Podcast El Sexto Continente

The Song Is You documenta el inspirado encuentro de dos maestros improvisadores. El trompetista y fliscorno italiano Enrico Rava y el pianista estadounidense Fred Hersch comparten el amor por la historia de la música y juntos exploran estándares como "The Song Is You" de Jerome Kern, "Mysterioso" y "'Round Midnight" de Thelonious Monk, "Retrato em Branco e Preto”, y “I'm Getting Sentimental Over You” de George Bassman. También tocan sus propias melodías, "Child's Song" de Fred y "The Trial" de Enrico, y crean música juntos libremente. Es una interpretación sutil y de gran alcance: cuando el jazz alcanza este nivel de comprensión e interacción, la interpretación se vuelve menos sobre el material, por distinguido que sea, que sobre lo que el intérprete aporta. Rava y Hersch aportan una vasta experiencia y un sentido finamente perfeccionado de la improvisación del jazz como el arte de contar historias.

Esta semana redescubriremos "My Song", disco que el pianista norteamericano Keith Jarrtt editó en 1979 junto a su llamado Cuarteto Europeo. Se trata de un álbum inmortal que crece en su magia con el paso de los años. Que lo disfruten.

El disco debut de la banda que el consumado pianista Chick Corea armó en la segunda mitad de los años 80 y que representó el regreso a su vena más eléctrica y electrónica. Rodeado de dos jóvenes que pronto se harían súper estrellas por méritos propios (John Patitucci, bajo y Dave Weckl, batería), Chick se renovó y de paso dió una bocanada de aire fresco a la escena jazzística que languidecía en una década tan ampulosa como lo fue los años 80.

Hoy vamos a disfrutar del nuevo disco del proyecto a trío que tiene como líder al guitarrista y compositor mexicano Aarón Flores.

Está por arrancar un ciclo de conciertos de Jazz en el marco de las fiestas de Guelaguetza que se celebran en la ciudad de Oaxaca durante el mes de julio. En el programa de hoy les contaremos un poco sobre los protagonistas de este ciclo y por supuesto escucharemos una muestra de su música.

I Am a Stranger in This World comparte muchas cualidades con otros lanzamientos de la discografía de Yelena Eckemoff. Una pintura de la pianista nacida en Moscú adorna la portada, músicos estelares ayudan a darle vida a sus composiciones y el lanzamiento, un extenso conjunto de doble CD, aparece en su propio sello L&H Production. Sin embargo, existen diferencias notables: mientras que los lanzamientos anteriores incluyen múltiples imágenes de ella, a menudo basadas en la naturaleza, esta vez solo hay una única, orientada a la ciudad, y los sentimientos de aislamiento y desesperación transmitidos por el título del álbum y la imagen de la portada reflejan un deseo de liberación consistente con el período durante el cual se grabó gran parte del álbum. Mientras la pandemia causaba estragos, Eckemoff, el trompetista Ralph Alessi, el guitarrista Adam Rogers, el bajista Drew Gress y el baterista Nasheet Waits se reunieron en Nueva York en diciembre de 2020 para grabar ocho de las once pistas. Si bien el título del álbum puede parecer desesperante, el espíritu de las actuaciones sugiere que las sesiones de 2020 fueron motivo de celebración, aunque se sintieran con reserva, cuando los músicos pudieron reunirse y crear música juntos nuevamente.

’Electronic Sonata For Souls Loved By Nature’’ es una obra que tal vez se trate de una de las mayores y más arriesgadas y ambiciosas incursiones en tierras de jazz modal, uno de los mayores elementos y experimentos que el jazz modal haya podido dejar jamás; realizado por el creador teórico mismo del jazz modal, el pianista y compositor norteamericano George Russell. Esta obra, por cierto netamente vanguardista y experimental, se adentra en terrenos muy particulares y exóticos, se trata en sí de una extensa incursión de jazz modal, una pieza monstruosa que ocupaba, en aquel entonces, todo un disco de vinilo completo, dividida en dos partes, una a cada lado del LP, durando alrededor de media hora cada parte. Musicalmente la pieza recorre varios estados, a lo largo de todo el despliegue que pretende realizar desde un comienzo, y que logra a la perfección. La estructura no tiene un corte, a no ser por el inevitable hecho de que la parte primera termina para dar pie, luego, al comienzo de la segunda parte, pero aun así todo continúa desenvolviéndose de la misma manera, un constante avance por tierras vanguardista, que se van mutando, progresando, correspondiendo continuamente. Cada sección está perfectamente cuidada, muy bien producida, pensada minuciosamente para que cada parte se corresponda de manera fluida y continua.

Henrique Albino mezcla sus raíces musicales pernambucanas, matemáticas, serialismo y jazz de vanguardia para dar vida a Música Tronxa (por el adjetivo troncha, torcida). Por ejemplo, Apofenia es una composición serial con ritmo sincopado de maracatú rural, donde Albino se sirve de un saxo barítono; Salto quântico, inspirado en la física con el frevo nordestino de sostén, tiene a Albino en saxo tenor, destacando el acordeón de Felipe Costta, instrumento primordial en la música de esa región. Henrique Albino y su cuarteto (Henrique Albino, saxos tenor y barítono, flauta; Felipe Costta, acordeón; Filipe de Lima, bajo; Silva Barros, batería), antes de ingresar a los estudios en Recibe ensayaron en una localidad de nombre Bodocó en el sertão de Pernambuco, cuya formación rocosa presta su título a Claranã, pista que permite el lucimiento de Albino, esta vez en flauta (instrumento donde resulta más experta su interpretación). Solo Tronxo nº 1, sin acompañamiento, es catártica, y muestra al solista improvisando en saxo tenor, en saxo barítono y en flauta, percutiendo y silbando. Música Tronxa es un ejemplo más de la vitalidad de la música del nordeste de Brasil.

Nduduzo Makhathini es un prolífico pianista, improvisador, sanador, educador, erudito y narrador sudafricano. Posee un don que le permite articular una identidad y una genealogía distintas y ricas. Su sonido significa un arraigo profundo en su identidad étnica en la cultura zulú y un internacionalismo que lo encarna. In the Spirit of Ntu es su décimo álbum y su segundo lanzamiento bajo el sello de jazz estadounidense Blue Note Records y el recién fundado Blue Note Africa. Figura central de la vibrante escena de jazz del país, Makhathini reunió una banda compuesta por algunos de los músicos jóvenes más emocionantes de Sudáfrica, incluida la saxofonista Linda Sikhakhane, el trompetista Robin Fassie Kock, el vibrafonista Dylan Tabisher, el bajista Stephen de Souza, el percusionista Gontse Makhene y el baterista Dane. Paris, además de los vocalistas invitados Omagugu Makhathini y Anna Widauer, y el saxofonista estadounidense Jaleel Shaw.

Tres brillantes improvisadores se unen al maestro de oud tunecino Anouar Brahem en este álbum, grabado en Nueva York en mayo de 2017. Brahem comenzó a tocar con improvisadores de jazz en la década de 1980, con colaboraciones grabadas a partir de la década siguiente. El álbum Madar (1992) reunió a Anouar con el saxofonista Jan Garbarek y el tablista Shaukat Hussain, mientras que Khomsa (1994) lo encontró reelaborando composiciones escritas para cine y teatro con improvisadores como François Couturier, Palle Danielsson y Jon Christensen. Thimar (1997), con Dave Holland y John Surman, marcó un gran avance en el espacio entre las tradiciones, con los participantes encontrando un lenguaje musical compartido. Blue Maqams lleva esta noción más allá. Los “maqams” del título se refieren al sofisticado sistema modal de la música árabe, quizás convertido en algo azul por los improvisadores participantes.

Un viaje a la ciudad de mis amores, Xalapa... El encuentro largamente anhelado con viejos y entrañables amigos en conversaciones animadas por buen café, anécdotas y por supuesto muy buena música. El encuentro con la propuesta más reciente del saxofonista oaxaqueño Arodi Martínez en formato de quinteto, así como las exploraciones arriesgadas y fascinantes del cuarteto Mad Muntant. Todo ello mientras buscaba la lluvia que finalmente me encontró de vuelta en Oaxaca y a la que celebro con algunos temas del disco "The rain is a handsome animal" de Tin Hat. Pasen y disfruten.

El 3 de octubre de 1997 se registró en la ciudad de Xalapa el disco titulado Blues a las once, firmado por la banda conocida en la escena veracruzana como "Jazz entre tres", grupo fundado por el baterista y compositor Adolfo Álvarez y que a la fecha del registro fonográfico se completaba con dos jóvenes talentos, el contrabajista norteamericano Benjamin Willis y el pianista de Córdoba Edgar Dorantes. El resultado es un álbum que funciona como una instantánea de las líneas estéticas que regían los caminos del jazz xalapeño en aquellos años noventa. Conformado por temas originales de distintos compositores, destacan las aportaciones de Dorantes, que a la postre se convertiría en una de las figuras más importantes para el desarrollo del jazz en la capital veracruzana. Hoy que se cumplen 25 años de la edición de este álbum lo celebramos con ustedes.

Hoy celebramos el disco que GRP Records editó en 1990 con la reunión del legendario quinteto que el vibrafonista norteamericano había formado en los años 70 con Mitchell Forman en el piano, Pat Metheny en la guitarra, Will Lee en el bajo eléctrico y Peter Erskine en la batería. Trece años después y con las carreras de todos los involucrados proyectadas a la primera línea del jazz contemporáneo se graba este disco en tres días de mayo de 1989 en Nueva York. El resultado es muy gratificante y la música contenida en el disco ha envejecido muy bien. Ahora se los compartimos a todos ustedes.

En una carrera que abarca más de medio siglo, el aclamado guitarrista de jazz John Scofield está haciendo algo nuevo al lanzar su primera grabación de guitarra solista. El álbum homónimo, que se lanzará el 6 de mayo, es la segunda grabación de Scofield con ECM luego de su lanzamiento en 2020, Swallow Tales. El álbum en solitario se basa en la riqueza de la experiencia y el conocimiento de Scofield adquiridos a lo largo de su prolífica carrera musical, haciendo referencia a todos los estilos y géneros que ha adquirido a lo largo del camino. Explora varios acompañamientos rítmicos y de cuerdas con la ayuda de una máquina de loops. “Creo que hay una delicadeza que he adquirido al jugar solo en casa”, dijo Scofield recientemente en una entrevista con The Boston Herald. “Estoy tan acostumbrado a tocar con una banda de slamming y hay cierta musicalidad en eso. Eso desapareció y fue reemplazado por este enfoque más delicado de señalar la belleza de las cuerdas. Cuando toco solo, hago estos pequeños bucles de guitarra sobre la marcha y es casi como si estuviera tocando con otra persona”. La elección de convertirlo en un álbum homónimo representa su importancia para John Scofield, ya que profundiza en sus raíces formativas y los héroes musicales de su juventud. “Cuando era niño, la guitarra era el instrumento del rock and roll y de la música popular; eso era lo que me interesaba”, dice Scofield. Ya sean tributos a sus héroes del rock 'n' roll como Buddy Holly y Hank Williams o sus propias composiciones, aborda las canciones con la capacidad de canto melódico de los estándares de jazz atemporales. En este lanzamiento, Scofield sigue siendo fiel a las tradiciones del jazz que ha observado y en las que ha participado a lo largo de los años.

La cantante y compositora Isabel Tercero falleció el pasado 25 de abril. Su legado musical es maravilloso y está intimamente ligado a las músicas latinoamericanas, el jazz, la ópera, el blues y el rock. Hoy la recordamos a través de su trabajo artístico, especialmente en su larga asociación musical con Arturo Cipriano y el proyecto Mitote Jazz. Un puñado de canciones y el testimonio del querido Ciprianodonte le dan forma al programa de esta semana. Buen viaje, Isabel querida.

En el programa de esta semana hablaremos de la celebración del Día Internacional del Jazz 2022 en la ciudad de Oaxaca. Conversamos con el músico Arquímedes Hernández Mora, "Quimi", gestor y animador de la escena oaxaqueña. Además tenemos una selección musical para quienes se acercan por primera vez al género.

Presentamos esta semana dos discos del sello independiente Numeral, con base en La Plata, argentina, y con conexiones en las ciudades de Berno y Berlín. En su catálogo podemos encontrar un variado muestrario de propuestas que navegan entre el noise, el free jazz, la improvisación libre y corrientes afines. Para adentrarnos en el universo de esta discográfica hemos escogido dos proyectos; en primer término la Orquesta Inorgánica, formación de Big Band que acaba de publicar su álbum titulado "Noctámbulos". A continuación escucharemos"Elogio", disco solista de la vocalista, guitarrista y productora Lara Alarcón, cofundadora del sello. No se pierdan el programa de esta semana.

En su grabación debut en Blue Note, el pianista/compositor Ethan Iverson se junta con el bajista Larry Grenadier y el baterista Jack DeJohnette, formando un trío dócil pero cohesivo que navega por géneros y ambientes con una predilección por la tradición. Aún así, tienen la capacidad de darles suficiente contexto fresco para florecer y sorprender. Como modelo para el trío, Iverson cita Money Jungle, el estridente y despreocupado álbum de 1962 del improbable trío formado por Duke Ellington, Charles Mingus y Max Roach. “Es genial escuchar a Larry y Jack balanceándose”, exclama Iverson. “Con los dos, no necesitas mucho material. Si traes algo realmente simple, no más que bocetos básicos, lo tomarán y harán que suene genial. Eso está muy en la tradición de esos grandes discos de Blue Note de los años 50 y 60, donde las melodías son memorables pero no hay demasiadas notas en una página”.

Se cumplen 25 años de la edición del disco Northwest Passage de la banda norteamericana Oregon. Con esta grabación Ralph Towner (guitarra, piano y teclados), Paul McCandless (saxofones, oboe, corno inglés, clarinete bajo) y Glen Moore (contrabajo) han creado un hito absoluto en su larga carrera bajo el nombre de "Oregon". '', coronando sus trabajos musicales hasta ese entonces con esta joya de verdadera belleza que brilla con 14 temas. "Northwest Passage" también trae de vuelta la firma de los percusionistas al incomparable sonido de Oregón, empleando a Arto Tuncboyaciyan y Mark Walker, ambos excelentes músicos por derecho propio. Con una sensibilidad asombrosa, lograron aprovechar el espíritu que el núcleo de Oregon había desarrollado a lo largo de los años, haciendo que la banda suene como si nunca hubiera existido en ninguna otra formación.

La saxofonista y compositora nominada al Grammy Melissa Aldana se une a la familia Blue Note Records con el lanzamiento de 12 Stars, su álbum debut como líder del legendario sello Jazz. A los 33 años, la tenor residente en Brooklyn de Santiago, Chile, ha obtenido reconocimiento internacional por su trabajo visionario como líder de una banda, así como por su interpretación profundamente meditativa del lenguaje y el vocabulario. 12 Stars aborda los conceptos de crianza de los hijos, perdón familiar, aceptación y amor propio. “Este es un álbum realmente importante para mí”, dice Aldana. “Sentí que tenía mucho que decir debido a todas las experiencias que tuve durante 2020. Después del proceso personal que pasé el año pasado, me siento más conectado conmigo mismo y con mis propias imperfecciones, y descubrí que es lo mismo. proceso con música. Abrazar todo lo que escucho, todo lo que toco, incluso los errores, es más significativo que la perfección”. Justo antes del encierro, Aldana pasó por luchas personales con el final de una relación. Sola en Harlem, se dijo a sí misma que estaría ocupada durante años, con muchas distracciones para lidiar con su compleja respuesta emocional. “Pero luego”, dice, “la pandemia golpeó y toqué fondo”. Necesitaba hacer cambios, así que se volvió hacia adentro. “Debido a ese proceso personal, me siento aún más conectado con mi música”. Incluso la forma en que practicaba cambió, lo que le permitió explorar nuevos conceptos y soportar la incomodidad. Inspirado en los arcos y matices del tarot, 12 estrellas presenta una serie de tributos a los momentos de desafío y triunfo en la vida de Aldana en Nueva York. “Durante algún tiempo, tenía mucha curiosidad por el tarot: los símbolos y la historia real de la tradición”, dice ella. “Así que tomé el encierro como una oportunidad para aprender más sobre mí mismo a través del proceso de aprendizaje del tarot, cuyo enfoque es el viaje de un individuo. Mientras estudiaba las cartas, comencé a escribir música sobre cada una de ellas, individualmente. Y descubrí que el proceso descrito en el tarot es un proceso con el que todos lidiamos de alguna manera a lo largo de nuestro viaje aquí en la tierra”.