance the pulga”, el palpitante garage-rock “What’s the matter with you”, o “Bye bye Chiquilla”, con una guitarra muy stoniana. Sus famosas armonías y sus trazas más beat son muy apreciables en “I can’t make it” o “Cry”. El primer single del grupo fue “Flamenco”, que les lleva a lo más alto. Probablemente ésta sea la primera vez que se empleaban sonidos de flamenco en la historia del rock. La denominada “Brincosis” se asienta en 1965 con otro EP y alcanzan el éxito popular con singles como “Borracho”, movido tema con letra humorística más cercano al R&B stoniano que al beat, “Tú me dijiste adiós”, excelente medio tiempo pop o “Mejor”, con esa elegante intro de guitarra y voces en armonías terminadas en falsete. En 1966 aparecen temas como “A mí con esas” o la balada “Un sorbito de champagne”, uno de sus temas más comerciales. Aparece otro EP y su segundo LP, “Brincos II” (1966), un álbum en el que incluyen temas como “Mejor”, “Tu me dijiste adiós”, “I try to find”, “Sola”, “Yo”, “Walking alone” o la magnífica “Tú en mi”, vivaz canción con retozona guitarra R&B y unas armonías prodigiosas. Tras este álbum se producen las primeras discrepancias en el seno de la banda. El liderazgo de Arbex se ve amenazado por Junior y Pardo, quienes finalmente abandonan el grupo para iniciar una carrera como dúo. “Anduriña”, “La caza”, “Nada”, “Bajo el sol” o “Nos falta fe” serán algunos de sus éxitos. Los nuevos Brincos se recompusieron bajo el liderazgo de Arbex, con las entradas de Ricky Morales (hermano de Junior) y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shakers. Más tarde Vicente Martínez también abandonó la formación y lo sustituyó Miguel Morales, hermano de Junior y de Ricky. El sonido, a instancias de Arbex, se fue decantando hacia un rock más psicodélico, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Editan el LP “Contrabando” (1968), que incluye los singles “Lola”, balada menor con arreglos de viento cuasi mexicanos, y “El pasaporte”, una animosa pieza garajera en donde se aprecia su querencia por los Who o el “Paperback writer” de los Beatles. Como cara B de “Lola” aparecía “The Train”, un tema muy parecido al “Substitute” de los Who que conllevó una demanda del mismísimo Pete Townshend. “Contrabando” incluía otras fenomenales canciones, mejores que los singles, como “Nadie te quiere ya”, con un estupendo empleo del cello, “Big temptations” o “Rápidamente”, ésta última con una melodía fenomenal y un enfático y efectivo falsete. Arbex, atento a lo que se cuece en el contexto internacional, intentó ensanchar su música con sonidos progresivos y psicodélicos, hecho apreciable en el último disco de los Brincos, “Mundo, demonio y carne” (1970), álbum de rock psico-progresivo con portada censurada, en la que salían los componentes desnudos, que conoció una versión en lengua inglesa, “World, evil and body”. El álbum se abre con una larga y ambiciosa pieza homónima de más de doce minutos. Posteriormente depara canciones como “Vive la realidad”, la rockera “Jenny la genio”, “Hermano Ismael” o “Butterfly”. Es un álbum progresivo. En el año 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Fernando Arbex y Miguel Morales, editando el LP “Eterna juventud” y se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales. El 5 de julio del año 2003 Fernando Arbex, uno de las máximas figuras del rock en español, murió a la edad de 61 años.
Pop and Pop-Rock 13 years
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Pioneros: Los Brincos (1de3)

Los Brincos son una de las mejores formaciones que ha conocido y conocerá la música española. En una época en la cual el bagaje discográfico de los grupos se nutría básicamente de versiones anglosajonas, la banda liderada por Fernando Arbex, alma mater de sus composiciones e ideológo principal de su sonido, demostró poseer un elevado talento para la escritura propia, para la creación melódica, para el dominio de ritmos, para el empleo magistral de las voces, con unas armonías de difícil comparación en la historia del rock en castellano. A los Brincos se les despacha con una simple similitud con los Beatles, pero en su sonido se pueden apreciar las iniciales pautas del Rhythm and Blues stoniano que configuran un vibrante sonido garage-rock, principalmente apreciable, no en sus singles, que generalmente suelen ser de valía inferior a otras piezas de su discografía, sino en sus primeros LPs., pero en su progreso compositivo también suenan voces californianas a lo folk-rock, apuntes aflamencados en puntuales ocasiones, psicodelia y rock progresivo, configurando una discografía más que interesante. Lo tenían casi todo: Podían cantar en castellano o en inglés; alternaban baladas y medios tiempos tiernos, con piezas de una contundencia increíble; su conjunción vocal era casi perfecta, y, pese a su juventud, instrumentalmente estaban muy preparados. Los Brincos disponían de una de las secciones rítmicas más capaces de la época. Arbex era un genio de la batería y a Manolo González nunca se le ha reconocido suficientemente su habilidad con el bajo. Lo más sorprendente de todo es que siempre, y quizás sea el único grupo en el mundo, grabaron composiciones originales suyas. El grupo se creó en Madrid en 1964. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales (“Junior”) La banda pretende llamarse en principio “Las Ovejas Negras”, pero, finalmente, adoptan el nombre de Los Brincos y gracias a Luis Sartorius, muy amigo de Arbex por su pertenencia en los Estudiantes, logran llamar la atención del sello Zafiro para grabar en Novola. Todos los discos de su primera etapa fueron número uno en las listas españolas. Los Brincos, que solían ensayar en sus comienzos en la azotea de la casa de Arbex, debutaron en vinilo en 1964 con un LP, “Los Brincos” (1964), dos singles y un EP. Su casa discográfica les presenta como los Beatles a la española, empleando en su vestimenta unas características capas. Su música domina los cánones del Merseybeat, con unas armonías sensacionales y mostrando en sus temas, alternando canciones en español con piezas en inglés, una energía garajera muy acusada, en especial en todo su primer LP, con temas llenos de ritmo como el bailable single “Dance the pulga”, el palpitante garage-rock “What’s the matter with you”, o “Bye bye Chiquilla”, con una guitarra muy stoniana. Sus famosas armonías y sus trazas más beat son muy apreciables en “I can’t make it” o “Cry”. El primer single del grupo fue “Flamenco”, que les lleva a lo más alto. Probablemente ésta sea la primera vez que se empleaban sonidos de flamenco en la historia del rock. La denominada “Brincosis” se asienta en 1965 con otro EP y alcanzan el éxito popular con singles como “Borracho”, movido tema con letra humorística más cercano al R&B stoniano que al beat, “Tú me dijiste adiós”, excelente medio tiempo pop o “Mejor”, con esa elegante intro de guitarra y voces en armonías terminadas en falsete. En 1966 aparecen temas como “A mí con esas” o la balada “Un sorbito de champagne”, uno de sus temas más comerciales. Aparece otro EP y su segundo LP, “Brincos II” (1966), un álbum en el que incluyen temas como “Mejor”, “Tu me dijiste adiós”, “I try to find”, “Sola”, “Yo”, “Walking alone” o la magnífica “Tú en mi”, vivaz canción con retozona guitarra R&B y unas armonías prodigiosas. Tras este álbum se producen las primeras discrepancias en el seno de la banda. El liderazgo de Arbex se ve amenazado por Junior y Pardo, quienes finalmente abandonan el grupo para iniciar una carrera como dúo. “Anduriña”, “La caza”, “Nada”, “Bajo el sol” o “Nos falta fe” serán algunos de sus éxitos. Los nuevos Brincos se recompusieron bajo el liderazgo de Arbex, con las entradas de Ricky Morales (hermano de Junior) y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shakers. Más tarde Vicente Martínez también abandonó la formación y lo sustituyó Miguel Morales, hermano de Junior y de Ricky. El sonido, a instancias de Arbex, se fue decantando hacia un rock más psicodélico, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Editan el LP “Contrabando” (1968), que incluye los singles “Lola”, balada menor con arreglos de viento cuasi mexicanos, y “El pasaporte”, una animosa pieza garajera en donde se aprecia su querencia por los Who o el “Paperback writer” de los Beatles. Como cara B de “Lola” aparecía “The Train”, un tema muy parecido al “Substitute” de los Who que conllevó una demanda del mismísimo Pete Townshend. “Contrabando” incluía otras fenomenales canciones, mejores que los singles, como “Nadie te quiere ya”, con un estupendo empleo del cello, “Big temptations” o “Rápidamente”, ésta última con una melodía fenomenal y un enfático y efectivo falsete. Arbex, atento a lo que se cuece en el contexto internacional, intentó ensanchar su música con sonidos progresivos y psicodélicos, hecho apreciable en el último disco de los Brincos, “Mundo, demonio y carne” (1970), álbum de rock psico-progresivo con portada censurada, en la que salían los componentes desnudos, que conoció una versión en lengua inglesa, “World, evil and body”. El álbum se abre con una larga y ambiciosa pieza homónima de más de doce minutos. Posteriormente depara canciones como “Vive la realidad”, la rockera “Jenny la genio”, “Hermano Ismael” o “Butterfly”. Es un álbum progresivo. En el año 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Fernando Arbex y Miguel Morales, editando el LP “Eterna juventud” y se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales. El 5 de julio del año 2003 Fernando Arbex, uno de las máximas figuras del rock en español, murió a la edad de 61 años.
Pop and Pop-Rock 13 years
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Pioneros: Franco Battiato Franco Battiato. Cantautor y músico, nacido en Sicilia (Italia) el 23 de marzo de 1945. Personalidad entre las más eclécticas y originales de cuantas han aparecido en el panorama cultural italiano de las últimas décadas, ha pasado por múltiples estilos musicales: los inicios románticos, el progressive pop, la música culta o la música étnica, consiguiendo siempre un gran éxito de público y trabajando con colaboradores excepcionales. Muy unido a su madre Grazia, que murió en 1994, nunca le ha gustado la vida social, prefiriendo vivir de manera discreta en las faldas del Etna. Habiéndose mudado a Milán a los 19 años, después de haber terminado el secundario, pronto entra en contacto con el ambiente musical: es Giorgio Gaber, en 1968, quien le produce el primer single. A finales de la década de los ’60, el interés de nuestro autor se mueve hacia argumentos espirituales y la práctica de la meditación. Eso es reflejado también en los aspectos artísticos: alejándose de la música ligera, debuta con un álbum, “Fetus” (1971), dedicado al escritor Aldous Huxley, caracterizado por un experimentalismo atestiguado por el recurso abundante a la electrónica. Con las mismas características se lanza el sucesivo "Pollution" (1972), que mezcla a Bach y Strauss con los usuales ingredientes. En 1973 publica "Sulle corde di Aries - En las cuerdas de Aries" (1973), “Clic” (1974) y sigue un tríptico de obras de transición, “M.elle le “Gladiator” (1975), “Battiato” (1976, que marca su llegada a la casa discográfica Ricordi) y “Juke Box” (1977): en este último álbum comienza su colaboración con un violinista de la Scala, Giusto Pio, que tendrá un rol importante en el desarrollo de su obra. En “L’Egitto prima delle sabbie – El Egipto antes de las arenas” (1978), constituido por dos largos temas, tenemos el reflejo de esas repeticiones "minimales" que constituirán el centro de "Music for Airports" de Brian Eno. Un segundo cambio de etiqueta, en favor de la Emi, marca el cambio de paso definitivo: “L'era del cinghiale bianco – La era del jabalí blanco” (1979) anuncia el día nuevo – sobre todo en el tema que da el título al disco y en el hermoso “Stranizza d’amuri” - y “Patriots” (1980) funde instancias experimentales con sonidos pop, de forma tan efectiva que se convierte en un objeto de culto para las radios. Ambos Álbumes parecen una especie de ensayo general para "La voce del padrone - La voz del patrón" (1981), admirable síntesis de las materias más diferentes, la sencillez para los rankings y la elegancia elíptica de las letras, los ritmos bailables y las exquisiteces exótico-históricas. Más de un millón de ejemplares vendidos convierten al cantautor siciliano en una auténtica pop star: para confirmar, el autor firma temas exitosos para varias intérpretes femeninas, desde Alice (que con “Per Elisa – Por Elisa” gana en el año 1981 el Festival de San Remo) a Milva (por ejemplo, la soberbia Alexanderplatz”, en 1982), hasta Giuni Russo (triunfadora en los rankings del año 1982, gracias a la muy agradable “Un'estate al mare – Un verano en la playa”). Sin embargo, el rol no tiene que resultar grato al artista de Catania, ya que, con “L’arca di Noe – El arca de Noé” (1982), se interna en zonas musicalmente ásperas – creando desconcierto en los fans más recientes, a causa, también, de letras bastante crípticas – y en “Orizzonti perduti – Horizontes perdidos” (1983) insiste con los mismo temas, causando una inevitable reducción de las ventas. Sin embargo, alcanza un vértice en “Mondi lontanissimi – Mundos muy lejanos” (1985), disco de síntesis y de recapitulación, rico de temas extraordinarios (“No Time No Space”, “L’animale – El animal”, “Chan-son egocentrique”, y aquella “I treni di Tozeur – Los trenes de Tozeur” ejecutada en 1984, en pareja con Alice, en el escenario del Eurofestival). En del año 1987 la primera verdadera ópera de Battiato: presentada en el Teatro Regio de Parma, “Genesi – Génesis” (1987) obtiene buenos comentarios de la crítica y un buen éxito de público, permitiendo el lanzamiento de "Fisiognómica” (1988), óptima obra en que se encuentran, entre otros temas, “E ti vengo a cercare – Y voy a buscarte” y “Nomadi - Nómadas”. Un año más tarde, al fin, sale un doble cd en vivo, que incluye tres temas nunca grabados antes (“Lettera al governatore della Libia – Carta al gobernador de Libia", "Alexander platz” y “Mesopotamia”, inicialmente asignada a Gianni Morandi). El período tal vez más feliz de Battiato termina aquí: aunque sucesivamente siempre quede muy activo (con títulos como “Come un cammello in una grondaia – Como un camello en un canalón”, 1991; “Caffè de la Paix”, 1993; “L’ombrello e la macchina da cucire – El paraguas y la máquina de cocer”, 1995; “L’imboscata – La emboscada”, 1996; “Gommalacca – Goma laca”, 1998), a pesar de que no falten canciones de absoluto nivel (desde “Povera patria – Pobre patria” a “Breve invito a rinviare il suicidio – Breve invitación a aplazar el suicidio”, de “Strani giorni – Días extraños” a “La cura”, de “Shock in my town” a “E’ stato molto bello – Ha sido muy hermoso”), parecen haberse perdido el entusiasmo, la fuerza, la capacidad de asombrar. Los siempre agradables “Fleurs” (1999-2002; tres recopilaciones de covers de antaño, italianas y no) demuestran dificultades en la proposición de inéditos, confirmada por la forma no excelsa mostrada en “Ferro battuto – Hierro forjado” (2001, con una versión de “Hey, Joe” de Hendrix) y en “Dieci stratagemmi – Diez estratagemas” (2004). Ni siquiera su actividad de director cinematográfico, desde “Del perduto amor – Del perdido amor” (2003) a “Musikanten” (2005), ha, encontrado, lamentablemente, el aprecio de la crítica y del público. Updated
Pioneros: Simon & Garfunkel Simon and Garfunkel es un dúo estadounidense de folk-rock y pop compuesto por Paul Simon y Arthur "Art" Garfunkel. Fueron unos artistas muy populares en la década de los 60 en la cula obtuvieron sus mayores exitos. Crecieron en el barrio de Queens, Nueva York. Fueron compañeros de clase en el instituto de Forest Hills, de Nueva York, y sellaron su amistad durante la infancia. En 1957 y bajo el nombre de Tom & Jerry graban Hey, schoolgirl con claras influencias del entonces existoso dúo Everly Brothers, a pesar del éxito local, el dúo no cuaja y se separan. En el año 1963, Paul se vuelve a unir con Garfunkel, ya como “Simon & Garfunkel", actuando en varios clubes de música folk, ese mismo año fueron invitados al festival de música folk de Nueva York, actuando con músicos de la categoría de Bob Dylan, además de tocar junto con el grupo The Everly Brothers. Graban su primer LP: Wednesday Morning, 3 A.M., en 1964, pero comercialmente resultó ser un fracaso absoluto y se vuelven a separar. Paul Simon se traslada a Londres donde graba su primer LP en solitario y Art Garfunkel retoma sus estudios de matemáticas. En el verano de 1965, mientras Paul Simon está en Inglaterra se entera que una canción del LP Wednesday Morning, 3 A.M., con otros arreglos está teniendo éxito, incluso, mas tarde, ya en 1966 llegaría al nº1, la canción “The sounds of silence”. Inmediatamente Paul Simon regresa a Estados Unidos se vuelve a reunir con Garfunkel sacando su segundo álbum en Enero de 1966, ya todo será una carrera vertiginosa de éxitos y actuaciones, con grandes canciones que alcanzan grandes posiciones en las listas de éxitos, tal es el caso de “I am a rock”, “Homeward bound”, “The 59th street bridge song (feelin' groovy)”, “A hazy shade of winter”, “Mrs. Robinson”, “America”, “Cecilia”, “The only living boy in New York”, “The boxer” para culminar con “Bridge over troubled water” su gran obra. Gozaron de gran popularidad y habían conseguido vender varios millones de discos, pero en 1970, el dúo se separa, Paul comienza una exitosa carrera en solitario y Art se dedicará al cine como actor y ocasionalmente publicando algún álbum. Desde entonces, el dúo se ha reunido en varias ocasiones, quizás la más sonada fuera el 19 de septiembre de 1981, cuando regalaron al Central Park de la ciudad de Nueva York un concierto en el que asistieron más de medio millón de personas. El evento fue emitido por televisión, y también se grabó un disco titulado The Concert in Central Park. Gracias al éxito de aquel concierto, el dúo realizó al año siguiente giras por Europa y Japón, y en 1983 por Estados Unidos y Canadá. Updated
Pioneros: Leonard Cohen (Incompleto) «Primero tomaremos Manhattan. Luego, Berlín». Sus versos resuenan más premonitorios que nunca en estos tiempos de crisis e indignación globalizadas. El tímido canadiense errante que viaja con una maleta cargada de planes de santidad, visiones redentoras y maestría musical Leonard Norman Cohen o Leonardo, como lo llamaba Enrique Morente nace en el seno de una familia judía acomodada de Montreal el 21 de septiembre de 1934, es un poeta, novelista y cantautor canadiense. Como músico ha desarrollado una carrera con una continua exploración de temas como la religión, la política, el aislamiento, las relaciones personales y la sexualidad. Ha sido definido como «uno de los cantantes y compositores más fascinantes y enigmáticos de finales de los 60. Ha conservado un público a través de cuatro décadas de música. Solo por detrás de Bob Dylan —y quizás Paul Simon— en términos de influencia, llama la atención de la crítica y de jóvenes músicos con más firmeza que cualquiera otra figura musical de la década de 1960 que aun está activo en el siglo XXI». Cohen ha sido introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de los Estados Unidos y en el Salón de la Fama Musical de su país natal. Es miembro de la Orden de Canadá y de la Orden Nacional de Quebec. En 2011 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras Solo cuenta nueve cuando fallece su padre, hecho que marcará su vida confiriendo al artista ese aspecto serio e introspectivo que convertirá en marca de la casa. A los 15, más o menos al mismo tiempo que descubría la poesía de Lorca, compra una guitarra en una casa de empeños y aprende a tocarla gracias a un joven español al que conoce en un parque. «El día de la cuarta clase, cuando llamé a su pensión, la casera contestó al teléfono. Me dijo que el guitarrista había muerto. Se había suicidado recordaría Leonard, unos 60 años después, en la entrega del premio Príncipe de Asturias de las Letras. Yo no sabía nada de aquel hombre, por qué había venido a Montreal, por qué se había quitado la vida, pero aquellos seis acordes que me enseñó han constituido la base de todas mis canciones y de toda mi música». En 1967, decepcionado por su falta de éxito como escritor, Cohen se trasladó a los Estados Unidos para comenzar una carrera como cantautor folk. Su canción «Suzanne» fue un notable éxito de la mano de Judy Collins, y durante muchos años fue su canción más versionada. Tras tocar en varios festivales de folk, ganó la atención de John H. Hammond, representante de Columbia Records que años antes fichó para la compañía a Bob Dylan. El primer álbum de Cohen con Columbia fue Songs of Leonard Cohen (1967)que obtuvo un notable éxito tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, país donde pasó casi un año en las listas de ventas, varias de sus canciones fueron versionadas por otros artistas de folk como James Taylor y Judy Collins. «The Stranger Song», «Winter Lady» y «Sisters of Mercy» fueron incluidas en la banda sonora del largometraje McCabe & Mrs. Miller. Este primer album fue seguido por Songs from a Room (1969) y Songs of Love and Hate (1970). En 1970, Cohen salió por primera vez de gira, por los Estados Unidos, Canadá y Europa, y apareció en el Festival de la Isla de Wight. Dos años después, volvió a salir de gira por Europa e Israel. Ambas giras estuvieron representadas en el álbum Live Songs. La gira de 1972 fue también filmada por Tony Palmer bajo el título de ”Bird on a Wire”, publicado según el criterio de Cohen en 1974. La edición original de Palmer fue recuperada en 2010. En 1974 comenzó una asociación musical con el pianista y arreglista John Lissauer. Ambos salieron de gira por Europa, Estados Unidos y Canadá entre finales de 1974 y comienzos de 1975, en apoyo del nuevo álbum de Cohen, “New Skin for the Old Ceremony”, producido y arreglado por el propio Lissauer. A finales de 1975, Coheny Lissauer llevarona cabo una serie de conciertos en Norteamérica con una nueva banda, en los que incluyó nuevas canciones para un álbum en progreso, coescrito por Cohen y Lissauer y titulado “Songs for Rebecca”. Sin embargo, ninguna de las grabaciones de la gira fueron publicadas oficialmente, y el álbum fue abandonado en 1976. Parte de las canciones fueron reescritas y recuperadas para “Death of a Ladies' Man”, un álbum producido por Phil Spector. Tras el lanzamiento en Europa de “The Best of Leonard Cohen”, el músico volvió a salir de gira, entre abril y julio, Cohen ofreció 55 conciertos, incluyendo su primera aparición en el Festival de Jazz de Montreux. Una vez finalizada la gira por Europa, Cohen volvió a intentar un nuevo cambio en su estilo musical con “Death of a Ladies' Man”, un álbum caracterizado por la producción musical de Spector, con una densa instrumentación en contraposición al minimalismo musical de sus primeros trabajos. La grabación estuvo llena de dificultades: Spector mezcló el álbum en secreto, a espaldas de Cohen, y el músico llegó a comentar que lo amenazó con una ballesta. El músico comentó que el resultado final le pareció «grotesco», pero al mismo tiempo «semivirtuoso», Cohen no tomó parte en la promoción del álbum, aunque llegó a interpretar en sucesivas giras «Memories» y «Iodine», dos temas del álbum. Sin embargo, ninguna canción fue incluida en los recopilatorios “More Best of Leonard Cohen” y “The Essential Leonard Cohen”. “Recent Songs”, publicado dos años después, supuso un retorno al estilo tradicional de sus primeros trabajos y fue el primero co-producido por el propio Cohen. El álbum incluyó la participación de Passenger, una banda de jazz fusion que el músico conoció a través de Joni Mitchell y que introdujo instrumentos como el violín, la mandolina y el laúd árabe al registro de Cohen. El álbum fue promocionado con una nueva gira mundial, con el apoyo de Jennifer Warnes y Sharon Robinson como coristas. “Field Commander Cohen: Tour of 1979”, publicado en 2000, incluyó grabaciones en directo de la gira de 1979. A comienzos de la década de 1980, Cohen coescribió el documental musical Night Magic con Lewis Furey. Lissauer produjo su siguiente trabajo,” Various Positions”, publicado en diciembre de 1984. El álbum incluyó «Dance Me to the End of Love», promocionado con el primer videoclip del músico, dirigido por el fotógrafo francés Dominique Isserman, así como «Hallelujah», su canción más versionada. Cohen apoyó el lanzamiento de” Various Positions” con su gira más extensa a través de Europa y Australia, así como con las primeras fechas en Canadá y Estados Unidos desde 1975. La gira supuso la primera colaboración de Cohen con Anjani Thomas, futura compañera sentimental y corista del grupo. El grupo tocó en el Festival de Jazz de Montreux y en el Roskilde Festival, y ofreció varios conciertos en Polonia, coincidiendo con un estado de Ley Marcial, en los que interpretó «The Partisan», himno del sindicato independiente Solidaridad. Durante los años 80, una gran parte de las canciones de Cohen fueron interpretadas en polaco por Maciej Zembaty.18 En 1986, el músico apareció en un episodio de la serie de televisión Miami Vice. Un año después, el álbum tributo de Jennifer Warnes “Famous Blue Raincoat” ayudó a restaurar la carrera musical de Cohen en los Estados Unidos y en 1988, publicó “I'm Your Man”, un álbum con un marcado uso de sintetizadores y con letras que incluyeron comentarios sociales. El álbum, autoproducido por Cohen, fue uno de sus mayores éxitos comerciales, y fue promocionado con un video grabado en blanco y negro por Dominique Isserman y rodado en la playa de Normandía. Cohen lo promocionó con varias entrevistas en televisión y una extensa gira por Europa, Canadá y Estados Unidos. Varios conciertos fueron emitidos en canales de televisión estadounidenses y en estaciones de radio. La gira consolidó la estructura básica de futuras giras, con conciertos de tres horas de duración divididos en dos actos. Aunque ninguno de los conciertos fue publicado en su totalidad, varias grabaciones de la gira fueron recopiladas en el álbum 2Cohen Live” (1994). El uso de la canción «Everybody Knows» en la banda sonora de “Pump Up the Volume” y en la película canadiense” Exotica” favoreció una mayor exposición de la música de Cohen a una nueva generación. En 1992, Cohen publicó “The Future”, que exhorta, a menudo en términos proféticos, a la perseverancia, la reforma y la esperanza ante sombrías perspectivas. Tres canciones de “The Future” —«Waiting for the Miracle», «The Future» y «Anthem»— fueron incluidas en la película “Natural Born Killers”, las letras reflejaron un mayor interés por malestares políticos y sociales, con «The Future» inspirada parcialmente en los disturbios de Los Ángeles de 1992. El músico promocionó el álbum con dos videoclips de «Closing Time» y «The Future», y volvió a salir de gira por Europa, Estados Unidos y Canadá con el respaldo de la misma banda de su anterior gira. Un año después, Cohen publicó “Stranger Music: Selected Poems and Songs”, su primer libro de poemas en varios años, y en el que había estado trabajando desde 1989. En 1994, comenzó una reclusión de cinco años en Mount Baldy Zen Center, un centro zen cerca de Los Ángeles. Dos años después, fue ordenado monje budista de la escuela Rinzai con el nombre de Jikan, que significa «silencio», y sirvió como asistente personal de Kyozan Joshu Sasaki. En 1997, supervisó la selección de canciones y el lanzamiento del recopilatorio “More Best of Leonard Cohen”, que incluyó «Never Any Good», una canción previamente inédita. Tras abandonar su reclusión monástica, Cohen volvió al estudio de grabación en mayo de 1999. Comenzó a contribuir frecuentemente con la página web The Leonard Cohen Files, enviando nuevos poemas y dibujos de Book of Longing y primeras versiones de nuevos temas como «A Thousan Kisses Deep».21 La sección de la web con las contribuciones del músico fue titulada como «The Blackening Pages». Tras dos años de producción, Cohen publicó en 2001 “Ten New Songs2, su primer disco en casi una década, con una fuerte influencia de Sharon Robinson. El álbum, grabado en los estudios personales de Cohen y Robinson, incluyó la canción «Alexandra Leaving», una adaptación del poema «The God Abandons Antony», del poeta griego Constantine P. Cavafy. El álbum obtuvo un notable éxito en Canadá y Europa, y fue apoyado por el sencillo «In My Secret Life» con un videoclip dirigido por Floria Sigismondi. En octubre de 2004, Cohen publicó “Dear Heather”, una colaboración musical con la cantante y compañera sentimental Anjani Thomas, aunque Robinson también participó en tres canciones, refleja un cambio en el estado de ánimo de Cohen, que el propio músico atribuyó en diversas entrevistas al budismo zen. Aunque no promocionó el álbum, publicó un video musical de la canción «Because Of» dirigido por su hija Lorca Cohen. Una década después de publicar”Stranger Music: Selected Poems and Songs, Cohen volvió al terreno literario con Book of Longing. Publicadoen mayo de 2006, las primeras 1500 copias vendidas a través de Internet y firmadas por el autor fueron vendidas en unas horas, convirtiéndose al poco tiempo en un best seller en Canadá. El 13 de mayo, hizo su primera aparición pública en trece años durante una firma de libros en una tienda de Toronto. Durante la firma, también cantó «So Long, Marianne» y «Hey, That's No Way to Say Goodbye». En 2006, Philip Glass compuso música para el libro Book of Longing. Tras una serie de conciertos que incluyeron textos hablados y grabados por Cohen y el acompañamiento de Glass en los teclados y de cuatro coristas, la compañía Orange Mountain Music publicó Book of Longing. A Song Cycle based on the Poetry and Artwork of Leonard Cohen, un doble disco con la grabación del trabajo. Updated
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Pioneros: The Searchers The Searchers fue un grupo pionero de beat de Liverpool, uno de los nombres clave de la Invasión Británica, adelantados en el sonido folk-rock (fueron de los primeros en utilizar la guitarra de 12 cuerdas) y una de las pocas bandas que competieron seriamente con el liderazgo de los Beatles a comienzos de la década de los 60. Ttomando su nombre original de la película de John Ford “Centauros del desierto” y se formaron a finales de los años 50 con Tony Jackson (bajo y voz principal), John McNally (guitarra rítmica y voz), Mike Pender (guitarra líder y voz), y Norman McGarry (batería), que sería sustituido en breve por Chris Curtis. Crecieron en popularidad iba y sus conciertos eran seguidos por una gran cantidad de fans, tanto en Liverpool como en el Star-Club de Hamburgo (Alemania). En 1963 sacaron al mercado su primer sencillo para Pye Records, el archiconocido "Sweets for my sweet", pegadizo tema de espléndidas armonías con un estimable trabajo de Mike Pender. Pender fue esencial para los Searchers, otorgando un repique guitarrero que se adelantaba bastante tiempo al sonido folk-rock de los Byrds americanos. “Sweets for my sweet” alcanzó el número 1, un éxito refrendado por otros singles exitosos como "Sugar and spice” (número 2), tema escrito por el propio productor Tony Hatch (con el seudónimo de Fred Nightingale) o la versión definitiva de "Needles and pins", espléndida canción cantada por Mike Pender que llegó al número 1 en 1964 (grabada con anterioridad por Jackie DeShannon), escrita por Sonny Bono y Jack Nitzsche, versionada con saciedad posteriormente por diferentes bandas, entre ellas los Ramones y gran influencia del sonido Searchers para los Byrds, no hay más que escuchar “I’ll feel a whole lot better”. Los LPs “Meet The Searchers” (1963) y “Sugar And Spice” (1963) fueron recibidos con alborozo por la audiencia británica. En julio de 1964 se produjo una decisiva baja, el cantante Tony Jackson abandonó el grupo en plena cima de la popularidad. Su sustituto fue Frank Allen (nacido el 14 de diciembre de 1943), bajista de Cliff Bennett & The Rebel Rousers. Pender se ocupó de la voz principal, interpretando el triunfal single “Don’t throw your love away”, versión de una canción de los Orlons a la que los Searchers otorgaban su gran habilidad para la melodía y las armonías, con Curtis acompañando a Mike Pender en tareas vocales. Continuaron con éxitos como "Someday we're gonna love again" (número 11), “When you walk in the room” (número 4) y “What have they done to the rain?” (número 13). En 1964 aparecieron también los LPs “It’s the Searchers” (1964) y “Sounds like the Searchers” (1964). A partir de 1965 la banda dejó de resultar atractiva a nivel comercial, aunque sus composiciones e interpretaciones continuaban siendo muy estimables. “Goodbye my love” (número 4), el tema propio (muy influenciado por “The last time” de los Rolling Stones) “He’s not love” (número 12) o “Take me for what I’m worth” (número 20), fueron sus últimas entradas importantes en listas, con una mayor incisión en el folk-rock, claramente visible en el último título. A mediados del año 1966, Chris Curtis dejó el grupo para iniciar una carrera en solitario y trabajar como productor. Fue sustituido por Johnny Blunt. Curtis posteriormente formó, como cantante, el grupo Roundabout, en el cual se encontraba el teclista Jon Lord, el guitarrista Ritchie Blackmore, junto al bajista Dave Curtis y el batería Bobby Clark. Roundabout duró poco, pero fue la semilla de los futuros Deep Purple. En cuanto a los Searchers, aunque no consiguieron ningún sencillo de renombre a partir de 1967, prosiguieron grabando y girando, logrando realizar dos notables discos pop en años más recientes, "The Searchers" (1979) y "Play for today" (1980). El 28 de febrero del año 2005 falleció Chris Curtis a la edad de 63 años. The Searchers constituye uno de los principales grupos del llamado “Liverpool Sound” o “Merseybeat”. Su principal característica es la de poseer un ritmo muy fuerte ya que prácticamente presentan 2 guitarras rítmicas; pocos son los temas en los que podemos apreciar un solo. Las guitarras, especialmente en sus primeros discos, están sobriamente acompañadas por una batería igualmente impactante. Updated
Pioneros: Santana Carlos Santana nació el 20 de julio de 1947 en la población de Autlán de Navarro, Jalisco, México, donde desde muy pequeño fue introducido a la música tradicional por su padre, un violinista de mariachi que le enseñó los fundamentos de la teoría musical. Después de trasladarse a Tijuana, a principios de la década de los 60, la familia Santana se mudó a San Francisco, California, donde se quedó de manera definitiva. En 1966 formó la Santana Blues Band, un grupo que había ideado con el cantante y teclista Greco Rolie. A la pareja se les uniría el bajista David Brown, el baterista Bob Livingstone y el percusionista Marcus Malone. Pronto comenzaron a actuar en locales de San Francisco y la intensidad en vivo de la banda quedó reflejada en el disco "Live at the Fillmore 1968". En 1969 el grupo decide recortar su apelativo simplemente al de Santana, nombre con el que actuarían con éxito en el "Festival de Woodstock" y lanzarían su primer disco de larga duración titulado Santana (1969), un álbum que alcanzó el puesto número cuatro en las listas de los más vendidos, gracias a temas como Soul sacrifice, Evil ways, Waiting o Jingo. En su disco Abraxas (1970), el grupo de Carlos Santana elevaba a lo más alto su amalgama de influencias sonoras. La producción llegó a ocupar el primer lugar de popularidad, gracias a las revisitaciones de Tito Puente, en Oye como va, junto a la aportación del grupo en temas como Singing winds, crying beasts, Mother‘s daughter, El Nicoya y Samba pa ti, que hacen de este álbum uno de los mejores discos en la historia de la banda. Santana III (1971) supuso la estabilidad de la buena marcha del grupo, tanto a nivel artístico como comercial, alcanzando el puesto número uno con temas como Everybody‘s everything, Batuka, No one to depend on y Everything‘s coming our way. En este disco se incorporó un nuevo miembro, el guitarrista Neal Schon. Poco después de este trabajo, el grupo se desintegró. En los siguientes años se editaron el álbum en vivo Lotus (1974), Illuminations (1974), Amigos (1976), Borbolette (1976), Festival (1977), Moonflower (1977) e Inner Secrets (1978), entre otros, temas como Europa, Let the children play, Moonflower, She’s not there, …Su primera producción grabada como solista fue Onenesst Silver Dreams Golden Realities (1979), que tuvo un alto rango de comercialización. En los años ochenta y noventa continuó creando discos en estudio y directos como Blues for Salvador (1987). Su espectacular resurgimiento comercial se dio con la grabación de Supernatural (1999), un trabajo que consiguió numerosos premios Grammy y llegó de nuevo a ocupar el primer lugar en las listas de popularidad de la Unión Americana. Santana evolucionó en su propio estilo musical, creando un nuevo y poderoso sonido de rock, con tono latino y una dedicación intransigente a su música. Esta pasión le ha permitido musicalizar la película "La Bamba" y lanzarse a un recorrido en 1988 con el saxofonista de jazz, Wayne Shorter, así como participar en el "Rock‘n Roll Sumit" de 1987. Entre los reconocimientos que le han entregado destacan el ser elegido en las votaciones de la revista "Playboy", como el mejor guitarrista de pop-rock. Santana ha recibido seis premios Grammy al "Mejor Guitarrrista", tres más como "Músico del Año" y uno por el mejor espectáculo instrumental de Rock. En 1996 recibió el premio de Billboard Century por su logro creativo, y en 1997 fue nombrado Leyenda de la Música Latina del Año por el Chicano Music Awards. En el 2000, Carlos Santana se coronó como nuevo rey del Grammy al llevarse nueve trofeos, por su exitoso material Supernatural, que vendió más de 25 millones de copias en todo el mundo. En su material discográfico Shaman (2002), Santana es acompañado por un desfile de estrellas como Michelle Branch, Seal, Plácido Domingo, Macy Gray, Dido y el argentino Alejandro Lerner. Ello convirtió a este material en una colección "multidimensional" que enlazó generaciones y culturas con temas como Feels like fire, Sideways; Novas, Amor, sexo, Hoy es adiós y América, entre otras. Con ventas de más de 40 millones de álbumes y espectáculos ante más de 20 millones de personas, Carlos Santana se ha convertido en un ídolo mundial, cuya música niega la existencia de fronteras geográficas y culturales. En 2009 lanza "The Woodstock experience". Updated
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