El Rock antes de Leño

Nino Agostino Maria Ferrari (Génova, actual Italia, 15 de agosto de 1934-Montcuq, 13 de agosto de 1998), conocido artísticamente como Nino Ferrer, fue un cantante, actor, pintor y compositor francés de origen italiano. Nino Ferrer vivió sus primeros años de vida en Nueva Caledonia donde su padre trabajaba como ingeniero. En 1947 regresa a Francia donde inicia sus estudios de Etnología y Arqueología en la Universidad Parisina de La Sorbonne.[2]​ Paralelamente desarrolla sus otras dos grandes pasiones: la música y la pintura. Tras acabar sus estudios, Nino Ferrer realiza una vuelta al mundo en un buque mercante[2]​ y tras participar en una serie de yacimientos arqueológicos en Melanesia, regresa de nuevo a Francia, donde se dedica en cuerpo y alma a la música que más le fascina: el Jazz.[1]​ En 1959 debuta en el mundo de la música tocando el contrabajo en dos discos del grupo de Jazz los Dixie cats. En 1960 toca el bajo en un disco de Gottanou y acompaña en varios discos a la cantante americana Nancy Holloway, pero no logra grabar un disco en solitario para ninguna discográfica. Finalmente, en 1963, Nino Ferrer logra grabar su primer disco titulado Pour oublier qu´on s´est aimé. La cara B del sencillo contiene el título "C'est irreparable" (más conocido en España en su versión española Un año de amor, célebre por sonar en la banda sonora original de la película de Pedro Almodóvar, Tacones lejanos). Este primer disco fue acogido con frialdad en Francia, pero se escuchó en otros países europeos, Oriente Medio e incluso Japón.[1]​ En 1965, tras varios fracasos profesionales (grupos abortados, rupturas y reconciliaciones con su discográfica), Nino saborea las mieles del éxito con su disco Myrza. Este bombazo provoca que Nino se lance a grabar nuevos hits (les cornichons, oh!hé!hein!bon!..) que acabaron por etiquetar a Ferrer como un "chanteur rigolo" (cantante cómico), debido a sus sencillas y surrealistas rimas. Para desquitarse, las caras B de sus discos suelen contener canciones más serias y tristes (Ma vie pour rien). Cansado del mundo de la música, Nino Ferrer abandona Francia para establecerse en Italia, donde residirá tres años hasta 1970. Allí sigue compaginando la música (con discos como "le Téléfon, Mao et Moa, Mon copain Bismark) con una nueva faceta profesional, la de presentador del programa Io, Agata e tu en la televisión italiana, junto a una -hasta entonces- desconocida Raffaella Carrá. En 1970 regresa a Francia y se instala en Quercy donde se dedica a la cría de caballos, pero tras su encuentro con el guitarrista irlandés Micky Finn, decide volver al mundo de la música. De regreso en París, Nino Ferrer forma con Micky Finn un nuevo grupo, Los Legs. En 1971 sacan su primer disco, Métronomie; pese a una acogida bastante fría, su sencillo La maison près de la fontaine vende más de medio millón de ejemplares. En los años siguientes, Nino (padre de dos niños) saca varios discos con escaso éxito de ventas.[3]​ Habrá que esperar a 1975 para que Nino Ferrer vuelva a conseguir un gran éxito con su célebre canción Le sud, para volver al ostracismo musical en los años 80. En los años 90, saca un disco recopilatorio que obtiene bastante éxito y se dedica sobre todo a exponer sus pinturas. En 1995, Nino publica su último disco, Concert chez Harry. En 1998, Nino Ferrer sufre un duro golpe con la muerte de su madre. Incapaz de sobreponerse y deprimido, Nino se suicida de un disparo en el corazón en un campo de trigo cercano a su casa, apenas un mes después del fallecimiento de su madre.[4]​ Estaba preparando un último disco que habría tenido el elocuente título "Suite et Fin". Dos días más tarde habría cumplido 64 años.

Grupo esencial en la escena vanguardista de Barcelona, en cuya formación se encontraba Jaume Sisa Formados en Barcelona en el otoño de 1969 y conocidos en la actualidad especialmente porque en sus filas se encontraba un joven llamado Jaume Sisa, con los años toda una institución en la música catalana, realmente el grupo estaba liderado por el madrileño José Manuel Brabo, Cachas, principal autor de la mayor parte de las composiciones incluidas en su único disco, “Música Dispersa” (Diábolo, 1970) Anteriormente, Cachas, todavía en Madrid, ya había formado parte de Trágala, un grupo de canción protesta, junto a Hilario Camacho, Elisa Serna y José Luis Leal. Una vez disuelto, y, según sus propias palabras, convencido de que “en Barcelona había más ambientillo hippie”, decide trasladarse. Es de esta forma que Cachas llega a Barcelona a finales de los 60 y se instala en un piso de Ciutat Vella. Allí conoce a Albert Batiste, quien le presenta a Sisa. Los tres se integraron en Miniatura, junto con Pau Riba. Muy poco después, abandonan esa formación y embarcan a Selene, una joven hippie que había estudiado piano y flauta, y tocaba, además, los bongos. Estos cuatro músicos completan la formación de Música Dispersa, grupo que sólo duraría un año. Para la grabación de su único disco, contaron con la colaboración de Josep M. Vilaseca, Tapi, uno de los precursores del rock progresivo que en Cataluña adquirió un estilo propio al fusionarse con jazz, folk y psicodelia, y que se conoce como rock laietano, o música laietana, tras la batería de formaciones míticas en ese estilo, como Máquina! o Tapiman. Del disco, de título homónimo y publicado por Diábolo en junio de 1970, se llegarían a vender menos de 400 ejemplares. Por eso, no hace falta decir lo que vale en el mercado de coleccionismo una de esas copias de la edición original, viendo además el prestigio ganado por sus componentes y por el disco en sí, hoy día un auténtico álbum de culto y un disco de referencia para toda la música progresiva posterior. Para los que no pudieron hacerse con él, y dada la dificultad de encontrarlo, el disco está reeditado en vinilo en 1979 por Edigsa, y más recientemente por Discmedi Blau, en formato digipak, en el año 2004. En ambos casos sin nada adicional, con la misma portada y canciones. Se trata de un disco único, muy personal, encasillado dentro de la música underground o vanguardista de la época, cercana al folk, a la psicodelia y el jazz, teniendo como distintivo más original la particularidad de utilizar la voz en forma onomatopéyica, como un instrumento más de murmullos, sin letras ni idioma. Canciones hipnóticas, a veces llenas de armonía, otras mucho más ruidistas. Un disco rompedor, que bordea los límites entre la genialidad y la locura o el sinsentido, y que, en muchos de los que lo escuchaban (o las actuaciones en directo), producía la sensación de no saber si realmente les estaban tomando el pelo. Lo cierto es que, al margen de su originalidad, en muchos momentos es realmente brillante y tiene algunas melodías y armonías vocales muy encantadoras. Poco después de ser editado, Cachas fue llamado a filas y, como ha señalado el propio Sisa tiempo después, “la banda hizo honor a su nombre”. Al volver del servicio militar Cachas se retiró de la música y se fue a vivir a Menorca, donde permaneció hasta su fallecimiento en el año 2004. Jaume Sisa, por su parte, comenzó su prestigiosa y brillante carrera musical en solitario, publicando en 1971

Michael Volker Kogel, conocido artísticamente como Mike Kennedy (Berlín, 25 de abril de 1944) es un cantante alemán afincado en la ciudad de Vitoria en el País Vasco (España). Recordado especialmente como líder del grupo Los Bravos, desarrolló también una carrera musical en solitario desde los años setenta. Nació en Berlín el 25 de abril de 1944. A los diez años de edad escapó junto a su familia de la República Democrática Alemana.[1]​ Antes de iniciar su carrera musical, trabajó en el laboratorio de una cervecería.[1]​ Como muchos de sus compatriotas, desde principios de los años sesenta pasaba sus vacaciones en la isla española de Mallorca. Allí se estableció en 1965, tomó contacto con otros jóvenes e inició sus primeras incursiones en el mundo de la música pop con el grupo Los Runaways. Dicho grupo estaba compuesto, además, por el bajista Miguel Vicens y el baterista Pablo Sanllehí. Ya en Madrid, funda Los Bravos junto a sus compañeros de Los Runaways y dos exintegrantes de Los Sonor, Manolo Fernández y Tony Martínez, con Mike como voz solista. Tras el éxito arrollador de la banda, tanto en España como a nivel internacional, en 1969 Kennedy decide abandonar la formación para emprender una carrera en solitario. Ese mismo año edita Enigmático Mike, heredero directo del estilo Bravos, y en el que destaca el tema "La lluvia", versión en castellano de un clásico italiano. En 1970 actúa con notable éxito en el Teatro de la Zarzuela en Madrid, y publica la actuación en Recital en la Zarzuela. Un año más tarde sale a la luz Mike Is Mike, un LP mucho más melódico que todos los anteriores de su carrera. En 1971 realizó una breve incursión en el cine interpretando el papel de Hubert en la película Una lucertola con la pelle di donna.[2]​ En 1972 publica Made in USA, en el que destaca el tema "Johnny Rebel". A partir de ese momento comienza un lento declive que supone que Mike no vuelve a editar álbumes de larga duración, si bien durante los años setenta publica otros once nuevos singles.[3]​ En 1991 se recomponen Los Bravos, como Mike Kennedy y Los Bravos, y publican De nuevo en casa. El LP no tuvo una acogida especialmente favorable por parte del público y el intento no tuvo continuidad. A pesar de ello, Kennedy participó en todas las reuniones de Los Bravos que tuvieron lugar entre 1975 y 2015. A finales de los noventa, se unió a otros artistas de su etapa de esplendor (como Karina, Jeanette, Micky y Tony Ronald) para crear la experiencia Mágicos 60, con la que realizó giras alrededor de toda España.

La huerta atómica es el sexto álbum en la carrera del roquero español Miguel Ríos, publicado en 1976. Se trata de un disco cuyas canciones narran entre todas ellas una única historia -es decir, uno conceptual- que, en este caso, pertenece al género de la ciencia ficción. Miguel Ríos y su grupo, para la grabación de este álbum, se trasladaron a una finca en busca de relajamiento sin embargo fueron sorprendidos por la cercanía de una base militar y los vuelos de aviones, de ahí surgió la idea de este disco. El álbum relata sobre un hombre que vive en una huerta, localizada cerca de una base militar de EE. UU., donde él vive entre árboles y aviones, y en donde el dueño escucha los ensayos de los aviones a propulsión, generándole la sensación que su casa se encuentra en medio de un campo de guerra. Mientras se duerme al tomar una siesta tiene un sueño de una posible guerra atómica, en la cual encima de la huerta cae una bomba atómica que mata a todo ser viviente, sin embargo la bomba estalla de una forma diferente, e inexplicablemente crea una burbuja antirreacción, la cual protege al protagonista, que puede observar a los espectros de los muertos y que además resulta ser él el único superviviente. Horrorizado por lo sucedido decide que a partir de él se genere una nueva humanidad libre de esos males. El protagonista despierta para descubrir que todo ha sido sólo un sueño y que sigue habitando junto a la base militar, por lo que decide trasladarse a vivir a otro sitio, sin embargo en la radio advierten de la existencia de una alarma nuclear seguida del sonido de una explosión, culminando la historia. El disco es una crítica a los sistemas de poder militar en los años de la guerra fría, en la cual se temía que las superpotencias podían desencadenar una guerra nuclear. Miguel Ríos: voz Mariano Díaz: Órgano Hammond, Moog y Mellotron José María Roger: Piano, Piano Fender, Elka Tony Ponce: Guitarras Evarist Ballus: Batería y percusión Miguel Ángel Rojas: Bajo

Mezquita fue un grupo español de rock andaluz originario de Córdoba. Publicaron dos álbumes, Recuerdos de mi tierra, en 1979, y Califas del rock, en 1981, ambos a través de la discográfica Chapa Discos. Mezquita tocaba un rock sinfónico con influencias de las grandes bandas de los setenta como King Crimson o Emerson Lake and Palmer, fusionado con ritmos y melodías provenientes del flamenco. Sus temas eran eminentemente instrumentales, con el virtuosismo intepretativo habitual en ambos estilos, rock sinfónico y flamenco. La banda acabó disolviéndose en 1982. El bajista Randy López se incorporaría a Medina Azahara en 1984. José Rafael García – voz y guitarra Randy López – bajo, percusión y voz Francisco "Roska" López – teclado y voz Rafael Zorrilla – batería, percusión y voz Recuerdos de Mi Tierra, 1979 Califas del Rock, 1981

Medina Azahara es una banda de rock española, reconocida como una de las agrupaciones más emblemáticas del llamado rock andaluz.[1]​[2]​ La banda se formó en 1979 en Córdoba, Andalucía, por Manuel Martínez (voz), Pablo Rabadán (teclados), Manuel S. Molina (bajo), José A. Molina (batería) y Miguel Galán (guitarra). Fueron lanzados al gran público por Rafael Martín Parraga, en la feria de Septiembre de Córdoba. Y el nombre viene de la ciudad califal cercana a Córdoba. Al poco tiempo de su formación tuvieron la oportunidad de grabar su primer álbum, editado en 1979 por CBS y titulado como el grupo, el cual recoge las influencias de la banda, mezclando el hard rock de nombres como Deep Purple o Rainbow con características propias del rock sinfónico, y del mencionado rock andaluz que practicaban grupos como Triana, el cual ha sido una de las mayores influencias en el estilo de Medina Azahara. En este disco se encontraba el éxito Paseando por la mezquita, que se convirtió en un himno del grupo, al punto que el mismo álbum pasó a ser familiarmente conocido con ese nombre.[4]​ Los componentes iniciales del grupo fueron Manuel Martínez, Miguel Galán, Manuel S. Molina, José Antonio Molina y Pablo Rabadán.

Pilar Baizán Carretero (Tetuán, Marruecos, 1947)[1]​ más conocida como Marta Baizán, es una actriz y cantante española. Pilar Baizán Carretero nació en Tetuán, Marruecos en 1947.[2]​ A principios de los años 60 ella y su familia se establecen en Madrid. El principal motivo del traslado son los estudios universitarios de su hermano mayor, Luis Enrique. En 1962 Luis, entra como batería en el grupo Los Flaps.[2]​ Esta circunstancia le permite a Marta entrar en el mundo de la música. En 1964, graba su primer disco titulado: "Hoy he sabido / Se de un lugar / No lo puedo explicar / Pobre soñador" con el sello discográfico Columbia. En el año siguiente graba un EP titulado: “Seré Como Quieras Tú / Mi Buen Amigo / Yo te Recuerdo / Mi Chico eres Tú”. Cada vez se hace más popular y ese mismo año consigue su propio programa radiofónico "La hora de Marta" destinado al público juvenil.[2]​ Entonces algunos años después en 1966 cambia de sello discográfico con Sonoplay, grabando el disco: “Te Veré en septiembre / Cuando Vuelva Abril / Ven con Nosotros / Tú ya no Existes para Mí”.

Mario Balaguer a la guitarra, Musico español de rock, pop, soft rock y hard rock de Barcelona de principios de la década de 1970. Mario Balaguer había tocado con Tony Ronald y Georgie Dann. El fallecimiento del guitarrista Mario Balaguer en Palma de Mallorca fue en 1999. Pertenecía a la banda Santa Barbara y Epoca. Colaboró en varios proyectos musicales.

Marià Albero i Silla (Valencia, 27 de diciembre de 1949 - Sales de Llierca, Gerona, 12 de mayo de 2013)[1]​ fue un músico y cantautor español reconocido artísticamente como Marià Albero y en sus inicios como Marian Albero, ligado a la canción en lengua catalana (Nova cançó) y al movimiento de la Ona Laietana (Onda Layetana). Marià Albero se inició en el mundo de la canción de autor siguiendo los pasos de Raimon, grabando un EP para la discográfica Edigsa a finales de los años 60: Vam ser tots al jorn de la tardor (1967), le acompañó Francesc Pi de la Serra a la guitarra de doce cuerdas, posteriormente grabó dos discos sencillos para la misma compañía: Jo no ho crec / Classe mitja (1968) y La finestra / El joglar (1969). Estos primeros discos los editó con el nombre de Marian Albero.[2]​ Junto a Manel Joseph (solista de Orquestra Mirasol, Orquestra Plateria) forma en 1974 el efímero grupo Patatas fritas y graban un disco sencillo con Ariola, que daría después paso a la formación La Rondalla de la Costa con la que grabaría el disco Records de València (Zeleste/Edigsa, 1976) junto a Manel Joseph, Toni Xuclà, Martí Soler, Xavier García, Gustavo "Krupa" Quinteros y Xavier Batllés. Con Manel Joseph coincidirá en posteriores proyectos y mantendrá una buena amistad. En los años 70 produce discos como Chichonera's cat (1975) de Ia & Batiste, trabajo que incluye el tema "El gessamí i la rosa", poema de Josep Carner al que le pone música Ia Clua y que Serrat incluye en su Banda Sonora d' un temps d' un pais. Joan Manuel Serrat dejará constancia de su amistad con Marià Albero en la dedicatoria de la canción Per al meu amic, canto fraternal que le dedica al amigo y músico valenciano.[3]​ Marià Albero publicó su último disco en 1995: Estampida, un álbum básicamente instrumental basado en danzas populares de diversos países mediterráneos. Promotor y activista cultural, Marià Albero trabajará posteriormente en diferentes frentes del espectáculo, la canción, teatro de calle y la animación a lo largo de su trayectoria profesional. Una actividad artística señalada por el entusiasmo y el trabajo de investigación sobre las llamadas músicas de raíz. Marià Albero era hermano del político y exministro Vicente Albero. Falleció el 12 de mayo de 2013 en Sales de Llierca (Girona), lugar en el que residía.

Manuel Molina Jiménez (Ceuta, 21 de julio de 1948 - San Juan de Aznalfarache, Sevilla, 19 de mayo de 2015) fue un guitarrista flamenco, cantaor y compositor español. Durante muchos años formó junto con su esposa un famoso dúo conocido artísticamente como Lole y Manuel, hasta su separación matrimonial.[1]​ El matrimonio fue padre de una hija, también artista, llamada Alba Molina. Manuel Molina nació en Ceuta en 1948 en el seno de una familia gitana. Tomó sus primeras lecciones de guitarra de la mano de su padre, el guitarrista algecireño Manuel Molina Acosta, conocido como "El Encajero". Muy joven, se trasladó a la ciudad de Algeciras donde trabó amistad con Paco de Lucía. Más adelante la familia se mudó al barrio sevillano de Triana, donde Manuel formó un trío junto con Chiquetete y Manuel Domínguez "El Rubio", llamado Los gitanillos del Tardón. En 1968, se integró en el grupo Smash, banda española de rock psicodélico ubicada en Sevilla y considerada pionera del rock andaluz. En esta etapa obtuvo un gran éxito con el sencillo El garrotín (de la vera de San Juan), publicado en 1971, construido sobre el palo flamenco del mismo nombre y con letra en castellano e inglés. En 1972 formó un dúo con Dolores Montoya Rodríguez "Lole", y adoptaron como nombre artístico Lole y Manuel. Publicaron en 1975 su primer disco titulado Nuevo día. Ese mismo año se casaron y fueron pareja artística y sentimental durante muchos años. Para muchos este dúo es el precursor del estilo musical conocido como nuevo flamenco. A partir de 1993, debido a su separación matrimonial de Dolores Montoya, desarrolló su actividad artística de forma independiente. Su faceta como cantaor permaneció en un segundo plano. El mismo intérprete manifestó en diversas ocasiones que siempre había sido un cantaor frustrado y que escribía temas para que los interpretara su esposa Lole, atreviéndose solo en contadas ocasiones a cantar en el escenario, donde generalmente actuaba como guitarrista.

El fenómeno Mantra surgió en 1977 a raíz de un grupo que había formado Tato Macias con el que hacía versiones de clásicos del rock. Eran Juan Ahumada (de Sanlúcar) a la guitarra, Kiko Fernández al bajo (de Los Barrios) y Tato Macias (de Puerto Real) a la batería. Mantra fue un grupo de rock andaluz formado en la gaditana localidad de Puerto Real en 1977 con Jose M. Portela (teclados y voz), Tito Alcedo (guitarra), Juan A. Caputto (guitarra), Jose A. Ramírez (bajo) y Tato Macias (batería). Sonidos andaluces con influencias árabes e hindúes fundidos plenamente con el rock. En Septiembre de 1979 registran, en los locales de ensayo de sus paisanos Cai, en Chiclana de la Frontera (Cadiz) , una maqueta con seis temas de un estilo similar al de los mentados Cai, siendo otra gran referencia Iman, Califato Independiente o Mezquita. De la maqueta, única grabación del grupo, destaca la inicial 'Mantra' que en sus 11 minutos de duración se desarrolla un rock sinfónico andaluz instrumental muy a lo Iman, Califato Independiente o al primer disco de Cai, con unos cambios rítmicos muy buenos, experimentación continua en la amalgama de sonidos, atmósferas andaluzas y arabescas a doquier, guitarras acústicas aflamencadas y guitarras rockeras eléctricas conjuntadas con ensoñadores acolchados de sintetizadores y una magnífica ejecucion y grabación verdaderamente para tratarse de una maqueta. Le sigue 'Arcoiris', un tema de continuos cambios rítmicos y complejidad a raudales, a veces suena como una cadena de improvisaciones donde incluso hay cabida para un solo de batería. Con el tercer corte, 'Acantilado', se observa un tema complejo y enérgico donde se escuchan las primeras estrofas cantadas por Jose M. Portela, en lo instrumental se esta mas cercano a lo mas complejo de Mezquita, dejando mucho espacio para los solos de teclados. 'Sanlúcar' sigue la misma tónica de los temas anteriores, quizás añadiendo una base mas metálica por la presencia de la guitarra pero mezclada con una sección rítmica algo jazzy y andaluza. Con 'Bajo la sombra de un ciprés' llega la creación mas progresiva del álbum con toques jazzeros y guitarras eléctricas voloteando con aires andaluces en una "solea" en plan rockero. Acaba con 'Sacramonte', que comienza con aires cósmicos y psicodélicos para adentrarse de nuevo en un rock andaluz de estructuras complejas, solos y diálogos constantes de guitarras ásperas y teclados acompañados de una sección rítmica muy enérgica. No llegaron a grabar ningún disco. Mas tarde, en 1989 Tito Alcedo registraría, junto a Chano Dominguez, el álbum 'Memorias', para luego convertirse en miembro habitual del grupo de Javier Ruibal. Por otra parte, Tato Macías ha colaborado como percusionista con gente como Navajita Plateá. En 2011 el sello especializado en rock andaluz, Arabiand Rock, lanza un Cd homónimo con seis temas del todo inéditos, todos ellos procedentes de su maqueta del 79, en lo que se convierte en la única referencia discográfica de la banda.

Les bonds, banda de versiones adaptadas al catalan. originaria de Barcelona. desde el 1963 al 1968. Single 65 : Wooly bully, Quina colla mes original, Satisfacció, Ahir. 😎

Musico argentino afincado en España, donde publico algún single con compañias españolas, Este single es del 1969 con dos temas Lord, turn off the sun y You came. Por la casa Columbia. Colaboró con muchos artistas, entre ellos Los diablos. No confundir con Eduardo Bort.

Bárbara y Dick fue un dueto musical argentino conformado por Bárbara Virginia Bourse y Fernando Sustaita. Su fama trascendió las fronteras del país, consolidándose como un ícono musical de Latinoamérica. Su mayor éxito fue el tema «El funeral del labrador», que fue interpretado en diversos idiomas.[cita requerida] Esa canción les ganaría un lugar en la historia de la música pop. Otras dos canciones que tuvieron trascendencia son «Ámame» y «Respiran El dúo era conformado por la bonaerense Bárbara Bourse, hija del artista plástico Teodoro Bourse Herrera, y por Fernando Sustaita hijo del político Héctor Sustaita Seeber. Inicialmente tenían proyectada la formación de un trío en compañía de un amigo común, Juan Cruz Martín Grondona, quien a su vez los había presentado previamente. Sin embargo, el hecho no se consolidó debido a la decisión de este último en seguir con sus estudios de Derecho. Hacia 1965 efectuaron un demo para los estudios de grabación de la RCA Argentina en donde Juan Cruz alcanzó a participar. No obstante, por azares del destino, sólo fueron considerados Bárbara y Fernando. El productor Mario Pizzurno sería el artífice en la conformación del dúo y su descubridor. La prueba de fuego para ellos se presentaría en el 1° Festival de la Canción de Mar del Plata, que se realizó el 11 de febrero de 1966, frente al océano Atlántico –en la Playa Bristol- en el que participaron José Feliciano (Puerto Rico), Jimmy Fontana (Italia), Peggy March (Estados Unidos), Bennie Thomas (Estados Unidos), Rita Mónico (Italia), Ronnie Cord (Brasil) y las siguientes figuras de la RCA Victor Argentina: Los Iracundos, Bárbara y Dick, Juan Ramón, Los A-Go-Gó, Aldo Perricone y Las Brujas. Desde ese año, lograron un lugar de privilegio dentro de la música popular argentina y comenzaron a grabar temas musicales que les dieron celebridad nacional, pero no todo quedaría ahí, varios de sus discos fueron solicitados en otros idiomas debido a la calidad musical que poseían. El funeral del labrador, un tema compuesto por João Cabral de Melo y Chico Buarque -una canción de protesta sobre un labrador que sólo llegó a poseer un pedazo de tierra al morir, su tumba-, se grabaría en italiano, español y portugués siendo en este último idioma, el original, que la versión se difundiría a nivel mundial. La vertiginosa escalada a la fama, los llamaría a actuar en emisiones televisivas donde llegó su consagración. El alto índice de ventas de sus sencillos y de sus Larga duración les haría merecedores de recibir Disco de Oro en dos ocasiones. La fama les llevaría a actuar en diversos países de Latinoamérica e incluso Europa. Pero sorpresivamente, al concluir su participación en el Festival de Viña del Mar en 1969 el dueto se disolvería. No sería sino hasta 1971 cuando la dupla volvería a unirse recuperando rápidamente terreno en el sendero de la popularidad. La creatividad los llevó a incursionar en el género musical infantil presentando material discográfico notable, a la par su regreso a la pantalla chica se daría al tener su propio programa televisivo en señal abierta siendo difundido por Canal 13, el programa se llamó La tarde de Bárbara y Dick. Para 1975 en una gira por el sur argentino el guitarrista sufre una descompensación y no puede ir a la gira. Convocaron a un joven virtuoso de la guitarra, Daniel Guillomía, quien los acompañó en la gira por dos semanas. El espectro amplio de actuaciones los llevó a incursionar brevemente en el cine y a participar activamente en diversos festivales musicales latinoamericanos. Su trabajo en estudio de grabación concluyó hacia 1983, efectuando una gira de despedida, casualmente esta terminó actuando, en las Fiestas del Santo Patrono San Isidro Labrador de 1998, adquiriendo ésta un especial significado en sus vidas por muchísimas razones, quizá la más importante radicó en que su juventud transcurrió por mucho tiempo ahí. Bárbara continuaría trabajando sola al grabar algunos temas en solitario. Dick haría lo propio, aunque por corto tiempo, después de grabar dos singles, Dick se retiraría del mundo artístico para incorporarse a una vida en armonía con la naturaleza, completamente alejado de las luminarias. El 29 de julio de 2006 muere, víctima de un cáncer de garganta.😙

La nueva ola mallorquina de los 60 Mediados de los 60 fue una época de crecimiento de la música local mallorquina, y el reflejo de este hecho fue la aparición de numerosos grupos de música moderna que conectaban con los nuevos sonidos que estaban en boga en aquellos años como el beat, el garaje-rock y la psicodelia. Como alternativa a los conjuntos ya consolidados como Los Javaloyas o Els Valldemossa aparece una serie de bandas que la prensa balear catalogó como la nueva ola mallorquina como Los Beta, Los Sonámbulos, The Four Winds And Dito, Los Silvestres y, los aquí nos ocupan, Los Bohemios. Los Bohemios se forman en 1962 y tienen a Felipe Rebolledo Gracia como líder y único miembro estable de su formación, en una banda que estuvo en constante renovación. Dos de sus componentes más importantes fueron Juan Jiménez (Primer Wagon, Los Pekenikes) -que compondrá junto a Felipe todas las composiciones propias de la banda- y el vocalista Joan Toni Vives -que será la voz del grupo en las grabaciones registradas por la banda-. Su primera actuación importante es la fiesta final de la primera edición del Festival Internacional de la Canción de Mallorca donde tocarán junto a Los Pecos, Los Cromáticos y Los Pops. Celebrado en Hotel Cristina del complejo turístico Playas de Palma y presentado por José Luis Uribarri e Irene Mir, el ganador de esta primera edición fue Frida Boccara con la canción cantada en francés «Quand Palma chantait«. El 31 de enero de 1965, en la Gran Fiesta de la Juventud celebrado en el Teatro Lírico, comparten cartel junto a The Boanerges, The Excelents, Twister’s Quartet, Los Xilvar’s, Los Alakranes y The Jekins. Y el 20 de febrero participan en el homenaje a The Beatles celebrado en el Teatro Principal de Palma en el que después de proyectar el film «Qué Noche la de Aquel Día» (Richard Lester, 1964) junto a Los Beta Quartet, Los Discóbolos y Los Skal. Poco tiempo después debutan discográficamente con el EP «En un Celler Mallorquín / El Porompompero / La Niña / La Yenka» (Hispavox, 1965). Un vinilo con cuatro temas pachangueros pensado para los turistas que visitaban el archipiélago en busca de sol, playas bonitas, diversión y música ligera de calidad. Ese mismo año, Los Bohemios editan tres trabajos más empezando por el EP «La Pollera Colorá / No Lo Ves / Quiéreme Deprisa / Soy Calé» (Hispavox, 1965). Mucho más correcto que su debut es significativo para la banda al contener su primera composición propia, «Soy calé«. El tercer trabajo de los mallorquines, «Soy un Hombre del Campo / Soy un Tonto / Pepe Será Papá / El Mundo» (Hispavox, 1965), sigue la senda de adaptar grandes éxitos –algunos muy trillados por los grupos nacionales- sin dejar espacio para la vena creativa de la banda, a pesar de mostrar en su anterior vinilo que podían ser mucho más interesantes de este modo y no una mero grupo de versiones. Cierran el año con el EP «Ahora Sí / Si No Te Tuviera Más / Que Te Vaya Bien / Aeropuerto» (Hispavox, 1965), con un aroma italiano por las adaptaciones de su cara A. El 15 de febrero de 1966 participan, con motivo de las fiestas de Carnaval, en un gran baile en el Teatro Lírico junto a Los Mustangs y Los Fugitivos. El primer trabajo de ese año para los Bohemios fue «Ninguno me Puede Juzgar / No Quiero Ser Ye-Ye / Na Catalina de Plaça / Mallorca» (Hispavox, 1966). Un combo formado por música italiana de moda y un corte ye-yé en su cara A y un par de temas de amor a su tierra para la cara B. Se segundo EP fue «Ya Llegó el Verano / La Cama / Viviane / Katy» (Hispavox, 1966), siendo éste es el más suyo de todos, ya que sólo hacen una adaptación de un éxito foráneo, mientras que el propio grupo aporta hasta tres composiciones suyas. El tercer microsurco de Los Bohemios de ese año fue su mejor trabajo editado, el EP «Lo Tomas o lo Dejas / Despertar al Amor / El Voltaje / Qué Chica Tan Formal» (Hispavox, 1966) abandona la senda pop y pachanguera que el conjunto había seguido para meterse de lleno en el garage-rock -versionando a The Rolling Stones y The Isley Brothers-, y en el beat con sus composiciones propias «Despertar el amor» y el himno lleno de fuzz «El voltaje«. A finales de ese mismo año la empresa Espectáculos Bravo –con Emilio Bohigas como jefe- llega un acuerdo con la familia Tous, dueña del Teatro Lírico, para ofrecer una serie de matinales los domingos bajo el nombre de «Festival Ye-Yé» o «Festival Bravo». Estos espectáculos juveniles presentados por Roberto Andreu se basaban en un cartel formado por grupos mallorquines a precios populares que oscilaban entre las 25 y las 40 pesetas. Los Bohemios participan en su segunda edición como grupo invitado junto a Los Fugitivos, Los Sixtar, Club XXII y Los 007. Los finales de estas matinales coincide con el inicio de los festivales patrocinados por la revista Fans, también producida por la empresa de Emilio Bohigas. Su primer trabajo de 1967 fue el sencillo «Dame tu Cariño / Winchester Cathedral» (Hispavox, 1967) que seguía el camino marcado por su anterior vinilo, sin embargo, esta etapa garagera del grupo no duraría mucho. Con el EP «Marionetas en la Cuerda / Na Catalina de Plaça / Ta, Ta, Ta, Ta / Only You» (Hispavox, 1967), el grupo volvía a grabar temas complacientes e indulgentes para beneplácito del sello que tendrá su continuación en su último trabajo editado esa década: «La Felicidad / El Bote Que Remo / Susie Q / Otra Vez Soñé» (Hispavox, 1967). El 19 de marzo de 1967 participan en el festival «A Todo Ritmo» que tiene como máximas figuras a Los Z-66, Los Doger’s y Los Flingstones. Y, en verano, tocan en multitud de fiestas locales como las de Manacor junto a Los Intrusos, en Montuiri junto a Los Stop, en Sa Pobla con Los Tamara, en Sencelles junto a Los Santos, o en Sineu junto a S.N.5. En 1968 Joan Antoni deja el grupo y su formación se reestructura al completo: Santy Bono (Los Gitanos) como cantante, a la guitarra Jaume (Yaco-6), Narry (Los Santos) como bajista, Felipe a los teclados, José Antonio (Los Pekenikes, Los 4 Platinos) y Tony (Diapasones) con los saxos y Jesús como batería. El conjunto se orienta más al soul y participan en el Festival Soul 69 celebrado el día de reyes en la discoteca Bacomo junto a Mauri’s Set y Los del Sol. Aunque consiguen triunfar en los locales de moda de la isla se disuelven poco después. Felipe Rebolledo pasa a formar parte de Aquarius, el grupo formado por Tony Obrador a su vuelta a Mallorca. Durante los años siguiente se reúnen varías veces, a finales de los años 70 bajo el nombre de Los Nuevos Bohemios, pero será en 1982 cuando graban su primer largo, el LP homónimo «Bohemios» (Maller, 1982) que cuenta con los arreglos de Enrique Pastor (Los Ros).

Zebra se formó a finales de 1971 como consecuencia de la unión de miembros de Los Bravos, Andy Anderson (voz) y Miguel Vicens (bajo), y componentes de Z-66, Manolo Marí (batería) y Vicenç Caldentey (guitarra). Este último abandona el proyecto antes de empezar a andar siendo sustituido por un joven Joan Bibiloni. La formación se completaría con un guitarrista inglés amigo de Anderson , David Wamsle. En 1972 editan su primer single “This is a Happy Song / It´s all Been Dream”. Inmediatamente se embarcan en la composición de un Lp conceptual progresivo con la producción del hermano de Anderson, Jon Anderson (Yes). El fatal accidente de la mujer de Tony a finales de año desbarata el proyecto. Anderson cae en una depresión y decide volver a Inglaterra. La banda fue editando singles, siete en total, hasta la publicación de su único LP en 1976, "Zebra". El disco no es bien acogido ni por la prensa especializada ni por el publico ocasionando la disolución de la banda en 1977. De ningún modo se puede decir que la grabación sea netamente progresiva la mayoría de los temas tienen un marcado carácter "popero" aunque con un nivel instrumental bastante loable. Los dos únicos temas que podrían entrar en lo progresivo serían " It's All Been A Dream" con un inicio pop para posteriormente demostrar la calidad y buen hacer de sus miembros. El otro tema sería la versión del tema de Lennon, "Imagine". Curiosa versión de más de 10 minutos y fusionada con otro tema de Beatles , "Love". Formación Joan Bibiloni :voz y guitarra Agustí Fernández :teclados Albert Candela :bajo David Walmsley :guitarra Manolo Marí :batería

Máquina! (en catalán Màquina!) fue un grupo de rock progresivo y psicodélico fundado en Barcelona en 1969 y disuelto en 1972. Fueron pioneros del rock progresivo en España y están considerados como uno de los mejores grupos de rock de los años 70. Su primer disco, "Why?", es probablemente el más recordado del progresivo español y uno de los mejores discos de rock grabados en España. El origen de Máquina! se encuentra como banda de acompañamiento de los diversos grupos que formaban el Grup de Folk durante el año 1968; en especial del cantante Jaume Sisa, con el que tocaban bajo el nombre de La Companyia, SL. Tras la disolución del Grup de Folk, Jordi Batiste y Enric Herrera deciden formar su propio grupo y pasarse al rock. Primero entra el baterista Santiago García “Jackie”. Según explica Herrera en el libro “Barcelona, del rock progresivo a la música layetana”, la intención inicial era ser un trío en el que él tocaría guitarra y teclado, como Steve Winwood en The Spencer Davis Group, pero la llegada de Lluís Cabanach “Luigi”, forzó un cambio de planes y la banda pasaría a ser un cuarteto. El line-up final sería: Jordi Batiste, bajo, voz y flauta; Enric Herrera, piano, órgano Hammond y arreglos musicales; Luigi, guitarra; Jackie, batería. Las mayoría de las canciones las componían juntos Batiste (letra) y Herrera (música). En toda la música de Máquina! se puede apreciar el talento de Herrera como conductor, siendo el teclado, en la gran mayoría de los casos, el instrumento que dirige las canciones. El grupo Máquina! hizo su música siempre en inglés, según dicen, para diferenciarse de la corriente catalana de la Nova Cançó, y del pop español comercial de la época. Puesto que en España no se estudiaba este idioma en aquella época, los títulos de los singles solían ir acompañados de la traducción al castellano, que no siempre era literal. El inglés lo habían aprendido de forma autodidacta y, por supuesto, había errores gramaticales y de pronunciación. Con el apoyo de Ángel Fábregas y su sello Als 4 Vents, donde trabajan a cambio de grabaciones y promoción, editaron su primer single en agosto de 1969: "Lands of Perfection/Let’s Get Smashed". La Cara A del single era una canción con un gran protagonismo de órgano Hammond y un marcado estilo de rock psicodélico. La Cara B era un alegre jazz instrumental dirigido por el piano. Este primer sencillo recibió una buena acogida en ventas, 10.000 copias, y en crítica. Aunque también se remarcaba el poco futuro de este tipo de música en España. En su presentación en Madrid en el mes de septiembre fueron echados de varios clubs por el tipo de música que hacían. La presentación en Barcelona, en el San Carlos Club, en octubre, fue mucho mejor recibida. A finales de ese mismo año y ya con un nuevo baterista, Josep Maria Vilaseca “Tapioles” o “Tapi”, publicarían el single "Earth’s Daughter/Look Away Our Happiness". En este segundo trabajo se aprecia una evolución considerable. La Cara A es un cuidado tema pop con arreglos orquestales a cargo de Enric Herrera. La Cara B, un tema rock de gran originalidad dirigido magistralmente por el órgano Hammond. Este segundo sencillo tendría todavía un éxito considerable con 7.000 copias vendidas. Máquina! se convirtió rápidamente en el grupo de referencia dentro de las corrientes alternativas de la época. Algunos llegaron a pensar que eran un grupo extranjero por sus letras en inglés y su sonido eléctrico y diferente. Ya en diciembre de 1969 muchas publicaciones los consideran el grupo de moda. Esta ascensión meteórica a la fama los convirtió en el símbolo del progresivo español y acabaría volviéndose en su contra cuando algunos de sus componentes buscaron un cambio de estilo. El punto álgido de su carrera fue, probablemente, el concierto realizado el 22 de febrero de 1970 en el Salón Iris de Barcelona, un local de gran capacidad dedicado a combates de boxeo y bailes de salón. La importancia de este recital radica en la enorme atención que atrajo en el ambiente cultural de la ciudad, ya que asistieron un gran número de periodistas, músicos y personalidades relevantes de la cultura. Se considera que este concierto supuso el nacimiento oficial del rock progresivo en España. Uno de los puntos fuertes de Máquina! fue la combinación del concierto-espectáculo, algo que Jordi Batiste disfrutaba y hacía con maestría, con una música elaborada y técnica que corría a cargo de Enric Herrera. Ambos rechazaban la visión musical del otro, pero supieron convivir con sus diferencias y dieron lugar a un grupo de marcada personalidad con buena música y un directo único En mayo de 1970, en medio de la preparación de su primer LP, Jordi Batiste es llamado a filas. Para suplir su baja entra el guitarrista Josep Maria París, que volvía de una larga estancia en Suecia. La sustitución real de Batiste sería el guitarrista original de la banda, Luigi, que pasaría a tocar el bajo y cantar. Como resultado de este cambio, en la contraportada del disco salen las caras de los cinco componentes que intervinieron en la grabación, dando lugar a la falsa creencia de que Máquina! era un quinteto. El álbum “Why?” está considerado como uno de los discos más destacables del rock español a pesar de que sus ventas no fueron muy elevadas. Según la publicidad de la época, se grabó en cuatro horas y en su versión original consta apenas de cuatro cortes. Uno de ellos es la canción Why?, una composición de tres minutos en la que empezaron a improvisar y se alargó a los 25 minutos (partidos en dos mitades). Otro corte destacable es el blues instrumental I Believe, con el que abre el disco. La última canción es Let Me Born, un tema pop-rock muy elaborado de tintes Beatlescos. En septiembre de 1970, Enric Herrera abandona el grupo, algo que tuvo poca relevancia mediática debido a que poco después, en septiembre u octubre, se incorporó al ejército por el obligado servicio militar de la época. Sin embargo, a finales de ese mismo año comenzó a formar una Máquina! alternativa junto al trío de blues-rock Crac: Emili Baleriola, guitarra; Salvador Font, batería; Carles Benavent, bajo.

José Luis Blume, J. L. Blume o, simplemente BLUME, es uno de los más legendarios “rockanroleros” que han existido en España. Artista completo, poseedor de una voz extraordinaria, consiguió sonar con fuerza con temas como “Mary”, “En mis sueños”, “Te necesitamos (Cristo)”... Su participación en el musical “Elvis” fue apoteósica.

Luis Emilio Batallán González (Santiago de Compostela, 18 de septiembre de 1948)1​ es un médico, compositor, músico y cantautor español que inició su actividad musical en los años 70. Su primer elepé, Ahí ven o maio, se convirtió en el disco más vendido en gallego y alcanzó alrededor de medio millón de ventas. uis Emilio Batallán estudió medicina en la Universidad de Santiago de Compostela. Hijo de Luis Batallán Pena, médico rural y alcalde de Moraña (Pontevedra), y de Ofelia González Taboada, farmacéutica, siguió la estela profesional de su padre, pero inmediatamente compatibilizó la medicina con la música, su verdadera vocación. Al terminar la carrera en Santiago fue a hacer prácticas de cirugía a Madrid. Por su piso de la calle del Pez, donde ensayaba sus canciones, coincidían conocidos jóvenes gallegos como Manuel R. Moldes, Vicente Araguas o Cándido Conde-Pumpido y otros amigos como Moncho Alpuente o Joaquín Sabina.3​ En 1975 edita su primer disco, hasta la fecha el más vendido en gallego: "Ahí ven o maio", pero que lamentablemente no tuvo continuidad y hubo que esperar casi dos décadas para la salida del segundo. Ahí ven o Maio,4​ su primer disco, editado en una época muy prolífica de Luis Emilio, vendió cerca de medio millón de copias, una cifra elevadísima para la música gallega de la época. En este elepé musicalizó a Álvaro Cunqueiro.5​ en su poema No niño novo do vento, remasterizado con el título «Quen poidera namorala».6​ También musicaba poemas de Curros Enríquez, Celso Emilio Ferreiro, Ramón Cabanillas y Rosalía de Castro. En la grabación del disco participaron músicos pontevedreses, como el guitarrista José María González, y llevaba como portada un dibujo original del pintor de Pontevedra Manuel R. Moldes. El éxito se consiguió al encontrar Luis Emilio un espacio destacado como tercera via en la música gallega entre la canción política y de protesta social de Voces Ceibes y la música popular y discotequera de Andrés do Barro. Con una grabación muy cuidada, realzada por la voz pegadiza de Batallán, la atractiva portada de Manuel R. Moldes, los arreglos y la flauta de Carlos Cárcamo, la guitarra de José María, la gaita de Gustavo Díaz, el acordeón de Susana Martín y los coros de Mabel y Carmen, que unidos a las excelentes letras de los mejores poetas gallegos, musicadas con folk progresivo, lograron concebir un disco que ha sido el más vendido de la historia de la música gallega. La letra original de la canción más conocida del disco, "Ahí ven o maio", dice: "Ahi ven o maio, de frores cuberto, puxeronse a porta, cantandome os nenos, os puchos furados, pra min extendendo, pedironme crocas, dos meus castiñeiros. Pasai rapaciños, calados e quedos, que o que é polo de hoxe, que darvos non teño, eu sonvos o probe: o povo galego, pra min non hai maio, pra min sempre é inverno. Cando eu me atopare, de donos liberto, que o pan non mo quiten, trabucos e préstemos que, coma os do abade, frorezan meus eidos, chegado haberá enton, o maio que eu quero. Queredes castañas, dos meus castiñeiro, cantademe un maio, sen bruxas nin demos,un maio sen segas,usuras nin preitos,".Ahí ven o Maio,4​ su primer disco, editado en una época muy prolífica de Luis Emilio, vendió cerca de medio millón de copias, una cifra elevadísima para la música gallega de la época. En este elepé musicalizó a Álvaro Cunqueiro.5​ en su poema No niño novo do vento, remasterizado con el título «Quen poidera namorala».6​ También musicaba poemas de Curros Enríquez, Celso Emilio Ferreiro, Ramón Cabanillas y Rosalía de Castro. En la grabación del disco participaron músicos pontevedreses, como el guitarrista José María González, y llevaba como portada un dibujo original del pintor de Pontevedra Manuel R. Moldes. El éxito se consiguió al encontrar Luis Emilio un espacio destacado como tercera via en la música gallega entre la canción política y de protesta social de Voces Ceibes y la música popular y discotequera de Andrés do Barro. Con una grabación muy cuidada, realzada por la voz pegadiza de Batallán, la atractiva portada de Manuel R. Moldes, los arreglos y la flauta de Carlos Cárcamo, la guitarra de José María, la gaita de Gustavo Díaz, el acordeón de Susana Martín y los coros de Mabel y Carmen, que unidos a las excelentes letras de los mejores poetas gallegos, musicadas con folk progresivo, lograron concebir un disco que ha sido el más vendido de la historia de la música gallega. La letra original de la canción más conocida del disco, "Ahí ven o maio", dice: "Ahi ven o maio, de frores cuberto, puxeronse a porta, cantandome os nenos, os puchos furados, pra min extendendo, pedironme crocas, dos meus castiñeiros. Pasai rapaciños, calados e quedos, que o que é polo de hoxe, que darvos non teño, eu sonvos o probe: o povo galego, pra min non hai maio, pra min sempre é inverno. Cando eu me atopare, de donos liberto, que o pan non mo quiten, trabucos e préstemos que, coma os do abade, frorezan meus eidos, chegado haberá enton, o maio que eu quero. Queredes castañas, dos meus castiñeiro, cantademe un maio, sen bruxas nin demos,un maio sen segas,usuras nin preitos,".🤔

Los Blue Boys fueron un grupo español de rock and roll y jazz formado en Madrid entre 1955 y 1956. Suelen ser considerados, junto a otras bandas como Los Pájaros Locos, el Dúo Dinámico, Los Milos o Los Estudiantes, auténticos pioneros del rock en España.1​2​ Aunque, en su caso, sus orígenes estaban más cercanos a otros estilos. El grupo se formó a finales de 1955 y principios de 1956. Sus integrantes eran Alfonso Linos (guitarra), Enrique García (batería), Alberto Navarrete (contrabajo), Juan José Guitián (piano) y Alfonso Agulló (cantante solista). Originalmente tendían más hacia el jazz y los ritmos brasileños (la incipiente bossa nova). Pero, al actuar con frecuencia en locales madrileños de la época como el "Hot", el "Nikas Club" y, sobre todo, el bar de oficiales de la base militar de Torrejón de Ardoz, comenzaron a introducir temas de rock en su repertorio.3​ Su profesionalidad y eficacia les llevó a aparecer, con bastante frecuencia, en programas radiofónicos y televisivos. En ellos interpretaban tanto temas jazzísticos y de bossa nova como versiones de canciones de rock and roll. De hecho, en 1960 ganaron un concurso organizado por el club de fanes madrileño de Paul Anka, lo que propició que fueran fichados por la compañía discográfica Hispavox. Con ella grabarían su primer Ep. Posteriormente, pasarían a otra disquera llamada Fonópolis. En 1963, cuando los tiempos ya estaban cambiando tras la llegada del yeyé (y justo antes del advenimiento de la "British Invasion"), la banda se disolvió. No sin antes publicar un Ep en el que el rock and roll dejaba paso a su querencia por la bossa nova. Sus componentes desarrollaron diferentes carreras profesionales, algunas de ellas relacionadas con la escena musical. Desde la producción-grabación discográfica, hasta la publicidad. Pasando por la realización de programas televisivos.