Podcast de Opus Organicum

Adalbert Gyrowetz, (20 de febrero de 1763 - 19 de marzo de 1850) fue un compositor y director de orquesta checo. Nació en Ceské Budejovice (alemán: Budweis). Recibió sus primeras lecciones musicales de su padre, que era organista. Estudió filosofía y derecho en Praga, pero se dedicó completamente a la música. Trabajó en muchos centros de la vida musical y también como director en varias casas nobles. Entre 1804 y 1831, trabajó como compositor y director de orquesta en el Teatro de la Corte de Viena. Murió en Viena. Como compositor, estuvo influenciado especialmente por Joseph Haydn. Entre sus obras tiene alrededor de 60 sinfonías; también escribió conciertos, serenatas, suites, óperas y canciones. Su música de cámara es muy rica, en especial sus cuartetos de cuerda. Una fuente de información muy importante es su propia autobiografía.

La música incidental es la que acompaña las escenas de una película para crear ambientación o reforzar la narración, y suele ser compuesta específicamente para cada película por un compositor profesional. En cuanto a la banda sonora original, es la que incluye también música preexistente, diálogos y efectos de sonido, y suele ser editada y comercializada como un producto aparte de la película. Entendiéndolo de esta manera, la música en el cine es el complemento auditivo que refuerza la historia y los diálogos de las escenas que vemos en cada cinta cinematográfica. Es por ello que ha cobrado tanta relevancia, y no sólo en las en películas, también en las series, animaciones, e incluso en la publicidad logra tener un impacto que en ocasiones puede pasar desapercibido, pero que sin ella no sería lo mismo, ni tendría la emoción que logra conseguir el poder de la música.

El romanticismo musical se manifiesta en el momento en el que se rompe la relación de dependencia del músico-lacayo sobre el príncipe. Los músicos de finales del XVIII se van independizando de la vida cortesana anterior (aunque siguen obteniendo encargos de potentados patronos) y comienzan a ganarse la vida dando recitales en una sociedad más democratizada, que accede y compra sus partituras musicales de editores como los afamados Breitkopf und Härtel. La imprenta y la demanda de música para el solaz de cada hogar burgués hacen posible el milagro de la gran expansión musical, de las cortes palaciegas a los hogares de las grandes ciudades. Frente a la obligación de componer para el mecenas que les patrocina, estos músicos comienzan a crear música para sí mismos, por el placer de hacerlo y volcando en sus pentagramas sus sentimientos de amor y desamor por el mundo y las personas que les rodean.

El romanticismo apareció por primera vez en Alemania como un fermento cultural, un tipo de sensibilidad característico de la época, encarnado por los dos grandes poetas y filósofos Johann Herder y Goethe. Entre las décadas de 1770 y 1780, el Sturm und Drang («Tormenta e impulso»), que inicialmente designa el título de un drama de Friedrich Maximilian Klinger, es la expresión más radical de la existencia. Se trata de un movimiento literario precursor de la gran carrera romántica que comenzará unos veinte años después. El arte se entiende allí como un lenguaje y se requiere que todo arte sea poético, es decir que plantee un significado simbólico. Este movimiento estaba asociado a una actitud de exaltación de la libertad y la espontaneidad, así como de rebelión contra la autoridad, las convenciones sociales y los imperativos morales.

Un ejemplo de la música litúrgica de Salieri. Es una típica bomba del siglo XVIII. (Aunque, sin mucha originalidad.) Gracias a la película de Hollywood, _Amadeus_, Salieri es ahora «famoso por asociación». Era un músico capaz, pero no Mozart. Ni siquiera un Haydn. Desafortunadamente, debido a que fue eclipsado por uno de los compositores más grandes de todos los tiempos, la obra de Salieri no recibe el tratamiento que merece. Enl Coro de Niños St. Florian, hay niños cantores que no llegan cantar bien la música y marcar las notas como se indica en la partitura. Esto es especialmente notable durante partes del «Kyrie». Sin embargo, en su conjunto, la producción está pulida y bien hecha. A pesar de que los chicos tropiezan aquí y allá, sus esfuerzos generales son aceptables y, es uno de los pocos ejemplos de la música de Salieri que se interpreta. Esto es para alguien que está interesado en el trabajo de Salieri y, por lo tanto, pasará por alto algunas imperfecciones en la grabación.

Giovanni Sgambati nació en Roma, en el seno de una familia burguesa. Pronto demostró tener aptitudes para la música llegando a ser un niño prodigio. En 1849 muere su padre y poco después su madre se vuelve a casar trasladándose a Trevi, en Umbría. Allí estudiará armonía con Natalucci, un discípulo de Zingarelli. A los trece años aprueba el examen de ingreso a la Academia de Santa Cecilia. Recordemos que en aquella época todavía no se había realizado la unificación de Italia. Roma era la capital de los Estados Pontificios, dentro de los cuales se encontraba la región de Umbría. Para ejercer profesionalmente como músico se necesitaba el título otorgado por la Academia de Santa Cecilia. Giovanni fue reconocido como pianista profesional.

La música ha sido compañera del ser humano desde los albores de los tiempos. Los antropólogos han descubierto vestigios de flautas de hueso, ocarinas de cerámica, arpas y restos de antiguos instrumentos de percusión como tambores, maracas, sistros, etc. Con el correr de los siglos la música siempre ha desempeñado un papel importante en las civilizaciones humanas, ya sea desde una vertiente militar, religiosa o lúdica. Se han descubierto en lapidas de la antigua Grecia símbolos de un primitivo sistema de notación, también presente en papiros del antiguo Egipto. En las expediciones científicas, sobretodo cartográficas, también llevaban instrumentos de viento y a veces de cuerda para solazarse en las duras travesías. En los cuadernos de las expediciones de entonces hay muchas indicaciones que así lo atestiguan.

Los años 1850 fueron una década que se extendió desde el 1 de enero de 1850 hasta el 31 de diciembre de 1859. La década de 1850 fue una década muy turbulenta, con guerras como la guerra de Crimea, que cambió y sacudió la política europea, así como la expansión de la colonización hacia el Lejano Oriente, que también provocó conflictos como la segunda guerra del Opio. 1853: El ácido acetilsalicílico (conocido popularmente como aspirina) fue sintetizado por primera vez por el químico francés Charles Frédéric Gerhardt, al combinar el salicilato de sodio con cloruro de acetilo.

El posromanticismo coincide con un período de gran convulsión en todos los ámbitos culturales y artísticos europeos. Posrománticos son los compositores que siguen el estilo de Wagner y crean obras siguiendo los cánones del romanticismo en una época en la que aparecen ya muchas manifestaciones culturales y artísticas de carácter innovador, como el Impresionismo y las primeras vanguardias, como el futurismo, el expresionismo, etc.). Este movimiento musical abarca de 1890 a 1914, y se caracteriza por el empleo de grandes formas y de conjuntos vocales e instrumentales también de grandes dimensiones, así como por el desarrollo extremo del lenguaje compositivo del Romanticismo. Este desarrollo dará lugar a la obra de autores como Max Reger (1873-1916), Richard Strauss (1864-1949), Gustav Mahler (1860-1911) o Ferruccio Busoni (1866-1924) así como al desarrollo del Impresionismo, que buscará una sonoridad diferente de la que el Romanticismo había creado.

La serenata es una obra compuesta para celebrar y festejar a una persona, se interpreta en al aire libre y por la noche. La palabra serenata deriva de la palabra latina “serenus” que significa “claro, límpido, sereno”. La serenata alcanzó mucha popularidad en el siglo XVIII, eran piezas vocales o instrumentales ejecutadas al aire libre, por la noche, en honor de determinada persona que la escuchaba. La serenata guarda relación estrecha con cassation, notturno y divertimento; el término se aplica a obras más ligeras que tienen movimientos múltiples, que incluyen cuerda y viento, con frecuencia son concebidas para la ejecución de solistas, es decir, un solo ejecutante para cada parte a diferencia de la ejecución orquestal.

La música de cámara se distingue de otros estilos gracias a que está compuesta para un grupo reducido de intérpretes que oscila entre los dos y doce, en oposición a la música de orquesta. Esta intimidad permite una comunicación musical más cercana y una apreciación detallada de cada instrumento. Este tipo de música tiene una rica historia que se remonta a los tiempos de la música barroca en Europa. Surgió como una forma de entretenimiento para la nobleza en salones privados, lo que la hizo especialmente apreciada por su elegancia y sofisticación. A lo largo de los siglos, experimentó cambios significativos en su estilo y estructura, evolucionando desde las obras de Mozart y Beethoven hasta la música contemporánea de hoy en día.

La presente exposición musical recibe el nombre de ocasional porque al igual que el Oratorio de Haendel del mismo nombre, se han escogido obras de diferentes procedencias y variados autores con el fin de recrear un ambiente determinado. En el caso de Haendel de tintes patrióticos, y en el caso que nos ocupa una recreación veraniega barroca. A diferencia de la obra que ha servido de modelo, la presente sesión carece de partes vocales que han sido sustituidas por conciertos con instrumento solista. Todas las obras pertenecen al periodo barroco pleno con autores contemporáneos que se conocieron en vida menos en el caso de Haendel y Bach.

Franz Ignaz Beck (1734-1809) nació en Mannheim de una familia con antecedentes musicales y fue alumno de Johann Stamitz. A pesar de la influencia ejercida por la escuela de su ciudad natal, estuvo poco tiempo en ella. Su vida fue bastante aventurera, según los relatos de su alumno Henry Blanchard. Beck se había convertido en el favorito del príncipe elector del Palatinado. Esto ocasionó los celos de sus rivales, tanto que fue obligado a batirse en duelo, lo cual estaba prohibido por la corte. En el transcurso del mismo su oponente fingió teatralmente su muerte. Beck tuvo que abandonar Mannheim y se dirigió a Italia donde para ampliar sus estudios posiblemente estudió con Galuppi.

Rondò Veneziano es una orquesta de cámara italiana, especializada en música barroca, tocando instrumentos originales, con la incorporación de una sección rítmica estilo rock de sintetizadores, guitarra bajo y batería, dirigido por el Maestro Gian Piero Reverberi, quien también es el compositor principal de todas las piezas originales de Rondo Veneziano. La adición inusual de instrumentos modernos, más adecuados para el jazz, combinados con arreglos de Reverberi y composiciones originales, han dado lugar a nuevas versiones de obras clásicas en los últimos años. Por regla general, en sus giras de conciertos, los músicos, mayormente mujeres, se suman al efecto barroco en general con el uso de atuendos y peinados de la época barroca.

Al llegar a la segunda mitad del siglo XIX, muchos de los cambios sociales, políticos y económicos que se iniciaron en la era post-napoleónica, se afirmaron. El telégrafo y las vías ferroviarias unieron a Europa mucho más. En los anteriores cincuenta años, muchas innovaciones en la instrumentación, incluyendo el piano de acción de doble escape, los instrumentos de viento con válvulas, y la barbada de los violines y violas, pasaron de ser algo novedoso a estándar. El incremento de la educación musical sirvió para crear un público más amplio para la música para piano y los conciertos de música más sofisticados. Con la fundación de conservatorios y universidades se abrió la posibilidad a los músicos de hacer carreras estables como profesores, en vez de ser empresarios que dependían de sus propios recursos. La suma de estos cambios puede verse en la titánica ola de sinfonías, conciertos y poemas sinfónicos que fueron creados, y la expansión de las temporadas de óperas de muchas ciudades y países, como París, Londres o Italia.

Jean-Georges Noverre (París, 29 de abril de 1727 - Saint-Germain-en-Laye, 19 de octubre de 1810) fue un bailarín francés y profesor de ballet. Es considerado el creador del ballet moderno. El día de su nacimiento (29 de abril) se celebra el día Internacional de la Danza. El ballet romántico abandonó progresivamente los mitos de la Grecia antigua, para basarse en la Mitología nórdica poblada de elfos, ondinas y troles. Es el reinado de la bailarina, pálida y etérea, encarnando la nostalgia y la melancolía, vestida con vaporosas muselinas y coronada de flores del campo. El bailarín queda en Francia reducido a su cometido de partenaire (pareja de baile) poniendo de relieve la gracia y la delicadeza de su pareja. El período del ballet romántico duró unos treinta años; de 1815 a 1845-1850. Eminentes ejemplos del mismo son La sílfide, Giselle, Coppélia, etc. Al terminar su época de auge, surgió la del gran ballet ruso.

La música es una manifestación artística que sólo puede explicarse desde el contexto en que se produce, no es, por tanto, un fenómeno aislado del resto de sucesos y condiciones históricas que le rodean. Cada época de la historia ha producido su propia música de acuerdo con los principios estéticos vigentes, con las condiciones sociales, con el desarrollo cultural, las relaciones políticas, el auge o deterioro económico, e incluso con las ideas filosóficas predominantes. Por ejemplo, no podríamos explicar de ninguna manera la música de la antigua Grecia sin recurrir a la doctrina del ethos, o al desarrollo y unificación del llamado “canto gregoriano” sin entender las relaciones políticas entre la Iglesia y los reyes francos a partir de la segunda mitad del siglo VIII. El género orquestal más relevante en el periodo de transición del clasicismo al romanticismo fue la sinfonía, obra en tres o cuatro movimientos en las que no había ya una distinción entre orquesta e instrumentos solistas. Se calcula que entre 1740 y 1810 se produjeron al menos unas 10 mil sinfonías, consagrándose, así, como el género instrumental por excelencia.

La madre de Beethoven murió el 17 de julio de 1787. Tras este hecho, su padre entró en una depresión y su alcoholismo se agravó, llegando a ser detenido y encarcelado por este hecho. Después de esto, el joven Ludwig tuvo que responsabilizarse de sus jóvenes hermanos y se vio obligado a mantenerlos, tocando el violín en una orquesta y dando clases de piano durante cinco años, mientras que su padre seguía preso. Su padre falleció finalmente el 18 de diciembre de 1792. En 1792 el príncipe elector de Bonn volvió a financiar a Beethoven un viaje a Viena, ciudad en la que permaneció el resto de su vida componiendo, tratando de alcanzar un reconocimiento social a su persona por medio del arte y sufriendo un mal particularmente terrible para él: la sordera. Allí, Beethoven recibió clases de composición con Joseph Haydn, de contrapunto con Johann Georg Albrechtsberger y Johann Baptist Schenk y de lírica con Antonio Salieri.

La ilustración del siglo XVIII constituye, en general, una época de progreso de los conocimientos racionales y de perfeccionamiento de las técnicas de la ciencia. Fue un período de enriquecimiento que potenció a la nueva burguesía, si bien se mantuvieron los derechos tradicionales de los órdenes privilegiados dentro del sistema monárquico absolutista. Sin embargo, la historia del siglo XVIII consta de dos etapas diferenciadas: la primera supone una continuidad del Antiguo Régimen (hasta la década de 1770), y la segunda, de cambios profundos, culmina con la Revolución estadounidense, la Revolución francesa y Revolución Industrial en Inglaterra.

El clarinete es un instrumento musical de la familia de los instrumentos de viento-madera que consta de una boquilla con caña simple. Dentro de la orquesta, se encuentra en la sección del viento-madera, junto a la flauta, el oboe, el saxofón y el fagot. El clarinete fue acogido rápidamente por las orquestas y su sonido se iba amoldando y cuajando con la textura de los demás vientos de la orquesta. A Mozart le encantaba el sonido del clarinete que él consideraba como lo más cercano a la voz humana, y escribió numerosas piezas para el instrumento. Ya en los tiempos de Beethoven (c. 1800-1820), el instrumento realizaba un papel imprescindible en cualquier orquesta.