Podcast "En Primera Fila"

Los 12 Concerti Grossi Op. 6 de Arcangelo Corelli fueron publicados en Roma en 1712 y un año más tarde en Ámsterdam. Están divididos en dos grupos: del 1 al 8 son Conciertos inspirados en el género Sonata da Chiesa, ya que contienen música que puede ser ejecutada para servicios litúrgicos y están escritos de forma más contrapuntística y poseen una expresión bastante devocional en los movimientos lentos. Por otra parte, los Conciertos del 9 al 12 están inspirados en el género Sonata da Camera, porque se conforman por secuencias de movimientos dancísticos propios de la Suite Barroca. El Concerto Grosso No. 8 “Para la Noche de Navidad”, fue ejecutado para las celebraciones de Vísperas de la Navidad en el Palacio del Vaticano. Posee 6 movimientos contrastantes, donde sobresale al final, un conmovedor Pastoral, así mismo, la tonalidad principal de esta obra es Sol menor, tonalidad que está vinculada litúrgicamente a la música de La Pasión.

El 25 de octubre de 1918, la Princesa de Polignac encargó a Manuel de Falla una obra escénica para pocos personajes y pequeña orquesta que se adaptara a las dimensiones de su teatro privado. Un mes y medio más tarde, el 9 de setiembre de 1918, Manuel de Falla respondió a la Princesa proponiéndole como tema para su obra el capítulo XXVI de la 2da parte de El Quijote de Miguel de Cervantes, donde se desarrolla la representación del teatro ambulante de Maese Pedro. No obstante, para la composición transcurrieron cuatro años, donde Manuel de Falla se dio a la dura tarea de solucionar musicalmente el libreto seleccionado. La primera puesta en escena se llevó a cabo el 25 de junio de 1923. El Retablo de Maese Pedro, es considerada como una de las obras más originales e influyentes del catálogo de Falla.

La Historia de un Soldado, es una obra de Igor Stravinski, compuesta en 1917 con texto de su amigo Charles Ferdinand Ramuz y escrita para tres personajes: el soldado, el diablo y la princesa, y siete instrumentos: violín, contrabajo, fagot, corneta, trombón, clarinete y percusión. Se estrenó por primera vez en el Teatro Real de Lausanne, Suiza, un 28 de setiembre de 1918, con un ensamble dirigido por Ernest Ansermet, pero su estreno definitivo no fue sino hasta 1923 en Frankfurt y al año siguiente en París. Dentro del estilo compositivo de Igor Stravinsky, esta obra marca una ruptura estética con su popular período ruso ya que el compositor utilizó inesperadamente un ensamble de cámara y rechazó la gran orquesta de sus tres anteriores ballets encargados por Sergei Diaghilev: El pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). La Historia de un Soldado fue pensada para un teatro ambulante y desarrolla una historia moral, que nos habla de lo acertado de las elecciones y de cómo éstas determinan nuestra vida.

El 4 de septiembre de 1727, empezaron los preparativos para la coronación del Rey Jorge II en Inglaterra. Cinco días más tarde, se anunció que el recién nacionalizado de origen alemán, George Frederic Handel ya había sido encargado por el monarca, para componer la música para el servicio de su coronación. Increíblemente, una semana y medio después de la orden, la obra fue finalizada. Posteriormente, la coronación fue pospuesta, debido al peligro de que el río Támesis se rebalsara para la fecha en los alrededores de Westminster. Sin embargo, en la húmeda mañana del 11 de octubre Jorge II fue coronado con el acompañamiento de la maravillosa música de Handel así como también de obras cantadas de otros compositores ingleses como es el caso de Henry Purcell, Orlando Gibbons y Thomas Tallis.

Para el tiempo en que Giuseppe Verdi se había convertido en el líder de la composición de ópera italiana (mitad del Siglo XIX), el centro europeo de la ópera ya no estaba situado en Italia, sino que era París, , el sitio europeo que acaparaba la mayor actividad cultural y artística. Por lo tanto, era inevitable que Verdi también dirigiera su atención a la metrópoli francesa. Sin embargo, en Francia, existían fuertes vínculos con la tradición, que también debían ser respetadas por los compositores extranjeros. Una de las reglas más importantes de la ópera en París era que se exigía el ballet, como parte de la acción del tercer acto. Dicha especial predilección del público francés por los interludios dancísticos se remonta desde siglos atrás. En las obras de Lully y Rameau del siglo XVII, la danza era es un componte indispensable, como también lo fue en las óperas francesas de Gluck, y algunos otros italianos que se aventuraron a componer en Francia como Rossini y Donizetti. Por lo tanto, Verdi escribió extensos interludios de ballet para sus óperas: Lombardi, Las Vísperas Sicilianas, Il Trovatore, Don Carlos y Otello todas escritas con ballets para la Gran Ópera de París. La ópera Macbeth que fue escrita para el Teatro Lyrique también tuvo un ballet, así como Aída, pero esta última, es la única de las óperas de Verdi que no se escribió para un público francés.

Al final de su vida, Giuseppe Verdi hizo su aporte al repertorio religioso, haciendo alarde de su conocimiento de los antiguos estilos polifónicos, por influencia de su libretista Arrigo Boito quien le motivó a retornar su mirada a la música eclesiástica. Las Quattro Pezzi Sacri o Cuatro Piezas Sacras que escucharemos en el programa de hoy fueron compuestas a partir del año de 1895, y editadas hasta 1897 de forma unitaria por Giulio Ricordi. Esta obra la conforma un Ave María y las Laudi alla Vergine Maria, ambas piezas para coro a capella. Por otra parte los monumentales Stabat Mater y Te Deum, para coro mixto y gran orquesta. Las Cuatro Piezas Sacras representan un testamento en la invención coral, elevando la obra de Verdi al rango musical de la categoría estética de lo sublime.

Las óperas de Giuseppe Verdi suministraron al compositor húngaro Franz Liszt una buena motivación para crear sus fantasías para piano. Las paráfrasis de concierto, como se les llama, sobre temas de óperas, tales como Ernani, Il Trovatore o Rigoletto, se encuentran entre las composiciones más finas de Liszt. El tema del día de hoy es entonces la ópera de Verdi pero a través del pianismo del compositor húngaro, o en otras palabras, la utilización de reconocidas secciones de ópera italiana, presentadas en un virtuoso discurso pianístico.

El nombre del compositor Giusseppe Verdi aparece asociado indisolublemente a la ópera italiana del siglo XIX, ya que gracias a él, este género alcanzó su punto más alto en imaginación melódica, eficacia dramática y riqueza orquestal. No obstante, el catálogo del compositor incluye, además de sus veintisiete óperas, algunas obras religiosas y profanas de carácter vocal, y una pequeñísima cantidad de obras meramente instrumentales. Entre estas últimas, encontramos un único Cuarteto para cuerdas, escrito en la tonalidad de Mi menor, para el cual está dedicado este programa.

Con las “Estaciones Porteñas”, Piazzolla quiso describir las cuatro estaciones en Buenos Aires, de ahí el nombre “porteño” que es el adjetivo utilizado para alguien que proviene de esta ciudad argentina. Estas composiciones fueron pensadas para el Quinteto Nuevo Tango, por lo que están instrumentadas para violín, piano, guitarra, contrabajo y bandoneón. Entre 1996 y 1998, el compositor ruso Leonid Desyatnikov realizó un nuevo arreglo de las “Estaciones Porteñas” generando una correspondencia directa al referente establecido por Antonio Vivaldi, otorgándole a cada una de las piezas una forma parecida al del concierto barroco

La noche del pasado sábado 10 de agosto, el público asistente al Teatro Nacional de Costa Rica, fue espectador de unos de los acontecimientos musicales más importantes de nuestro país en los últimos años: El concierto del ensamble Kremerata Báltica, agrupación que se presentó dentro del marco del vigésimo tercer Festival Credomatic, bajo la dirección del reconocido violinista, Gidon Kremer.

Según explica un biógrafo de Bach, Johann Nikolaus Forkel, Las Variaciones Goldberg fueron encargadas a Bach por el Conde Hermann Carl von Keyserlingk de Dresde. Según el biógrafo de Bach, el conde solicitó la obra para que el clavicembalista de la corte, Johann Gottlieb Goldberg (Quien fue un destacado alumno de Bach, y que era conocido como un competente clavicembalista y lector de música a primera vista) entretuviese al conde durante sus noches de insomnio. El conde recompensó de forma muy generosa a Bach por su composición, con casi el sueldo de un año. Esta historia que cuenta Forkel, ha sido puesta en duda, porque la falta de dedicatoria en la primera página de la obra y porque la edad del clavicembalista Goldberg en la época de la publicación era para ese momento un muchacho de 14 años.

El concierto para violín 5 de Mozart, fue compuesto en octubre y diciembre de 1775. En esta obra, el joven compositor de 19 hace reverencia a los modelos violinísticos italianos de la época, tales como los compositores Gaetano Pugnani y Pietro Nardini. Mozart, que no descuidaba la belleza refleja en esta pieza, elementos melódicos del gusto por el estilo francés y el revival de la moda turca, usuales en la segunda mitad del siglo XVIII. El autógrafo del Concierto No. 5 en La mayor, K. 219, se encuentra actualmente custodiado en la Biblioteca del Congreso de Washington. Dicho concierto para violín y orquesta, apodado “El Turco” es una obra brillante, llena de invención y creatividad.

La Pavana era un baile lento, que se dice que originario de España. Sus pasos semejantes a una procesión, empleaban principalmente la repetición continua de patrones básicos, dos pasos sencillos y uno doble hacia atrás. Casi todos los bailes de este género son en metro binario, esto significa, que sus compases están organizados en métricas de 4/4 o bien 2/2, y por esta razón, se le puede confundir fácilmente también con la danza llamada passamezzo. Este baile estuvo en boga casi todo el siglo XVI, aunque su popularidad disminuyó en los últimos veinticinco años de ese período. Posteriormente esta danza resurgió revitalizada e idealizada en forma musical gracias a los virginalistas ingleses como Orlando Gibbons, Thomas Morley y John Dowland.

Toda su vida, Ravel tuvo un devoto culto hacia el pasado, particularmente centrado en el arte del siglo XVIII, por eso, enmarca su música en formas musicales del período clásico, como danzas, rondos y formas sonatas. En efecto, la maravillosa obra, La Tumba de Couperin, indica el origen de una música que quiere hacer un homenaje a un pasado musical. En octubre de 1914, asistiendo soldados heridos en San Juan de Luz, empezó a trabajar en esta suite francesa. Dicha composición se postergó hasta 1917 para cuando Ravel había sido apartado del frente militar, al participar en la Primera Guerra Mundial. La versión original para piano fue ejecutada por Marguerite Long en París, el 11 abril de 1919 y cada uno de sus movimientos está dedicado a un amigo músico muerto en la guerra.

En 1911, publicó la versión para piano solo de Los Valses Nobles y Sentimentales que fue estrenada el 8 de mayo de ese año por Louis Aubert, compositor francés, pianista y director de orquesta que era compañero de estudios de Ravel en el Conservatorio de París y amigo de toda la vida. Según Ravel, sus Valses Nobles y Sentimentales era uno de sus trabajos más difíciles de interpretar. La obra fue patrocinada por la Sociedad Musical Independiente, que promovía la música de los nuevos compositores. La pieza generó un gran coro de abucheos en su estreno. Muchos críticos estaban inquietos por la paleta armónica que Ravel empleó de forma mordaz, y algunos incluso, pensaban que la pieza era una completa parodia. Para 1912, Maurice Ravel orquestó en dos semanas los Valses Nobles y Sentimentales para ballet, dándole ese claro sonido orquestal a la obra que originalmente había pensado para piano. El ballet lo tituló “Adelaida o el lenguaje de las flores” y fue estrenado bajo la insistencia de la bailarina Natalia Trouhanova, quien deseaba bailar una obra suya.

A partir de 1905, Béla Bártok, junto al compositor Zoltán Kodály, comenzó a recorrer pueblos de Hungría y Rumanía con un gramófono, motivado por la necesidad de preservar la memoria musical tradicional de su país. Ambos compositores, se extendieron a buena parte de los pueblos de la Europa central llegando hasta Turquía, y descubrieron que las antiguas melodías húngaras se basaban en escalas pentatónicas, al igual que la música asiática. Bartók escribió una buena cantidad de pequeñas piezas para piano derivadas de esa música folclórica. De ahí vienen las famosas Danzas Rumanas, compuestas en 1915. El resultado de este ejercicio musicológico impulsado por el movimiento nacionalista, fue una colección de miles de canciones folclóricas. El trabajo de esta investigación, impulsó a Bartók a utilizar ese material dentro de sus propias composiciones con los antiguos aires de los magiares, quienes eran un pueblo asiático que desde el siglo IX se había establecido en Hungría.

La Gran Fantasía Zoológica de Camile Saint-Saëns, podría decirse que es un accidente dentro de su grande y seria producción musical. Este bestiario, en un estilo romántico, engalana la tradición de otros compositores franceses como Clément Janequin, François Couperin o Emmanuel Chabrier quienes también habían imitado animales con su música. Las 14 piezas del Carnaval de los Animales están agrupadas en una novedosa estructura sonora, y con una original combinación de instrumentos. En esta obra, el compositor esbozó trozos musicales que cuentan con gran variedad melódica, que va desde lo cómico, hasta lo poético, utilizando efectos tímbricos caricaturescos o bien, muy evocativos.

Este espacio está dedicado a la colección “Las Danzas de Terpsícore”, obra del compositor alemán Michael Praetorius, quien vivió entre 1571 a 1621, período que se considera transición del Renacimiento al Barroco. Es una colección de más de 300 danzas arregladas para diversos instrumentos que provienen en su mayoría de melodías francesas populares. Esta obra fue dedicada a Friedrich Ulrich, Duque de Brunswick y Lüneburg y son llamadas de esta forma, en honor a la musa griega de la música.

En este mes de mayo de 2013, estamos celebrando el doscientos aniversario del nacimiento de Richard Wagner. Para este programa he preparado una reseña sobre la monumental ópera Tristán e Isolda. Tristán e Isolda fue estrenada el 10 de junio de 1865 en Munich, bajo el auspicio del mecenas Luis II de Baviera. Muchos teóricos piensan que de esta ópera nace el principio de la música del siglo XX.

En este 22 de mayo de 2013, estamos celebrando el doscientos aniversario del nacimiento de Richard Wagner. Para este programa he preaparado una pequeña reseña introductoria al monumental ciclo de óperas: El Anillo de los Nibelungos, del compositor romántico alemán.