Podcast de Notas de cine

Seis contrabajos, ocho chelos, cuatro trombones y una tuba. Esos fueron los instrumentos que necesitó John Williams para componer el tema central de 'Tiburón'. Eso y muy pocas notas. Pocas pero insistentes, amenazantes y en un crescendo que presagia el ataque imparable del escualo. John Williams sabía que el eje central de la banda sonora debía ser el tema del tiburón, la verdadera estrella de la película. Tras varias pruebas llegó a la conclusión de que lo mejor era apostar por la sencillez. Y Williams acertó. La música transmite a la perfección el terror y el peligro que representa el pez asesino.

A menudo se suele atribuir la obra maestra que es sin duda 'Ciudadano Kane' a la genialidad de su director y protagonista, Orson Welles, pero lo cierto es que aquel reto artístico sólo fue posible gracias a la confluencia en un mismo equipo de varios genios. 'Ciudadano Kane' no sería lo que es sin el guión de Herman Mankiewicz, la fotografía de Gregg Toland, el montaje de Robert Wise, la dirección artística de Perry Ferguson y, desde luego, sin la música de Bernard Herrmann. Welles y Herrmann debutaban en el cine con 'Ciudadano Kane'. Se habían conocido en la cadena de radio CBS donde el músico, con tan solo 23 años, había empezado a componer sintonías y piezas musicales para los espacios dramáticos de la emisora. Entre ellos los que ofrecía Orson Welles con sus actores del Mercury Theatre. El más recordado fue sin duda la emisión de 'La guerra de los mundos' que en 1938 hizo creer a los norteamericanos que estaban siendo invadidos por marcianos. La fama que le dio a Welles precisamente aquella emisión hizo que la RKO le firmara un contrato para dirigir con total libertad creativa su primera película, y Orson decidió llevarse con él a Bernard Herrmann. El músico gozó de condiciones de trabajo bastante insólitas para la época. Para empezar dispuso de doce semanas para componer la banda sonora cuando lo habitual eran tres. Además trabajaba en el estudio, mientras se rodaba y editaba la película, lo que permitió un encaje milimétrico de la música con las imágenes, y varias escenas fueron montadas en función de la partitura y no al revés, como era lo normal. En lo estilístico también la banda sonora de 'Ciudadano Kane' resultó bastante inusual. Rompió la costumbre del Hollywood de aquel entonces de que la música sonara durante toda la película, usándola en su lugar en momentos puntuales y sólo utilizando la orquesta sinfónica en un par de ocasiones.

En 'I’m Not There', el film que realizó en 2007 el cineasta Todd Haynes, no nos encontramos con una película biográfica al uso, con un actor poniéndose en la piel de Dylan, imitando su voz y sus gestos y que cuenta cronológicamente su vida o una parte de ella. En esta curiosa película, Haynes se inventa una serie de personajes que tienen, todos ellos, el espíritu de Bob Dylan en diferentes etapas de su vida. Desde el joven que comenzó a cantar siguiendo los pasos de Woody Guthrie, al cantante de folk que compone temas sociales o el que decide abandonar la guitarra acústica por la eléctrica causando un verdadero shock entre sus seguidores. La película no es precisamente complaciente ni amable con su figura sino que explora los rincones oscuros del artista. A la vez es un retrato generacional e histórico de los años 60 y 70 de los Estados Unidos reflejando acontecimientos como la guerra de Vietnam o el asesinato de Kennedy.

El escritor Kazuo Ishiguro nació en Nagasaki, pero con apenas seis años se trasladó con su familia a Londres y fijó definitivamente su residencia en Inglaterra, asimilando perfectamente toda su historia y tradiciones. En 1989 publicó 'The Remains of the Day', una novela en la que contaba una historia ambientada en una tradicional mansión británica. James Ivory realizó la adaptación cinematográfica del libro sólo cuatro años después. El protagonista del film es un mayordomo, interpretado por Anthony Hopkins, incapaz de transmitir sus emociones y opiniones y, sobre todo, de verbalizar el amor que siente por el ama de llaves a quien da vida vida Emma Thompson.

Cuando en 1963 Elmer Bernstein compuso 'La gran evasión' ya tenía un currículum admirable. Había ayudado a introducir el jazz en la música de cine con 'El hombre del brazo de oro'; había sabido darle ritmo al wéstern con 'Los siete magníficos'; potenciar el cine de gran espectáculo con 'Los diez mandamientos' y mostrar su enorme sensibilidad musical con la bellísima 'Matar a un ruiseñor'. Con el director John Sturges trabajó en seis películas a lo largo de su carrera, y Bernstein siempre le citó como su cineasta favorito, con el que mejor se compenetraba, ya que depositaba en él una enorme confianza. John Sturges reunió un reparto de actores verdaderamente espectacular: James Coburn, Charles Bronson, James Garner, Richard Attenborough o Donald Pleasence, entre otros. Pero sobre todo destacaba la presencia de Steve McQueen, el rey del 'cool', que daba vida al prisionero más irreductible de todos. Y a esta constelación de estrellas hay que sumar la música de Elmer Bernstein, que se convierte en un personaje más de la fuga. Se trata de una partitura vibrante y eficaz. Y como corresponde al ambiente militar, muy rítmica en algunos pasajes.

Esta semana 'Notas de cine' viene con producto nacional, y además con solera, ya que nos recuerda una de las canciones más populares del cine español: 'Yo te diré', un tema que sonaba en 'Los últimos de Filipinas' (1945). La película de Antonio Román cuenta la gesta de medio centenar de soldados españoles que resistieron durante casi un año en la iglesia de la localidad de Baler, en la isla filipina de Luzón. En diciembre de 1898 España y Estados Unidos firmaron el Tratado de París, por el que las Filipinas dejaban de ser territorio español, pero la guarnición de Baler, aislada por tierra y mar, no se enteró de la noticia, y cuando les comunicaron que la guerra había terminado y su misión ya no tenía sentido, ellos siguieron sin creerlo, esperando una orden para abandonar su puesto. Por la época en que se estrenó, la película se convirtió en una pequeña metáfora del aislamiento internacional al que se vio abocado nuestro país durante el régimen de Franco. La habanera 'Yo te diré' fue escrita expresamente para el film por Enrique Llovet, con música de Jorge Halpern. Nani Fernández, una joven de 21 años que debutaba entonces en el cine, fue la actriz encargada de interpretarla.

“¿Pero quién demonios es Bob Dylan?” A pesar de que por entonces era ya una de las grandes estrellas de la música americana, Sam Peckinpah no conocía a Bob Dylan (o al menos eso decía). Habían sido sus amigos Kris Kristofferson y el guionista del filme Rudy Wurlitzer quienes habían pedido al cantautor que compusiera un tema para la película que Peckinpah estaba preparando sobre Billy el Niño. Ahora Dylan se hallaba en casa del director con su guitarra esperando a que Peckinpah diera el visto bueno a la canción. Sentado frente a él empezó a tocarla. Afuera esperaban Kristofferson y el guionista. Al cabo de unos minutos Peckinpah salió enfurruñado: “Maldito chaval, es bueno de verdad. ¡Alistadle!”. Fue así como Bob Dylan entró en el mundo del cine. El director estaba tan satisfecho con él que Dylan fue contratado finalmente para componer toda la banda sonora de la película. A cambio el músico pidió un favor. Llevaba tiempo dándole vueltas a la idea de probar como actor y quería interpretar un pequeño papel en la película. A Peckinpah no le hizo ninguna gracia pero aún así aceptó a regañadientes.

2001 fue el año de 'Gladiator' y 'Tigre y dragón'. El film de Ang Lee se convirtió en la película de habla no inglesa más nominada de la historia de los Oscar con diez candidaturas. Uno de los premios a los que aspiraba era el de mejor canción por el tema 'A Love Before Time', interpretado en mandarín por Coco Lee, una de las estrellas del pop más famosas de Asia. Björk concursaba con un tema del musical de Lars Von Trier 'Bailar en la oscuridad'. La canción era 'I’ve Seen It All' y la propia Björk la interpretó en la ceremonia con su traje de cisne, uno de los modelitos más originales de toda la historia de los Oscar. El británico Sting llegaba a la ceremonia con una canción de la película 'El emperador y sus locuras', una cinta de animación Disney ambientada en el imperio inca de los Andes, que adaptaba de forma muy libre el cuento clásico 'El traje nuevo del emperador'. La canción se titulaba 'My Funny Friend And Me'. El eterno aspirante Randy Newman se marcó en esta ceremonia un nuevo récord: la persona más veces nominada de la historia que nunca había conseguido una estatuilla. Catorce nominaciones y cero Oscar, racha que por fin rompería al año siguiente con el premio para su canción de la película 'Monstruos S.A.' En 2001 Randy concursaba con el tema 'A Fool In Love', que sonaba en 'Los padres de ella'. Jennifer López fue la encargada de abrir el sobre y de anunciar que finalmente el ganador era Bob Dylan por la canción 'Things Have Changed', compuesta para la película 'Jóvenes prodigiosos'. Dylan no pudo asistir a la ceremonia pero cantó el tema vía satélite desde Australia, donde estaba en ese momento, y pronunció su discurso de aceptación desde una pantalla.

Katharine Hepburn y Spencer Tracy vivieron una de las historias de amor más grandes de la historia del cine. En la gran pantalla coincidieron en nueve películas, y de todas ellas es en 'La costilla de Adán' donde mejor se puede apreciar su perfecta compenetración, tanto personal como artística. El personaje de Katharine Hepburn en el film se llama Amanda, un nombre que sirve de inspiración a una canción que es también parte inseparable de este conocido clásico: 'Farewell, Amanda'.

'Desayuno con diamantes' fue el primer largometraje en el que trabajaron juntos Blake Edwards y Henry Mancini. El argumento se basaba en una novela de Truman Capote titulada 'Desayuno en Tiffany’s'. Edwards hizo gala de su habilidad para combinar el humor con el drama sentimental y convirtió la película en un clásico imperecedero. La imagen de Audrey Hepburn desayunando un croissant ante el escaparate de la famosa joyería Tiffany’s de Nueva York es sin duda uno de los iconos del cine.

Dentro de su sección 'And the Oscar goes to...', 'Notas de cine' recuerda aquellas canciones originales nominadas al Oscar en 1976. La ganadora fue 'I'm Easy', escrita e interpretada por Keith Carradine para 'Nashville', la película de Robert Altman. El propio Carradine fue quien le propuso a Altman componer un tema para este film ambientado en el festival de música country de la ciudad norteamericana. Más tarde, el actor confesaría que, en realidad, la canción levaba compuesta varios años.

Buena parte del éxito de 'Doctor Zhivago' se debe, por supuesto, a la banda sonora que compuso Maurice Jarre, el músico francés al que David Lean había lanzado a la fama con 'Lawrence de Arabia'. Jarre debía componer una partitura que fuera épica para las escenas históricas pero romántica y emotiva al mismo tiempo. Una parte importante de la banda sonora la constituían los valses y otras piezas elegantes para las fiestas a las que el personaje de Julie Christie acude con Rod Steiger y que ilustran el ambiente refinado de la Rusia zarista. Había sin embargo un instrumento cuyo sonido no podía faltar y que debía recordar vivamente y en todo momento a Rusia: la balalaika. Sólo había un problema. En la orquesta de la Metro no había nadie que supiera tocarla. Maurice Jarre fue entonces a una iglesia rusa de Los Ángeles y consiguió reunir un grupo de unas 20 personas que sí sabían hacerlo. Como no eran capaces de leer la partitura tuvo que enseñarles individualmente los 16 compases del tema de Lara.

Dentro de su sección 'Aquella canción', 'Notas de cine' recuerda un tema tradicional húngaro que se escuchaba en 'El paciente inglés'. La canción suena desde un tocadiscos en una escena en la que Ralph Fiennes y Kristin Scott Thomas, los dos amantes de la película, yacen juntos, y su letra describe el profundo amor que sienten estos dos personajes. No en vano la canción se titula 'Szerelem Szerelem', que significa 'Amor, amor' y está interpretada por Márta Sebestyén, una cantante húngara de música popular que se hizo muy famosa gracias a que este tema se incluyera en la película.

Con la llegada del sonoro, la música sonaba incansable en los musicales pero brillaba por su ausencia en los otros géneros cinematográficos. A veces se utilizaban algunas piezas de música clásica o música diegética que se producía en la misma escena, pero los productores no querían otra música de fondo ya que tenían la extraña teoría de que podría distraer al público. 'King Kong' fue la obra que demostró por primera vez la magnitud que podía llegar a tener la música en relación con las imágenes de una película. La partitura de Max Steiner llenaba las tres cuartas partes del filme y daba una nueva dimensión al relato, potenciando como no se había visto hasta entonces el romanticismo, la aventura o el terror.

68 posiciones de cámara y 55 segundos de duración para la escena que probablemente ha provocado más estudios y generado más análisis plano a plano de la historia del cine. El diseño minucioso de la secuencia, la magia del montaje y la utilización de las luces y el enfoque lo hicieron posible pero no podemos olvidar papel tan importante que juega la música en la escena de la ducha de 'Psicosis'. Aunque las imágenes no mostraban ni una sola incisión del cuchillo en el cuerpo de Janet Leigh, los espectadores sentimos casi en nuestras propias carnes cada una de las cuchilladas, gracias a los chirriantes violines de Bernard Herrmann.

Se llama theremín, y es un instrumento electrónico inventado en 1920 por el ingeniero ruso Leon Theremin. Su principal característica es que se toca sin tocarlo. Son dos osciladores que producen ondas y al mover las manos alrededor de ellas emiten diferentes sonidos. El compositor Miklós Rózsa lo utilizó para el cine por primera vez para la película 'Recuerda' de Alfred Hitchcock. Miklós Rózsa fue el compositor de películas épicas y religiosas como 'Ben-Hur', 'Quo Vadis' o 'Rey de reyes', pero en sus comienzos en Hollywood destacó como especialista en dramas psicológicos en los que los personajes sufrían una gran tortura interior, como el amargo retrato del alcoholismo que se hacía en 'Días sin huella' de Billy Wilder, o del demonio de los celos en 'Doble vida' de George Cukor, por la que Rózsa ganó un Oscar. 'Recuerda' fue la primera película en abordar en Hollywood el mundo del psicoanálisis. El origen del proyecto se remonta a una depresión que sufrió el productor David O. Selznick tras el rodaje de 'Lo que el viento se llevó'. Entonces fue tratado por una psicoterapeuta y ésta le despertó el interés por el tema.

M. Night Shyamalan y James Newton Howard se conocieron en 1999 con 'El sexto sentido' y desde entonces han sido inseparables. 'El bosque' es sin duda la mejor de todas las partituras que Howard ha compuesto para el cine de Shyamalan y no lo decimos nosotros solo, sino también el propio director, que la elige como su favorita. 'El bosque' es una película sobre los secretos pero también sobre el miedo. El miedo que se puede utilizar para manejar a las personas. De hecho, muchos quisieron ver en la película una alegoría sobre el clima que se vivió en Estados Unidos después del ataque del 11-S. James Newton Howard escribió para el film una partitura muy equilibrada que tiene dos caras. Por un lado música apacible y delicada. Por otro tenebrosa y oscura ya que, formalmente, El bosque es una película de terror.

¿Puede una canción resolver el misterio de una película? Si el director es Alfred Hitchcock, seguro que sí. Una canción es la clave para solucionar el secuestro de un niño y la trama que se extiende a su alrededor. La película a la que nos referimos es 'El hombre que sabía demasiado', y la canción era el famoso 'Que Sera Sera' que cantaba Doris Day. En 'El hombre que sabía demasiado' Doris Day daba vida a una cantante que se había retirado para llevar una vida familiar junto a su hijo y su marido, un médico interpretado por James Stewart. El secuestro del niño lleva a una intriga que se resolverá con ayuda de la famosa canción y que no vamos a desvelar por si aún no habéis visto la película, cosa que os recomendamos encarecidamente.

La banda sonora de 'La misión' compuesta por Ennio Morricone no podía faltar en la 'Discoteca de oro' de 'Notas de cine'. Es una música que caló tanto y tan profundamente en el público que fue utilizada en los años 80 y 90 en numerosos anuncios de televisión o en recopilatorios de new age y música chill out. Sin embargo el músico italiano no estaba, al principio, por la labor. Su agenda estaba a rebosar y además había declarado públicamente que no volvería a trabajar para el cine americano. Su decisión parecía firme, pero los productores del filme no se dieron por vencidos e idearon una estrategia para convencerlo. Le pidieron únicamente que viera la película. Una de las primeras escenas emocionó profundamente a Morricone. Jeremy Irons, en plena selva, tocaba una melodía con un oboe y los indígenas se acercaban atraídos por la belleza de la música. La escena se había montado con el adagio del concierto para oboe de Alessandro Marcello y resultaba mágica. Cuando acabó la proyección Morricone tenía los ojos humedecidos y acabó aceptando la propuesta.

El 12 de abril de 1968 el compositor Alex North asistía a la premiere de la película '2001: Una odisea del espacio'. No era un espectador cualquiera. El director Stanley Kubrick le había contratado para componer y orquestar la banda sonora de la película y el músico quería comprobar como encajaba su trabajo con las imágenes. La pantalla mostraba un desierto hace cuatro millones de años. Un grupo de simios descubría la presencia de un extraño monolito negro. De fondo sonaba el tema 'Así habló Zarathustra' de Richard Strauss. Alex North pensó que quizá aquello era una introducción musical elegida por Kubrick. Pero según avanzaba la película el compositor tuvo claro que su música no se escucharía en ningún momento del film. North se sentía dolido. No sólo porque él había compuesto una excelente banda sonora, sino porque Kubrick ni siquiera se había dignado a informarle de que no pensaba utilizarla en la película. El compositor abandonó el cine. Mientras, en la pantalla, la nave Orión volaba hacia la luna a los compases de 'El Danubio Azul' de Johann Strauss. '2001' significa en la filmografía de Kubrick el primer paso encaminado a controlar personalmente el apartado musical de sus películas. Hasta entonces diferentes compositores se habían encargado de las bandas sonoras de sus producciones. A partir de '2001' Kubrick se encargaría él mismo de escoger la música de sus films. El control total que buscaba con ello se extendería también con el tiempo a otros aspectos no cinematográficos como la promoción publicitaria, el doblaje a otros idiomas o la adaptación al formato video.