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Pioneros: Simon & Garfunkel
By jagger
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Simon and Garfunkel es un dúo estadounidense de folk-rock y pop compuesto por Paul Simon y Arthur "Art" Garfunkel. Fueron unos artistas muy populares en la década de los 60 en la cula obtuvieron sus mayores exitos.
Crecieron en el barrio de Queens, Nueva York. Fueron compañeros de clase en el instituto de Forest Hills, de Nueva York, y sellaron su amistad durante la infancia. En 1957 y bajo el nombre de Tom & Jerry graban Hey, schoolgirl con claras influencias del entonces existoso dúo Everly Brothers, a pesar del éxito local, el dúo no cuaja y se separan.
En el año 1963, Paul se vuelve a unir con Garfunkel, ya como “Simon & Garfunkel", actuando en varios clubes de música folk, ese mismo año fueron invitados al festival de música folk de Nueva York, actuando con músicos de la categoría de Bob Dylan, además de tocar junto con el grupo The Everly Brothers.
Graban su primer LP: Wednesday Morning, 3 A.M., en 1964, pero comercialmente resultó ser un fracaso absoluto y se vuelven a separar. Paul Simon se traslada a Londres donde graba su primer LP en solitario y Art Garfunkel retoma sus estudios de matemáticas.
En el verano de 1965, mientras Paul Simon está en Inglaterra se entera que una canción del LP Wednesday Morning, 3 A.M., con otros arreglos está teniendo éxito, incluso, mas tarde, ya en 1966 llegaría al nº1, la canción “The sounds of silence”.
Inmediatamente Paul Simon regresa a Estados Unidos se vuelve a reunir con Garfunkel sacando su segundo álbum en Enero de 1966, ya todo será una carrera vertiginosa de éxitos y actuaciones, con grandes canciones que alcanzan grandes posiciones en las listas de éxitos, tal es el caso de “I am a rock”, “Homeward bound”, “The 59th street bridge song (feelin' groovy)”, “A hazy shade of winter”, “Mrs. Robinson”, “America”, “Cecilia”, “The only living boy in New York”, “The boxer” para culminar con “Bridge over troubled water” su gran obra.
Gozaron de gran popularidad y habían conseguido vender varios millones de discos, pero en 1970, el dúo se separa, Paul comienza una exitosa carrera en solitario y Art se dedicará al cine como actor y ocasionalmente publicando algún álbum.
Desde entonces, el dúo se ha reunido en varias ocasiones, quizás la más sonada fuera el 19 de septiembre de 1981, cuando regalaron al Central Park de la ciudad de Nueva York un concierto en el que asistieron más de medio millón de personas. El evento fue emitido por televisión, y también se grabó un disco titulado The Concert in Central Park. Gracias al éxito de aquel concierto, el dúo realizó al año siguiente giras por Europa y Japón, y en 1983 por Estados Unidos y Canadá.
Simon and Garfunkel es un dúo estadounidense de folk-rock y pop compuesto por Paul Simon y Arthur "Art" Garfunkel. Fueron unos artistas muy populares en la década de los 60 en la cula obtuvieron sus mayores exitos.
Crecieron en el barrio de Queens, Nueva York. Fueron compañeros de clase en el instituto de Forest Hills, de Nueva York, y sellaron su amistad durante la infancia. En 1957 y bajo el nombre de Tom & Jerry graban Hey, schoolgirl con claras influencias del entonces existoso dúo Everly Brothers, a pesar del éxito local, el dúo no cuaja y se separan.
En el año 1963, Paul se vuelve a unir con Garfunkel, ya como “Simon & Garfunkel", actuando en varios clubes de música folk, ese mismo año fueron invitados al festival de música folk de Nueva York, actuando con músicos de la categoría de Bob Dylan, además de tocar junto con el grupo The Everly Brothers.
Graban su primer LP: Wednesday Morning, 3 A.M., en 1964, pero comercialmente resultó ser un fracaso absoluto y se vuelven a separar. Paul Simon se traslada a Londres donde graba su primer LP en solitario y Art Garfunkel retoma sus estudios de matemáticas.
En el verano de 1965, mientras Paul Simon está en Inglaterra se entera que una canción del LP Wednesday Morning, 3 A.M., con otros arreglos está teniendo éxito, incluso, mas tarde, ya en 1966 llegaría al nº1, la canción “The sounds of silence”.
Inmediatamente Paul Simon regresa a Estados Unidos se vuelve a reunir con Garfunkel sacando su segundo álbum en Enero de 1966, ya todo será una carrera vertiginosa de éxitos y actuaciones, con grandes canciones que alcanzan grandes posiciones en las listas de éxitos, tal es el caso de “I am a rock”, “Homeward bound”, “The 59th street bridge song (feelin' groovy)”, “A hazy shade of winter”, “Mrs. Robinson”, “America”, “Cecilia”, “The only living boy in New York”, “The boxer” para culminar con “Bridge over troubled water” su gran obra.
Gozaron de gran popularidad y habían conseguido vender varios millones de discos, pero en 1970, el dúo se separa, Paul comienza una exitosa carrera en solitario y Art se dedicará al cine como actor y ocasionalmente publicando algún álbum.
Desde entonces, el dúo se ha reunido en varias ocasiones, quizás la más sonada fuera el 19 de septiembre de 1981, cuando regalaron al Central Park de la ciudad de Nueva York un concierto en el que asistieron más de medio millón de personas. El evento fue emitido por televisión, y también se grabó un disco titulado The Concert in Central Park. Gracias al éxito de aquel concierto, el dúo realizó al año siguiente giras por Europa y Japón, y en 1983 por Estados Unidos y Canadá.
Pioneros: Simon & Garfunkel (4de4)
Episode in
Pioneros: Simon & Garfunkel
Simon and Garfunkel es un dúo estadounidense de folk-rock y pop compuesto por Paul Simon y Arthur "Art" Garfunkel. Fueron unos artistas muy populares en la década de los 60 en la cula obtuvieron sus mayores exitos.
Crecieron en el barrio de Queens, Nueva York. Fueron compañeros de clase en el instituto de Forest Hills, de Nueva York, y sellaron su amistad durante la infancia. En 1957 y bajo el nombre de Tom & Jerry graban Hey, schoolgirl con claras influencias del entonces existoso dúo Everly Brothers, a pesar del éxito local, el dúo no cuaja y se separan.
En el año 1963, Paul se vuelve a unir con Garfunkel, ya como “Simon & Garfunkel", actuando en varios clubes de música folk, ese mismo año fueron invitados al festival de música folk de Nueva York, actuando con músicos de la categoría de Bob Dylan, además de tocar junto con el grupo The Everly Brothers.
Graban su primer LP: Wednesday Morning, 3 A.M., en 1964, pero comercialmente resultó ser un fracaso absoluto y se vuelven a separar. Paul Simon se traslada a Londres donde graba su primer LP en solitario y Art Garfunkel retoma sus estudios de matemáticas.
En el verano de 1965, mientras Paul Simon está en Inglaterra se entera que una canción del LP Wednesday Morning, 3 A.M., con otros arreglos está teniendo éxito, incluso, mas tarde, ya en 1966 llegaría al nº1, la canción “The sounds of silence”.
Inmediatamente Paul Simon regresa a Estados Unidos se vuelve a reunir con Garfunkel sacando su segundo álbum en Enero de 1966, ya todo será una carrera vertiginosa de éxitos y actuaciones, con grandes canciones que alcanzan grandes posiciones en las listas de éxitos, tal es el caso de “I am a rock”, “Homeward bound”, “The 59th street bridge song (feelin' groovy)”, “A hazy shade of winter”, “Mrs. Robinson”, “America”, “Cecilia”, “The only living boy in New York”, “The boxer” para culminar con “Bridge over troubled water” su gran obra.
Gozaron de gran popularidad y habían conseguido vender varios millones de discos, pero en 1970, el dúo se separa, Paul comienza una exitosa carrera en solitario y Art se dedicará al cine como actor y ocasionalmente publicando algún álbum.
Desde entonces, el dúo se ha reunido en varias ocasiones, quizás la más sonada fuera el 19 de septiembre de 1981, cuando regalaron al Central Park de la ciudad de Nueva York un concierto en el que asistieron más de medio millón de personas. El evento fue emitido por televisión, y también se grabó un disco titulado The Concert in Central Park. Gracias al éxito de aquel concierto, el dúo realizó al año siguiente giras por Europa y Japón, y en 1983 por Estados Unidos y Canadá.
01:00:45
Pioneros: Simon & Garfunkel (3de4)
Episode in
Pioneros: Simon & Garfunkel
Simon and Garfunkel es un dúo estadounidense de folk-rock y pop compuesto por Paul Simon y Arthur "Art" Garfunkel. Fueron unos artistas muy populares en la década de los 60 en la cula obtuvieron sus mayores exitos.
Crecieron en el barrio de Queens, Nueva York. Fueron compañeros de clase en el instituto de Forest Hills, de Nueva York, y sellaron su amistad durante la infancia. En 1957 y bajo el nombre de Tom & Jerry graban Hey, schoolgirl con claras influencias del entonces existoso dúo Everly Brothers, a pesar del éxito local, el dúo no cuaja y se separan.
En el año 1963, Paul se vuelve a unir con Garfunkel, ya como “Simon & Garfunkel", actuando en varios clubes de música folk, ese mismo año fueron invitados al festival de música folk de Nueva York, actuando con músicos de la categoría de Bob Dylan, además de tocar junto con el grupo The Everly Brothers.
Graban su primer LP: Wednesday Morning, 3 A.M., en 1964, pero comercialmente resultó ser un fracaso absoluto y se vuelven a separar. Paul Simon se traslada a Londres donde graba su primer LP en solitario y Art Garfunkel retoma sus estudios de matemáticas.
En el verano de 1965, mientras Paul Simon está en Inglaterra se entera que una canción del LP Wednesday Morning, 3 A.M., con otros arreglos está teniendo éxito, incluso, mas tarde, ya en 1966 llegaría al nº1, la canción “The sounds of silence”.
Inmediatamente Paul Simon regresa a Estados Unidos se vuelve a reunir con Garfunkel sacando su segundo álbum en Enero de 1966, ya todo será una carrera vertiginosa de éxitos y actuaciones, con grandes canciones que alcanzan grandes posiciones en las listas de éxitos, tal es el caso de “I am a rock”, “Homeward bound”, “The 59th street bridge song (feelin' groovy)”, “A hazy shade of winter”, “Mrs. Robinson”, “America”, “Cecilia”, “The only living boy in New York”, “The boxer” para culminar con “Bridge over troubled water” su gran obra.
Gozaron de gran popularidad y habían conseguido vender varios millones de discos, pero en 1970, el dúo se separa, Paul comienza una exitosa carrera en solitario y Art se dedicará al cine como actor y ocasionalmente publicando algún álbum.
Desde entonces, el dúo se ha reunido en varias ocasiones, quizás la más sonada fuera el 19 de septiembre de 1981, cuando regalaron al Central Park de la ciudad de Nueva York un concierto en el que asistieron más de medio millón de personas. El evento fue emitido por televisión, y también se grabó un disco titulado The Concert in Central Park. Gracias al éxito de aquel concierto, el dúo realizó al año siguiente giras por Europa y Japón, y en 1983 por Estados Unidos y Canadá.
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Pioneros: Simon & Garfunkel (2de4)
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Pioneros: Simon & Garfunkel
Simon and Garfunkel es un dúo estadounidense de folk-rock y pop compuesto por Paul Simon y Arthur "Art" Garfunkel. Fueron unos artistas muy populares en la década de los 60 en la cula obtuvieron sus mayores exitos.
Crecieron en el barrio de Queens, Nueva York. Fueron compañeros de clase en el instituto de Forest Hills, de Nueva York, y sellaron su amistad durante la infancia. En 1957 y bajo el nombre de Tom & Jerry graban Hey, schoolgirl con claras influencias del entonces existoso dúo Everly Brothers, a pesar del éxito local, el dúo no cuaja y se separan.
En el año 1963, Paul se vuelve a unir con Garfunkel, ya como “Simon & Garfunkel", actuando en varios clubes de música folk, ese mismo año fueron invitados al festival de música folk de Nueva York, actuando con músicos de la categoría de Bob Dylan, además de tocar junto con el grupo The Everly Brothers.
Graban su primer LP: Wednesday Morning, 3 A.M., en 1964, pero comercialmente resultó ser un fracaso absoluto y se vuelven a separar. Paul Simon se traslada a Londres donde graba su primer LP en solitario y Art Garfunkel retoma sus estudios de matemáticas.
En el verano de 1965, mientras Paul Simon está en Inglaterra se entera que una canción del LP Wednesday Morning, 3 A.M., con otros arreglos está teniendo éxito, incluso, mas tarde, ya en 1966 llegaría al nº1, la canción “The sounds of silence”.
Inmediatamente Paul Simon regresa a Estados Unidos se vuelve a reunir con Garfunkel sacando su segundo álbum en Enero de 1966, ya todo será una carrera vertiginosa de éxitos y actuaciones, con grandes canciones que alcanzan grandes posiciones en las listas de éxitos, tal es el caso de “I am a rock”, “Homeward bound”, “The 59th street bridge song (feelin' groovy)”, “A hazy shade of winter”, “Mrs. Robinson”, “America”, “Cecilia”, “The only living boy in New York”, “The boxer” para culminar con “Bridge over troubled water” su gran obra.
Gozaron de gran popularidad y habían conseguido vender varios millones de discos, pero en 1970, el dúo se separa, Paul comienza una exitosa carrera en solitario y Art se dedicará al cine como actor y ocasionalmente publicando algún álbum.
Desde entonces, el dúo se ha reunido en varias ocasiones, quizás la más sonada fuera el 19 de septiembre de 1981, cuando regalaron al Central Park de la ciudad de Nueva York un concierto en el que asistieron más de medio millón de personas. El evento fue emitido por televisión, y también se grabó un disco titulado The Concert in Central Park. Gracias al éxito de aquel concierto, el dúo realizó al año siguiente giras por Europa y Japón, y en 1983 por Estados Unidos y Canadá.
59:56
Pioneros: Simon & Garfunkel (1de4)
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Pioneros: Simon & Garfunkel
Simon and Garfunkel es un dúo estadounidense de folk-rock y pop compuesto por Paul Simon y Arthur "Art" Garfunkel. Fueron unos artistas muy populares en la década de los 60 en la cula obtuvieron sus mayores exitos.
Crecieron en el barrio de Queens, Nueva York. Fueron compañeros de clase en el instituto de Forest Hills, de Nueva York, y sellaron su amistad durante la infancia. En 1957 y bajo el nombre de Tom & Jerry graban Hey, schoolgirl con claras influencias del entonces existoso dúo Everly Brothers, a pesar del éxito local, el dúo no cuaja y se separan.
En el año 1963, Paul se vuelve a unir con Garfunkel, ya como “Simon & Garfunkel", actuando en varios clubes de música folk, ese mismo año fueron invitados al festival de música folk de Nueva York, actuando con músicos de la categoría de Bob Dylan, además de tocar junto con el grupo The Everly Brothers.
Graban su primer LP: Wednesday Morning, 3 A.M., en 1964, pero comercialmente resultó ser un fracaso absoluto y se vuelven a separar. Paul Simon se traslada a Londres donde graba su primer LP en solitario y Art Garfunkel retoma sus estudios de matemáticas.
En el verano de 1965, mientras Paul Simon está en Inglaterra se entera que una canción del LP Wednesday Morning, 3 A.M., con otros arreglos está teniendo éxito, incluso, mas tarde, ya en 1966 llegaría al nº1, la canción “The sounds of silence”.
Inmediatamente Paul Simon regresa a Estados Unidos se vuelve a reunir con Garfunkel sacando su segundo álbum en Enero de 1966, ya todo será una carrera vertiginosa de éxitos y actuaciones, con grandes canciones que alcanzan grandes posiciones en las listas de éxitos, tal es el caso de “I am a rock”, “Homeward bound”, “The 59th street bridge song (feelin' groovy)”, “A hazy shade of winter”, “Mrs. Robinson”, “America”, “Cecilia”, “The only living boy in New York”, “The boxer” para culminar con “Bridge over troubled water” su gran obra.
Gozaron de gran popularidad y habían conseguido vender varios millones de discos, pero en 1970, el dúo se separa, Paul comienza una exitosa carrera en solitario y Art se dedicará al cine como actor y ocasionalmente publicando algún álbum.
Desde entonces, el dúo se ha reunido en varias ocasiones, quizás la más sonada fuera el 19 de septiembre de 1981, cuando regalaron al Central Park de la ciudad de Nueva York un concierto en el que asistieron más de medio millón de personas. El evento fue emitido por televisión, y también se grabó un disco titulado The Concert in Central Park. Gracias al éxito de aquel concierto, el dúo realizó al año siguiente giras por Europa y Japón, y en 1983 por Estados Unidos y Canadá.
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Pioneros: The Moody Blues (Incompleto)
Grupo de Birmingham (Inglaterra) fundado en 1964. Con Denny Laine en sus filas y temas como “Go Now”, “Let Me Go”, “He Can Win” o “And My Baby’s Gone” The Moody Blues dieron inicio a su carrera en la Decca intérpretando estupendo Rhymth & Blues.
A finales de los 60, con la salida de Laine del grupo y la entrada de Justin Hayward, los Moody Blues abandonaron estos primeros sonidos para abrazar la psicodelia y sonidos orquestales alcanzando la inmortalidad gracias al tema “Nights In White Satin” y discos magníficos como “Days of future passed”, “On the treshold of a dream” o “In the search of the lost chord”.
La banda, representada por Tony Secunda, estaba compuesta en principio por el cantante y guitarrista Denny Laine (nacido el 29 de octubre de 1944 en Jersey), el teclista y vocalista Mike Pinder (nacido el 12 de diciembre de 1942 en Birmingham), el vocalista, flauta y armonicista Ray Thomas (nacido el 29 de diciembre de 1942 en Stourport on Severn), el bajista Clint Warwick (nacido el 25 de junio de 1940 en Birmingham) y el batería Graeme Edge (nacido el 30 de marzo de 1941 en Rochester).
Convertidos en los Moody Blues y en la Decca grabaron en 1964 el single “Lose your money (But don’t lose your mind)”, rítmico tema escrito por la pareja Laine/Pinder que pasó sin pena ni gloria por las tiendas de discos, todo lo contrario que el siguiente, “Go now”, canción escrita por Larry Banks y Milton Bennett, grabada previamente por Bessie Banks, que les llevó al número 1 en el Reino Unido y al 10 en los Estados Unidos en 1964.
Al año siguiente aparecieron otros singles: “I don’t want to go on without you” (número 33), tema escrito por Jerry Wexler y el productor Bert Berns, “From the bottom of my heart (I love you)” (número 22), compuesto por Laine y Pinder, al igual que “Everyday” (número 44).
Aunque las ventas de sus últimos sencillos no habían sido baladíes tras conseguir un número 1 con “Go Now” el grupo se sintió un tanto decepcionado con la respuesta comercial, en especial de las estupendas canciones “Boulevard de la Madelaine” y “Life’s not life”.
Este hecho provocó que el grupo variase su formación de manera muy importante. De los Moody Blues, ahora con la representación de Brian Epstein, se marcharon Clint Warwick, sustituido por otro componente de los El Riot & The Rebels, el bajista y vocalista John Lodge (nacido el 20 de julio de 1945 en Birmingham), y el miembro clave de la banda hasta el momento, Denny Laine, que fue reemplazado por el cantante y guitarrista Justin Hayward (nacido el 14 de octubre de 1946 en Swindon).
Laine alcanzó la fama en los años 70 junto a Paul McCartney formando parte de los Wings.
Los nuevos Moody Blues sacaron al mercado “Days Of Future Passed” (1967), un gran álbum conceptual producido por Tony Clarke y orquestado por Pete Knight, que contaba con la participación de la London Festival Orchestra y ofertaba sonidos psicodélicos y progresivos ejemplificados en el single escrito por Hayward “Nights in white satin” (número 19 en 1967).
El LP resultó más exitoso en los Estados Unidos que en su propio país, llegando al puesto 3 en el Billboard y al 27 en Inglaterra.
Con anterioridad habían publicado en sencillo los temas “Fly me high”, compuesto por Hayward, y “Love and beauty”, escrito por Mike Pinder.
“In the search of the lost chord” (1968), con sonidos de mellotron (siendo Pinder un maestro del instrumento), prorrogó el sonido psicodélico, lírico y conceptual de esta nueva etapa y prosiguió incrementando su audiencia internacional, tanto en sus actuaciones en vivo como en la venta de sus vinilos, que en el Reino Unido le llevaron al número 5. Entre los temas de “In the search of the lost chord” se encontraban los singles “Voices in the sky” (número 27) y “Ride my See-Saw” (número 42).
“On the treshold of a dream” (1969), para mi gusto su mejor LP, alcanzó el número 1 en Gran Bretaña gracias a temas como “Lovely to see you”, “Dead diary”, “Send me no wine”, “To share our love”, “So deep within you” “Lazy day” o el single “Never comes the day”, mientras que “To our children’s children” (1969), editado en su propio sello Threshold Records, llegó al puesto número 2.
Si el final del decenio había sido estupendo para los Moody Blues el comienzo de los años 70 resultó igual o incluso mejor, ya que tanto “Question of balance” (1970), con el single “Question” (número 2), como el fenomenal “Every good boy deserves favour” (1971) alcanzaron lo más alto en el Reino Unido y el número 2 en los Estados Unidos.
Las ganas de volar en solitario por parte de sus diferentes miembros provocó que, en la cumbre de su carrera, el grupo cesara sus actividades durante un largo tiempo después de publicar el LP “Seventh Sojourn” (1972), disco muy apreciable con temas como “For my lady”, “New Horizons”, “Lost in a lost world”, “Isn’t life strange” o “I’m just a singer (In a rock’n’roll band)” que les aupó al número 5 en el Reino Unido.
Justin Hayward y John Lodge publicaron el disco “Blue Jays” (1975). Hayward y Lodge debutaron en solitario años después con, respectivamente, “Songwriter” (1977) y “Natural Avenue” (1977).
Pinder había iniciado su carrera como solista con “The Promise” (1976), al igual que Thomas con “From mighty oaks” (1976) y Edge con su Graeme Edge Band y el disco “Kick off your muddy boots” (1975).
A finales de los años 70 los Moody Blues volvieron a unirse para grabar “Octave” (1978), disco que los devolvió al número 1 en las listas británicas. Un año antes habían preparado su vuelta editado el disco en directo “Caught Live + 5” (1977), álbum que recogía actuaciones del grupo en los años 60.
Tras “Octave” Mike Pinder, pieza muy importante en el sonido clásico de la banda, fue sustituido por Patrick Moraz.
En las siguientes décadas The Moody Blues grabaron trabajos en estudio como “Long distance voyager” (1981) y “The Present” (1983), ambos producidos por Pip Williams, “The Other Side of Life” (1986), “Sur La Mer” (1988) y “Keys of the kingdom” (1991), todos ellos con producción de Tony Visconti, o “Strange times” (1999), sin Moraz y con los teclados de Danilo Madonia, y “December” (2003), sin la participación de Ray Thomas.
Updated
Pioneros: Franco Battiato
Franco Battiato. Cantautor y músico, nacido en Sicilia (Italia) el 23 de marzo de 1945. Personalidad entre las más eclécticas y originales de cuantas han aparecido en el panorama cultural italiano de las últimas décadas, ha pasado por múltiples estilos musicales: los inicios románticos, el progressive pop, la música culta o la música étnica, consiguiendo siempre un gran éxito de público y trabajando con colaboradores excepcionales.
Muy unido a su madre Grazia, que murió en 1994, nunca le ha gustado la vida social, prefiriendo vivir de manera discreta en las faldas del Etna.
Habiéndose mudado a Milán a los 19 años, después de haber terminado el secundario, pronto entra en contacto con el ambiente musical: es Giorgio Gaber, en 1968, quien le produce el primer single. A finales de la década de los ’60, el interés de nuestro autor se mueve hacia argumentos espirituales y la práctica de la meditación. Eso es reflejado también en los aspectos artísticos: alejándose de la música ligera, debuta con un álbum, “Fetus” (1971), dedicado al escritor Aldous Huxley, caracterizado por un experimentalismo atestiguado por el recurso abundante a la electrónica. Con las mismas características se lanza el sucesivo "Pollution" (1972), que mezcla a Bach y Strauss con los usuales ingredientes. En 1973 publica "Sulle corde di Aries - En las cuerdas de Aries" (1973), “Clic” (1974) y sigue un tríptico de obras de transición, “M.elle le “Gladiator” (1975), “Battiato” (1976, que marca su llegada a la casa discográfica Ricordi) y “Juke Box” (1977): en este último álbum comienza su colaboración con un violinista de la Scala, Giusto Pio, que tendrá un rol importante en el desarrollo de su obra. En “L’Egitto prima delle sabbie – El Egipto antes de las arenas” (1978), constituido por dos largos temas, tenemos el reflejo de esas repeticiones "minimales" que constituirán el centro de "Music for Airports" de Brian Eno. Un segundo cambio de etiqueta, en favor de la Emi, marca el cambio de paso definitivo: “L'era del cinghiale bianco – La era del jabalí blanco” (1979) anuncia el día nuevo – sobre todo en el tema que da el título al disco y en el hermoso “Stranizza d’amuri” - y “Patriots” (1980) funde instancias experimentales con sonidos pop, de forma tan efectiva que se convierte en un objeto de culto para las radios. Ambos Álbumes parecen una especie de ensayo general para "La voce del padrone - La voz del patrón" (1981), admirable síntesis de las materias más diferentes, la sencillez para los rankings y la elegancia elíptica de las letras, los ritmos bailables y las exquisiteces exótico-históricas. Más de un millón de ejemplares vendidos convierten al cantautor siciliano en una auténtica pop star: para confirmar, el autor firma temas exitosos para varias intérpretes femeninas, desde Alice (que con “Per Elisa – Por Elisa” gana en el año 1981 el Festival de San Remo) a Milva (por ejemplo, la soberbia Alexanderplatz”, en 1982), hasta Giuni Russo (triunfadora en los rankings del año 1982, gracias a la muy agradable “Un'estate al mare – Un verano en la playa”). Sin embargo, el rol no tiene que resultar grato al artista de Catania, ya que, con “L’arca di Noe – El arca de Noé” (1982), se interna en zonas musicalmente ásperas – creando desconcierto en los fans más recientes, a causa, también, de letras bastante crípticas – y en “Orizzonti perduti – Horizontes perdidos” (1983) insiste con los mismo temas, causando una inevitable reducción de las ventas. Sin embargo, alcanza un vértice en “Mondi lontanissimi – Mundos muy lejanos” (1985), disco de síntesis y de recapitulación, rico de temas extraordinarios (“No Time No Space”, “L’animale – El animal”, “Chan-son egocentrique”, y aquella “I treni di Tozeur – Los trenes de Tozeur” ejecutada en 1984, en pareja con Alice, en el escenario del Eurofestival). En del año 1987 la primera verdadera ópera de Battiato: presentada en el Teatro Regio de Parma, “Genesi – Génesis” (1987) obtiene buenos comentarios de la crítica y un buen éxito de público, permitiendo el lanzamiento de "Fisiognómica” (1988), óptima obra en que se encuentran, entre otros temas, “E ti vengo a cercare – Y voy a buscarte” y “Nomadi - Nómadas”. Un año más tarde, al fin, sale un doble cd en vivo, que incluye tres temas nunca grabados antes (“Lettera al governatore della Libia – Carta al gobernador de Libia", "Alexander platz” y “Mesopotamia”, inicialmente asignada a Gianni Morandi). El período tal vez más feliz de Battiato termina aquí: aunque sucesivamente siempre quede muy activo (con títulos como “Come un cammello in una grondaia – Como un camello en un canalón”, 1991; “Caffè de la Paix”, 1993; “L’ombrello e la macchina da cucire – El paraguas y la máquina de cocer”, 1995; “L’imboscata – La emboscada”, 1996; “Gommalacca – Goma laca”, 1998), a pesar de que no falten canciones de absoluto nivel (desde “Povera patria – Pobre patria” a “Breve invito a rinviare il suicidio – Breve invitación a aplazar el suicidio”, de “Strani giorni – Días extraños” a “La cura”, de “Shock in my town” a “E’ stato molto bello – Ha sido muy hermoso”), parecen haberse perdido el entusiasmo, la fuerza, la capacidad de asombrar. Los siempre agradables “Fleurs” (1999-2002; tres recopilaciones de covers de antaño, italianas y no) demuestran dificultades en la proposición de inéditos, confirmada por la forma no excelsa mostrada en “Ferro battuto – Hierro forjado” (2001, con una versión de “Hey, Joe” de Hendrix) y en “Dieci stratagemmi – Diez estratagemas” (2004). Ni siquiera su actividad de director cinematográfico, desde “Del perduto amor – Del perdido amor” (2003) a “Musikanten” (2005), ha, encontrado, lamentablemente, el aprecio de la crítica y del público.
Updated
Pioneros: Cream
Cream fue una banda de rock británico en los años 60. Fue uno de los primeros y más célebres supergrupos que dio lugar a una de las más vitales y efectistas formaciones entre 1966 y 1968, es considerada una banda adelantada a su época y de una influencia inconmensurable. Supuso el adiós del pop por la vía del blues y la búsqueda de mayor amplitud conceptual para el rock, no se puede negar que se trata de una de las bandas CAPITALES de los 60', jugando, sin exagerar, en la misma liga de los Beatles, Dylan, los Stones, los Who, los Kinks, Hendrix y los Doors. Su música, aunque no demasiado conocida hoy en día, fue IMPORTANTISIMA en el florecimiento que el rock tuvo por aquellos días, y cumplió un papel clave en el desarrollo de aquello que conocemos como hard-rock; mucha de su música fue en su momento pura innovación, son cosas que nunca se habían hecho antes. De todos los grandes grupos de la época, fue aquel que el tiempo ha tratado con menos generosidad quizás porque apenas cumplieron tres años de trayectoria y con poco material publicado, pero fue, es y será uno de los conjuntos INELUDIBLES de la historia del rock, un clásico.
El grupo estaba formado por Eric Clapton en la guitarra que había sido miembro de los Yardbirds y los Bluesbreakers de John Mayall, Jack Bruce al bajo y a la voz, había estado con Manfred Mann y Graham Bond y Ginger Baker en la percusión que también estuvo en la Graham Bond.
Fue el primer (y mejor) supergrupo que haya conocido la historia del rock, estos tres músicos ya sabían lo que era estar en un grupo de rock cuando formaron Cream, fueron pioneros y revolucionarios en muchísimos aspectos, pero además dieron al mundo algunos de los más excelsos clásicos del rock, aportando valores compositivos impresionantes que sobrepasan el promedio de cualquier banda de hard-rock (incluso más que el mismo Jimi Hendrix), pasajes instrumentales aplastantes, ganchos melódicos de primerísimo nivel y míticas puestas en escena.
Fueron los primeros en explorar a fondo las posibilidades del grupo de bajo-guitarra-batería y es notable lo que eran capaces de lograr con esos tres instrumentos básicos, esquema que más tarde llevarían a nuevas alturas grupos como Led Zeppelin. También hicieron aportes clave al crecimiento del hard-rock; se puede decir que el concepto del hard-rock empezó a gestarse con los Who de “My Generation” y los Kinks de “You Really Got Me”, pero fue Cream el grupo que se animó a dar el siguiente gran salto, tomando al mundo por sorpresa con los primeros riffs realmente pesados de la historia, tonos de guitarra bestiales y algunos jams realmente potentes.
El aspecto más polémico aparece al hablar de shows en vivo, en sus álbumes, eran refinados, breves, experimentales y concisos y en concierto, solían perderse en interminables jams de guitarra, bajo y batería que, extrañamente les dieron una gran popularidad en esos años, aunque también en vivo eran capaces de realizar algo sublime, como lo atestigua el Crossroads en Wheels of Fire, en donde las rápidas líneas de Bruce, el interminable golpeteo de Baker y el sublime virtuosismo de Clapton definen uno de los momentos rockeros más apasionantes que se haya escuchado nunca.
Su música sigue sonando tan fresca, creativa y excitante hoy como en su época de gloria. Su corto bagaje se traduce en muy pocas canciones realmente esenciales, pero con esos contados momentos, les alcanza para estar entre los grandes. Simplemente clásicos.
En 1993 se reunieron con motivo de su introducción al salón de la fama del rock. La gran reunión se dio, sin embargo, en mayo de 2005 donde ofrecieron de nuevo una serie de conciertos en el Royal Albert Hall de Londres. A fines de Octubre de 2005 ofrecieron tres conciertos en el Madison Square Garden en Nueva York.
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Pioneros: Bob Dylan
Bob Dylan, de 71 años es una leyenda viviente de la música popular estadounidense del siglo XX, un pionero de la canción comprometida y una gran influencia para varias generaciones de artistas.
De trovador de folk en los cabarets de Greenwich Village en Nueva York, en los albores de los 60, hasta la superestrella condecorada en mayo pasado por uno de sus 'fans', el presidente estadounidense Barack Obama, Robert Allen Zimmerman siempre ha seguido su propio camino de genio musical, rebelde e impredecible.
Este nieto de inmigrantes judíos rusos nacido el 24 de mayo de 1941 en Duluth (Minnesota) continúa paseando su armónica y su guitarra por las cuatro esquinas del planeta en una gira denominada "Sin fin". Estuvo este verano boreal en Europa y continuará hasta fines de noviembre en Estados Unidos.
Aunque no haya lanzado más que un pequeño número de grandes álbumes tras la apoteósis creativa de los años 1965-1975, sigue siendo --junto al tandem Lennon-McCartney-- uno de los cantantes-autores-compositores más influyentes de la historia de la música, muchas veces copiado, pero nunca igualado.
Durante su juventud, como la mayor parte de los adolescentes estadounidenses, Bob sucumbió al encanto del rock con Elvis Presley y Jerry Lee Lewis antes de formar su propio grupo.
En 1959, siendo estudiante en la Universidad de Minneapolis, descubre a los pioneros del blues, del country y del folk: Robert Johnson, Hank Williams y Woody Guthrie. En esa época, adopta el nombre artístico de Bob Dylan.
Tras dejar los estudios, se traslada a Nueva York en 1961 para frecuentar la escena musical embrionaria de Greenwich Village.
Su primer álbum, "Bob Dylan" (1962), es un fiasco. Pero la apertura se produce en 1963 con "The Freewheelin Bob Dylan" y sus dos temas folk de protesta: "Blowin' in the Wind", una canción pacifista que será un himno de los años 60 contra la guerra de Vietnam, y "A Hard Rain's A-Gonna Fall".
En 1963, participa en la Marcha hacia Washington junto a Martin Luther King.
"The Times They Are A-Changin" (Los tiempos están cambiando) es la canción que da título a su tercer álbum en 1964. Su éxito asentó su reputación, al tiempo que se alejaba del movimiento contestario estadounidense. A modo de adiós, escribió "It Ain't Me Babe" incluida en el álbum significativamente llamado "Another side of Bob Dylan" (El otro lado de Bob Dylan).
Se vinculó con la cantante Joan Baez, con la que durante un tiempo formó la pareja del "rey y la reina del folk".
En 1965, con el álbum "Bringing It All Back Home" -una colección acústica y eléctrica que chocó a los puristas del folk- Dylan transforma la escritura de canciones fusionando sus textos poéticos y surrealistas con el ritmo del rock.
Su obra maestra "Highway 61 revisited" (1965) con la canción "Like a Rolling Stone" y el álbum doble "Blonde on Blonde" (1966) alcanzan la cumbre del rock-folk.
Sus lentes negros, sus rizos y su sombrero le convierten definitivamente en ícono.
En 1966, tras un accidente de moto, se retira a vivir con su mujer Sara, con la que se había casado el año anterior.
Reaparece en 1969 con el álbum puramente folk "John Wesley Harding", seguido por "Nashville Skyline" y sus melodías country en dúo con Johnny Cash.
Cada vez más, Dylan se distancia de los fans del folk y de los ambientes de izquierda, evitando ser el estandarte de las protestas y las luchas de la época.
Tras el muy criticado "Self Portrait" (Autorretrato) realizado en 1970, Bob Dylan se mantiene con un bajo perfil hasta 1975, cuando aparece "Blood on the Tracks", concebido durante su separación de Sara.
A finales de los años 1970, descubre el cristianismo y desconcierta a una parte de sus fans.
A partir de los ochenta, su extraordinaria creatividad se agotó, pese a lo que se mantuvo sin descanso en la ruta, no siempre convincente. Este verano boreal estuvo en Francia, en el Festival des Vieilles Charrues, donde su actuación decepcionó.
En 2011, se presentó por primera vez en un polémico concierto en China, así como en Vietnam.
El cantautor tuvo muchos imitadores en la década de 1970 e influenció a numerosos artistas, entre muchos otros a Leonard Cohen, David Bowie, Jackson Browne, The Doors, Bruce Springsteen, Talking Heads, The Clash, Nick Cave y Lenny Kravitz.
"Allí donde se crea buena música rock, está la sombra de Bob Dylan, ahora y siempre", dice Bruce Springsteen. Updated
Pioneros: David Bowie
David Bowie, nacido como David Robert Jones en Londres en 1947 es un músico y compositor de rock británico, quien ha ejercido a su vez de actor, productor discográfico y arreglista. Figura importante de la música popular durante más de cinco décadas, Bowie es considerado un innovador, en particular por sus trabajos de la década de los setenta y por su peculiar voz, además de la profundidad intelectual de su obra.
Artista camaleónico, ha cambiado varias veces de estilo y ha recogido múltiples influencias, sobre todo de la psicodelia y el punk, que le hicieron adoptar en los años setenta un provocativo aspecto andrógino, anticipándose a personajes como Boy George. Ha trabajado junto a artistas de la talla de Mick Jagger, Iggy Pop, John Lennon o Brian Eno, y colaborado con jóvenes artistas, a cuya fama ha contribuido notablemente, como es el caso de Lenny Krawitz. Ziggy Stardust (1972) o Let’s dance (1983) son algunos de los discos míticos de su carrera, jalonada siempre por el éxito y la polémica. También han sido frecuentes las incursiones de Bowie en el mundo cinematográfico; su película más celebrada es Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983), de Naghisa Oshima.
David Bowie comenzó su carrera cantando y tocando el saxofón en pequeños locales y también en institutos, con músicos aficionados como The Manish Boys, David Jones & the King Bees o Lower Third. A finales de la década de los sesenta comenzó a grabar sus primeros sencillos, que luego se integrarían en su primer álbum, David Bowie (1967). Se interesó además por el teatro, llegando a formarse como mimo y actor con Lindsay Kemp, una influencia que se dejaría notar más tarde en sus actuaciones.
En 1969 grabó el álbum “Man of words/Man of music”, en el cual se incluía el single “Space oddity”, que llegaría al puesto cinco de las listas en el Reino Unido. Después de realizar actuaciones en diversos países, entabló amistad con el que se convertiría en su nuevo mánager, Toni de Fries. En 1970 y 1971 publicó los álbumes “The man who sold the world” y “Hunky Dory”, en los que ofreció una provocativa imagen andrógina, en consonancia con el “glam”, la tendencia que dominaba en aquel momento el rock británico.
A partir de 1972 empezó el gran ciclo de transformaciones que caracteriza su personalidad camaleónica: en “The rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from Mars” encarna a una estrella bisexual del rock procedente de otro planeta. Esta tendencia a la ambigüedad continuaría en “Aladdin Sane” (1973), su siguiente trabajo. Ese mismo año Bowie posó junto a la modelo Twiggy en la portada de “Pinups”, un recopilatorio de algunas de las mejores canciones del rock de los 60, y apareció desnudo en la carpeta de su álbum “Diamond dogs” (1974).
Las canciones de Bowie generaban una atmósfera futurista, obsesiva, donde daba cabida a breves guiños dirigidos al rock estadounidense y desarrollaba profundas y densas secuencias por las que desfilaban personajes orwellianos (el Gran Hermano de la novela 1984, de George Orwell), arquetipos de una modernidad decadente o personajes que parecen surgidos del género gótico. En Gran Bretaña las críticas a este último álbum fueron duras, y Bowie decidió dar un giro a su carrera, adoptando una imagen personal más sobria e introduciendo la música disco y el soul como influencias estilísticas en sus composiciones. Se lanzó a la conquista del mercado estadounidense con el álbum “Young americans” (1975), que ascendió al primer puesto de las listas de ventas. Con el respaldo de Andy Warhol, con el que trabó gran amistad, su popularidad creció rápidamente.
En esta segunda mitad de la década de los setenta Bowie continuó experimentando con nuevos sonidos. El elemento electrónico estaba cada vez más presente en su música, a través del uso recurrente de sintetizadores y de la manipulación de su voz en los temas. Esto queda patente en álbumes como “Station to station” (1976) y “Low” (1977), en el que empieza su asociación con el músico y productor Brian Eno. Bowie evolucionaba hacia un personaje de aspecto frío y distante, envuelto en largos abrigos de cuero, lo que le valdría el sobrenombre de “El duque blanco”.
“Heroes” (1977) ofrecería estructuras y sonidos aun más densos y complejos. En los años siguientes, y todavía con Eno, Bowie grabó “Stage” (1978), álbum en vivo resultado de su gira de aquel año, y “Lodger” (1979), que señalan su vuelta hacia un rock fresco, original y de sencilla comercialización, aunque enriquecido por todas las innovaciones de la etapa anterior. Con “Scary monsters” (1980), que seguía esta misma tendencia, terminó otra etapa de su carrera.
Bowie inició en ese momento su periodo de mayor éxito comercial, pero también el de más críticas adversas por parte de los especialistas, que le achacaban un empobrecimiento musical. Colaboró con Queen en el número uno de las listas de venta «Under Pressure» para, poco después, volver a conseguir un éxito comercial con su disco de 1983 “Let's dance”, del que se extrajeron los exitosos sencillos «Let's dance», «China girl» y «Modern love» y “Tonight” en 1984 que le facilitarían la colaboración con otros artistas, como Iggy Pop, Queen, Tina Turner y Mick Jagger.
Su enorme éxito se vio favorecido por sus trabajos para el cine. En 1986 compuso la banda sonora de “Dentro del laberinto”, filme dirigido por Jim Henson y producido por George Lucas, donde además interpretaba uno de los papeles protagonistas. Ya atesoraba una extensa trayectoria como actor en otros filmes anteriores, como “The man who fell to earth” (1976, de Nicolas Roeg), “Gigoló” (1979, de David Hemmings), “El ansia” (1983, de Tony Scott), “Feliz Navidad, Mr. Lawrence” (1983, de Nagisa Oshima) o “Cuando llega la noche” (1985, de John Landis).
Su siguiente trabajo fue “Never let me down” (1987). Tras un periodo (1989-91) en el que trabajó con la banda Tin Machine, Bowie retomó su carrera en solitario con “Black tie white nose” (1993). Casado con la modelo Iman, comenzaba una nueva y fructífera etapa musical. Con “Outline” (1995), Bowie volvió a transformarse (esta vez adoptaría la identidad de un detective en una urbe futurista) y recobró, con sonoridades de su época con Eno, su preeminencia en la vanguardia del rock. “Earthling” (1997), “Hours” (1999), “Heathen” (2002), “Reality” y “Club Bowie” (2003).
A finales de marzo de 2011 se filtró a través de internet “Toy”, un disco nunca publicado de 2001 que contiene material usado para “Heathen” y la mayoría de sus caras B, además de algunas nuevas versiones inéditas de su catálogo
“The next day” salió a la venta el 12 de marzo de 2013, viene a ser su trigésimo álbum en toda su carrera musical, y con éste, termina el descanso de diez años en cuanto a producciones de estudio se refieren, se escogió como primer sencillo “Where are we now?” y "The stars (are out tonight)" como segundo. A pesar de que anunció ya no estar interesado en giras mundiales, Bowie dará algunos conciertos excepcionales en Estados Unidos en mayo de 2013 y visitará a España el 26 de junio de 2013.
En la encuesta de 2002 de la cadena televisiva BBC de los 100 británicos más importantes, se colocó en el puesto número 29. Ha vendido, aproximadamente, 136 millones de discos a lo largo de su carrera. Ha recibido nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata en el Reino Unido y cinco de platino y siete de oro en Estados Unidos. En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 39 de su lista de los cien artistas de rock más importantes de todos los tiempos y en el puesto 23 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos.
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Pioneros: The Beatles.Toda su historia
Pioneros, fue un programa de radio 3 bajo el magistral mando de Xavier Moreno, nos deleitó con una serie de monograficos muy exhaustivos dedicada a grandes grupos, entre los que estaban Jimmy Hendrix, Rollins Stones, The Beatles, The Beach Boys, en fin, lo mejor de lo mejor y gracias a estos audios podemos rememorar aquel gran programa que merece la pena y os animo a que disfrutéis de las dramatizaciones a cargo de Carlos Pina.
Los Beatles… Es casi imposible pensar en los psicodélicos sesenta y setenta sin pensar en hippies, flores, paz, sexo libre, droga y por supuesto los Beatles, sin ellos, nada de lo anterior hubiera existido.
Cuatro jóvenes ingleses que con su música movían multitudes, imponían modas, hacían llorar a miles de fans.
Tal ha sido su influencia que incluso hoy, nosotras al pensar hacer este trabajo, los elegimos a ellos.
Con esta investigación queremos conocer más en el fondo la historia de este grupo, sus vivencias personales, sus historias, la mentira y la verdad sobre sus vidas.
1. los comienzos
En Liverpool en, 1956 se conocieron Paul McCartney y John Lennon por primera vez. Paul era dos años menor que John pero se integró rápidamente al grupo pues tenía una gran destreza con la guitarra. Poco tiempo después Paul convenció a John de que entrara al grupo un amigo suyo, George Harrison, quien manejaba la guitarra solista mejor que nadie.
El grupo que formaron se llamaba "The Quarrymen" y hacían pequeñas actuaciones en Iglesias y colegios a cambio de poco dinero y mucha bebida.
Fue en una de estas actuaciones en las que John conocería a su primera esposa, Cynthia Powell, una compañera de colegio que al verlo transformarse sobre el escenario se propuso conquistarlo.
John tenía un amigo, Stuart Sutcliffe, que era un excelente pintor. Él ganó 50 libras en un concurso y John lo convenció de que se comprara un bajo y se integrara al grupo. Como no sabía tocar el instrumento, Paul lo molestaba mucho pues é quería que el grupo fuera "profesional".
El grupo, con su nueva batería Pete Best, cambió su nombre por el de "Silver Beatles" que al final sólo terminó en "Beatles". Consiguieron un contratopor tres meses para viajar a Hamburgo. Esta experiencia hizo perfeccionar su estilo, pues llegaban a tocar ocho horas seguidas soportando las peleas de los borrachos que frecuentaban los lugares en que tocaban. En una de esas peleas, Stuart recibió un fuerte golpe en la cabeza el que, dos años más tarde, sería la causa de su muerte por un derrame cerebral.
Viajaron tres veces a Alemania a perfeccionar su estilo. Allí tuvieron la oportunidad de darse a conocer, tocando como músicos acompañantes de Tory Sheridam, una estripticista.
Cuando volvieron a Liverpool como músicos profesionales fueron solicitados por el mejor club local, "The Cavern", un lugar pequeño y húmedo y lleno de humo donde iban los jóvenes de la ciudad. Allí fue donde Brian Epstein, dueño de una tienda de discos, se ofreció como representante, cosa que los Beatles aceptaron.
Su nuevo manager les buscó en vano un contrato de grabación. Después de muchos intentos consiguió una audición para un futuro contrato, donde entonaron temas como "Three Cool Cats" y "Bésame Mucho" pero fueron rechazados.
Por fin consiguieron un pre-contrato con la casa discográfica EMI. George Martin, productor del sello, accedió a oírles… y también le gustó. Sólo puso la condición de que cambiaran al baterista, así, con la ayuda de Brian, consiguieron a Richard Starkey (nombre que se cambiaría luego por el de Ringo Starr), un joven muy talentoso de la ciudad.
Grabaron "Love me do" y "P.D., I love You" las cuales llegaron al puesto 17 de la lista de ventas. Los Beatles estaban satisfechos.
Poco después llegaría el número 1 con "Please, Please Me". Los admiradores crecían. Los Beatles dieron su última actuación en "The Cavern".
El LP "Please, Please Me" (1963) fue grabado en una sola sesión de 12 horas finalizando con "Twist and Shout" y la desgarrada voz de John
2. Beatlemanía
El éxito de "Please, Please Me" les dio un éxito total en Gran Bretaña y a fines de 1963, dieron un concierto en el London Palladium ante la Familia Real Británica. Fue en este concierto en el que John dijo su famosa frase: "En esta próxima canción quiero que me acompañen todos. Los de los asientos más baratos que aplaudan, los demás, basta que muevan sus joyas" . Ésta fue su primera manifestación contra la realeza.
Después siguió el álbum "Whit The Beatles" que incluía canciones como "All my loving" (todo mi cariño) y "It won’t be long".
En diciembre de 1963, 5 sencillos estaban en los 20 Principales y sus 2 álbumes ocupaban los 2 primeros puestos de los rankins.
Fuesen donde fuesen, eran acosados por masas de fans y así todavía no causaban furor en Estados Unidos. Por esta razón comenzaron a ser difundidos por las radio estadounidenses y en poco tiempo el sencillo "Y Went to Hold you Hand" alcanzó el primer puesto de los rankins. Al saber de este nuevo éxito realizaron una gira por ese país. Actuaron en "El show de Ed Sullivan" donde alcanzaron la mayor audiencia da la historia de la TV (73 millones de Americanos vieron actuar a los Beatles). También ofrecieron conciertos en Washington, Miami y en Carnigie Hall de Nueva York. Desgraciadamente, por culpa de los gritos y chillidos de las fans, la música era casi inaudible, muy difícil de escuchar.
El resto del año lo pasaron viajando. Durante uno de esos viajes Ringo tuvo que ser reemplazado por Jimmy Nicol ya que tuvieron que extirparle las amígdalas. El peso de tantos conciertos y las presiones de los fans hizo que su siguiente LP, Beatle for Sale, sólo tuviera 8 canciones originales pues no tenían más tiempo para componer otras. El resto del LP se completó con otras canciones que solían tocar en el Cavern.
En este disco se puede ver el cambio de las letras; antes eran todas de amor chico - chica, ahora, después de que Bob Dylan los indujera en el mundo de la marihuana, los Beatles (sobre todo a John) comenzaron a componer canciones más serias como "I´m a Laser" , con nuevas armonías y experimentaron en el estudio con su nuevo Four-track (grabadora de 4 pistas). Quizá este disco sea el más flojo del grupo, pero tiene canciones interesantes.
3. Estrellas de cine
El año ’64 fue muy importante para los Beatles. Ya no reinaban sólo en lo musical sino que, cualquier cosa que hicieran, era considerado una genialidad.
La primera gira mundial del grupo terminó por convencer a todos: arrasaron con públicos tan diferentes como de Escandinavia, Australia, Hong Kong.
Acosados por las fans, los conciertos, los aristas no alcanzaban a reponerse entre una y otra actuación. Gran cantidad de whisky y fármacos los mantenían alerta.
Su siguiente campo fue el cine. Su primera película fue "A hard day Night". Rodada en Blanco y Negro por Richard Lester incluía las canciones de la cara A del LP del mismo título.
La película fue un éxito. Consiguió 2 Oscar como Mejor Guión y Mejor Banda Sonora. Ella describe con tono de humor la vida de los Beatles: conciertos, su agitada vida, sus opiniones, etc. Sin duda fue la mejor película de los Beatles.
El álbum no fue menos brillante ya que todas las canciones eran originales "Lennon - McCartney" y tienen maravillas como el fantástico dueto entre John y Paul en "It I Feel" , la rockanrolera "A hards days Night", la balada acústica "I’ll be back"…en fin, uno de los mejores LP’s del conjunto británico.
Para los Beatles hacer cine fue más que una diversión. John pudo comprarle una casa a su tía que lo había criado (ver su biografía), George conoció a su futura esposa y Paul sintió la inspiración de escribir "Yesterday", la canción más grabada de la historia, con 2500 versiones diferentes.
4. Apogeo, fans y Giras
A fines de 1964 el sencillo "Y feel fine" volvió a emocionar a los seguidores del grupo.
El "riff" con el que se inicia la canción fue inventado por John, y es el resultado de muchos experimentos musicales que hizo el grupo en Abbey Road.
En 1965 los Beatles decidieron hacer otra película, ahora a color. Se llamó "Help" y su director fue el mismo que "A hards days Night", también contenía las canciones de la cara A de su respectivo LP. Esta película fue como una parodia a las películas James Bond, rodaron en tan exóticos escenarios como las Bahamas o las pistas de esquí de Austria.
El LP "Help" es de lo mejor que sacó el grupo, y la canción "Help" es sin duda, de las preferidas.
Ese mismo año actuaron en el Shea Stadium, un campo de béisbol donde pudieron ser admirados por unas 60.000 personas.
También en 1965 recibieron de la reina Isabel la condecoración "Members of the British Empire", que se otorgaba generalmente a militares. Esto hizo que muchos de los que habían recibido este galardón lo devolvieran como protesta. John declaró: "Ganamos esto por entretener, no por matar personas, de manera que nos la merecemos con creces"
A fines de ese año se dedicaron a grabar su siguiente álbum, "Rubber Soul", tal vez el mejor de su carrera. Con la influencia de la marihuana canciones como "The Word", "Nowhere Man", "In my Life" maravillaron al mundo, que se pudo dar cuenta del contenido cada vez más filosófico de las canciones.
Fue tal la locura que alcanzaron las giras del grupo, que incluso tuvieron que soportar a una gran cantidad de filipinos, en su gira por ese país, que querían "arrollarlos" pues la esposa del presidente, Imelda Marcos" se encargó de poner a su país en contra de ellos por negarse a visitarla ya que estaban descansando.
5. pisando en el vacío
El manager del grupo, Brian Epstein, programó la segunda gira mundial del grupo, que pasaría por Francia, Italia, España, Estados Unidos. Durante esta gira pudieron conocer a Elvis Presley. Se podría decir que esta gira fue un éxito, mas fue algo desilusionaste para el grupo pues el griterío de las fans que no se daban cuenta cuando ellos cantaban o simplemente movían los labios, sin hacer ningún ruido.
Al terminar la gira, George se casó con la modelo Patty Boyd. Ya sólo Paul se mantenía soltero.
La próxima gira fue una pesadilla, pues tenían el problema de cómo pasar grandes cantidades de drogas por las aduanas y peor aún, la difusión, poco antes de llegar a EE.UU., de una entrevista a John en la que declaraba: "El Cristianismo desaparecerá. No es necesario que yo lo demuestre. Nosotros somos más populares que Cristo. Aunque Él fuera una gran persona, sus discípulos lo echaron todo a perder…"
El repudio fue general: la prensa, público y feligreses que los admiraban, se pronunciaron contra las opiniones de Lennon. Así, el Beatle, en unaconferencia de prensa tuvo que reconocer que su comentario había sido equivocado y que nunca había tenido el significado que se le quiso dar.
Fue tanta la molestia que les dejó este viaje que decidieron tomar 4 meses de vacaciones. Durante ellos Paul vivió en el campo, George y su esposa viajaron a la India y Ringo se dedicó a la vida nocturna. Sólo John se sentía abandonado. "Vivir sin Los Beatles es como pisar el vacío", decía y pasaba los días refugiado en la marihuana. En estos 4 le fue ofrecido participar del elenco de la película "Como gané la guerra". Durante el rodaje se rapó y cambió los lentes de contacto por unos anteojos redondos, con armazón de alambre, los que lo caracterizarían para el resto de su vida.
Ya al volver a juntarse, la marihuana era sólo un recuerdo para ellos, ahora usaban drogas más fuertes como el LSD. Producto de ellas fueron creando canciones cada vez más excéntricas, tal como lo eran sus "vuelos" y visiones. Nuevas armonías, letras profundas y mensajes no muy claros para el público que no sabía lo que estaba pasando.
"Rubber Soul" y "Revolver" fueron grabados en esa época usando técnicas novedosas. Agrupaban canciones tan importantes como "Michelle", "Rain", "Yellow Submarine", "For no One", "Taxman" (escrita por George), "Eleanor Rigby" (un descarnado retrato de las personas solitarias, escrita por Paul), "Tomorrow Never Knows" y "In my Life" (una sincera introspección que desnuda el alma de Lennon). Estas canciones marcaban el comienzo de la era psicodélica del grupo que culminaría con "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band", grabado en sólo 4 meses y definido como el mejor resumen de los psicodélicos sesenta. En todas estas canciones, la influencia del LSD, se hacía notar ya que todos, salvo Paul, lo consumían con frecuencia.
En busca de respuestas el grupo viajó a la India, detrás del santón Maharishi Magesh Yogui, con el que siguieron un curso de meditación que les obligaba a dejar las drogas.
Aunque este personaje no les brindó las respuestas que esperaban, fue en la India donde compusieron a lo menos 30 de sus mejores canciones. A regreso se enteraron que Brian Epstein había muerto completamente intoxicado.
6. el principio del fin
Todos los que rodeaban a los Beatles parecían ser parte de ellos, salvo Cynthia, la esposa de John, muy distinta a él (nunca había fumado ni tomadoalcohol), cada día las diferencias se hacían más notorias entre ellos. Por esta razón es fácil entender como John pudo involucrarse con Yoko Ono, una extraña japonesa que conoció en una galería de arte.
En poco más de un año, John y Yoko eran amantes por lo que Cynthia decidió irse de la casa al encontrar a la japonesa metida en su propio hogar.
La entrada de Yoko a la vida de Lennon fue una gran molestia para el resto del grupo pues ella estaba siempre con John.
Tampoco los intereses del resto parecieron ser los mismos. George, por ejemplo decidió dejar para siempre los psicodélicos y Paul se vio cada vez más involucrado en proyectos musicales.
Después de la muerte de Brian, Paul pensó que podría tomar las riendas del grupo y los involucró en un proyecto llamado "Magical Mistery Tour" compuesto de una película y un longplay. Al comienzo la idea fue aceptada, pero el video fue catalogado de un "asco" y sólo lo musical les reportó aplausos y muchos dólares.
En esta época terminó también el romance que mantenía hace 5 años Paul y la actriz Jane Asher. Entonces decidió viajar a EE.UU. por razones denegocios. Allí se encontró con Linda Eastman, una aprendiz de fotógrafa que había conocido en un viaje anterior. Luego de este viaje intentó volver con Jane pero ella jamás aceptó una reconciliación. Paul llamó a Linda a los Estados Unidos para invitarla a conocer su casa de Londres, de la cual, una vez allí, nunca más se marcharía.
John y Yoko por su parte se habían sumergido en el mundo de las drogas fuertes, al punto de que la policía inglesa llegó a arrestarlos. Este escándalo, junto con el lanzamiento de su primer disco en pareja que tenía como carátula una foto de ellos donde se mostraban completamente desnudos, hizo que se acentuaran aún más las diferencias del grupo, las que ya nadie podría resolver.
A comienzos de 1969 Paul intentó juntar nuevamente a los Beatles con la grabación de un nuevo disco que se llamaría "Get Back!" (¡vuelve!) y que debería ser una forma de volver a sus raíces. Pero los demás no estaban de acuerdo. La idea de una gira fue desechada acordando realizar un concierto al final de la grabación, la que daría origen más tarde a un documental.
Este concierto se realizó en la azotea del edificio Apple, en Savile Row 3. Abajo se congregó una gran cantidad de gente ante tan inusual espectáculo.
Luego de esto, Paul se hizo asesorar financiera y legalmente por su suegro y cuñado, ahora que se había casado con Linda. El resto del grupo no aceptó que ellos se inmiscuyeran en los asuntos del grupo así que los problemas entre ellos aumentaron.
7. caminos separados
John por fin pudo casarse con Yoko e iniciaron las "Ocupaciones de Cama", originales formas de protesta contra todo lo que les parecía injusto. Ahora, el LSD ya no los calmaba y empezaron a experimentar con drogas todavía más fuertes como el hachís. Ni él, ni Yoko podían abandonar este vicio, aunque se sometieron a terapias, volvían a caer.
Esta es la época en que John graba su primer disco como solista: el John Lennon/Plastic Ono Band, un disco autobiográfico.
Gracias a su nuevo representante, Allen Kein, el nuevo disco "Abbey Road", considerado la obra maestra del grupo, pudo vender más de 5 millones de copias en un año.
Pero Paul no se convenció de este representante así que se retiró a vivir en el campo junto a su familia. Allí, como réplica al trabajo de Lennon, grabó su primer disco como solista.
En ese momento también fue el lanzamiento de la película documental de su último trabajo, cuyo título "Get Back" fue cambiado por "Let it be". Además se pusieron a la venta el LP de Paul y un trabajo de Ringo como solista.
Ninguno de los Beatles fue al cine el día del estreno de "Let it Be" Ese mismo día George comenzó a grabar su primer álbum como solista titulado irónicamente "Al final, todo termina", el que recibió muy buenas críticas.
8. el punto final
Como el resto de los Beatles se negara a disolver Apple (la empresa que habían creado), Paul decidió demandar a sus amigos, ya ningún arreglo sería posible.
Cada uno siguió con su vida: Paul viviendo con Linda, que a la larga, resultó ser la mujer ideal para él.
Ringo se divorció de Maureen, sospechando que le había sido infiel ¡con George! Y por lo mismo terminó el matrimonio de George y Patty Boyd, quien se convirtió en la mujer del guitarrista Eric Clapton.
Por años John luchó por encontrar sus "respuestas". Viviendo en una simbiosis con Yoko, a los pocos años el hastío y la diaria locura hizo que ella decidiera separarse del hombre que igualmente amaba. John estaba desolado y para volver ella "sólo" le exigía que no probara nunca más una droga.
Después de un año Yoko aceptó volver a vivir con John. Desde ahí la vida le cambió. John se dedicó a vivir sencillamente, tuvieron un hijo llamado Sean y la familia se consolidó.
Después de cumplir cuarenta años, John decidió volver a la música. Un día antes de morir John Winston Lennon daría su última entrevista. Allí dijo:
"Hablo a la gente que ha pasado por lo mismo que hemos pasado nosotros, los grupos de los sesenta que han sobrevivido a la guerra…, a las drogas, a la política, a la violencia en las calles, a todo ese despelote. A ellos es a quienes yo hablo. Lo que nos mostraron los sesenta fueron las posibilidades que había y la responsabilidad que teníamos todos. Aquello no era una respuesta, sino una visión de las posibilidades que teníamos. Y en los sesenta todo resultó mal. Posiblemente en los ochenta todos diremos: proyectemos el lado positivo de la vida."
¿Cómo?
- Lo único que pido es que se dé una oportunidad a la paz. Y no es que yo tenga una respuesta o proponga una nueva organización para la sociedad, porque eso no es cierto ni creo que nadie la tenga. Si hay alguien, ¡que me muestre el plan!
¿No tiene usted intención de volver a presentarse como una estrella masculina de rock?
- Ya he pasado por la ilusión infantil de ser un "Elvis" y hacer lo que me gustaba y sobresalir en el mundo del espectáculo. Quiero estar con mi mejor amigo… y mi mejor amigo es mi mujer. ¿Quién puede pedir más?
¿Qué dijo la gente cuando usted se relacionó con Yoko y con el tipo de arte que ella creaba?
- La gente decía: "Esa bruja japonesa lo está volviendo loco". Pero lo único que ella hizo fue sacar de mi interior esa parte fantástica, que hasta entonces yo había tenido inhibida.
¿Necesita usted a Yoko?
- Muchísimo. No podría sobrevivir sin ella, ni seguir funcionando como ser humano. Cuando nos separamos, por un tiempo, me hice pedazos…, no podía sobrevivir sin ella… Me siento como un chiquillo al pensar que me quedan tantos años por delante con Yoko y nuestro hijo… O al menos, eso es lo que espero.
¿Piensa en la muerte?
- Espero morir antes que Yoko, porque si ella muriese yo no sabría cómo sobrevivir. No podría seguir adelante.
Horas más tarde el cuerpo ensangrentado de John sería llevado al hospital Roosevelt, allí trataron de revivirlo pero todo fue inútil. Cuatro tiros disparados por Mark David Chapman, de 25 años, terminaron con la vida del ex-líder de los Beatles.
La historia había terminado.
Conclusión
Los Beatles fueron y seguirán siendo un gran fenómeno, y no sólo musical. Eso lo descubrimos al hacer este trabajo.
También nos dimos cuenta de toda la historia que hay detrás, el esfuerzo y los desvíos, los que a veces, simplemente, pasamos por alto. Gracias a este trabajo conocimos sus inicios, lo duro que les fue hacerse un lugar dentro de la música y lo difícil que es olvidarlos.
Podríamos decir que los Beatles se acabaron cuando John conoció a Yoko, lo cual de algún modo es cierto, pero la verdad es que en esta afirmación existe algo mucho más profundo. El buscar su propia personalidad, las drogas, lo exigentes que podemos llegar a ser nosotros como fans, en fin, todo un proceso que gracias a esta investigación llegamos a conocer un tanto mejor.
Por último, quisiéramos expresar que siempre van a estar en nuestras mentes y corazones canciones como "Let it Be" o "Yesterday", que creemos, hasta nuestros nietos van a llegar a conocer, porque el fenómeno Beatle no morirá tan fácilmente.
Como todo el mundo sabe, la historia de The Beatles comienza en Liverpool, una ciudad portuaria e industrial del centro de Londres, con un intenso tráfico marítimo hacia los puertos estadounidenses y europeos.
John Lennon y Richard Starkey (Ringo Starr) nacieron en 1940, Paul McCartney en 1942 y George Harrison en 1943. La vida de todos ellos fue la de chicos de barrio de clase media baja. La infancia más turbulenta fue la de Lennon, cuyo padre abandonó a su madre quien, a su vez, murió atropellada por un policía borracho. Por el contrario (como casi siempre) el papel opuesto lo tuvo McCartney, que nació en una familia más "normal" en la que recibió sus primeras nociones de música.
Los inicios de The Beatles arrancan desde las primeras fiestas estudiantiles y actuaciones en salones parroquiales y ceremonias familiares con distintas formaciones y nombres como The Quarrymen. El grupo se profesionaliza cuando embarcan hacia Hamburgo John, Paul y George (los tres con guitarras) más Stuart Stuclife al bajo y Pete Best a la batería. Es en Hamburgo donde realmente se pule el grupo en noches interminables tocando a todo volumen en bares de mala muerte.
De vuelta a Liverpool (en Hamburgo se dejaron a Stuclife) comienzan a tocar regularmente en The cavern un pub de baile con música en vivo a diario. Este pub, hoy demolido, es el verdadero punto de arranque de la leyenda. En una de estas actuaciones son vistos por Brian Epstein, un comerciante que dirigía una tienda de discos, quien les consigue una sesión con George Martin, un productor de la EMI dedicado a buscar nuevos talentos. En las audiciones, Martin decidió que no le gustaba cómo tocaba Pete Best y el resto del grupo decidió darle esquinazo con tal de grabar el disco y metieron a Ringo Starr. En septiembre de 1962 se graba Love me do que obtiene un aceptable éxito y llega al Top20 de singles, lo que les abre el camino para iniciar una exitosa gira nacional. Ya en 1963, Please, please me llega al número uno en Inglaterra y la fama de The Beatles empieza a crecer desmesuradamente.
A mediados de 1963 sale su primer LP Please, please me que tiene un éxito arrollador y a partir de aquí inician una carreara imparable de éxitos. Con la gira por los Estados Unidos, su fama ya se hace mundial y alcanzan el máximo reconocimiento cuando la reina de Inglaterra les nombra caballeros del Imperio (entre las protestas de otras viejas glorias) y cuando son elegidos para inaugurar con All you need is love el primer canal internacional de televisión.
Sin embargo, agotados por las giras, las presentaciones, las intervenciones públicas, los homenajes, etc., The Beatles abandonan los conciertos en vivo a partir de 1966 (sus canciones también se habían hecho demasiado comlejas para ser interpretadas en directo) y se dedican a hacer discos.
A partir de 1968, las relaciones entre Lennon y McCartney empiezan a tensarse. No creo que se deba sólo a la aparición de Yoko Ono o a las pretensiones empresariales de McCartney y su entorno; seguramente sería todo eso y muchas más cosas y, fundamentalmente, al hecho de que además de ser unos genios, tendrían que haber sido unas personas perfectas para aguantarse quince años sin pelearse, siendo tan distintos como eran. Desde 1969, el grupo deja de existir como tal. Se graba la película/documental Let it be y mientras se realiza el proceso de producción y montaje del LP y de la película, graban un último disco, Abbey roaden el que recogen sus últimas canciones, temas inacabados y una especie de mix de restos. Esto es lo último que hacen. Cuando salen el disco y la película Let it be en 1970, el gupo ya no existe.
El grupo, por otra parte, nunca se volvió a reunir ni lo volverá a hacer por la trágica muerte de John Lennon, asesinado en 1980 en Nueva York. La tecnología ha hecho posible que todavía se publiquen temas inéditos con la voz de Lennon y otros experimentos pero, claro, ya no es lo mismo.
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