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By jagger Pioneros: The Byrds

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Pioneros: The Byrds

By jagger

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Episode in Pioneros: The Byrds

The Byrds fue una de las mejores bandas de rock estadounidense y de la historia s formaron en Los Ángeles, a principios de 1964, pionera del Folk-Rock y el rock psicodélico e inventores y precursores de un nuevo sonido, el country-rock, siendo considerados como una de las respuestas americanas a la invasión británica, así como los mejores intérpretes de versiones a canciones de Bob Dylan. La génesis de este grupo se remonta a principios de los sesenta cuando Jim McGuinn (que posteriormente cambiaría su primer nombre a Roger), David Crosby y Gene Clark se reunieron para grabar el primer demo de una banda que hasta ese entonces se llamaba Jet Set. Luego, con la ayuda de algunos músicos de sesión, grabaron un sencillo para el sello Elektra, esta vez bajo el nombre The Beefeaters que posteriormente, y con la adición del baterista Michael Clarke y Chris Hillman en bajo y mandolina, pasaría a llamarse The Byrds. Hablar de los primeros éxitos de los Byrds, es hablar de Bob Dylan o Pete Seeger, ya que las versiones que hicieron de sus canciones fueron realmente impresionantes. Como muestra, un boton: "Mr. Tambourine man", "Spanish Harlem incident" o "All I really want to do" de Dylan, y "The bells of Rhymney" o "Turn turn turn" de Seeger. El primer éxito les llegaría en Enero de 1965, con un tema de Dylan, hablamos de "Mr.Tambourine man". En esta época, los Byrds trataban de fusionar el estilo Dylan con el estilo Beatles, todo ello complementado por el genial Gene Clark, que se convirtió en uno de los más grandes compositores de la época. "Mr.Tambourine man" llega al número 1, y es entonces cuando la discográfica Columbia Records quieren hacer llegar a la opinión pública, que los Byrds son la respuesta norteamericana a los Beatles, creándose entonces grandes expectativas (cosa que no compartían en absoluto los propios Byrds). Es en esta época cuando el gran Jim McGuinn, con sus gafas a lo Benjamin Franklin y su maravillosa aportación vocal al tema "Mr.Tambourine Man" se convierte en el ídolo de las fans. Este extraordinario año 1965, no solo dejaría "Mr.Tambourine man" como única joya de los Byrds, también hay que destacar otras delicias de Dylan, "All I really want to do" y "Chimes of freedom", así como uno de los primeros éxitos compositivos de Gene Clark, hablamos de "I'll feel a whole lot better" y el clásico de I.Davies y P.Seeger "The bells of Rhymney". El año 1966, es el año de "Turn turn turn", maravillosa melodía de Peter Seeger (sacada del Book Of Ecclastiastes), es una canción folk, pero la versión de los Byrds, realza el tema con un ritmo diferente al original, y por su puesto, con una incomparable armonía de voces que solo los Byrds sabían expresar. El álbum Turn Turn Turn (Dic.65/Marzo 66) incluía otros éxitos del monumental Dylan y fantásticas composiciones de Clark, como "Set you free this time", también destacar el tercer Lp, Fifth Dimension con temas compuestos por McGuinn, como la propia "Fifth dimension" o "Mr.spaceman". Otros éxito de 1966 sería una de las más grandes canciones en la historia del rock, donde la famosa Rickenbacker de 12 cuerdas de Jim McGuinn simplemente, explota musicalmente hablando, una maravilla, hablamos de "Eight miles high", compuesta por el trió Clark, McGuinn y Crosby. Como anécdota decir que muchas emisoras de radio vetaron esta canción en Estados Unidos al sospechar que la canción hablaba sobre el consumo de drogas. Es en esta época cuando Gene Clark abandona el grupo, algunos sugieren que por sus problemas a la hora de tomar los aviones, por los que sentía verdadero pánico, otros dicen que pudo ser debido a los conflictos dentro del grupo, debido a su rol dentro de los Byrds. El caso es que Clark deja el grupo y forma ese mismo año su propio grupo, Gene Clark & The Group, con Bill Rhinehart, Chip Douglas y Joe Larson. Llegamos al año 1967, los Byrds acuden de nuevo al genio de Minneapolis, Dylan, y nos encontramos con maravillas dylanianas como "My Back Pages", también hay que destacar otras canciones como "Wasn't Born to Follow", "Lady Friend", "Goin' Back" o el tema de Hillman "Have You Seen Her Face". Como curiosidad citar el tema de McGuinn y Hillman, "So You Want to Be a Rock'n'Roll Star", una canción critica sobre las estrellas de rock artificiales (¿Quizás dedicada a los Monkees?). De este año destacar el maravilloso Lp Younger Than Yesterday. A partir de 1968 en adelante, los Byrds fueron tirando más hacia la música folk y Country, siguen versionando a su ídolo Dylan, con temas como "You Ain't Going Nowhere" de 1968, una delicia en las voces de los Byrds o "Lay Lady Lay" un año más tarde, en 1969. Es en este año, 1969, cuando otro miembro original de los Byrds, David Crosby decide abandonar el grupo y formar uno de los denominados Supergrupos, que abundaban en aquella época, hablamos del trio Crosby, Stills and Nash. Donde además de Crosby, estaba Stephen Stills (de los Buffalo Springfield) y Graham Nash (de los Hollies). En los 70, el grupo, ya con McGuinn como, prácticamente, único compositor, lanzan algunos buenos temas, como "Ballad of Easy Rider" para la película Easy Rider, "Chesnut Mare" o "I Trust" son otros de los temas de McGuinn. En 1973, el grupo estaba formado por McGuinn, Hillman, Clarence White y Joe Lala. Es en este año cuando se decide intentar, sin éxito, la vuelta de los originales Byrds. Debido al fracaso, McGuinn, Hillman, Clark, Crosby y Clarke, deciden que el nombre Byrds, sea solo usado cuando los miembros originales se vuelvan a reunir de nuevo.

Pop and Pop-Rock 11 years

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Pioneros: Leonard Cohen (Incompleto) «Primero tomaremos Manhattan. Luego, Berlín». Sus versos resuenan más premonitorios que nunca en estos tiempos de crisis e indignación globalizadas. El tímido canadiense errante que viaja con una maleta cargada de planes de santidad, visiones redentoras y maestría musical Leonard Norman Cohen o Leonardo, como lo llamaba Enrique Morente nace en el seno de una familia judía acomodada de Montreal el 21 de septiembre de 1934, es un poeta, novelista y cantautor canadiense. Como músico ha desarrollado una carrera con una continua exploración de temas como la religión, la política, el aislamiento, las relaciones personales y la sexualidad. Ha sido definido como «uno de los cantantes y compositores más fascinantes y enigmáticos de finales de los 60. Ha conservado un público a través de cuatro décadas de música. Solo por detrás de Bob Dylan —y quizás Paul Simon— en términos de influencia, llama la atención de la crítica y de jóvenes músicos con más firmeza que cualquiera otra figura musical de la década de 1960 que aun está activo en el siglo XXI». Cohen ha sido introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de los Estados Unidos y en el Salón de la Fama Musical de su país natal. Es miembro de la Orden de Canadá y de la Orden Nacional de Quebec. En 2011 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras Solo cuenta nueve cuando fallece su padre, hecho que marcará su vida confiriendo al artista ese aspecto serio e introspectivo que convertirá en marca de la casa. A los 15, más o menos al mismo tiempo que descubría la poesía de Lorca, compra una guitarra en una casa de empeños y aprende a tocarla gracias a un joven español al que conoce en un parque. «El día de la cuarta clase, cuando llamé a su pensión, la casera contestó al teléfono. Me dijo que el guitarrista había muerto. Se había suicidado recordaría Leonard, unos 60 años después, en la entrega del premio Príncipe de Asturias de las Letras. Yo no sabía nada de aquel hombre, por qué había venido a Montreal, por qué se había quitado la vida, pero aquellos seis acordes que me enseñó han constituido la base de todas mis canciones y de toda mi música». En 1967, decepcionado por su falta de éxito como escritor, Cohen se trasladó a los Estados Unidos para comenzar una carrera como cantautor folk. Su canción «Suzanne» fue un notable éxito de la mano de Judy Collins, y durante muchos años fue su canción más versionada. Tras tocar en varios festivales de folk, ganó la atención de John H. Hammond, representante de Columbia Records que años antes fichó para la compañía a Bob Dylan. El primer álbum de Cohen con Columbia fue Songs of Leonard Cohen (1967)que obtuvo un notable éxito tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, país donde pasó casi un año en las listas de ventas, varias de sus canciones fueron versionadas por otros artistas de folk como James Taylor y Judy Collins. «The Stranger Song», «Winter Lady» y «Sisters of Mercy» fueron incluidas en la banda sonora del largometraje McCabe & Mrs. Miller. Este primer album fue seguido por Songs from a Room (1969) y Songs of Love and Hate (1970). En 1970, Cohen salió por primera vez de gira, por los Estados Unidos, Canadá y Europa, y apareció en el Festival de la Isla de Wight. Dos años después, volvió a salir de gira por Europa e Israel. Ambas giras estuvieron representadas en el álbum Live Songs. La gira de 1972 fue también filmada por Tony Palmer bajo el título de ”Bird on a Wire”, publicado según el criterio de Cohen en 1974. La edición original de Palmer fue recuperada en 2010. En 1974 comenzó una asociación musical con el pianista y arreglista John Lissauer. Ambos salieron de gira por Europa, Estados Unidos y Canadá entre finales de 1974 y comienzos de 1975, en apoyo del nuevo álbum de Cohen, “New Skin for the Old Ceremony”, producido y arreglado por el propio Lissauer. A finales de 1975, Coheny Lissauer llevarona cabo una serie de conciertos en Norteamérica con una nueva banda, en los que incluyó nuevas canciones para un álbum en progreso, coescrito por Cohen y Lissauer y titulado “Songs for Rebecca”. Sin embargo, ninguna de las grabaciones de la gira fueron publicadas oficialmente, y el álbum fue abandonado en 1976. Parte de las canciones fueron reescritas y recuperadas para “Death of a Ladies' Man”, un álbum producido por Phil Spector. Tras el lanzamiento en Europa de “The Best of Leonard Cohen”, el músico volvió a salir de gira, entre abril y julio, Cohen ofreció 55 conciertos, incluyendo su primera aparición en el Festival de Jazz de Montreux. Una vez finalizada la gira por Europa, Cohen volvió a intentar un nuevo cambio en su estilo musical con “Death of a Ladies' Man”, un álbum caracterizado por la producción musical de Spector, con una densa instrumentación en contraposición al minimalismo musical de sus primeros trabajos. La grabación estuvo llena de dificultades: Spector mezcló el álbum en secreto, a espaldas de Cohen, y el músico llegó a comentar que lo amenazó con una ballesta. El músico comentó que el resultado final le pareció «grotesco», pero al mismo tiempo «semivirtuoso», Cohen no tomó parte en la promoción del álbum, aunque llegó a interpretar en sucesivas giras «Memories» y «Iodine», dos temas del álbum. Sin embargo, ninguna canción fue incluida en los recopilatorios “More Best of Leonard Cohen” y “The Essential Leonard Cohen”. “Recent Songs”, publicado dos años después, supuso un retorno al estilo tradicional de sus primeros trabajos y fue el primero co-producido por el propio Cohen. El álbum incluyó la participación de Passenger, una banda de jazz fusion que el músico conoció a través de Joni Mitchell y que introdujo instrumentos como el violín, la mandolina y el laúd árabe al registro de Cohen. El álbum fue promocionado con una nueva gira mundial, con el apoyo de Jennifer Warnes y Sharon Robinson como coristas. “Field Commander Cohen: Tour of 1979”, publicado en 2000, incluyó grabaciones en directo de la gira de 1979. A comienzos de la década de 1980, Cohen coescribió el documental musical Night Magic con Lewis Furey. Lissauer produjo su siguiente trabajo,” Various Positions”, publicado en diciembre de 1984. El álbum incluyó «Dance Me to the End of Love», promocionado con el primer videoclip del músico, dirigido por el fotógrafo francés Dominique Isserman, así como «Hallelujah», su canción más versionada. Cohen apoyó el lanzamiento de” Various Positions” con su gira más extensa a través de Europa y Australia, así como con las primeras fechas en Canadá y Estados Unidos desde 1975. La gira supuso la primera colaboración de Cohen con Anjani Thomas, futura compañera sentimental y corista del grupo. El grupo tocó en el Festival de Jazz de Montreux y en el Roskilde Festival, y ofreció varios conciertos en Polonia, coincidiendo con un estado de Ley Marcial, en los que interpretó «The Partisan», himno del sindicato independiente Solidaridad. Durante los años 80, una gran parte de las canciones de Cohen fueron interpretadas en polaco por Maciej Zembaty.18 En 1986, el músico apareció en un episodio de la serie de televisión Miami Vice. Un año después, el álbum tributo de Jennifer Warnes “Famous Blue Raincoat” ayudó a restaurar la carrera musical de Cohen en los Estados Unidos y en 1988, publicó “I'm Your Man”, un álbum con un marcado uso de sintetizadores y con letras que incluyeron comentarios sociales. El álbum, autoproducido por Cohen, fue uno de sus mayores éxitos comerciales, y fue promocionado con un video grabado en blanco y negro por Dominique Isserman y rodado en la playa de Normandía. Cohen lo promocionó con varias entrevistas en televisión y una extensa gira por Europa, Canadá y Estados Unidos. Varios conciertos fueron emitidos en canales de televisión estadounidenses y en estaciones de radio. La gira consolidó la estructura básica de futuras giras, con conciertos de tres horas de duración divididos en dos actos. Aunque ninguno de los conciertos fue publicado en su totalidad, varias grabaciones de la gira fueron recopiladas en el álbum 2Cohen Live” (1994). El uso de la canción «Everybody Knows» en la banda sonora de “Pump Up the Volume” y en la película canadiense” Exotica” favoreció una mayor exposición de la música de Cohen a una nueva generación. En 1992, Cohen publicó “The Future”, que exhorta, a menudo en términos proféticos, a la perseverancia, la reforma y la esperanza ante sombrías perspectivas. Tres canciones de “The Future” —«Waiting for the Miracle», «The Future» y «Anthem»— fueron incluidas en la película “Natural Born Killers”, las letras reflejaron un mayor interés por malestares políticos y sociales, con «The Future» inspirada parcialmente en los disturbios de Los Ángeles de 1992. El músico promocionó el álbum con dos videoclips de «Closing Time» y «The Future», y volvió a salir de gira por Europa, Estados Unidos y Canadá con el respaldo de la misma banda de su anterior gira. Un año después, Cohen publicó “Stranger Music: Selected Poems and Songs”, su primer libro de poemas en varios años, y en el que había estado trabajando desde 1989. En 1994, comenzó una reclusión de cinco años en Mount Baldy Zen Center, un centro zen cerca de Los Ángeles. Dos años después, fue ordenado monje budista de la escuela Rinzai con el nombre de Jikan, que significa «silencio», y sirvió como asistente personal de Kyozan Joshu Sasaki. En 1997, supervisó la selección de canciones y el lanzamiento del recopilatorio “More Best of Leonard Cohen”, que incluyó «Never Any Good», una canción previamente inédita. Tras abandonar su reclusión monástica, Cohen volvió al estudio de grabación en mayo de 1999. Comenzó a contribuir frecuentemente con la página web The Leonard Cohen Files, enviando nuevos poemas y dibujos de Book of Longing y primeras versiones de nuevos temas como «A Thousan Kisses Deep».21 La sección de la web con las contribuciones del músico fue titulada como «The Blackening Pages». Tras dos años de producción, Cohen publicó en 2001 “Ten New Songs2, su primer disco en casi una década, con una fuerte influencia de Sharon Robinson. El álbum, grabado en los estudios personales de Cohen y Robinson, incluyó la canción «Alexandra Leaving», una adaptación del poema «The God Abandons Antony», del poeta griego Constantine P. Cavafy. El álbum obtuvo un notable éxito en Canadá y Europa, y fue apoyado por el sencillo «In My Secret Life» con un videoclip dirigido por Floria Sigismondi. En octubre de 2004, Cohen publicó “Dear Heather”, una colaboración musical con la cantante y compañera sentimental Anjani Thomas, aunque Robinson también participó en tres canciones, refleja un cambio en el estado de ánimo de Cohen, que el propio músico atribuyó en diversas entrevistas al budismo zen. Aunque no promocionó el álbum, publicó un video musical de la canción «Because Of» dirigido por su hija Lorca Cohen. Una década después de publicar”Stranger Music: Selected Poems and Songs, Cohen volvió al terreno literario con Book of Longing. Publicadoen mayo de 2006, las primeras 1500 copias vendidas a través de Internet y firmadas por el autor fueron vendidas en unas horas, convirtiéndose al poco tiempo en un best seller en Canadá. El 13 de mayo, hizo su primera aparición pública en trece años durante una firma de libros en una tienda de Toronto. Durante la firma, también cantó «So Long, Marianne» y «Hey, That's No Way to Say Goodbye». En 2006, Philip Glass compuso música para el libro Book of Longing. Tras una serie de conciertos que incluyeron textos hablados y grabados por Cohen y el acompañamiento de Glass en los teclados y de cuatro coristas, la compañía Orange Mountain Music publicó Book of Longing. A Song Cycle based on the Poetry and Artwork of Leonard Cohen, un doble disco con la grabación del trabajo. Updated

Pioneros: Franco Battiato Franco Battiato. Cantautor y músico, nacido en Sicilia (Italia) el 23 de marzo de 1945. Personalidad entre las más eclécticas y originales de cuantas han aparecido en el panorama cultural italiano de las últimas décadas, ha pasado por múltiples estilos musicales: los inicios románticos, el progressive pop, la música culta o la música étnica, consiguiendo siempre un gran éxito de público y trabajando con colaboradores excepcionales. Muy unido a su madre Grazia, que murió en 1994, nunca le ha gustado la vida social, prefiriendo vivir de manera discreta en las faldas del Etna. Habiéndose mudado a Milán a los 19 años, después de haber terminado el secundario, pronto entra en contacto con el ambiente musical: es Giorgio Gaber, en 1968, quien le produce el primer single. A finales de la década de los ’60, el interés de nuestro autor se mueve hacia argumentos espirituales y la práctica de la meditación. Eso es reflejado también en los aspectos artísticos: alejándose de la música ligera, debuta con un álbum, “Fetus” (1971), dedicado al escritor Aldous Huxley, caracterizado por un experimentalismo atestiguado por el recurso abundante a la electrónica. Con las mismas características se lanza el sucesivo "Pollution" (1972), que mezcla a Bach y Strauss con los usuales ingredientes. En 1973 publica "Sulle corde di Aries - En las cuerdas de Aries" (1973), “Clic” (1974) y sigue un tríptico de obras de transición, “M.elle le “Gladiator” (1975), “Battiato” (1976, que marca su llegada a la casa discográfica Ricordi) y “Juke Box” (1977): en este último álbum comienza su colaboración con un violinista de la Scala, Giusto Pio, que tendrá un rol importante en el desarrollo de su obra. En “L’Egitto prima delle sabbie – El Egipto antes de las arenas” (1978), constituido por dos largos temas, tenemos el reflejo de esas repeticiones "minimales" que constituirán el centro de "Music for Airports" de Brian Eno. Un segundo cambio de etiqueta, en favor de la Emi, marca el cambio de paso definitivo: “L'era del cinghiale bianco – La era del jabalí blanco” (1979) anuncia el día nuevo – sobre todo en el tema que da el título al disco y en el hermoso “Stranizza d’amuri” - y “Patriots” (1980) funde instancias experimentales con sonidos pop, de forma tan efectiva que se convierte en un objeto de culto para las radios. Ambos Álbumes parecen una especie de ensayo general para "La voce del padrone - La voz del patrón" (1981), admirable síntesis de las materias más diferentes, la sencillez para los rankings y la elegancia elíptica de las letras, los ritmos bailables y las exquisiteces exótico-históricas. Más de un millón de ejemplares vendidos convierten al cantautor siciliano en una auténtica pop star: para confirmar, el autor firma temas exitosos para varias intérpretes femeninas, desde Alice (que con “Per Elisa – Por Elisa” gana en el año 1981 el Festival de San Remo) a Milva (por ejemplo, la soberbia Alexanderplatz”, en 1982), hasta Giuni Russo (triunfadora en los rankings del año 1982, gracias a la muy agradable “Un'estate al mare – Un verano en la playa”). Sin embargo, el rol no tiene que resultar grato al artista de Catania, ya que, con “L’arca di Noe – El arca de Noé” (1982), se interna en zonas musicalmente ásperas – creando desconcierto en los fans más recientes, a causa, también, de letras bastante crípticas – y en “Orizzonti perduti – Horizontes perdidos” (1983) insiste con los mismo temas, causando una inevitable reducción de las ventas. Sin embargo, alcanza un vértice en “Mondi lontanissimi – Mundos muy lejanos” (1985), disco de síntesis y de recapitulación, rico de temas extraordinarios (“No Time No Space”, “L’animale – El animal”, “Chan-son egocentrique”, y aquella “I treni di Tozeur – Los trenes de Tozeur” ejecutada en 1984, en pareja con Alice, en el escenario del Eurofestival). En del año 1987 la primera verdadera ópera de Battiato: presentada en el Teatro Regio de Parma, “Genesi – Génesis” (1987) obtiene buenos comentarios de la crítica y un buen éxito de público, permitiendo el lanzamiento de "Fisiognómica” (1988), óptima obra en que se encuentran, entre otros temas, “E ti vengo a cercare – Y voy a buscarte” y “Nomadi - Nómadas”. Un año más tarde, al fin, sale un doble cd en vivo, que incluye tres temas nunca grabados antes (“Lettera al governatore della Libia – Carta al gobernador de Libia", "Alexander platz” y “Mesopotamia”, inicialmente asignada a Gianni Morandi). El período tal vez más feliz de Battiato termina aquí: aunque sucesivamente siempre quede muy activo (con títulos como “Come un cammello in una grondaia – Como un camello en un canalón”, 1991; “Caffè de la Paix”, 1993; “L’ombrello e la macchina da cucire – El paraguas y la máquina de cocer”, 1995; “L’imboscata – La emboscada”, 1996; “Gommalacca – Goma laca”, 1998), a pesar de que no falten canciones de absoluto nivel (desde “Povera patria – Pobre patria” a “Breve invito a rinviare il suicidio – Breve invitación a aplazar el suicidio”, de “Strani giorni – Días extraños” a “La cura”, de “Shock in my town” a “E’ stato molto bello – Ha sido muy hermoso”), parecen haberse perdido el entusiasmo, la fuerza, la capacidad de asombrar. Los siempre agradables “Fleurs” (1999-2002; tres recopilaciones de covers de antaño, italianas y no) demuestran dificultades en la proposición de inéditos, confirmada por la forma no excelsa mostrada en “Ferro battuto – Hierro forjado” (2001, con una versión de “Hey, Joe” de Hendrix) y en “Dieci stratagemmi – Diez estratagemas” (2004). Ni siquiera su actividad de director cinematográfico, desde “Del perduto amor – Del perdido amor” (2003) a “Musikanten” (2005), ha, encontrado, lamentablemente, el aprecio de la crítica y del público. Updated

Pioneros: Bruce Springsteen (Incompleto) Bruce Springsteen, para algunos especialistas, está dentro de un selecto grupo de figuras del rock and roll tales como Chuck Berry, Elvis Presley, los Beatles y Bob Dylan. Al igual que estos artistas de la música popular, Springsteen ha sido fundamental en la evolución y desarrollo de esa música a mediados de los años setenta. Es uno de los herederos de Bob Dylan, pero quizás el único que pudo sobrepasar su momento de moda y perdurar con una base de admiradores gigante. La energía en sus presentaciones, el poder de sus letras y la empatía que desarrolló con su público han sido la clave del porqué ha perdurado. Cuando Bruce Springsteen logró entrar a la escena rocanrolera norteamericana a finales de 1975, algunos críticos lo llamaron el salvador del rock and roll, por ser el artista que recogía la exuberancia del rock de los años 50 y las letras concienzudas de los años sesenta, moldeadas en el estilo de los años 70. Su música era fuerte como la de Jerry Lee Lewis, sus letras eran tan complejas como las de Bob Dylan y sus conciertos se habían convertido en una suerte de ceremonia religiosa que celebraba lo mejor de la música. Uno de los críticos se enamoró de su música a tal punto que dejó la crítica para convertirse en su representante. Pero las alabanzas impulsadas por la máquina publicitaria de su casa de discos fueron percibidas por muchos como una moda pasajera. Era un momento de euforia exacerbado por los medios de comunicación más importantes. De hecho apareció en las portadas de las revistas Time y Newsweek, pero ambas empresas estaban cubriendo el fenómeno, no la música que lo empujaba. Sin embargo, aún hoy día Springsteen sigue siendo una estrella que puede ver hacia atrás en su carrera y darse cuenta que ha producido uno de los discos más vendedores de todos los tiempos, que sus conciertos siempre han estado a reventar y que ha ganado premios Grammy al igual que el Óscar, al igual que un grupo de imitadores que han construido una especie de subgénero de la música popular. Aunque ya no parece tener la estatura de una divinidad, se mantiene con un nivel de popularidad lo suficientemente alto como para que su disco de grandes éxitos haya entrado directamente en el primer lugar de las listas. Bruce Frederick Joseph Springsteen nació en 1949 en el seno de un hogar de clase media en Nueva Jersey. Su madre Adele era una secretaria y Douglas, su padre, era chofer de autobús. Su amor por el rock and roll empezó una noche viendo el programa de Ed Sullivan. Esa noche se presentaba Elvis y esa actuación le dio la inspiración que necesitaba para empezar a tocar música. Empezó a tocar la guitarra estando en la secundaria y a los 14 años formó su primera banda: “The Castiles”. Influido por la música de Elvis, Springsteen, después de haberse graduado fue brevemente a la universidad, pero lo que realmente quería era ser músico. Contra los deseos de su padre empezó a tocar con diversas bandas de Nueva Jersey y Nueva York intentando entrar en la escena Folk de la época. En ese período apareció en agrupaciones como “Rogues”, “Dr. Zoom” y “Sonic Boom”, antes de establecerse con la “E-Street Band” con la que tocaría por toda la costa de Nueva Jersey y permanecería en ella hasta 1989. El nombre de esta última banda viene de la calle en la que se ubicaba su estudio de grabación. En la “E-Street Band” estuvieron los teclistas Danny Federici y Roy Bittan; los bajistas Steve Van Zandt y Garry Talent; el saxofonista Clarence Clemens y el baterista Max Weinberg. Su disco LP de 1973 “Greetings from Asbury Park, NJ” marcó el punto de partida de su carrera y fue muy bien recibido por la crítica. Sin embargo, en su lanzamiento vendió muy poco. Fueron sus impactantes presentaciones en vivo las que le hicieron popular. Sus apariciones en público las hacía abriendo para la banda “Chicago”. Al mismo tiempo Springsteen y la E-Street Band produjeron el álbum “The Wild and The Innocent & The E-Street Shuffle” cuyas ventas fueron creciendo en la medida en que se iba dando a conocer. Haciendo giras de forma incesante, Springsteen y la E-Street Band habían armando una base de fanáticos importante. Esa base se había consolidado cuando en el disco de 1973, “E-Street Shuffle” se incluyó “Rosalita (Come Out To Night)”, que se convirtió en una suerte de himno para sus seguidores. Su tercer LP, “Born To Run”, de 1975, fue el que le dio la notoriedad que todo artista necesita para arrancar con paso firme. Era la última oportunidad que tenía con su casa de discos Columbia. El resultado inmediato fue que el sencillo “Greetings from Asbury Park, NJ”, había entrado entre las doscientas canciones más populares, pero fue sacada de golpe por la casa de discos Columbia para darle espacio a “Born To Run” que llegaría a estar entre las cuarenta y el álbum entre los diez más importantes. El disco fue producido al estilo de Phil Spector con muchas pistas de instrumentos dando un aire de rock orquestal. Ese aire épico se puede encontrar en las canciones "Born to Run", "Thunder Road", "Backstreets" y "Jungleland. Ahora lo que necesitaba Springsteen era consolidarse después de semejante éxito. Por eso se dedicó a grabar un nuevo disco y a tocar en vivo toda vez que fuera posible. Sin embargo, no pudo hacerlo con la intensidad que deseaba debido a la demanda que le presentó su antiguo representante. Durante este tiempo el mundo musical había cambiado y para 1978 el movimiento Punk/New Wave estaba en la cresta de la ola. Fue en ese momento que salió a la venta “ Darkness at the Edge of Town”, su cuarto larga duración. Su música no fue tan clásica y por el contrario se quedó en el promedio. En 1980 salió su quinto álbum que contenía 20 canciones en dos LP. “The River” viajaba por diversas temáticas que llegaban a los que querían rock para las fiestas hasta material más serio. “Hungry Heart” fue número 5 en las listas y los conciertos ahora eran de 4 horas seguidas. Consciente de que ya no era un fenómeno pasajero, Bruce Springsteen se retiró brevemente para preparar su siguiente disco: “Nebraska”, un LP que tuvo más cara de demo que de producto acabado. Para esa época Van Zandt, uno de los guitarristas de la banda, dejó la formación para iniciar su propio proyecto. Fue sustituido por Nils Lofgren. Cuando parecía que las cosas habían cambiado por un ritmo más tranquilo vino “Born in the USA” en junio de 1984 y detrás del disco dos años de gira. El disco produjo siete sencillos, vendió más de diez millones de copias y puso a Springsteen a la altura de otras luminarias del pop como Michael Jackson y Prince. Terminando la gira se puso a la venta un álbum quíntuple en el que se recogían las canciones en concierto entre 1975 y 1985. El disco fue número uno en ventas. Como parece ser costumbre en Springsteen su regreso fue un disco introspectivo llamado “Tunnel of Love” en 1987, en el que parecía presagiarse su divorcio. Luego de una gira maratóniana le comunicó a la E Street Band que a partir de noviembre de 1989 seguirían caminos separados, después de 15 años de estar juntos. En marzo de 1992 lanzó dos álbumes simultáneamente: “Human Touch” y “Lucky Town”. Sin embargo, el esfuerzo no tuvo mayor éxito comercial. Un año después grabó un desenchufado para MTV que solamente fue puesto a la venta en Europa. En 1994 ayudó en la grabación de la banda sonora de la película “Philadelphia” para la que compuso “Calles de Filadelfia”. Fue su primer top 10 desde “Tunnel of Love” y ganó cuatro Grammys y el Óscar a la mejor canción original. Su retrospectiva puesta en un disco de grandes éxitos salió a la venta en 1995 entrando a las lista directamente en el número uno y reuniéndolo nuevamente con la E Street Band. Cerró el año con un video y con un nuevo álbum acústico llamado “The Ghost of Tom Joad”. Para apoyar el lanzamiento del disco hizo una pequeña gira en la que se presentaba en salas de concierto en las que interpretaba temas desenchufados. Para 1999, luego de haber sido admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, arrancó una gira con toda la E Street band que terminó a mediados del año 2000 y con un disco llamado “Live in New York City”. Luego vino un disco llamado “The Rising” (2002) en el que volvió a tocar con su banda original. Updated

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