La radio es una escuela

El podcast La Radio es una Escuela se ha realizado en el marco de un Proyecto de Innovación Docente en Historia del Arte (Convocatoria Innova UCM 2020), desarrollado con lxs estudiantes de la asignatura de Arte Contemporáneo en Latinoamérica, de 4º curso del Grado en Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. En colaboración con Do Fa Radio, la radio de la Facultad de Geografía e Historia. Con la participación de: Pablo Allepuz García, Alicia Fuentes Vega, Enrique Oromendía de la Fuente, Eloy V. Palazón y Rocío Robles Tardío. Cápsulas a cargo de: Maria Fernández Díaz, Claudia González Fernández, Silvia Laso Trueba, Berta López Mayo, Irene Monedero Mellado, Enrique Oromendía de la Fuente, Blanca Romero Mallo, Miguel Ángel Vallejo Sánchez-Mayoral, Mayo Villasante Gómez-Fontecha, Enlu Wu. Créditos música: Bomba Estéreo, Soy Yo; Indicativo / Yo-Yo Ma - Astor Piazzola, Libertango (Soul of the Tango); Cap. 1 / Damas Gratis, Su Majestad - Cumbia en la Playa - Danza de los Mirlos; Super MerK2, La resaka; Los Pibes Chorros - Sentimiento villero; El Hijo De La Cumbia - Alika Y Nueva Alianza Remix, Para Bailar (Freestyle de Ritmos); Cap. 4 / Heitor Villa-Lobos, O Ginete do Pierrozinho - A Fiandeira - Num berco encantado; Cap. 9 /

Por Enrique Oromendía de la Fuente. El podcast La Radio es una escuela se ha realizado en el marco de un Proyecto de Innovación Docente en Historia del Arte (Convocatoria Innova UCM 2020), desarrollado con lxs estudiantes de la asignatura de Arte Contemporáneo en Latinoamérica, de 4º curso del Grado en Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. En colaboración con Do Fa Radio, la radio de la Facultad de Geografía e Historia. PP Una sombra de violencia F. IN O Ginete do Pierrozinho – Heitor Villa-Lobos, PP, 00’:07’’, SP LOC 5, Enrique Oromendia, PP Buenos días, buenas tardes amigos, donde quiera que estéis. Espero que el año que hemos comenzado sea propicio para todos y que podamos celebrar en breve el retorno a la normalidad. Entretanto, continuamos con el programa que acaban de presentar nuestros compañeros del proyecto “La radio es una escuela”. Tuvimos la oportunidad de visitar recientemente la exposición Cuarenta libros y otras lecturas. América Latina en la Colección Sánchez-Ubiría, organizada en La Nave Sánchez Ubiría. Hizo de guía de excepción Pablo Allepuz, quien junto con Alejandro Castañeda comisaría la exposición. No vamos a sorprender a nadie si decimos que la visita a cualquier exposición, como la que ahora nos ocupa, es una experiencia personalísima. Y quiero compartir con vosotros mis propias vivencias, y en definitiva “las otras lecturas” que nos sugiere el título de la exposición. Ya antes de entrar al recinto, leyendo la hoja de sala, me llamó poderosísimamente la atención la imagen elegida para ilustrarla. F,OUT, FUSION, F. IN A Fiandeira – Heitor Villa-Lobos, SP LOC 5, Enrique Oromendia, PP Los que hayáis tenido la oportunidad de verla, recordaréis que es una reproducción de Knife, una de las obras de Eduardo Basualdo que aparece expuesta. Para los que aún no hayáis podido visitar la exposición, se trata de un machete dotado de una enorme hoja que pende colgado de una cadena atada en el tercio de su mango. El conjunto forma una especie de balanza de brazos desiguales que está perfectamente equilibrada mediante una gruesa piedra, que cuelga del extremo del brazo menor, el mango. La forma y textura de la piedra parece reproducir un cerebro humano. La imagen ya me pareció inquietante, pero al visualizar la obra, la intensidad se acrecentó. La sensación de agresividad que me transmitió me acompañó durante toda la visita y pude percibirla también en gran parte de la obra expuesta, y es lo que os quiero contar a continuación. En estas situaciones, te planteas si la sensación provocada es algo buscado por los comisarios al hacer la selección de las obras expuestas o si es simplemente una percepción subjetiva. El caso es que esta misma sensación la percibí ya en la primera sala, en particular en las obras de Fabio Kacero. En ella se exponen una serie de libros, con títulos tan significativos como Disturbio en Julio o Crimen y Castigo, horadados por una cizalla cilíndrica que ha atravesado la mayor parte de sus páginas a diversas profundidades. O incluso en sus Dedicatorias, en la que la agresión es más sutil, y consiste en la negación de la personalidad de los destinatarios de esas dedicatorias por el procedimiento de negarles el nombre, que queda reducido a siglas en muchos casos. La sala principal, presidida por el amenazante machete de Basualdo, es también un catálogo de obras en las que es difícil desvincularse de su carga agresiva. F,OUT, A Fiandeira – Heitor Villa-Lobos FUSION, F. IN Num berco encantado – Heitor Villa-Lobos, SP LOC 5, Enrique Oromendia, PP La obra de Vik Muniz, Saturno devorando a uno de sus hijos, es paradigmática en este sentido. Aquí su autor combina magistralmente el contenido simbólico de la imagen de Saturno, con las excrecencias humanas, representadas por los residuos a partir de los cuales se ha realizado la obra. Y próximo a ella otro ejemplo que tiene gran parecido con las Dedicatorias de Kazero: Gabriel de la Mora realiza otro acto de negación, yo incluso diría de violencia simbólica, en este caso mediante el raspado del rostro de las figuras fotografiadas. Este otro ejemplo de anulación de la persona casi podríamos verlo como un acto ritual de vudú. Si hacemos un análisis desde una perspectiva psicoanalítica, podría parecer que el subconsciente ha desempeñado un papel significativo en la selección de las piezas. Y sí, ya sé lo que estáis pensando. Seguramente saldréis del programa convencidos de que tengo una mente demasiado calenturienta. Sobre todo, cuando os cuente el otro gran grupo de obras en los que también creo percibir, ahora sí, un atisbo de… no sé cómo decirlo propiamente … no es violencia, pero sí agresividad. Por ejemplo, veo una conexión muy estrecha entre el célebre Missing Point de Jorge Macchi, las Framework Houses de Marlon de Azambuja y el Animal Motion Planet, de Nicola Costantino. Vais a pensar que estoy loco, pero os explico. En los tres casos tenemos representados esqueletos. El de una ciudad, pues en definitiva un plano es la parte esquelética de la ciudad; el de una vivienda, pues esqueleto es su estructura; y el evidente del animal, en el caso de Costantino. Además, funcionan a modo de contenedores uno del otro, del sujeto más extenso al más reducido. Podemos entender estas tres obras como las consecuencias descarnadas, y nunca mejor dicho, de la violencia a la que aludía anteriormente. Y en el camino quedan otros ejemplo como los Destroços de Iran do Spirito Santo y la Autoflagelación, supervivencia, insubordinación de Carlos Garaicoa. F,OUT, Num berco encantado – Heitor Villa-Lobos, RESOLVER LOC 5, Enrique Oromendia, PP ¿Realidad o pesadilla de vuestro amigo en las ondas? Os animo a visitar la exposición y a que me hagáis llegar vuestras impresiones como siempre, a través de nuestros canales habituales en las redes sociales. Y para aquellos a los que os gusta preparar con antelación vuestras visitas, no olvidéis pasaros por la página web que tiene la sala y en la que podréis realizar algunas lecturas y, por supuesto, descargaros la hoja de sala y tener un primer contacto con las obras expuestas, que estoy convencido que resultarán de vuestro agrado Buen día, amigos. F. IN Desde 00’:55’’, O Ginete do Pierrozinho – Heitor Villa- Lobos, PP, RESOLVER F.OUT

Por Irene Monedero Mellado. El podcast La Radio es una escuela se ha realizado en el marco de un Proyecto de Innovación Docente en Historia del Arte (Convocatoria Innova UCM 2020), desarrollado con lxs estudiantes de la asignatura de Arte Contemporáneo en Latinoamérica, de 4º curso del Grado en Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. En colaboración con Do Fa Radio, la radio de la Facultad de Geografía e Historia. Caetano de Almeida, Copan. Caetano de Almeida, el artista protagonista de esta emisión: nacido en el 64, brasileño de Campinas, cuyo trabajo se enmarca en el Op Art, la abstracción y los textiles nativos. Nos lleva a su obra Copan, lienzo realizado con los pigmentos del aire contaminado de São Paulo, podemos virar a otro tipo de proyectos- más o menos artísticos- como el Air-Ink de Graviky Labs, una tinta a partir de las partículas de los escapes diésel; o sin ir más lejos, los Atl colours de Dr. Atl, fabricados con la tierra de los lugares que pintaba. De cualquier manera, esta impresión del aire atmosférico tiene un recorrido histórico: desde las cenizas y el sobrecogimiento de los atardeceres de Turner a las visiones de la gloria industrial del futurismo, el desengaño tecnológico impregnó la cultura tras la Primera Guerra Mundial. En la creciente crisis de salud pública de la década de los 50 y 60, atenazada por la contaminación industrial, visionarios utópicos como Buckminster Fuller diseñaron obras para minimizar los efectos de esta imparable mancha del capitalismo industrializado- como fue el proyecto de cúpula geodésica sobre Manhattan- junto a arquitectos más recientes como Nerea Cavillo - la cual, en In the Air trata de hacer accesible los datos urbanos de la calidad del aire- o artistas como Andrea Polli - quien en Particle Falls refleja públicamente los datos-, el recorrido artístico que pone de relieve los problemas atmosféricos de contaminación es extenso. Volcando esta obra en la filosofía, el francés Felix Guattari hace hincapié en cómo la ecología cuestiona el conjunto de la subjetividad y la génesis de poderes capitalistas. En su ecosofía se establecen tres ámbitos que se complementan: el medioambiente, el social y el de la subjetividad humana. Especialmente para nuestro caso, la vertiente medioambiental de la ecosofía se centra en la lucha frente a la destrucción del planeta. No tanto con el objeto de conservación sino de buscar recursos para reconfigurar el medio, sin que esto signifique renunciar a las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías, que pueden facilitar la comunicación y movilización multitudinaria para facilitar el modus operandi de los procesos de creación de nuevas subjetividades. El nexo entre las tres vertientes de la ecosofía trata de derribar la subjetividad alrededor del sistema de producción capitalista. Esta subjetividad- según Guattari- se constituyen por la creación de un sentimiento de culpa que el sujeto se ve forzado a expiar, una deuda necesaria para sobrevivir en el sistema, pagada a través del trabajo y la aceptación de los códigos que por otro lado, el capitalismo subraya con la discriminación material y simbólica que justifica una organización clasista y jerarquizada. Por último a este acercamiento teórico, Guattari subraya la infantilización a partir de la banalización cultural y de la esfera semiótica donde se desarrollan las subjetividades, por lo que se niega la diferencia y la independencia como principios rectores de canalización de los procesos de subjetivación. Volviendo a la obra de Almeida, el lienzo hace referencia al edificio residencial Copan de la ciudad de São Paulo, diseñado por Oscar Niemeyer e inaugurado en 1966. En el lienzo, las formas arquitectónicas que recuerdan a una ola se enfrentan a la propia realización de la obra por medio de polución ambiental, donde uno de los símbolos emblemáticos de la ciudad- desde una subjetividad hegemónica academicista, retomando la idea de discriminación simbólica de Guattari- pasa a convertirse en un fantasma de la destrucción medioambiental. Edificio en el que se programan visitas gratuitas donde se construye un discurso para la gloria del edificio y el progreso tecnológico como adalides coronadores de las magníficas vistas desde el 2 mirador de la azotea, donde el sobrecogido impacto del grupo visitante nos induce a hacernos menos preguntas... ¿o no es así? Almeida parece plantear la alternativa a la visión programática en esa sección del lienzo, desde un punto de vista ecológico-crítico con el capitalismo, siguiendo la vertiente medioambiental de la 6 ecosofía. Como recuerda la museología crítica, frente a un discurso neutro, se valora la integración de la obra en la esfera pública donde debatir los significados implícitos para la construcción de nuevas subjetividades. El público pasa a ser crítico y activo: construye y se educa negociando los significados culturales frente a los símbolos creados. La propia obra de Almeida reivindica la tensión curvilínea de Copan: la fealdad moral- ante la gentrificación, la pobreza y los residuos atmosféricos- frente al sueño perdido o el horizonte utópico de una arquitectura moderna. Indagando más en esta idea, el propio uso de la polución como pintura no deja de ser una acción directa dentro de los parámetros del eco-arte. ¿Quizás Almeida sólo planeaba un uso estético del pigmento? Para resolver esta cuestión, sin duda habría que recurrir al contexto artístico y la trayectoria del propio pintor, además de observar la puesta en escena curatorial donde se recoja el discurso integral junto al resto de las obras. Las definiciones sobre “ecología” o “ecológico”, “medio ambiente” o “sostenibilidad”, siguiendo a Foucault, variarían según las condiciones epistemológicas de un tiempo y lugar determinados. Es decir, que estos conceptos se pueden entender de diversas maneras, por lo que sería necesario puntualizar una crítica sobre la obra en su espacio en relación con los mecanismos de poder. En este sentido, la diversidad de acepciones que pueden adaptar los términos y los análisis simbólicos del arte no están desligados de dos posturas politizadas: por un lado se abordan las problemáticas ambientales desde un ecologismo crítico, donde los problemas medioambientales se evidencian y denuncian proponiendo soluciones; y por otro, un capitalismo verde adscrito a un ambientalismo liberal, donde “lo ecológico” pasa a formar parte del branding de la cultura de consumo. Si podría interpretarse la obra de Almeida desde las dos posturas no tiene tanta relevancia como el propio hecho de interpretar, puesto que haciendo honor al nombre de la exposición, las lecturas cambian y revisan el propio paradigma de la obra, su espacio y tiempo no dejan de fluctuar y de mezclarse en análisis expositivos en interludio con el silencio donde la obra vuelve a la cámara del almacén.

Por María Fernández Díaz y Berta López Mayo. El podcast La Radio es una escuela se ha realizado en el marco de un Proyecto de Innovación Docente en Historia del Arte (Convocatoria Innova UCM 2020), desarrollado con lxs estudiantes de la asignatura de Arte Contemporáneo en Latinoamérica, de 4º curso del Grado en Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. En colaboración con Do Fa Radio, la radio de la Facultad de Geografía e Historia. Voz en off Marlon de Azambuja, Framework Houses Fade in Sonido de pasos F/E Marcador de llamada / Tono de llamada Fade in 2P Sonido ambiental de calle ¡Hola! ¿Has salido ya? Si, acabo de salir por la puerta. ¿Y qué te ha parecido la exposición? Pues muy interesante, aunque en realidad quería venir para ver la obra de Marlon de Azambuja, ¿te acuerdas? Sí, sí, esa fue también una de mis favoritas. Pues es que he visto algunas de sus obras en otras exposiciones y me parecieron muy interesantes, por eso cuando me dijiste que participaba en esta exposición quise venir. Yo pensaba que él se dedicaba más a la escultura. En realidad es que últimamente se dedica más a la intervención en espacios públicos y galerías, que es lo que yo he visto. El caso es que algo me suena haber visto en sus redes sociales, pero no sé muy bien cómo trabaja. Es que es bastante activo en las redes sociales. Yo sé que trabaja mucho con la modificación de espacios, el disfraz y la envoltura de objetos. Básicamente intenta construir las cosas para que las veas de otra forma, como con una nueva mirada. ¿Y solo habías visto ese tipo de obras antes? Claro, justo por eso quería venir a ver esta exposición. Parece muy distinta a lo que hace ahora pero en realidad está muy relacionado porque sigue con esa temática de la construcción y la arquitectura. Eso me ha parecido al ver las fotografías, que no son suyas en realidad. No, no. Hace un par de años tuve una clase de fotografía contemporánea y estudiamos las originales. ¿Entonces conoces al autor? Encadenado 2P Sonido ambiental de calle / Sonido ambiental industrial Los Becher, un matrimonio alemán. Se conocieron en la universidad de Dusseldorf y empezaron a trabajar juntos un poco antes de casarse. Creo que no había oído hablar de ellos. Encadenado 2P Sonido ambiental industrial / Sonido ambiental de calle Pues básicamente se dedicaron a la fotografía de carácter industrial. Si no recuerdo mal empezaron a trabajar juntos a finales de los 50 y han hecho muchísimas series como la de Framework Houses. Recuerdo que Marlon tiene dos obras parecidas a la de la exposición pero no sé cuáles son ahora mismo. El caso es que algo leí el otro día. Me parece que son las de Gas Tanks y Water Towers. Es que los Becher publicaban cada serie en un libro, y los libros son lo que Marlon utiliza para su obra. Pues en las tres hace lo mismo, corta las páginas del libro y pinta con rotulador negro la estructura que hay en la fotografía. Creo que lo hace para representar que esas estructuras se han quedado ya obsoletas, seguro que muchas ya ni existen. Ni idea pero ellos siguieron haciendo estas series por lo menos hasta que Bernd murió en el 2007. Hilla murió también hace unos años, pero no sé si ello seguiría haciéndolas sola. ¿Entonces el resto de obras que tienen son iguales? En general sí, cuando les estudiamos en clase nos dijeron que hacían las fotos siguiendo unas pautas para que todas parecieran muy iguales y no se diferenciaran en las series, incluso todas las series son muy parecidas. Intentaban crear tipos y rescataban un poco la fotografía alemana de los años 20 y 30. La verdad es que las tres que utiliza Marlon son casi iguales, quitando el objeto en sí. Eran muy cuidadosos en eso, que el encuadre fuese el mismo, las fotografías todas del mismo tamaño, y hasta esperaban a que las condiciones atmosféricas y lumínicas fuesen lo más parecidas posibles. Además de que todas son en blanco y negro, que hace que se parezcan más aun. Pues en ese sentido me recuerda a la obra de Azambuja, yo por lo menos veo mucha relación entre sus obras de hace unos años y las más actuales. ¿A qué te refieres? Pues en que sigo viendo esa capacidad de reconstrucción y reinvención, como hace en las obras de la exposición, aunque ahora en vez de sobre papel lo hace sobre el plano. Lo que yo veo en su instagram me parece muy distinto, aunque es verdad que tiene ese elemento común de la construcción. Sí, ahora es que está equilibrando en su obra pintura, escultura y arquitectura. En una exposición que vi el año pasado explicaban que rompe con lo que es la escultura tradicional porque quita los pedestales y las desarrolla directamente en el espacio. Pues entonces tendremos que ir a la próxima exposición que haga. Vale. Pues te dejo que voy a entrar en el metro. Avísame cuando llegues. Vale, adiós. ¡Adiós! F/E Sonido de pasos / Sonido de metro

Por Enlu Wu. El podcast La Radio es una escuela se ha realizado en el marco de un Proyecto de Innovación Docente en Historia del Arte (Convocatoria Innova UCM 2020), desarrollado con lxs estudiantes de la asignatura de Arte Contemporáneo en Latinoamérica, de 4º curso del Grado en Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. En colaboración con Do Fa Radio, la radio de la Facultad de Geografía e Historia. “La contemplación se ha convertido en un lujo en estos días, vivimos bombardeados por imágenes todo el tiempo”. "cuanto más rápido podamos producir [imágenes], menos tiempo tenemos para realmente ver lo que son" Así afirma el artista fotógrafo brasileño Vik Muniz en una entrevista. Según Muniz, es común culturalmente aceptar una imagen por lo que es sin entenderlo, y esto impacta en la forma en que la gente experimenta el arte. Para Muniz, la experiencia en un museo o galería de arte no debe ceñirse en pasar de una obra de arte a la siguiente, leer y asumir lo que dicen en los carteles y tomar alguna que otra fotografía de la obra. Quiere conseguir una interactuación con el espectador, de manera que, aquel que contempla su arte, pueda sumergirse en una reflexión de cómo se ha realizado esa imagen, que sean no solo testigos, si no también detectives activos que tratan de descubrir e investigar el proceso de creación a través de las huellas que el mismo artista deja como pista en la propia fotografía. Usando materiales de todo tipo, Muniz crea en sus trabajos ilusiones ópticas, así como juega constantemente con escalas y perspectivas. Desde el polvo, jarabe de chocolate, hasta basuras y tintes secos, son materiales que han sido empleados en sus obras para hacer un collage que reproducen obras maestras de gran popularidad. Desafía al espectador a resistirse a la ilusión. El espectador es libre de encontrar lo que quiera en la imagen, y el acto de encontrarlo que quieren es parte del compromiso. De hecho, en muchas de sus obras, el que contempla es libre de acercarse o alejarse de la obra para obtener diferentes visiones de la obra, porque desde lejos, lo que parece ser un Saturno devorando a uno de sus hijos, visto desde cerca, está compuesto por basura. Se trata de un ejercicio mediante el cual el espectador establece una conexión propia con la obra del arte a través de una interpretación personal, ahondando enla biblioteca visual del subconsciente del espectador. Muniz cree que el "artista sólo hace la mitad del trabajo; el espectador tiene que hacer el resto -es el poder del espectador el que logra su fuerza milagrosa". Así, cualquiera tiene la habilidad de interpretar el arte; sólo requiere sentido común y atención a los detalles, sin la necesidad de disponer de un amplio conocimiento de la historia del arte. Usando los materiales más cotidianos para componer imágenes familiares en el imaginario común, Muniz pretende expresar que el arte es accesible para todo el mundo, siempre y cuando una está dispuesta a observar, descubrir, y reflexionar.

Por Miguel Ángel Vallejo Sánchez-Mayoral. El podcast La Radio es una escuela se ha realizado en el marco de un Proyecto de Innovación Docente en Historia del Arte (Convocatoria Innova UCM 2020), desarrollado con lxs estudiantes de la asignatura de Arte Contemporáneo en Latinoamérica, de 4º curso del Grado en Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. En colaboración con Do Fa Radio, la radio de la Facultad de Geografía e Historia. Nicola Costantino. “Animal Motion Planet” LOC. 2 “Cuando yo tenía 7 u 8 años mi papá compró una colección en fascículos sobre pintura, y creo que esa fue la primera vez que vi arte. Cuando llegó el fascículo de Berni y vi su pintura de la mujer del suéter rojo, recuerdo haber tenido una especie de epifanía. No sabía qué era ser artista, pero yo quería hacer lo que hacía ese señor.” LOC. 1 Así relata Nicola Costantino su primer contacto con el arte. Esta artista multidisciplinar nacida en 1964 en Rosario, Argentina, proveniente de una familia italiana de padre cirujano y madre costurera, se inscribió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Rosario a la ve que visitaba numerosos talleres y fábricas atraída por los diferentes materiales y técnicas. [Sonido de la máquina / de fábricas o de tipo mecánico] LOC. 1 Atraída por la naturaleza y la relación con la muerte ha desarrollado gran parte de su obra alrededor de éste concepto, sin llegar a enmarcarse completamente dentro de él y menos etiquetándose ella misma. Una de las obras que más reconocimiento la ha dado y la puso en boca del público y críticos fue la presentada en 1997 en la feria ARCO, año en el que se invitó a numerosos países latinoamericanos para dar fluidez entre ambos continentes, en dicha feria, la galería Ruth Benzacar presentó a Nicola con la obra “Peletería Humana” en la que se ve la influencia de costurera de su madre. Para ésta obra creó vestimentas, desde abrigos a zapatos semejando con látex la piel humana y usando como patrones ombligos, pezones u otras partes del cuerpo con un realismo perfecto. En otra obra como Savon de Corps lleva ese realismo a otra zona y otro nivel, a partir de una liposucción, crea con su propia grasa una serie de jabones en la que está presente el uso del cuerpo humano como medio artístico sin la necesidad de realizar un calco de partes del cuerpo. Cada pieza, cada jabón, perfectamente útil, tiene literalmente un trozo de la artista y por ende de un ser humano. La obra que aquí nos concierne se encuentra en la Nave Sánchez – Ubiría, perteneciente al grupo “Animal Motion Planet” la obra concreta es “Máquina pequeña para ternero nonato”. [Sonido de la máquina] LOC. 2. “Mi ámbito es mostrar estas cosas un poco turbias o grises que tenemos en nuestras conductas, en nuestras decisiones, cuando elegimos satisfacer nuestros deseos, qué es lo que elegimos y hay cosas que tienen como cosas dobles, como cuestionables, que están bien, pero nadie las quiere ver entonces mostrar esas zonas grises es interesante.” LOC 1. Nicola Costantino busca mostrar esa zona que la gente no quiere ver y que la sociedad no quiere que veamos. Con Animal Motion Planet, el espectador se encuentra ante unas máquinas ortopédicas para animales nonatos. [sonido de ternero] LOC 1. Una máquina siempre va ligada a algo útil, a un fin normalmente pragmático. Sin embargo, esta “máquina para ternero nonato” no parece tener función alguna, más allá de generar extrañamiento y hasta una cierta repulsión en el espectador. Una vez puesta en marcha, vemos el movimiento que haría dicho animal e incluso podemos interactuar con la obra, para que se mueva con naturalidad, y todo ello con unas pequeñas varillas que deja entrever lo que no queremos o no debemos ver, esas zonas grises que la artista nos quiere enseñar, el movimiento que tiene un animal no-nacido. LOC. 2. El espectador, para mí, tiene que elegir cosas, tiene que elegir que entender, que interpretar, no me gusta darle una idea terminada y que pueda entender dos cosas diferentes, que pueda haber varias interpretaciones de una misma obra. Así el espectador pone mucho de su parte al elegir qué interpretar. LOC 1. Los materiales y técnicas también tienen una intencionalidad, trabaja en técnicas como la textil o calcos, la fotografía y el vídeo, intentando dar una muestra casi real de la vida y, sin embargo, no pretende utilizar el dibujo por alejarse este demasiado de la realidad. Ésta idea la tiene de base al realizar las obras pues los calcos, por ejemplo, permiten crear una copia casi exacta de una vaca, con cada arruga y cada pelo marcado y aun así poder darle la forma que quiere como bolas o frisos o un abrigo de pezones humanos. Nos encontramos ante una artista cuanto menos peculiar y enigmática pero que a través de obras como Animal Motion Planet, Peletería Humana o Savon de Corps no deja indiferente a nadie.

Por Claudia González Fernández. El podcast La Radio es una escuela se ha realizado en el marco de un Proyecto de Innovación Docente en Historia del Arte (Convocatoria Innova UCM 2020), desarrollado con lxs estudiantes de la asignatura de Arte Contemporáneo en Latinoamérica, de 4º curso del Grado en Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. En colaboración con Do Fa Radio, la radio de la Facultad de Geografía e Historia. Jorge Macchi. Missing Points y La flecha de Zenón. (Sonido lanzamiento de flecha) Al salir de la exposición me encontré esta pequeña libreta negra tirada en el suelo. Estaba desgastada, habitada por una caligrafía pequeña y puntiaguda, con bocetos divertidos, páginas arrancadas y algunas recortadas. En las primeras páginas un tal SUÁREZ MIRANDA relataba en su libro Viajes de Varones prudentes cómo era su lugar de origen: ... En aquel imperio, el Arte de la Cartografía logró tal Perfección que el mapa de una sola Provincia ocupaba toda una Ciudad, y el mapa del Imperio, toda una Provincia. Con el tiempo, esos Mapas Desmesurados no satisficieron y los Colegios de Cartógrafos levantaron un Mapa del Imperio, que tenía el tamaño del Imperio y coincidía puntualmente con él. Menos Adictas al Estudio de la Cartografía, las Generaciones siguientes entendieron… Aquí, la página había sido rasgada. Lo siguiente que aparecía en el cuaderno era un enlace que me llevaba a un repositorio de sonidos de la BBC: (Sonido mencionado. Enlace: https://sound-effects.bbcrewind.co.uk/search?q=07053064) South America - Rural & Urban Atmospheres - Surf (recorded in Argentina, but suitable for anywhere in South America) me he tomado la libertad de traducirlo: – Atmósferas rurales y urbanas – Surf (grabado en Argentina, válido para cualquier lugar en Sudamérica) Seguí pasando páginas y me encontré un boceto dibujado a boli de un dedo que sostenía lo que parecía un cubo diminuto. A su lado la siguiente frase: Leer Contra el mapa de Estrella de Diego: Entre comillas: “Una ruina es un accidente a cámara lenta”, escribía Cocteau en su Vuelta al mundo en 80 días, reflexiones frente a las pirámides que, como un mapa, sólo desde fuera, desde lejos, pueden verse” Pensé en las Ciudades Invisibles de Italo Calvino. Cerré la libreta y en la contraportada ponía: Devolver a Jorge Macchi. Número de teléfono: 625000097 (Las ciudades en mayúscula son dichas por otra voz) Nació en BUENOS AIRES, ARGENTINA, en 1963. Estudió arte en la Escuela Nacional de Bellas Artes de BUENOS AIRES. Vive y trabaja en BUENOS AIRES. Exposiciones individuales 2019 Cámara traslúcida, Galería Ruth Benzacar, BUENOS AIRES. 2018 Suspension points, Galleria Continua, SAN GIMIGNANO, ITALIA. Der Zauberberg, Quartz Studio, TORINO, ITALIA. 2017 Díptico, Galería Ruth Benzacar, BUENOS AIRES. Mikrokosmos, Galerie Peter Kilchmann, ZURICH. Threshold, Galería Alexander and Bonin, NUEVA YORK. Perspectiva, CA2M Centro de Arte 2 de mayo, MADRID. La flecha de Zenón (Pitido repetido cada vez más rápido hasta el final de la cápsula) 10 9 8 7 6 5 4 3 2 1 0,5 0,25 0,125 0,03125 0,015625 0,0078125 0,00390625 0,001953125 (Silencio)

Por Mayo Villasante Gómez-Fontecha. El podcast La Radio es una escuela se ha realizado en el marco de un Proyecto de Innovación Docente en Historia del Arte (Convocatoria Innova UCM 2020), desarrollado con lxs estudiantes de la asignatura de Arte Contemporáneo en Latinoamérica, de 4º curso del Grado en Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. En colaboración con Do Fa Radio, la radio de la Facultad de Geografía e Historia. Texto LOC: Eloísa Cartonera. Indicación técnica: Silencio. Texto LOC: (Extracto de texto sacado de Cosa de negros (2003) de Washington Cucurto). ¨Señoras y señores bienvenidos al fabuloso mundo de la cumbia. Están por ingresar con el boleto preferencial al magnifico barrio de Constitución, cuna de la mejor cumbia del mundo, lugar donde todo es posible.¨ Indicación técnica: 20¨ de Su Majestad-Damas Gratis. Texto LOC: En un nuevo capítulo de la Radio es una Escuela, hablamos de Eloísa Cartonera. Indicación técnica: 13 ¨ de La resaka-Super MerK. Texto LOC: Eloísa Cartonera es una cooperativa editorial del barrio de Boca que nació en 2003 como respuesta al llamado Corralito argentino. Su tarea era la de hacer más accesible la lectura abaratando los precios de los libros. Para ello, sus precursores, Washington Cucurto, Javier Barilaro y Fernanda Laguna idearon una economía autogestionada confeccionando los libros con cartones que compraban a gente que los acopiaba por la calle, los llamados cartoneros. Pasa página: Sonido de cartón. Texto LOC: A casi dos décadas de aquella crisis, Eloísa Cartonera, ha publicado más de cien títulos y ha ocupado espacios tanto literarios, como no literarios. Además se ha convertido en un referente para muchas editoriales que han ido surgiendo en países de habla hispanoportuguesa. Indicación técnica: 20¨ de Sentimiento villero-Los Pibes Chorros. Fundido con el Texto LOC Texto LOC: Corría el otoño de 2003 y Washington Cucurto y sus colegas artistas caminaban por la bulliciosa calle Santa Fe tras haber tenido una velada de interesantes y sesudas discusiones. Buenos Aires se encontraba sacudida por la crisis de 2001; las embajadas de España e Italia tenía largas colas de solicitantes de exilio, el trabajo escaseaba y los turistas eran vecinos latinoamericanos, que aprovechaban la situación para visitar el país. Indicación técnica: se eleva de nuevo la canción Sentimiento villero-Los Pibes Chorros, que se ha fundido anteriormente con el Texto LOC. Texto LOC: En este hostil contexto, los amigos escritores tuvieron un encuentro de vital importancia en sus vidas. Un anónimo que parecía estar pidiendo dinero en la calle, interrumpió la conversación. Mientras Cucurto y sus colegas rebuscaban en sus bolsillos para encontrar alguna moneda, el hombre les reprochó que él no era un limosnero, sino un vendedor de cartón. Hecha la compra, Cucurto quedó reflexionando con el cartón en las manos. Poco después nacería Eloísa Cartonera. Indicación Técnica: 28¨ aprox. Cumbia en la Playa-Damas Gratis. Texto LOC: La economía de Eloísa es comprometida. Pagan un precio al cartonero más digno del que establece el mercado. Además, subsisten rechazando toda donación, desde la más chiquitita como es que un vecino les lleve cartones, hasta la más grandota como son las posibles donaciones de una empresa, ONG u Ministerios. Esto se debe a que no quieren depender de nada ni de nadie, de hecho este es uno de sus pilares, no tener proveedores ni intermediarios. Indicación técnica: Sonido de cartón roto Por otro lado, los escritores ceden sus derechos para las publicaciones y el personal que trabaja en el taller es el único que recibe una retribución por su labor de confección de libros. Este ideal les convierte en una pequeña isla alejada de la alienación normativa. Los miembros se conocen y laburan, como dicen ellos, de forma familiar, sin horarios rígidamente establecidos y sin presiones de tipo empresarial. Indicación técnica: 30¨ aprox. De Para bailar la cumbia-Alika y La Nueva Alianza. Texto LOC: Con el tiempo y a ritmo de cumbia, Eloísa Cartonera, se ha convertido en un referente en todos los costados de la esfera. Desde varios países latinoamericanos, pasando el atlántico llegando a costas europeas. Su influencia es tal que ha logrado llegar a países como Mozambique o China. Las llamadas Editoriales Cartoneras se amoldan a la geografía y a la sociedad en las que nace. Al contrario de homogeneización que produce la globalización normativa, las cartoneras se han adaptado al contexto, convirtiéndose así en talleres de alfabetización, de activismo social o, incluso, crítica ecologista. Texto LOC: Para terminar este programa de La radio es una escuela, quisiera remarcar que en nuestros días, Eloísa Cartonera, sigue viva; su sede sigue abierta al transeúnte en el barrio bonaerense de Boca, donde parece que siguen creciendo con diversos proyectos como es la creación de un huerto urbano. Un saludo de Mayo Villasante. Indicación técnica: Danza de los Mirlos-Damas Gratis.

Por Blanca Romero Mallo y Silvia Laso Trueba. El podcast La Radio es una escuela se ha realizado en el marco de un Proyecto de Innovación Docente en Historia del Arte (Convocatoria Innova UCM 2020), desarrollado con lxs estudiantes de la asignatura de Arte Contemporáneo en Latinoamérica, de 4º curso del Grado en Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. En colaboración con Do Fa Radio, la radio de la Facultad de Geografía e Historia. Texto LOC de introducción: En el contexto de la selección de una obra en exposición en la Nave Sánchez-Ubiría de Madrid. Hemos debatido entre varias obras. Finalmente la escogida es una pieza muy especial: L’Enciclopedie (Plano del piso de mármol de la Sorbone, París. Del artista argentino Guillermo Kuitca.] Hemos titulado esta cápsula: “Nadie es profeta en su tierra”. P2: Música de acompañamiento tranquila pero emocionante (Anchor: Pxl Cray- 00:02) P2: Comienza la música “Rose Ornamental” (Anchor) Texto LOC (aleatoriamente comenzando Blanca se suceden los párrafos entre ambas locutoras). Tono solemne y calmado): “Pues lo cierto Silvia es que no es fácil hablar sobre alguien que sigue vivo, reinventándose constantemente. Alguien que comenzó pronto a despuntar, a ser digno de admiración por un talento precoz. Un artista que ya había expuesto públicamente siendo tan sólo un niño. Hablar de Guillermo Kuitca es hablar de una vida que bien daría lugar a una novela.” P2: Finaliza la música. (Continua otra locutora: Silvia): “Su trayectoria aún no tiene un punto y final; sino puntos suspensivos, comas, exclamaciones e interrogantes. Saltos en el tiempo y el espacio, no responde del todo a una linealidad típica. Quizá sea lo que le convierte en “alguien” especial.” (Continua otra locutora: Blanca): “Curiosamente, fue un plano el que ayudó a descubrirlo y ubicarlo. A localizar en qué punto exacto se encontraba el artista a la hora de crearlo. Un plano arquitectónico, de líneas deshaciéndose como se deshace la acuarela al ser mezclada con el agua. Agua que en este caso sería del Atlántico. El océano que separa Argentina de Europa.” (Continúa otra locutora: Silvia): “En realidad, puede separar ambas, o contribuir a que siempre estén conectadas de algún modo. Tal plano tiene nombre y apellidos. Pero no han sido escogidos al azar, tienen función y propósito: La Enciclopedia (Plano del piso de mármol de la Sorbona, París. Remite inevitablemente a la universidad, al conocimiento, a la religiosidad, pero también al laicismo. Al espíritu ilustrado francés, a Occidente en última instancia. La Enciclopedia como un compendio histórico del saber, la ambición de abarcarlo todo, sin límites ni fronteras. Una descripción meticulosa del universo, de la Humanidad.” (Continúa otra locutora: Blanca): “Proponemos una mirada a todo ello desde “las Américas”. Desde Guillermo Kuitca y por ende, desde Argentina. Una mirada distinta y especial a lo conocido, a lo asumido e interiorizado. Una mirada aparentemente ajena sobre lo propio, que es por tanto cuestionado. La nitidez y precisión de un plano ha sido también cuestionada. Cabe descubrir su verdadera intención.” P1: Orchestra Warmup (00:13) Indicación Técnica: (Diálogo algo más fluido, sucesión de audios) -Blanca: “Supongo Silvia que te estará pasando lo mismo. Es que cuanto más encontramos sobre él más fascinante me resulta. Tiene un millón de facetas y todas ellas son demasiado interesantes. Es una figura infinita.” -Silvia: “Acabo de leer que su madre era psicoanalista. Teniendo esto en cuenta, su obra cobra más sentido ¿verdad?” -Blanca: “Menos mal que su padre lo apoyó desde el principio. Su primera exposición con catorce años, madre mía. Increíble. ¿Qué estaríamos haciendo tú y yo a los catorce años?” -Silvia: “ Si no recuerdo mal, en la galería Lirolay de Buenos Aires. Pero es que además, por si no fuera poco, enseguida formó un taller para dar él mismo clases de pintura.” -Blanca: “No me extraña que haya sido expuesto en el MET…en el MoMA…” 14 -Silvia: “Mismamente acabo de leer que es uno de los artistas más importantes de Argentina. Y uno de los más influyentes a nivel internacional.” -Blanca: “Cómo puede ser que hasta ahora no lo hayamos descubierto. Es espectacular. Vamos a ver alguna entrevista, tengo muchísima curiosidad.” (Incluir el sonido) (Voz de Guillermo Kuitca extraída de entrevista CIACART: “(…) más puramente pictórico ¿no? El tema se instala en mi obra como los espacios arquitectónicos, por ejemplo, de algún modo la cartografía que, sigue siendo una especie de arquitectura, del mundo…Este, son temas que de algún modo no me abandonan, entonces, no sé si tanto es, como entra, sino más bien, cómo van quedando residuos, de todos esos intereses. Y mi obra, va como hilvanando, un tema sobre otro.” P1: Suena la música “A Little Powder” (00:07) Texto LOC (Blanca): “Kuitca concibe su obra como una “constelación cíclica”. (…) Pero no resulta repetitivo. (…) su intención es cada vez obtener un “sabor” nuevo. A mí al menos esa es, la sensación que me ha dado al ir investigando e indagando sobre sus obras, su trayectoria… -Silvia: “He investigado algo más. Fíjate que recientemente se han rescatado algunas obras. ¡Las han considerado arte de anticipación! ¿Has visto las camas de hospital? Qué impactante. Justo ahora… -Blanca: “Es como si hubiera adivinado el futuro. Es impresionante.” -Silvia: “Qué simpático resulta en las entrevistas. Muy sincero y transparente, me gusta su naturalidad.” -Blanca: “Su obra y él son uno. Me parece algo indisoluble, es una pasada. ¡Busca fotos de su mesa de trabajo porque es circular y parece una obra de arte más.” -Silvia: “He leído que para él es como un diario.” -Blanca: “Voy a leerte si te parece una entrevista, unas declaraciones que realizó hace tiempo. Pero creo que aún hoy en día podemos seguir aplicándolas a este pedacito de su obra en el que estamos indagando. Bueno: “No creo que pinte para sostener una antorcha, o porque la pintura deba ser defendida de algo. Pinto porque considero que hay pocos espacios creativos donde la mirada esté tan comprometida como en la pintura. Y eso la hace vigente, por mucho que discuta si morirá o incluso se ha muerto ya.” -Silvia: “Da qué pensar. Y eso siempre será interesante. Tan acostumbrado al éxito, y no es para nada arrogante.” -Blanca: “Está claro que la pintura “es lo suyo”. Pero que también trabaja con la literatura, el cine, el teatro, incluso la arquitectura. Todo, absolutamente todo.” -Silvia: “Además, es capaz de entrelazar filosofía…historia…ciencia…psicoanálisis…” -Blanca: “Vale, entonces hay tres elementos centrales en su obra: las camas, los planos y los mapas.” -Silvia: “Que además son cosas, que pueden parecer de lo más cotidiano. Pero él revaloriza sus mensajes a través de ellas.” -Blanca: “Lo público y lo privado por así decirlo ¿no? El mapa y el plano como lo público…la cama como lo privado.” -Silvia: “Eso es. Pero sus mapas y planos tienen una funcionalidad opuesta a la habitual. ¡La idea es perderse en ellos!” -Blanca: “Con lo que me apasiona la arquitectura, no paro de darle vueltas a la obra que elegimos. Y descubrir el trasfondo la va a hacer más interesante todavía. Lo tengo clarísmo.” -Silvia: “Pues a ver, él empieza a realizar plantas arquitectónicas en 1987.” -Blanca: “Y la nuestra es de…2002, si no recuerdo mal.” -Silvia: “Para entonces, él ha pasado de reflejar interiores domésticos, a espacios de dimensiones considerables, como teatros o estadios…” -Blanca: “Como espectador te sientes…yo diría, omnipresente.” -Silvia: “Y más teniendo en cuenta que conoces el mensaje que oculta.” -Blanca: “Toda su obra es impresionante, pero… ¿te has fijado en la fuerza y atracción que tiene el plano de la Sorbona que se exhibe en la exposición? -Silvia: “Resulta tan sorprendente que algo tan frío como puede ser una planta arquitectónica se vuelva algo…” -Blanca: “Creo que una palabra que lo definiría a la perfección sería… ¡explosivo!” -Silvia: “¡Exacto! La planta… ese dibujo tan preciso y detallado, acaba borrándose… -Blanca: “Con tan solo unas gotas de agua parece que quisiera disolver todo el compendio del conocimiento humano. ¿No te parece atrevido?” -Silvia: “¿De todo el conocimiento humano? Más bien diría del conocimiento europeo. Tal vez, tengamos ante nosotras, la deconstrucción de la modernidad europea.” -Blanca: “Y hablando de Europa… ¿has escuchado alguna vez el término “exilio invertido”?”. -Silvia: “Creo que no…” -Blanca: “Pues resulta que Kuitca vive y produce en su ciudad natal, Buenos Aires y, sin embargo, su obra es más fácil de encontrar fuera de su país. De ahí que podamos remitirnos a la expresión: nadie es profeta en su tierra.” -Silvia: “No me extraña, con la fama que ha tenido desde joven, pronto habría despertado el interés de los mejores coleccionistas y museos.” -Blanca: “Pues ojalá no nos deje de sorprender nunca” -Silvia: “Dalo por hecho. Si sus ganas de romper con los límites pictóricos le han llevado hasta donde está ahora, quién sabe que otras maravillas creará en un futuro”. P1: Música final de nuevo:(Anchor: Pxl Cray- 00:02)+

La Radio es una Escuela - Capítulo 1. Introducción El podcast La Radio es una escuela se ha realizado en el marco de un Proyecto de Innovación Docente en Historia del Arte (Convocatoria Innova UCM 2020), desarrollado con lxs estudiantes de la asignatura de Arte Contemporáneo en Latinoamérica, de 4º curso del Grado en Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. En colaboración con Do Fa Radio, la radio de la Facultad de Geografía e Historia. En el Capítulo 1. Introducción intervienen, por orden de aparición: Rocío Robles, Alicia Fuentes, Pablo Allepuz, Eloy V. Palazón y Enrique Oromendía.