Podcast de La Gran Evasión

El primer testimonio de la regente de la pensión, la señora Milagros, domina la primera parte del film, y nos presenta a la curiosa pareja formada por Camilo Canegato – Juan Verdaguer- y Rosaura. Él, pintor, no solo restaura cuadros, también restaura la realidad porque tal como dice más de una vez, sueña despierto, necesita dar color a una vida demasiado gris, desapercibida bajó una apariencia insignificante. Ella, la mujer del cuadro, Rosaura -Susana Campos. Una mujer de ojos grandes y expresión asustada. Y de pronto el cartero deja una carta con un detestable olor a violetas. El efecto Rashomon hace de “Rosaura a las diez” una historia atractiva cada uno cuenta lo que le conviene y según le encaja. No sabemos si es real lo que vemos, o lo que cuentan al inspector, quizá ni una cosa ni otra. El resto de las perspectivas proceden de otros residentes de la posada, del estudiante de derecho, de la señora Eufrasia, del propio pintor, cada uno sesgado a través de la psicología de cada uno. El tono costumbrista del film inspirado en la novela de Marco Denevi, se tiñe de tonos oscuros, intrigantes, con un elemento de misterio. Ya lo avisa en los primeros créditos la unas notas inquietantes. compuestas por Tito Ribero. Llaman a la puerta de la casa de huéspedes, y vemos de espaldas una mujer ataviada con pañuelo…”Vive aquí Camilo Canegato?---La vitalidad, el ritmo no decae y te atrapa desde el primer momento esa galería de personajes encerrados bajo un mismo techo. En esta deliciosa historia el azar es importante, los giros aturden y la resolución te deja con la boca abierta. Como Anne Baxter en Eva al desnudo -Mankiewicz- Rosaura no es una persona real, es un invento, aunque en este caso no es producto de su imaginación, sino de las ensoñaciones de otra persona a que conoció años atrás. Camilo irá menguando a medida que la película avanza hasta el plano surrealista, el coche que les lleva a un hotel en la noche de boda, con Rosaura y su menudo marido en el asiento de atrás, ella alta y dominante, él escuchimizado más que nunca. Esta noche nos sentamos a la mesa para tomarnos la sopa… Rosario Medina Zacarías Cotán, Raúl Gallego y Salvador Limón

Soy un ser humano, no soy un monstruo. Merrick grita, suplica, perseguido por el gentío en la estación de tren de Liverpool Street, en Londres. Le acaban de arrancar el rústico saco que cubre su fealdad. Y como observadores de la ignominia nos preguntamos, no serán más horribles, más feos, los que acorralan a una persona para saciar su curiosidad malsana. La monstruosidad del que se mofa del débil, del deforme, la gentuza que lleva el celador a reírse del paciente, los niños que le arrancan el saco de lona que cubre su cabeza. David Lych se sintió atraído ipso facto por el libreto escrito por De Vore y Bergren, inspirado en las memorias del doctor Treves, cirujano y protector de Merrick hasta su muerte. La deformidad, el sufrimiento inimaginable de un hombre aquejado de una extraña dolencia, con su cabeza, rostro y cuerpo lleno de excrecencias y protuberancias. Una película conmovedora, nos desarma con ese ser vulnerable, un hombre inteligente estigmatizado por su aspecto. Solo le tratan como a un ser humano durante dos momentos en la película, en el encuentro en la habitación del hospital con la actriz teatral – Anne Bancroft- que le llama Romeo, y le coge la mano, y en su postrera liberación de su explotador – Freddie Jones- Los enanos trabajadores del circo le confortan, “Debemos ayudarnos entre nosotros”. El cirujano Treves es un hombre bueno, una lágrima surca su mejilla al ver por primera vez las condiciones y el aspecto de Merrick en la caseta donde es expuesto como una atracción de feria. Para interpretar los personajes de esta historia basada en un caso real se contó con la actores de la talla de John Hurt , que sufrió los rigores horas y horas de maquillaje y tremendas prótesis, y Anthony Hopkins, el altruista médico, que llega a invitar a su casa al paciente, y lo presenta en la sociedad victoriana de la época. Esta noche terminamos la maqueta de una catedral que solo podemos ver en nuestra imaginación… Zacarías Cotán, Salvador limón y Raúl Gallego

Parece una noche más en la apacible existencia de los Clutter, la cena, un poco de televisión, la oración antes de acostarse. Las pulsaciones del bajo en la composición de Quincy Jones acompañan los movimientos de Hickok y Perry. Tanta monta, monta tanto, dos sociópatas alimentan su odio a sus congéneres en un coche alquilado con unos patucos de adorno colgando del retrovisor. Siguen las pautas de un plan descerebrad.o. Su objetivo, afanar los dólares que supuestamente el padre de familia guarda en una caja fuerte dentro de la casa. Un film impresionante, en un drástico blanco y negro , inspirado en la tremenda novela de Truman Capote publicada solo un año atrás. La obsesión del escritor con el caso y una exhaustiva investigación periodística de seis años le llevará a conocer personalmente a los criminales antes de ser ejecutados. El brillante montaje paralelo de Peter Zinner oculta la noche fatídica hasta el momento en que Perry se viene abajo y cuenta al policía lo que ocurrió allí. Nos incomoda la empatía que podemos sentir por gente despiadada. Richard Brooks, escritor antes que cineasta, sintetiza los pasajes de la novela inmortal de Capote. Cuando los agentes llegan a la casucha donde vive el padre alcohólico de Perry, en cuatro líneas nos describe la relación con su hijo y su esposa, las fotos en la pared, el rostro ajado del actor Charles McGrawth. Una alteración con respecto al libro es la inclusión de un periodista que asiste a los hechos, interpretado por Paul Stewart , trasunto del propio Brooks, humanista y con tendencias progresistas. Trata con el mayor respeto a las víctimas, no vemos sangre, los disparos suenan en off. Este cuidado agranda la vileza de lo injustificable. A medida que el coche se abre paso silencioso en la propiedad, apagan los faros. Según Perry: “Era todo como un cuento, Como si aquella broma no pudiera ya parar…” Esta noche nos preguntamos hasta qué punto llega la iniquidad del ser humano… Zacarías Cotan, Salvador Limón y Raúl Gallego

Apelamos al espíritu de la infancia, en un cine ochentero nos encogemos en la butaca ante la aparición nocturna de un niño vampiro levitando a través del cristal de una ventana. El hermano menor hipnotiza al infeliz entre susurros y toquecitos en el vidrio. Seguimos los pasos del paisano que regresa a su pueblo para escribir sobre la siniestra Casa Marsten y sus moradores. A Ben -David Soul- aún se le altera el pulso cuando observa ese caserón maldito al pie de la colina. Tobe Hooper venía de dar el campanazo con “La matanza de Texas” y del fiasco en las salas de “Trampa Mortal”, cuando el productor Richard Kobritz, de Warner Bros, le recluta para adaptar la novela de Stephen King “Salems Lot”. Una tarea ardua porque el libro sitúa una serie de tramas múltiples y varios personajes en un tranquilo pueblo de Maine, que ve su monotonía interrumpida por la llegada de dos extraños, Stroker -James Mason- y Barlow - Reggie Nalder- un espantoso vampiro que no se dejará ver hasta casi la parte final. Kobritz decidió que se realizara el film para televisión, en formato de una miniserie de dos capítulos, y se estrenó en salas muy mutilada con una duración menor, en España concretamente con el absurdo nombre de “Phantasma II”, algún distribuidor descerebrado vio similitudes con el Phantasma de Don Coscarelli. Hooper consigue crear una atmósfera inquietante a base de momentos estremecedores, sacan partido a los tópicos del género con conocimiento, el sonido del viento en el bosque mientras los dos hermanos vuelven a casa, el silencio súbito en el entierro cuando todos los asistentes marchan y se queda solo el sepulturero ante el ataúd, la niebla y las pupilas malignas que hipnotizan. La irrupción del vampiro en una comunidad pequeña de Nueva Inglaterra termina en plaga, un pueblo infestado de criaturas de la noche. Nos mira desde el otro lado de la pantalla el rostro horroroso del espectro, inspirado en el Nosferatu de Murnau, aún más retorcido, con dos incisivos centrales en forma de colmillos, una piel macilenta y esos ojos maléficos. Cada vez que la bestia aparecía ya en la segunda parte del film, traumatizó a los niños incautos que fuimos a verla en su momento. No digamos ya los episodios mencionados de las visitas nocturnas con rasgado de ventana, realzadas por la música atinada de Harry Sukman. Hooper y el guionista Paul Monash acertaron en cambiar la figura del vampiro de la novela original, más similar al Drácula de Bram Stoker, un caballero erudito que esconde su naturaleza diabólica bajo una apariencia elegante, aquí está animalizado, ni siquiera pronuncia una palabra. Esta noche recomendamos poner espino en la ventana… Raúl Gallego, Salvador Limón y Zacarías Cotán

Todas las películas de Fellini representan un viaje real o imaginario, en La Dolce Vita Marcelo circula por las carreteras de Roma, vuela en helicóptero hacia el Vaticano, asiste como observador y parte de fiestas larguísimas, se sienta en los veladores de la Vía Veneto, y persigue a una belleza nórdica, diosa walkyria mojada por las aguas de la Fontana Di Trevi. Anita Ekberg aseguraba que ella hizo famoso a Fellini con esa escena, se pasó un poco refiriéndose al artífice de otras piedras preciosas del calibre de Amarcord, Ocho y Medio, Roma, La Strada, Los inútiles… Radiografía de las noches de burgueses insatisfechos, prostitutas, famoseo y un periodista del cotilleo que más que trabajar se deja llevar. Paparazzo, uno de los reporteros, salta junto a otros alrededor de una mujer que va a enterarse que sus dos hijos han muerto. Cruel y caricaturesca visión, en la escena siguiente Marcelo subirá las escaleras en dirección a la casa de su admirado amigo intelectual, que se ha quitado la vida y antes ha matado a sus dos hijos pequeños. El ritmo interno de las reuniones y resacas nos atosiga, y hasta cansa ver a esas gentes desvariar sobre lo banal y lo eterno, y ahí en medio un hombre descolocado que no sabe a donde va, tan en crisis como el Guido de Ocho y Medio. Marcelo perderá aún la calma ficticia cuando compruebe que su amigo intelectual ha cometido una barbaridad absurda, totalmente impropia del referente al que admiraba. La celebración de la vida y la amargura, lo grotesco y lo ridículo se dan la mano en La dolce vita, y la pureza encarnada en la cría de provincias, en la que Marcelo repara en una de sus resacas a la luz del sol, poco después observará el ojo vidrioso del leviatán arrastrado a la playa. Esta noche paseamos en descapotable por las calles de Roma… Chari Medina, Salvador Limón, Zacarías Cotán y Raúl Gallego

Esperar el final en una celda no está entre los planes de Fontaine. Ahí dentro leerá unas líneas extraídas de la Biblia, del diálogo entre Jesús y Nicodemo. “Tenéis que nacer de nuevo. El viento sopla donde quiere”. Nacer de nuevo, escapar. La fe mueve montañas, la voluntad de un hombre que ya no tiene nada que perder, porque le han condenado a muerte. Ese viento mueve el cabello de los dos fugitivos mientras se dejan caer por una cuerda hecha de retales. La meticulosidad, el detalle del trabajo del reo, el mismo poder hipnótico de otro film hermano, La Evasión de Jacques Becker. En esa fuga era un grupo de convictos, aquí es un individuo, sin embargo, también necesitará la colaboración de otros seres humanos para lograr su objetivo. Ya sea para sacar cartas manuscritas al exterior, ya sea para que le sostenga la cuerda o los ganchos en la escapada. Bresson despoja su lenguaje cinematográfico de aditamentos innecesarios, las manos del cautivo convierten una cuchara en un cincel, calibran la dureza de la madera de la puerta, con la voz en off, el uso del sonido y las imágenes el cine de Bresson adquiere una grandeza mística similar a la un cuadro o una escultura El guion se inspira en las memorias de un soldado de la resistencia a la ocupación alemana de Francia. El azar, y la voluntad, la determinación de ese hombre siempre en movimiento. Bresson no quería actores famosos, prefería lo que él llamaba “modelos”, para poder meterse en el interior de la persona. La depuración de cada plano, las manos, la camisa sucia, el estilo espiritual y austero nos brinda planos memorables, los hombres en fila en e patio arrojando sus heces al pozo negro, o la fuga del joven que recuerda a su madre en su huida, si ella le estuviera viendo. Esta noche trenzamos telas en la penumbra… Zacarías Cotán, David Velázquez, Salvador Limón y Raúl Gallego

Hoy comentamos un trabajo bien documentado de Pakula y Robert Redford, comprometido con el proyecto desde mucho tiempo antes. Redford insistía en el rigor y la exactitud, quería un enfoque totalmente de documental, a lo que Pakula se negó argumentando que si no imprimía algo de suspense a la acción nadie querría acudir a las salas a ver la película. En este thriller periodístico de factura seria, Pakula se centra en el trabajo de los periodistas y cuenta con el guionista William Goldman para condensar los hechos que cuenta. He ahí el meollo, no importa el final porque ya lo sabemos, para muchos se comete el error de abrumar con demasiados datos, apellidos, que lleguen a confundir ar a un espectador poco intuitivo y no dispuesto a dejarse llevar por el maremágnum al que asiste. Woodward recibirá un día una llamada enigmática, una garganta profunda con ajustes de cuentas pendientes quiere aportar luz en sus pasos a ciegas. La madeja se va deshilando y las teclas de las máquinas de escribir de los dos reporteros percuten como armas de fuego sobre el papel. Un caso de corrupción gubernamental desentrañado a base de escuchas telefónicas, investigado por dos jóvenes. Dustin Hoffman y Robert Redford, tanto monta monta tanto, ambos se complementan en su reconstrucción de la investigación que llevó a cabo el tándem Bernstein-Woodward para el Washington Post. Gordon Willis aporta su saber iluminando los interiores de la redacción, en el apartamento de Woodward, o el oscuro garaje donde se encuentra con el confidente – Hal Holbrook-. Planos de categoría como el ascenso progresivo en la biblioteca del Congreso, vemos empequeñecerse a los dos thombres, son hormigas ante un monstruo ingente. Esta noche seguimos el rastro del dinero… José Miguel Moreno, Zacarías Cotán, Salvador Limón y Raúl Gallego

Una historia de denuncia y memoria que se presenta en el Festival de Málaga. El documentalista peruano-español Javier Corcuera se aventura con su equipo hasta la sierra del Puno, y a las calles de Lima, para recordar la impunidad de una matanza de civiles qué simplemente querían reivindicar sus derechos como ciudadanos. Desde la apuesta formal cuidada con la fotografía de Mariano Agudo, colaborador del realizador desde su primer largo “La espalda del mundo”. Javier Corcuera nos aproxima a la humildad y a la solidaridad entre los manifestantes en Lima, de las mujeres indígenas, del sufrimiento de los dañados. Esa mirada poética nos toca el alma, la belleza del lago Titicaca con los Andes en el horizonte. En su silencio escuchamos un grito de injusticia, un viaje de la memoria hacia el pasado. Con unas imágenes iniciales reales grabadas con móviles, de la dureza de los hechos a la dulzura de esas gentes del Altiplano. Corcuera y su equipo entrevistan a los familiares en su entorno, la primera vez que eran escuchados por un medio en el que confiaban, se abren y lloran sus muertos apelando a nuestro silencio, a que escuchemos su verdad. Luis Zambrano, el sacerdote de la parroquia afirma que en el Perú siempre ha sido así, pero no siempre ha de ser así. La historia la República del Perú es un reguero de sangre y muerte desde sus 200 años, una tierra bella de gastronomía rica, amor a la vida, de músicas, de danzas, de sierra, costa y selva. Recorre algunos acontecimientos similares como la rebelión de Huancho Lima, y dialoga, escucha los lamentos de los quechuas y los aymara , esto no va de ahora, viene de siglos de represión después de la colonia. Ya lo dijo el compañero Pablo Milanés: La vida no vale nada Si escucho un grito mortal Y no es capaz de tocar Mi corazón que se apaga Esta noche escuchamos cantar a una joven en el anochecer de Juliaca… Raúl Gallego Ana Rosa Chávez, José Miguel Moreno, Chari Medina y la presencia del mismo director del documental, Javier Corcuera

Las parejas enamoradas de Mai Zetterling no lo están, se casan por conveniencia, se abandonan, o se aborrecen. La fijación de la directora con la maternidad, el embarazo, la ansiedad y la angustia, o su desprecio del matrimonio como institución debió confundir bastante al personal. Con una narración audaz, a través de saltos en el tiempo y una cantidad de personajes que en una primera visión del film puede confundir, abrumar al espectador. Zetterling adaptó junto a su pareja en ese momento, David Hughes, el ciclo de novelas de la escritora Agnes von Krusenstjerna. La primera parte del film presenta a las tres mujeres protagonistas. Las tres embarazadas en un hospital, a punto de dar a luz, recuerdan sus vidas, un médico cínico, una tía, Petra, la narradora original en la serie de novelas, o un pintor homosexual, personajes bisagra ambos. En la segunda parte, el solsticio de verano reunirá al grupo entero, ahí entran aún más personajes. Domina la señora Landborg, anfitriona promiscua, locuaz, y cínica a más no poder, sus comentarios no tienen desperdicio. Según ella traer un hijo al mundo es procrear otro idiota, y también suelta en otra ocasión que el fin del matrimonio es hacer que la gente se odie. El cine de Zetterling muestra nexos en común con Ingmar Bergman. El acercamiento de la directora es muy natural y ambicioso, Bergman acota más su mirada a sus obsesiones particulares, la existencia y la muerte , el silencio de Dios, el pecado. Zetterling tuvo la suerte de contar con el operador habitual de Bergman, Sven Nykvist. Su trabajo excepcional nos encierra en la clínica, nos transmite la náusea de la paciente, el miedo de la niña escondida bajo la mesa, o en el otro extremo, el goce de vivir, las jóvenes corriendo desnudas por el campo. La osadía de mostrar deseos lésbicos en el año 1964, el primer plano frontal de los rostros de la alumna y la tutora nos traen a la memoria “Persona”, su perturbadora elucubración sobre la locura y la soledad. Esta noche queremos ser felices de una forma melancólica, igual que Petra, la que ya no quiere ser joven… Chari Medina, Zacarías Cotán, Salvador Limón y Raúl Gallego.

Intensa como un amor de verano en la adolescencia es la historia de un verano y una noche memorable. A flor de piel y a base de sofocos y sudores el bueno de Hermine despertará sus sentidos ese verano del 42. Esas vacaciones con sus dos amigos perdurarán en su memoria mientras viva. El terrible trío camina por las playas de Nantucket, absortos entre tanta chica en bañador, el sol calienta y al otro lado del charco se fragua el desenlace de la segunda guerra mundial. Poco preocupa eso a estos tres, más centrados en otros menesteres, en sentarse en el cine al lado de una chica, leer los consejos de un libro didáctico sobre sexo, o conseguir preservativos en la farmacia del pueblo. Desde un planteamiento de inocencia que encandila al espectador, con una fotografía difusa que evoca el recuerdo de un recuerdo, con toques de humor y una sensibilidad acentuada por la música de Michel Legrand. Mulligan nos sitúa en el verano en que Hermie dejó de ser Hermie. Idealizando a una veinteañera con el rostro perfilado de Jennifer o´Neill. La chica de la casa junto al mar, se ha quedado sola, su compañero, al final sabemos que es su marido, ha sido reclutado a filas. A partir de ahí el director nos introduce en el microcosmos de esos chavales, uno con una obsesión entre manos. Le lleva a la chica las compras a casa, le sube cacharros al diván y observa sus curvas con adoración en la escalera, toma café con ella, aunque se queme con la taza hirviendo y de vez en cuando suelte alguna tontería que no viene a cuento. Hasta tal punto vemos todo a través de los ojos de Hermie que a su madre la escuchamos hablar una vez, nunca la vemos, y los otros dos adultos que aparecen son una señora saliendo de la tienda y el farmacéutico que le atiende en búsqueda de anticonceptivos. Esta noche entramos al cine de verano y ponemos la mano sobre el hombro de una chavala… Zacarías Cotán, Chari Medina, Salvador Limón y Raúl Gallego

Un trago de whisky quizá temple el pulso a algunos, los que tienen más aguante y andares de John Wayne sabrán saborear un whisky on the rocks y poner cara de póquer. Ocurre que un Scotch bien destilado también puede desquiciar al personal, al que busca la juerga y disfruta vertiendo desde arriba el licor sobre el amigo borracho en la arena. El protagonista de este melodrama con atmósfera de cine negro, fotografía nItida de Torres Garriga, y la brillantez de Arturo Fernández, un caradura, un gigoló, bastante camuflado por la censura de la época. Se da a entender que vive de las mujeres, un jeta con don de gentes y buen físico que sabe camelarse a las féminas. Todo esto suavizado con la moralista cita del comienzo, el daño que causamos a una persona se prolonga más allá. Todas nuestras acciones tienen consecuencias en el prójimo. Asoma el primer boom turístico con las tres inglesas que Víctor y su amigo el estudiante de medicina (Carlos Larrañaga) emborrachan y llevan a una playa de la costa brava para seguir con la juerga, en el hotel de enfrente los observará desde la ventana la joven regente del negocio, una bella Rossana Podestá célebre por peplums como Helena de Torya (Robert Wise) o el Ulises de Mario Camerini. Aquí se pasea con Víctor entre ruinas griegas, las de Ampurias, la fotografía de nos regala una serie de bellos planos con el Mediterráneo al fondo y nos enteramos de algunos detalles de la vida del borrachín Víctor. En el buen guion escrito por el mismo Julio Coll y José Germán Huici respiran una serie de estereotipos con vidas conectadas por la fatalidad, el playboy, la alcohólica, la buena chica, el amigo estudiante, el inspector de policía, el boxeador. Todos entrecruzan sus vidas y dan la razón a la cita del comienzo: somos fichas de dominó puestas en fila, al lado de un vaso de whisky. Esta noche bailamos el swing de José Solà y su orquesta en el salón de un hotel… Zacarías Cotán y Raúl Gallego

Se hace extraño volver a ver una película como El otro lado de la cama dos décadas después, cuando uno ya peina canas y se piensa menos con los genitales y los dolores de cabeza son más frecuentes, ya no precisamente por las resacas. La comedia de enredo y de malentendidos de Martínez-Lázaro pegó el pelotazo en su momento, y todo dios fue a las salas a verla. Con éxitos de pop rock español de la época, la audacia de los actores de cantar las canciones y hacer las coreografías, aporta naturalidad a la frivolidad de lo expuesto. Amigos comunes con intercambios de pareja, pero estos no son pactados ni en grupo como en el Intercambio de parejas frente al mar, de García Pelayo. Éstos se ocultan los cuernos, como si fuera tan fácil entrar por las puertas con las astas de un ciervo real. La peña salía del cine con una sonrisa de oreja a oreja, y es que el ritmo ágil y buena dirección de actores, los bailes y canciones engarzan las escenas y los diálogos algo tontos en ocasiones. Según uno de los personajes todos somos bisexuales y según otro las lesbianas normalmente llevan el pelo corto y visten con camisas de cuadros. Hoy en día quedan desfasadas estas conversaciones de alcoba, afortunadamente la sociedad ha avanzado, la inclusión y la lucha por la igualdad han logrado que suenen chocantes estos diálogos hoy en día, y este film también contribuye a ese cambio. Esperamos no volver atrás con los vientos de odio que corren con fuerza de nuevo. Un guion del debutante David Serrano, que después dirige “Días de fútbol” con casi los mismos actores. Natalia Verbeke, Paz Vega, Ernesto Alterio, Guillermo Toledo, Alberto Sanjuan o María Esteve se conocían bien y el buen rollo se deja sentir en cada gag, en cada chiste, el desenfado de estas batallas con poca munición entre los sexos, el detective de tebeo de Ibáñez – Ramón Barea- y las peroratas infames del taxista machista -Alberto Sanjuan- nos hacen pasar un buen rato. Esta noche somos el niño melón, el niño melooooooooooooooooónnnnnnn…en La gran Evasión José Miguel Moreno, Chari Medina y Raúl Gallego

Tras triunfar con La naranja mecánica y quedarse con las ganas de llevar al cine su ambicioso proyecto sobre la vida de Napoleón, Kubrick nos sumerge en batallas de la Guerra de los 7 años, en partidas de naipes iluminadas por velas, en duelos absurdos de hombres que sacan pecho y esperan el disparo a pocos metros, sacar pecho a la muerte, entre árboles y prados irlandeses. El film avanza a través de la compasión distanciada hacia la especie humana, el joven Redmond Barry, un ser del que nos compadecemos antes sus desgracias, nos alegraremos de sus venturas y también podremos aborrecer por sus acciones. Un irlandés intrépido, vividor, se propone convertirse en un caballero distinguido en la Europa dieciochesca. Una época presentada a base de planos de gran belleza. Cuadros vivos, Kubrick se inspiró en pintores del siglo XVIII como William Hogarth, George Stubbs o John Constable. La sarabanda de Handel, las piezas de Vivaldi y Schubert, o las canciones irlandesas tradicionales escogidas realzan la emoción de cada escena, añaden solemnidad, erotismo o melancolía según corresponda, un ejemplo, la escena del juego erótico de la cinta entre el joven inexperto y la prima (Gay Hamilton), o el intercambio de miradas entre la señora Lyndon y Barry, a la luz de las velas y el piano de Schubert la pasión se abre paso. Ryan O´Neal y Marisa Berenson están a la altura en la felicidad y la desgracia, él, egoísta y mujeriego, ella, la condesa aburrida de un esposo enfermo será fácil de seducir. Al fin, la providencia les dará la espalda y se trasladará a otra jaula contigua. Las escenas en los salones buscan el realismo. La excepcional recreación pictórica, ambiental y figurativa del director británico, con zooms inversos y panorámicos. Kubrick se empeñó en rodar con luz natural para dar más credibilidad a las imágenes de una era en que no existían las bombillas, por que consiguió tres lentes Zeiss, utilizadas por la NASA para capturar el lado oculto de la Luna en 1966. Esta noche recorremos las cortes de Europa en busca de grandeza... José Miguel Moreno, Rosario Medina, Zacarías Cotán, Salvador Limón y Raúl Gallego

De nuevo una cita con nuestro Festival de Cine Europeo de Sevilla, descubrimos nuevas fronteras y sensibilidades a través de las películas de las diferentes secciones, la sección oficial, Rampa, Embrujo, Alumbramiento, European Film Academy, una selección de las Nominadas a los Premios de la Academia del Cine Europeo. Raúl Gallego, José Miguel Moreno, Eduardo Aragón Mijangos, escritor desde Méjico y Antonio Navarro, programador del Festival, repasamos lo que más nos gustó de esta edición. La madre Teresa de Calcuta en “Mother” , el traumático proceso en una sala de vistas de “We believe you”, la llamada a una revolución diferente de “La anatomía de los caballos”, la comedia estudiantil italiana de ªA year of School”, los colores luminosos y la oveja rosa de “D J Ahmet”, la industria turca del transplante capilar de “Before/After”, la rebeldía de “Enzo”, la investigación en clave de thriller de “Dossier 137”, el humor ácido de “Un poeta”…además, Raquel Moreno también nos deja su comentario sobre “Dandelion´s Odyssey”, los dientes de león mecidos por el viento entre erupciones, volcanes y terremotos. PD: RIP José Antonio Cienfuegos, el recordado director anterior del SEFF y de otros festivales como el Gijón y la Seminci de Valladolid.

Imbuidos por el espíritu gótico de una fábula con hada buena, la vendedora de cosméticos interpretada por Dianne Wiest, la vecina ninfómana, bruja traicionera, y Edward Johnny Depp-, una criatura extraordinaria, dotada de bondad, talento, y maldita por una deformación congénita en forma de tijeras metálicas. Eduardo quiere abrazar a los demás y no puede porque los lastima. Sobre todo quiere abrazar a la cheerleader -Wynona Ryder- la hija de la familia que la acoge en esa urbanización tan coqueta y mediocre. El responsable de su génesis es un extravagante confitero -Vincent Price en su última aparición-. Las tijeras eran sus manos originales. las utilizaba para cortar las galletas en forma de corazón, Edward era uno de los robots utilizados en la línea de montaje. A este tipo de creador solitario volverá Burton con el Willie Wonka de Charlie y la Fábrica de Chocolate. El universo artificioso nos alucina, en un pueblo con casas de colorines y coches que salen a trabajar en sinfonía cromática y al lado el caserón gótico de escaleras orgánicas y la criatura en soledad nos mira a través de un ventanal. El mimo incomprendido nos recuerda a Buster Keaton, apenas musita unas pocas frases, sí hace otras cosas prácticas para ese atajo de amas de casa andarinas y maridos currantes, peina a sus perros con estilismos de alta escuela, después las peina a ellas, e incluso trincha pimientos en la barbacoa del domingo. La amenaza de unas cuchillas que pueden amputarte un brazo en cuestión de segundos si él quisiera, este Frankenstein con ropajes de cuero carece de manos y sin embargo tiene un gran corazón. Johnny Depp lloró al leer el guion y lo dio todo. Le vemos al principio más solo que la una en su castillo y cierra igual, con sus pelos de Robert Smith cincelando muñecos de nieve en Navidad. Esta noche intentamos disimular las cicatrices de Edward con ungüentos baratos… Zacarías Cotán, Salvador Limón, Raúl Gallego y Chari Medina.

Peter Falk y Gena Rowlands son marido y mujer en este film magistral. Verdaderamente ambos se quieren, y así es, a pesar de todo. Cassavetes mismo dijo que esta película iba sobre el precio que hay que pagar por mantener una relación. Es agotador observar la relación de los dos, que se entienden bien según el momento, Mabel, en una de las secuencias más recordadas, con el psiquiatra familiar en casa presto a banderillear a la paciente con la dosis necesaria. Ella mira a su marido, se querrán hasta la muerte, nadie del exterior debe interponerse en su amor recíproco, él asiente, y entonces entra la suegra en escena, gritando como una posesa, a esta mujer hay que llevársela, tiene a sus hijos abandonados. Toda esta dantesca situación es mostrada por Cassavetes y su cámara Al Ruban con agilidad y ansiedad, la cámara, inestable, se mueve de izquierda a derecha, de pronto los niños suben corriendo la escalera y el hombre en bata mira hacia arriba con la cara descompuesta, los gritos, los golpes y la desesperación dentro de cuatro paredes. Algún crítico afirmó que esta es la película de amor más profunda, y es curioso que no hay sentimentalismo ninguno, sin trampa ni cartón, Cassavetes despoja de dramatismos superfluos lo que cuenta, monta fragmentos de vida, retazos y flashes fugaces de una familiar peculiar. Enorme está Gena Rowlands dando veracidad con sus gestos, sus carreras, a esa mujer trastornada que desvaría, que se comporta de manera excéntrica, y aun así nos ponemos de su parte. Los hijos la quieren, el marido también, en su trabajo le dice al compañero que su mujer es una lunática, pero no está loca, y al momento le asegura que no sabe de lo que es capaz, que no la puede dejar sola. Rowlands, esposa del director en la vida real, actriz en “Faces”, “Gloria”, o “Noche de estreno” entre otras. Nick, el marido, tampoco está muy normal, una vez ingresan a su esposa en el psiquiátrico, mediante una elipsis, no vemos ni un instante del tratamiento ni de su estancia allí. El padre se lleva a sus hijos a pasar un día en la playa, corre tras ellos como un condenado a trabajos forzados, sin su mujer su existencia es un sinvivir, y a la vuelta emborracha con cerveza a los críos. Esta noche comemos spaghetti con Nick y su mujer… Zacarías Cotán, Salvador Limón y Raúl Gallego

Entre el thriller, el acercamiento a la comunidad Amish y la relación sentimental del policía y la viuda, dos personas poco adaptadas a sus propios entornos. Y todo eso visto a través de los ojos inocente de un niño. Ese niño llega en el momento equivocado a un cuarto de baño de estación, y será testigo de un crimen bárbaro. Los Amish son presentados con respeto y algún toque de humor, y Weir contrapone la pureza de esas gentes sin reparar en aspectos negativos como la intolerancia puritana de estas sectas, el patriarca llama a todos los ajenos a su sociedad cerrada “ingleses”, ten cuidado con los ingleses le espeta a la nuera que viaja a la gran urbe por primera vez con su hijo. El crío -Lukas Haas- admira al policía desde que lo conoce, a ese policía con dotes de carpintero, en su estancia en las bucólicas tierras de los Amish entregará su arma de fuego a la mujer, el símbolo de la violencia de los “ingleses” que ellos rechazan radicalmente. Lo mejor de Único Testigo es el magnetismo que desprende la relación de Harrison Ford y Kelly McGillis, una historia sin porvenir debido a la barrera cultural infranqueable. De pronto arranca el coche, el policía mete la marcha y suena el Wonderful World en un granero, o ella se baña en su intimidad, la forma de mostrar su desnudez al que no puede dejar de mirarla, la renuncia tendrá su explicación. Ella se quitó el bonete blanco, y fue un gesto poco definitorio, la barrera es tremenda, y John Book lo sabe perfectamente. El lenguaje corporal de Ford es de categoría, después será el excéntrico padre inventor de “La costa de los mosquitos”, tambien dirigida por Peter Weir, y así se desmarcará algo de sus estereotipos a lo Han Solo, Blade Runner o Indiana Jones. Los Oscars importantes fueron para la almibarada “Memorias de África”, peor película que “Único Testigo” en mi opinión. Esta noche intentamos ordeñar una vaca por primera vez… Salvador Limón, Alejandro Trujillo, Rosario Medina y Raúl Gallego Blog: cinemalagranevasion.blogspot.com Instagram: la_gran_evasion1_ https://www.instagram.com/la_gran_evasion1_/ X: @Ralgallego64640 La gran Evasion @Firettomb

La sombra de la guerra de Secesión y la fiebre amarilla se ciernen sobre los personajes de “Jezabel”, el melodrama de William Wyler precedente de la superproducción de la MGM “Lo que el viento se llevó”. Aquí tenemos a Julie (Bette Davis), una jovencita del sur, caprichosa y manipuladora, tanto como Escarlata O¨Hara. En torno a Bette Davis gravitan todos los personajes y objetos del film, los esclavos negros de igual forma parecen vivir felices en su situación, con niños graciosos y el tío Cato, el mayordomo que brinda por el matrimonio del caballero sureño en la cocina para que nadie le vea. Julie, la Davis, resplandece con su vestido rojo en un vals de mujeres de blanco, una mujer adelantada a su época, vanidosa y terca, expresa la ira, la emoción, la pasión y la depresión en esos primeros planos que su ferviente admirador Wyler le dedica. Preston -Henry Fonda- la quiere, aunque es de la misma tierra de pantanos y tradiciones, simboliza los valores de la modernidad, los aires que soplan desde el norte y así se enfrenta en las reuniones con los inmovilistas patrones, los que no ven con buenos ojos que el ferrocarril haga la competencia al comercio marítimo del Mississippi. El hombre del sur es George Brent, el otro pretendiente, con unas convicciones puras, sin diluir, él no diluye el Bourbon con agua en el gran Salón de San Luis, rodeado de hombres de honor, aterrados por la plaga. Wyler nos cuenta esta obra de Owen Davis con movimientos de cámara seguros, con gráciles travellings y barridos por las calles de Nueva Orleans y sus suntuosas mansiones, en las escaleras que en “La loba” también tenían protagonismo, y en la recordada escena del vals, en ese salón todas las miradas de indignación se posan en la joven rebelde y atormentada de sí misma, hasta el punto que su tía (Fay Bainter) la compara con Jezabel, la orgullosa y manipuladora reina bíblica de Israel. Esta noche giramos la cabeza para contemplar a la joven del vestido rojo... Zacarías Cotán, Raúl Gallego, Salvador Limón, David Velázquez y José Miguel Moreno Blog: cinemalagranevasion.blogspot.com Instagram: la_gran_evasion1_ https://www.instagram.com/la_gran_evasion1_/ X: @Ralgallego64640 La gran Evasion @Firettomb

Kenji Mizoguchi nos traslada al Japón de la era Meiji, al Tokyo del año 1888 y a un teatro kabuki en la Historia del último Crisantemo. Con un estilo visual muy cuidado y siguiendo su tema habitual, la experiencia de mujeres oprimidas por las reglas sociales, por el entorno patriarcal de la cultura japonesa. Mujeres inteligentes, valientes, en la sombra, como Otoku -Kahuho Mori-, esta niñera sobre la que circula todo el relato, circula en torno a su altruísmo y en torno al aprendizaje de un niño mimado, Kikinosuke – Shotaro Hanagayi-, vástago de un prestigioso actor, debe mantener el abolengo de su apellido. Mizoguchi apela a los sentimientos sin subrayados, con armónicos planos secuencia y travellings fluye su elegía a una mujer, presenta a los personajes encarcelados en sus aposentos, entre el tatami y las celosías de madera espiamos las murmuraciones y preocupaciones privadas de los personajes. La cámara barre lentamente los rincones del teatro y en segundo plano observamos los tramoyistas, los actores, los maquilladores en su rutina, tras mostrarnos los espacios despejados y los bastidores se abre el telón, y Mizoguchi nos planta como espectadores ante diferentes episodios de las obras en las que actúa el frustrado Kiku, un onnagata, actor masculino especializado en papeles femeninos, luchando por mejorar sus dotes. De pronto, la sirvienta Otaku le alumbra y fortalece, tal como en toda la obra de Mizoguchi,¨Los amantes crucificados”, “Oharu mujer galante”, “La señorita Oyu”, etc, el deber y las convenciones sociales se oponen a los sentimientos de lod dos enamorados, Kiku decide plantar cara a su despótico progenitor y pone pies en polvorosa para buscarse el sustento, y mediante las penurias y el trabajo constante accede al conocimiento de su arte, tal como su querida musa Otaku le aconsejaba en sus paseos nocturnos Esta noche partimos la sandía y la saboreamos en compañía de Otaku… José Miguel Moreno, Salvador Limón, Zacarías Cotán y Raúl Gallego. Blog: cinemalagranevasion.blogspot.com Instagram: la_gran_evasion1_ https://www.instagram.com/la_gran_evasion1_/ X: @Ralgallego64640 La gran Evasion @Firettomb

Las notas de Fabio Frizzi nos abren la puerta del inframundo, el sótano más inundado en un hotel de Lousiana oculta una de las siete puertas del infierno. Fulci el maestro de los gusanos y las entrañas, del terror orgánico, despliega sus obsesiones más enfermizas. Una mujer ciega -Cinzia Monreale- advierte a la propietaria del hotel maldito. La joven de pupilas blancas no puede explicarle el origen del terror, solo la avisa, es una enviada, procede del más allá y conoce las entidades oscuras. Visiones impactantes y efectos grotescos se suceden, saltamos de un escenario dantesco a otro peor, de un sótano anegado a una morgue de blancura diáfana, de una bañera podrida al mar de las tinieblas. Un argumento irracional, lo que ocurre en ese insólito hotel y ese hospital es de pesadilla, la condenación humana, y perruna, la maldición latente desde que mucho tiempo atrás una turba empareda y crucifica al pintor de un cuadro tenebroso, esa pintura del averno, el mismo escenario final, piélago de muerte donde las almas en pena se arrastran y el horizonte se antoja de tormento infinito. Fulci se debate entre el realismo truculento y estomagante y la fantasmagoría cósmica. El libro de Eibon, el que encuentra en la biblioteca el infeliz arquitecto, devorado después por tarántulas, parte de un texto del escritor Clark Ashton Smith, miembro del círculo de Lovecraft. El más allá (L´Aldilá) forma parte de la trilogía sobrenatural conocida como Las puertas del Infierno, junto a Miedo en la ciudad de los muertos vivientes, y Aquella casa al lado de cementerio. Con Catriona McColl como nexo de unión, sangre, vísceras, ojos desorbitados, y una legión de zombis momificados que hacen las delicias de los partidarios del cineasta romano, entre los que me encuentro. Esta noche procuramos no meter la mano en la bañera inmunda con fontanero incluido… Salvador Limón, Zacarías Cotán y Raúl Gallego. Blog: cinemalagranevasion.blogspot.com Instagram: la_gran_evasion1_ https://www.instagram.com/la_gran_evasion1_/ X: @Ralgallego64640 La gran Evasion @Firettomb