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Pioneros: Pop Tops

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Los Pop-Tops fueron un grupo español formado en 1967, en Madrid que cosechó uno de los mayores y más curiosos éxitos en la España de los últimos 60 y primerísimos 70. Curioso porque su música era de todo menos convencional. Partían de una base “soul”, pero tampoco eran ajenos a los primeros sonidos progresivos que ya estaban asomando en el mundo del pop, y a la música clásica, especialmente el Barroco.
De hecho, su primera grabación y su primer éxito fue (en castellano) «Con su blanca palidez», («A Whiter Shade of Pale»), el clásico de los Procol Harum. Cantaban en inglés, en castellano, alguna vez en italiano...
Casi todo en el grupo giraba en torno a dos soles, su carismático y sensacional cantante Phil Trim y el productor Alain Milhaud que lo era también de Los Bravos y Los Canarios.
El grupo estaba formado por José Lipiani, Alberto Vega, Ignacio Pérez, Julián Luis Angulo, Enrique Gómez, Ray Gómez y el cantante Phil Trim
Aunque los Pop-Tops actuaban habitualmente en directo no fue extraño que en las grabaciones trabajaran músicos de estudio acompañando a Phil Trim que no solo llevaba la voz cantante sino que también escribía letras. Así lo hizo en el siguiente sencillo de la banda, con canciones basadas en la música de Bach, una de ellas, «The voice of the dying man», dedicada a Martin Luther King, asesinado por aquellas fechas.
Su primera canción de éxito internacional fue "Oh Lord, Why Lord", de 1968. Fue la primera canción pop que se inspiró en el Canon de Pachelbel y que llegaron a cantar en castellano, inglés e italiano y llegó a figurar en las listas de éxitos de Estados Unidos y Holanda.
Los siguientes éxitos del grupo fueron «Pepa» y «Junto a ti», de nuevo un pop barroco, muy instrumentado, recargado (en el buen sentido de la palabra) con un órgano Farfisa. En cualquier caso el soul, trufado de gospel, de los Pop-Tops, tenía más que ver con Sam Cooke, que con toda esa retahíla de soul blandengue que sufrimos desde hace años.
Pero todavía les quedaba por grabar el mayor éxito de su carrera "Mamy Blue", de 1971, que triunfó en toda Europa y también en Estados Unidos. Esta canción, escrita y compuesta por el francés Hubert Giraud, tuvo como co-autor a Phil Trim. En 1972 también tuvo bastante éxito la canción "Suzanne Suzanne".

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Pioneros: Pop Tops (2de2)

Episode in Pioneros: Pop Tops

Los Pop-Tops fueron un grupo español formado en 1967, en Madrid que cosechó uno de los mayores y más curiosos éxitos en la España de los últimos 60 y primerísimos 70. Curioso porque su música era de todo menos convencional. Partían de una base “soul”, pero tampoco eran ajenos a los primeros sonidos progresivos que ya estaban asomando en el mundo del pop, y a la música clásica, especialmente el Barroco. De hecho, su primera grabación y su primer éxito fue (en castellano) «Con su blanca palidez», («A Whiter Shade of Pale»), el clásico de los Procol Harum. Cantaban en inglés, en castellano, alguna vez en italiano... Casi todo en el grupo giraba en torno a dos soles, su carismático y sensacional cantante Phil Trim y el productor Alain Milhaud que lo era también de Los Bravos y Los Canarios. El grupo estaba formado por José Lipiani, Alberto Vega, Ignacio Pérez, Julián Luis Angulo, Enrique Gómez, Ray Gómez y el cantante Phil Trim Aunque los Pop-Tops actuaban habitualmente en directo no fue extraño que en las grabaciones trabajaran músicos de estudio acompañando a Phil Trim que no solo llevaba la voz cantante sino que también escribía letras. Así lo hizo en el siguiente sencillo de la banda, con canciones basadas en la música de Bach, una de ellas, «The voice of the dying man», dedicada a Martin Luther King, asesinado por aquellas fechas. Su primera canción de éxito internacional fue "Oh Lord, Why Lord", de 1968. Fue la primera canción pop que se inspiró en el Canon de Pachelbel y que llegaron a cantar en castellano, inglés e italiano y llegó a figurar en las listas de éxitos de Estados Unidos y Holanda. Los siguientes éxitos del grupo fueron «Pepa» y «Junto a ti», de nuevo un pop barroco, muy instrumentado, recargado (en el buen sentido de la palabra) con un órgano Farfisa. En cualquier caso el soul, trufado de gospel, de los Pop-Tops, tenía más que ver con Sam Cooke, que con toda esa retahíla de soul blandengue que sufrimos desde hace años. Pero todavía les quedaba por grabar el mayor éxito de su carrera "Mamy Blue", de 1971, que triunfó en toda Europa y también en Estados Unidos. Esta canción, escrita y compuesta por el francés Hubert Giraud, tuvo como co-autor a Phil Trim. En 1972 también tuvo bastante éxito la canción "Suzanne Suzanne".

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Pioneros: Pop Tops (1de2)

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Los Pop-Tops fueron un grupo español formado en 1967, en Madrid que cosechó uno de los mayores y más curiosos éxitos en la España de los últimos 60 y primerísimos 70. Curioso porque su música era de todo menos convencional. Partían de una base “soul”, pero tampoco eran ajenos a los primeros sonidos progresivos que ya estaban asomando en el mundo del pop, y a la música clásica, especialmente el Barroco. De hecho, su primera grabación y su primer éxito fue (en castellano) «Con su blanca palidez», («A Whiter Shade of Pale»), el clásico de los Procol Harum. Cantaban en inglés, en castellano, alguna vez en italiano... Casi todo en el grupo giraba en torno a dos soles, su carismático y sensacional cantante Phil Trim y el productor Alain Milhaud que lo era también de Los Bravos y Los Canarios. El grupo estaba formado por José Lipiani, Alberto Vega, Ignacio Pérez, Julián Luis Angulo, Enrique Gómez, Ray Gómez y el cantante Phil Trim Aunque los Pop-Tops actuaban habitualmente en directo no fue extraño que en las grabaciones trabajaran músicos de estudio acompañando a Phil Trim que no solo llevaba la voz cantante sino que también escribía letras. Así lo hizo en el siguiente sencillo de la banda, con canciones basadas en la música de Bach, una de ellas, «The voice of the dying man», dedicada a Martin Luther King, asesinado por aquellas fechas. Su primera canción de éxito internacional fue "Oh Lord, Why Lord", de 1968. Fue la primera canción pop que se inspiró en el Canon de Pachelbel y que llegaron a cantar en castellano, inglés e italiano y llegó a figurar en las listas de éxitos de Estados Unidos y Holanda. Los siguientes éxitos del grupo fueron «Pepa» y «Junto a ti», de nuevo un pop barroco, muy instrumentado, recargado (en el buen sentido de la palabra) con un órgano Farfisa. En cualquier caso el soul, trufado de gospel, de los Pop-Tops, tenía más que ver con Sam Cooke, que con toda esa retahíla de soul blandengue que sufrimos desde hace años. Pero todavía les quedaba por grabar el mayor éxito de su carrera "Mamy Blue", de 1971, que triunfó en toda Europa y también en Estados Unidos. Esta canción, escrita y compuesta por el francés Hubert Giraud, tuvo como co-autor a Phil Trim. En 1972 también tuvo bastante éxito la canción "Suzanne Suzanne".

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Pioneros: The Moody Blues (Incompleto) Grupo de Birmingham (Inglaterra) fundado en 1964. Con Denny Laine en sus filas y temas como “Go Now”, “Let Me Go”, “He Can Win” o “And My Baby’s Gone” The Moody Blues dieron inicio a su carrera en la Decca intérpretando estupendo Rhymth & Blues. A finales de los 60, con la salida de Laine del grupo y la entrada de Justin Hayward, los Moody Blues abandonaron estos primeros sonidos para abrazar la psicodelia y sonidos orquestales alcanzando la inmortalidad gracias al tema “Nights In White Satin” y discos magníficos como “Days of future passed”, “On the treshold of a dream” o “In the search of the lost chord”. La banda, representada por Tony Secunda, estaba compuesta en principio por el cantante y guitarrista Denny Laine (nacido el 29 de octubre de 1944 en Jersey), el teclista y vocalista Mike Pinder (nacido el 12 de diciembre de 1942 en Birmingham), el vocalista, flauta y armonicista Ray Thomas (nacido el 29 de diciembre de 1942 en Stourport on Severn), el bajista Clint Warwick (nacido el 25 de junio de 1940 en Birmingham) y el batería Graeme Edge (nacido el 30 de marzo de 1941 en Rochester). Convertidos en los Moody Blues y en la Decca grabaron en 1964 el single “Lose your money (But don’t lose your mind)”, rítmico tema escrito por la pareja Laine/Pinder que pasó sin pena ni gloria por las tiendas de discos, todo lo contrario que el siguiente, “Go now”, canción escrita por Larry Banks y Milton Bennett, grabada previamente por Bessie Banks, que les llevó al número 1 en el Reino Unido y al 10 en los Estados Unidos en 1964. Al año siguiente aparecieron otros singles: “I don’t want to go on without you” (número 33), tema escrito por Jerry Wexler y el productor Bert Berns, “From the bottom of my heart (I love you)” (número 22), compuesto por Laine y Pinder, al igual que “Everyday” (número 44). Aunque las ventas de sus últimos sencillos no habían sido baladíes tras conseguir un número 1 con “Go Now” el grupo se sintió un tanto decepcionado con la respuesta comercial, en especial de las estupendas canciones “Boulevard de la Madelaine” y “Life’s not life”. Este hecho provocó que el grupo variase su formación de manera muy importante. De los Moody Blues, ahora con la representación de Brian Epstein, se marcharon Clint Warwick, sustituido por otro componente de los El Riot & The Rebels, el bajista y vocalista John Lodge (nacido el 20 de julio de 1945 en Birmingham), y el miembro clave de la banda hasta el momento, Denny Laine, que fue reemplazado por el cantante y guitarrista Justin Hayward (nacido el 14 de octubre de 1946 en Swindon). Laine alcanzó la fama en los años 70 junto a Paul McCartney formando parte de los Wings. Los nuevos Moody Blues sacaron al mercado “Days Of Future Passed” (1967), un gran álbum conceptual producido por Tony Clarke y orquestado por Pete Knight, que contaba con la participación de la London Festival Orchestra y ofertaba sonidos psicodélicos y progresivos ejemplificados en el single escrito por Hayward “Nights in white satin” (número 19 en 1967). El LP resultó más exitoso en los Estados Unidos que en su propio país, llegando al puesto 3 en el Billboard y al 27 en Inglaterra. Con anterioridad habían publicado en sencillo los temas “Fly me high”, compuesto por Hayward, y “Love and beauty”, escrito por Mike Pinder. “In the search of the lost chord” (1968), con sonidos de mellotron (siendo Pinder un maestro del instrumento), prorrogó el sonido psicodélico, lírico y conceptual de esta nueva etapa y prosiguió incrementando su audiencia internacional, tanto en sus actuaciones en vivo como en la venta de sus vinilos, que en el Reino Unido le llevaron al número 5. Entre los temas de “In the search of the lost chord” se encontraban los singles “Voices in the sky” (número 27) y “Ride my See-Saw” (número 42). “On the treshold of a dream” (1969), para mi gusto su mejor LP, alcanzó el número 1 en Gran Bretaña gracias a temas como “Lovely to see you”, “Dead diary”, “Send me no wine”, “To share our love”, “So deep within you” “Lazy day” o el single “Never comes the day”, mientras que “To our children’s children” (1969), editado en su propio sello Threshold Records, llegó al puesto número 2. Si el final del decenio había sido estupendo para los Moody Blues el comienzo de los años 70 resultó igual o incluso mejor, ya que tanto “Question of balance” (1970), con el single “Question” (número 2), como el fenomenal “Every good boy deserves favour” (1971) alcanzaron lo más alto en el Reino Unido y el número 2 en los Estados Unidos. Las ganas de volar en solitario por parte de sus diferentes miembros provocó que, en la cumbre de su carrera, el grupo cesara sus actividades durante un largo tiempo después de publicar el LP “Seventh Sojourn” (1972), disco muy apreciable con temas como “For my lady”, “New Horizons”, “Lost in a lost world”, “Isn’t life strange” o “I’m just a singer (In a rock’n’roll band)” que les aupó al número 5 en el Reino Unido. Justin Hayward y John Lodge publicaron el disco “Blue Jays” (1975). Hayward y Lodge debutaron en solitario años después con, respectivamente, “Songwriter” (1977) y “Natural Avenue” (1977). Pinder había iniciado su carrera como solista con “The Promise” (1976), al igual que Thomas con “From mighty oaks” (1976) y Edge con su Graeme Edge Band y el disco “Kick off your muddy boots” (1975). A finales de los años 70 los Moody Blues volvieron a unirse para grabar “Octave” (1978), disco que los devolvió al número 1 en las listas británicas. Un año antes habían preparado su vuelta editado el disco en directo “Caught Live + 5” (1977), álbum que recogía actuaciones del grupo en los años 60. Tras “Octave” Mike Pinder, pieza muy importante en el sonido clásico de la banda, fue sustituido por Patrick Moraz. En las siguientes décadas The Moody Blues grabaron trabajos en estudio como “Long distance voyager” (1981) y “The Present” (1983), ambos producidos por Pip Williams, “The Other Side of Life” (1986), “Sur La Mer” (1988) y “Keys of the kingdom” (1991), todos ellos con producción de Tony Visconti, o “Strange times” (1999), sin Moraz y con los teclados de Danilo Madonia, y “December” (2003), sin la participación de Ray Thomas. Updated

Pioneros: The Smiths The Smiths fue una banda de Rock formada en Mánchester, Reino Unido en 1982, por Johnny Marr (guitarra, teclados, mandolina, bajo y armónica), Stephen Patrick Morrissey (voz y piano), Mike Joyce (batería y coros) y Andy Rourke (bajo y cello). Se apoyaron en dos piezas básicas, el trabajo guitarrero de Johnny Marr, de notoria expresividad, palpitante, repicante y traslúcida sonoridad que enaltecía las letras de Morrissey, enigmático poeta anclado en la angustia existencial y una perspectiva afligida sobre su contexto sociocultural, desde una ascendencia mitómana y un acercamiento intimista y sensible que le aupó como icono de una juventud descorazonada y contrariada. El melancólico y solitario Morrisey, vegetariano y apóstol del celibato sexual, de vocalidad crooner cercana a la teatralidad, expandía sus emociones en composiciones que alternaban la roturación sentimental y la contemplación social con sutiles cargas sarcásticas. Fue convertido en mito tras el éxito de los Smiths. Era también un gran mitómano, cinéfilo empedernido y amante del rock'n'roll y el pop de los 60's, con fijación por los sonidos femeninos (con tributos a Sandie Shaw o Twinkle) y desde una heterogeneidad melómana que le llevó a ser el presidente del club de fans de los “New York Dolls”, de los que escribió su biografía, al igual que también hizo sobre la figura del actor James Dean. Devorador de libros, entre sus influencias literarias se encuentran escritores como Oscar Wilde, W. B. Yeats, John Keats o Dorothy Parker. Poco a poco el número de seguidores de la banda fue creciendo y las casas discográficas se hicieron eco de ello, firmaron con el sello londinense Rough Trade, en donde publicaron su primer album grande, "The Smiths" (1984), con el actor Joe Dallesandro en la portada y con el single "Hand in glove". El disco, además. contenía temas como "Pretty girls make graves", "Reel around the fountain", "What difference does it make?" (número 12) o la efervescente "This charming man" (número 25). Era un hecho que la densidad de guitarras, la originalidad melódica y la perspicacia lírica volverían a dominar el horizonte musical inglés. Tras el recopilatorio "Hatful of hollow" (1984), esencial disco (número 7) que incluía singles, piezas en directo con John Peel y rarezas, con cortes tan interesantes como "William, it was really nothing" (número 17), "These things take time", "Heaven knows I'm miserable now" (número 10) o "Please please please let me get what I want", publicaron su primer número 1 en disco grande, "Meat is Murder" (1985), un Lp que desarrollaba sus sonidos y temáticas en imprescindibles temas como "The headmaster ritual", revisitación de los días colegiales de Morrisey o la hechizante "That joke isn't funny anymore" (número 49), en algunas ediciones también se incluye el single "How soon is now" (número 24), aparecido previamente en "Hatful of hollow". En 1986 sacaron al mercado "The Queen is Dead" (1986), su gran obra (número 2), con la estrella del cine francés Alain Delon en la portada y producida por Morrissey y Marr, con el single "The boy with the horn in his side" (número 23), gran canción continuada por "Bigmouth strikes again" (número 26). El sensacional tema "There is a light that never goes out", una de las cumbres de su carrera, fue elegido como single para publicitar el recopilatorio de 1992, "The Best of The Smiths, Vol. II". Las relaciones personales entre los dos líderes del grupo estaban deterioradas y los rumbos musicales divergían bastante, con Marr acogiendo con gusto nuevos sonidos mientras que Morrissey persistía en destilar desde su propia óptica su amor por músicas pretéritas. "Strangeways, here we come" (número 2) fue un meritorio testamento final de una de las bandas más influyentes de Gran Bretaña en la década de los 80, con temas tan destacados como "Girlfriend in a coma" (número 13), "Last night I dreamt that somebody loved me" (número 30) o "I started something I couldn't finish" (número 23). El directo "Rank" (1988), grabado en la gira posterior a la publicación de "The Queen is dead", puso punto y final a la banda que Morrissey había disuelto tras la noticia de la marcha de Marr El recopilatorio "Bona Drag" (1990) o nuevos trabajos en estudio, como "Kill Uncle" (1991), "Your arsenal" (1992), producido por el mismísimo Mick Ronson, "Vauxhall and I" (1994), "Southpaw Grammar" (1995) y "Maladjusted" (1997) prolongaron el legado de uno de los nombres clave de la música inglesa: los Smiths. Updated

Pioneros: Franco Battiato Franco Battiato. Cantautor y músico, nacido en Sicilia (Italia) el 23 de marzo de 1945. Personalidad entre las más eclécticas y originales de cuantas han aparecido en el panorama cultural italiano de las últimas décadas, ha pasado por múltiples estilos musicales: los inicios románticos, el progressive pop, la música culta o la música étnica, consiguiendo siempre un gran éxito de público y trabajando con colaboradores excepcionales. Muy unido a su madre Grazia, que murió en 1994, nunca le ha gustado la vida social, prefiriendo vivir de manera discreta en las faldas del Etna. Habiéndose mudado a Milán a los 19 años, después de haber terminado el secundario, pronto entra en contacto con el ambiente musical: es Giorgio Gaber, en 1968, quien le produce el primer single. A finales de la década de los ’60, el interés de nuestro autor se mueve hacia argumentos espirituales y la práctica de la meditación. Eso es reflejado también en los aspectos artísticos: alejándose de la música ligera, debuta con un álbum, “Fetus” (1971), dedicado al escritor Aldous Huxley, caracterizado por un experimentalismo atestiguado por el recurso abundante a la electrónica. Con las mismas características se lanza el sucesivo "Pollution" (1972), que mezcla a Bach y Strauss con los usuales ingredientes. En 1973 publica "Sulle corde di Aries - En las cuerdas de Aries" (1973), “Clic” (1974) y sigue un tríptico de obras de transición, “M.elle le “Gladiator” (1975), “Battiato” (1976, que marca su llegada a la casa discográfica Ricordi) y “Juke Box” (1977): en este último álbum comienza su colaboración con un violinista de la Scala, Giusto Pio, que tendrá un rol importante en el desarrollo de su obra. En “L’Egitto prima delle sabbie – El Egipto antes de las arenas” (1978), constituido por dos largos temas, tenemos el reflejo de esas repeticiones "minimales" que constituirán el centro de "Music for Airports" de Brian Eno. Un segundo cambio de etiqueta, en favor de la Emi, marca el cambio de paso definitivo: “L'era del cinghiale bianco – La era del jabalí blanco” (1979) anuncia el día nuevo – sobre todo en el tema que da el título al disco y en el hermoso “Stranizza d’amuri” - y “Patriots” (1980) funde instancias experimentales con sonidos pop, de forma tan efectiva que se convierte en un objeto de culto para las radios. Ambos Álbumes parecen una especie de ensayo general para "La voce del padrone - La voz del patrón" (1981), admirable síntesis de las materias más diferentes, la sencillez para los rankings y la elegancia elíptica de las letras, los ritmos bailables y las exquisiteces exótico-históricas. Más de un millón de ejemplares vendidos convierten al cantautor siciliano en una auténtica pop star: para confirmar, el autor firma temas exitosos para varias intérpretes femeninas, desde Alice (que con “Per Elisa – Por Elisa” gana en el año 1981 el Festival de San Remo) a Milva (por ejemplo, la soberbia Alexanderplatz”, en 1982), hasta Giuni Russo (triunfadora en los rankings del año 1982, gracias a la muy agradable “Un'estate al mare – Un verano en la playa”). Sin embargo, el rol no tiene que resultar grato al artista de Catania, ya que, con “L’arca di Noe – El arca de Noé” (1982), se interna en zonas musicalmente ásperas – creando desconcierto en los fans más recientes, a causa, también, de letras bastante crípticas – y en “Orizzonti perduti – Horizontes perdidos” (1983) insiste con los mismo temas, causando una inevitable reducción de las ventas. Sin embargo, alcanza un vértice en “Mondi lontanissimi – Mundos muy lejanos” (1985), disco de síntesis y de recapitulación, rico de temas extraordinarios (“No Time No Space”, “L’animale – El animal”, “Chan-son egocentrique”, y aquella “I treni di Tozeur – Los trenes de Tozeur” ejecutada en 1984, en pareja con Alice, en el escenario del Eurofestival). En del año 1987 la primera verdadera ópera de Battiato: presentada en el Teatro Regio de Parma, “Genesi – Génesis” (1987) obtiene buenos comentarios de la crítica y un buen éxito de público, permitiendo el lanzamiento de "Fisiognómica” (1988), óptima obra en que se encuentran, entre otros temas, “E ti vengo a cercare – Y voy a buscarte” y “Nomadi - Nómadas”. Un año más tarde, al fin, sale un doble cd en vivo, que incluye tres temas nunca grabados antes (“Lettera al governatore della Libia – Carta al gobernador de Libia", "Alexander platz” y “Mesopotamia”, inicialmente asignada a Gianni Morandi). El período tal vez más feliz de Battiato termina aquí: aunque sucesivamente siempre quede muy activo (con títulos como “Come un cammello in una grondaia – Como un camello en un canalón”, 1991; “Caffè de la Paix”, 1993; “L’ombrello e la macchina da cucire – El paraguas y la máquina de cocer”, 1995; “L’imboscata – La emboscada”, 1996; “Gommalacca – Goma laca”, 1998), a pesar de que no falten canciones de absoluto nivel (desde “Povera patria – Pobre patria” a “Breve invito a rinviare il suicidio – Breve invitación a aplazar el suicidio”, de “Strani giorni – Días extraños” a “La cura”, de “Shock in my town” a “E’ stato molto bello – Ha sido muy hermoso”), parecen haberse perdido el entusiasmo, la fuerza, la capacidad de asombrar. Los siempre agradables “Fleurs” (1999-2002; tres recopilaciones de covers de antaño, italianas y no) demuestran dificultades en la proposición de inéditos, confirmada por la forma no excelsa mostrada en “Ferro battuto – Hierro forjado” (2001, con una versión de “Hey, Joe” de Hendrix) y en “Dieci stratagemmi – Diez estratagemas” (2004). Ni siquiera su actividad de director cinematográfico, desde “Del perduto amor – Del perdido amor” (2003) a “Musikanten” (2005), ha, encontrado, lamentablemente, el aprecio de la crítica y del público. Updated

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