UNA GUITARRA MIL MUNDOS

La entrevista presenta el esamble 131, integrado por María 'Manje' Valencia y Enrique 'Kike' Mendoza, y su álbum *Cuásares Purpúreas*. Se aborda el origen de su colaboración, basada en una amistad y trayectoria musical compartida, así como la exploración del diálogo entre clarinete y guitarra eléctrica. Los músicos comentan el proceso creativo del disco, que combina composiciones estructuradas con espacios de improvisación, experimentación y transformación durante los ensayos. También explican el significado de títulos como *El encuentro de los tiempos*, *Trilogía estática gravitacional* y *Dibújame un cielo rosa*, vinculados con ideas sobre el tiempo, el universo y experiencias personales. Finalmente, destacan el papel de Matik Matik y Benjamín Calais en la producción del álbum y reflexionan sobre la improvisación como escucha, interacción, comunicación y construcción colectiva.

El programa presenta una conversación con el guitarrista y compositor bogotano Daniel Reyes Llinás, radicado en Portland, alrededor de su EP From Nothing. Reyes explica el origen del proyecto, conformado por guitarra eléctrica, violín, viola y violonchelo, y presenta piezas que exploran la indeterminación, las texturas, la improvisación y el diálogo entre instrumentos. La obra From Nothing, de Ravi K. Tappa, se construye mediante instrucciones abiertas que exigen escucha atenta e intuición, mientras Imagen 2 ofrece una estructura más definida. A partir de estas obras, la conversación profundiza en la improvisación libre como práctica de escucha, cuidado, vulnerabilidad y creación colectiva. Reyes también describe su guitarra modificada y sus recursos electrónicos, así como su experiencia pedagógica con jóvenes en Portland, donde utiliza la improvisación para fomentar l escucha, la colaboración, la creatividad y la exploración musical compartida entre los participantes.

En esta segunda parte de la entrevista, Javier Contreras reflexiona sobre el papel de la música en una sociedad marcada por conflictos y cambios. Considera que el arte permite desarrollar sensibilidad, comprender el mundo y transformar emociones como el miedo y la incertidumbre en creación artística. También relata la historia del Dúo Sudamericano, conformado junto al reconocido guitarrista José Antonio Escobar, con quien grabó un nuevo disco bajo el sello internacional Naxos, dedicado exclusivamente a sus composiciones para dos guitarras. Uno de los temas centrales es la influencia del folclor latinoamericano en su obra. Explica que su lenguaje musical se nutre especialmente de las tradiciones de Chile, Argentina, Perú, Colombia, Uruguay y Brasil, cuyos ritmos y sonoridades han marcado su forma de componer. Finalmente, comparte su visión sobre el proceso creativo: afirma que la música nace primero de una necesidad interior y de una emoción, mientras que la técnica permite convertir esa inspiración en una obra. Como mensaje para los jóvenes músicos, invita a mantener la honestidad artística, proteger la pasión por la música y entender que el verdadero valor del arte está en el disfrute y la autenticidad, más allá del reconocimiento o la remuneración.

Javier Contreras, compositor y guitarrista chileno radicado en Colombia, compartió cómo su infancia en la Patagonia, marcada por el aislamiento y la escasez de recursos, despertó su creatividad y lo llevó a descubrir la composición de manera autodidacta. Con más de 300 obras escritas y una destacada trayectoria internacional, presentó su proyecto Suites Latinoamericanas, inspirado en países como Colombia, Argentina, Perú y Chile, así como Extremo Sur, una agrupación familiar que nació para hacer música de cámara en la Patagonia. Junto a la chelista colombiana Lucía Torres, habló también sobre su trabajo para violonchelo y guitarra y de Dominus Tecum, una obra para cuarteto de cuerdas y guitarra que recibió reconocimiento internacional por su propuesta innovadora y su lenguaje ecléctico, combinando tradición y exploración sonora.

En esta segunda emisión de Una Guitarra Mil Mundos, el guitarrista y compositor Javier Contreras y la violonchelista Lucía Torres reflexionaron sobre el papel de la música en la sociedad actual, destacando que el arte es una herramienta para desarrollar la sensibilidad, comprender las emociones y aportar al bienestar colectivo en medio de los desafíos sociales contemporáneos. Contreras explicó que las transformaciones y tensiones del mundo también influyen en su proceso creativo, inspirando nuevas búsquedas musicales. Durante la conversación, el compositor presentó el recorrido del Dúo Sudamericano, proyecto que comparte con el guitarrista José Antonio Escobar, surgido a partir de una relación de maestro y alumno que evolucionó hacia una sólida colaboración artística. Relató la historia de sus producciones discográficas y el reciente lanzamiento de un nuevo álbum dedicado íntegramente a sus composiciones, fruto de un trabajo desarrollado durante varios años y publicado por un sello internacional. Asimismo, profundizó en la influencia de la música tradicional latinoamericana en su obra, especialmente los ritmos y sonoridades de Chile, Argentina, Perú, Colombia, Brasil y Uruguay, elementos que han enriquecido su lenguaje compositivo sin perder una identidad propia. Finalmente, tanto Contreras como Torres ofrecieron un mensaje a los jóvenes músicos, invitándolos a preservar la pasión por la música, mantener la disciplina, ser honestos con su proceso artístico y comprender que el verdadero motor de una carrera musical es el disfrute y el compromiso con el oficio, más allá de las dificultades profesionales.

El programa estuvo dedicado al guitarrista y compositor chileno Javier Contreras, quien compartió su trayectoria artística y su visión de la música. Relató cómo crecer en la Patagonia, una región con escaso acceso a formación musical y materiales especializados, fortaleció su creatividad y lo llevó a desarrollar un aprendizaje autodidacta basado en el oído y la experimentación, influenciado principalmente por Agustín Barrios y John Williams. Destacó también el papel fundamental de su familia en su formación, especialmente el trabajo conjunto con su padre y su hermana, la pianista y compositora Karina Contreras. Durante la entrevista presentó su proyecto Suites Latinoamericanas, una colección inspirada en diferentes países de la región que hace parte de un ambicioso plan para grabar la totalidad de su producción para guitarra, compuesta por más de 300 obras. Asimismo, habló sobre Extremo Sur, agrupación familiar que integra elementos de la música clásica, el folclor y el jazz, y sobre su trabajo junto a la violonchelista colombiana Lucía Torres, quien resaltó la riqueza técnica y expresiva de sus composiciones y compartió su experiencia interpretando su música. Finalmente, Contreras presentó Dominus Tecum, una obra para guitarra y cuarteto de cuerdas que refleja una búsqueda estética más contemporánea y experimental, combinando recursos de distintos lenguajes musicales. En conjunto, el programa destacó la solidez de su trayectoria, la influencia de sus raíces patagónicas y latinoamericanas en su obra y su aporte al repertorio contemporáneo para guitarra y música de cámara.

En esta emisión de Una guitarra, mil mundos, Andrés Samper dedica el programa al músico iraní Siamak Aghaei, intérprete de santur, compositor, docente e investigador de la música tradicional persa. A través de piezas interpretadas por él y por el ensamble Navasan Santur Ensemble, el programa explora la riqueza sonora y espiritual del santur, un instrumento de cuerdas percutidas fundamental en la música clásica iraní. Además de presentar aspectos de la trayectoria de Aghaei, se reflexiona sobre el radif, tradición musical persa basada en la memoria y la improvisación, así como sobre la belleza de las afinaciones imperfectas y los sonidos resonantes que caracterizan esta música. El programa destaca cómo la obra de Siamak Aghaei propone una escucha más humana y sensible frente a la perfección artificial de muchas producciones contemporáneas, convirtiendo el santur en un espacio de contemplación, intimidad y profundidad emocional.

En esta emisión de Una guitarra, mil mundos, el sonidista cubano Jeronimo Labrada comparte una conversación íntima sobre su trayectoria en la música y el cine desde la Escuela Internacional de Cine y Televisión. A través de anécdotas sorprendentes, Labrada revela cómo, en medio de la escasez tecnológica en Cuba, convirtió baños en cámaras de reverberación para grabar conciertos históricos de artistas como Silvio Rodríguez, Pablo Milanés y Chico Buarque. Más allá de la técnica, reflexiona sobre el sonido como una herramienta capaz de emocionar y narrar en el cine, criticando las producciones que dependen únicamente de grandes tecnologías y defendiendo la creatividad, la sensibilidad y la grabación en vivo como esencia del arte sonoro. El programa se convierte así en un recorrido por la memoria musical latinoamericana, la poesía de José Martí y la pasión de un maestro que ha dedicado su vida a escuchar el mundo de otra manera.

El maestro Jerónimo Labrada, una de las figuras más importantes del sonido cinematográfico en Cuba. A través de un recorrido íntimo y lleno de memoria, Labrada comparte sus primeros acercamientos al universo sonoro en su infancia en el oriente cubano: las campanas de la iglesia, la radio de galena construida junto a su padre, el sonido del tres campesino y las primeras proyecciones de cine que realizaba siendo apenas un niño. La conversación también aborda su trabajo en el ICAIC y su participación en el histórico Grupo de Experimentación Sonora, espacio clave para la renovación de la música cubana y el surgimiento de nuevas búsquedas artísticas en las décadas de los sesenta y setenta. El episodio explora el contexto cultural de la época y la relación del grupo con artistas fundamentales como Silvio Rodríguez, Pablo Milanés y Leo Brouwer. Acompañado por canciones y grabaciones en las que Labrada participó como sonidista, editor y mezclador, este episodio es una reflexión sobre la memoria, la escucha y el poder del sonido en la construcción del cine y la música latinoamericana.

En este episodio de Una guitarra mil mundos, Francisco Correa y Emily Andrews continúan presentando el álbum From Honey to Ashes y conversan sobre su trabajo junto al compositor Stephen Goss. Hablan sobre la música como un arte vivo y cambiante, el proceso creativo detrás de las grabaciones y el papel que la música ocupa en sus vidas personales. Además, reflexionan sobre la conexión emocional que se crea entre intérpretes y público, presentan varias obras del disco y comparten recomendaciones para jóvenes músicos que están comenzando sus proyectos artísticos.

Francisco Correa y Emily Andrews compartieron en la entrevista la historia detrás de su dueto musical y de su relación personal. Se conocieron en Francia durante una escuela de verano de música y, aunque al principio tenían dificultades con el idioma, encontraron en la música una forma de comunicarse y enamorarse. El proyecto artístico comenzó explorando música colombiana, especialmente bambucos y pasillos, repertorio con el que Francisco introdujo a Emily al folclor colombiano. Ambos presentaron su álbum From Honey to Ashes, compuesto por obras del compositor británico Stephen Goss, caracterizadas por mezclar distintos estilos musicales y por permitir una gran libertad interpretativa. Explicaron cómo Goss utiliza referencias de otros compositores y cómo durante el proceso de grabación anima a los intérpretes a transformar las obras desde su propia sensibilidad artística. También destacaron piezas como La Catedral Sumergida, inspirada en obras de Fernando Sor y Agustín Barrios. A lo largo de la conversación hablaron sobre su dinámica como pareja y músicos, señalando que se complementan constantemente: Francisco aporta especialmente en el trabajo rítmico y Emily en el desarrollo melódico y expresivo. Finalmente, señalaron que buscan ampliar el repertorio para flauta y guitarra mediante nuevas obras y arreglos, y recordaron que su música puede encontrarse en plataformas digitales y redes sociales.

En esta emisión se presenta al músico nariñense Javier Andrés Mesa, multiinstrumentista, compositor e investigador, cuya trayectoria abarca la guitarra, la bandola andina y el bajo eléctrico, así como el uso de medios electrónicos. A lo largo de la conversación, Mesa explica que el hilo conductor de su obra es la música de su tierra natal, Nariño, y en general la cultura andina colombiana, entendiendo cada instrumento como una “voz” distinta para expresar una misma raíz cultural. Recuerda sus inicios musicales junto a su padre en Pasto, en un entorno marcado por tríos, serenatas y repertorios de bolero y música andina, lo que cimentó su identidad artística desde temprana edad. Asimismo, destaca su formación diversa —académica y empírica— y la creación de proyectos como Bajístico, enfocado en el estudio del bajo eléctrico dentro del contexto tradicional colombiano. Durante el programa, el artista profundiza en varias líneas de su trabajo: su exploración del bajo como instrumento solista capaz de integrar melodía, armonía y acompañamiento simultáneamente, inspirada en la tradición del trío andino; su participación en agrupaciones como Guafá Trío y otros proyectos colectivos; y su faceta compositiva, reflejada en obras como Transparente y la suite sinfónica Ullaku, donde combina ritmos como el bambuco y el son sureño con técnicas contemporáneas como el análisis espectral. También aborda su interés por expandir el lenguaje musical hacia formatos electrónicos y experimentales, integrando sintetizadores, loops y múltiples instrumentos en piezas como Joana. En conjunto, su propuesta artística se define por una constante búsqueda de diálogo entre tradición y modernidad, manteniendo como eje central la identidad cultural andina y su proyección hacia nuevos lenguajes sonoros.

En esta emisión se presenta al compositor, guitarrista e improvisador bogotano Daniel Pulido, quien comparte su trayectoria académica y artística, desde sus estudios universitarios hasta la consolidación de una propuesta musical que integra composición, improvisación y jazz colombiano. Pulido explica cómo su formación lo llevó inicialmente hacia el jazz tradicional y aspiraciones internacionales, pero con el tiempo se reconectó con las músicas colombianas, entendiendo la relación entre interpretar y componer como procesos complementarios basados en la experimentación, la intuición y la construcción de una identidad sonora propia. A lo largo del programa, profundiza en su proyecto **Fotuto**, concebido como un espacio para reinterpretar aires tradicionales desde una mirada urbana y contemporánea. Describe cómo sus composiciones integran elementos como guabinas santandereanas, porro y otras influencias dentro del lenguaje del jazz, resaltando obras como Q Pagá, Zancadillo, Aporreo y Mira acuarela. También reflexiona sobre la improvisación como un acto similar a una conversación espontánea, donde la escucha, el silencio y la interacción construyen el resultado musical. Finalmente, comparte recomendaciones para músicos emergentes, enfatizando la importancia de definir un propósito artístico claro, formalizar sus proyectos y fortalecer tanto las habilidades creativas como la organización profesional dentro de la industria musical.

En esta emisión se rinde homenaje al compositor y guitarrista colombiano Gentil Montaña, a través de una conversación con dos invitados de gran trayectoria: Fernando León, destacado bandolista de la música andina, y Lácides Romero, pionero del acordeón clásico en el país. Se presentan grabaciones históricas inéditas, incluyendo una interpretación de la Suite No. 2 de Montaña registrada en 2004, y profundiza en el valor musical, académico y humano de su legado, así como en el contexto de su creación e interpretación. A lo largo, los invitados comparten anécdotas íntimas y recuerdos sobre su relación con el maestro, revelando su versatilidad, creatividad y calidad humana. Se destaca su impacto en la evolución de la música andina colombiana, su capacidad para fusionar géneros y su influencia en nuevas generaciones de músicos. La conversación cierra con reflexiones emotivas sobre su legado, resaltando la importancia de preservar tanto sus composiciones como su estilo interpretativo, que sigue siendo una referencia fundamental para la música colombiana.

Esta emisión es dedicada a Gentil Montaña, el programa reúne nuevamente a Fernando León y al guitarrista Daniel Saboya para profundizar en el legado del maestro a partir de valiosos archivos históricos. La conversación gira en torno a una grabación inédita de 1973 en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, donde Montaña interpretó como solista el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo junto a la Orquesta Filarmónica de Bogotá bajo la dirección de Jaime León. Se reconstruye el contexto de este hito, desde el proceso autodidacta de preparación del concierto hasta su impacto como uno de los primeros grandes momentos de la guitarra clásica en Colombia. También aborda el rescate y restauración de esta grabación, así como las experiencias personales de los invitados con el maestro, revelando su influencia artística, humana y pedagógica. A través de anécdotas, viajes internacionales y encuentros musicales, se destaca a Montaña como un referente fundamental en la historia de la guitarra latinoamericana, cuyo legado sigue vigente tanto en la interpretación como en la investigación y difusión de la música colombiana.

En este emisión escucharás en vivo cuatro obras interpretadas por Samay Corda: Virtual de Jimmy Robes, el Díptico de Daniel Saboya —un pasillo y un bambuco en homenaje al maestro Oriol Rangel—, Despacillo por favor de Lucas Saboya, Graffiti de Jorge Arbeláez e Indígenas de Pacho Casas. Todas piezas originales para flauta traversa y guitarra que mezclan la tradición andina colombiana con recursos del jazz, el blues y lenguajes contemporáneos, tocadas con una calidad y una calidez que pocas veces se logra capturar en un estudio de radio. Además de la música, Jesús Luque y David López cuentan cómo nació el proyecto, qué significa cada obra y de dónde vienen compositores como Daniel Saboya o Jorge Arbeláez —director de la Filarmónica de Música Colombiana— en el panorama actual de la música andina. También hablan del disco Los Espíritus de la Montaña, que estará listo a finales de año, y de por qué este repertorio de compositores vivos es una apuesta necesaria para el futuro de la música colombiana.

En esta emisión exploramos dos discos del mandolinista israelí Avi Avital: Avital Meets Avital, grabado con su hermano Omer —contrabajista y compositor de jazz— donde los dos hermanos de origen marroquí se adentran juntos en la improvisación, la música sefardí y los ritmos de Marruecos; y Between Worlds, un proyecto en el que Avital construye retratos sonoros de Iberia, el Mar Negro y el sur de Italia, poniendo a dialogar música clásica con tradiciones orales vivas. Escucharás en el programa Lonely Girl, danzas rumanas de Bartok, danzas búlgaras tradicionales y las Bachianas Brasileiras número cinco de Villa-Lobos, todas en versiones del Ensamble Between Worlds. Más allá de la música, el programa plantea una pregunta que vale la pena escuchar: ¿qué pasa cuando llevas el folklore a una sala de conciertos? Avital la aborda sin rodeos —habla de jerarquías, de lo que se recorta, de quién lidera— y defiende una postura clara: los géneros son dialectos de un mismo idioma, no fronteras. Para él, este encuentro entre mundos no es una estrategia de mercado sino el resultado de haberse reencontrado, casi por sorpresa, con sus propias raíces.

Avi Avital es un músico israelí que ha emprendido una tarea tan silenciosa como radical: devolverle a la mandolina el lugar que la historia le negó. Lejos de tratarla como curiosidad barroca o postal folclórica, Avital la instala en el centro de los grandes repertorios —Vivaldi, Bach, música contemporánea— sin pedir permiso ni justificarse. Su virtuosismo es evidente, pero lo más interesante no es la técnica sino la manera en que reordena el mapa cultural del instrumento. Desde una anécdota de infancia en Israel, donde asoció la tormenta del "Verano" de Vivaldi con el invierno de su país, Avital deja claro que su aproximación a la música parte de la experiencia vivida, del cuerpo y la memoria, no de la ilustración académica de un concepto. Lo que hace de Avital un caso singular es que no escribe manifiestos ni reclama reivindicaciones: simplemente pone repertorio exigente en el atril y lo graba con sellos de primer nivel como Deutsche Grammophon. En la mandolina, la continuidad sonora no se sostiene como en el violín —donde el arco traza líneas largas— sino que se construye golpe a golpe, plectro a cuerda, acumulando pulsaciones que exigen al intérprete hacer hablar cada repetición sin volverla mecánica. Avital lo describe con una imagen precisa: en escena, la mandolina deja de ser un objeto para convertirse en parte de él, casi como un jinete con su caballo. Ese es el programa de hoy —y es una invitación a escuchar de otra manera.

En esta emisión el proyecto musical Adam Palma Meets Chopin propone un diálogo innovador entre la obra clásica de Federico Chopin y las posibilidades sonoras de la guitarra acústica de cuerdas metálicas. Lejos de ser una simple transcripción, el guitarrista polaco-británico Adam Palma reinterpreta valses, preludios y nocturnos utilizando técnicas contemporáneas como el palm muting y el uso de la púa. Esta aproximación busca dotar a las piezas de un matiz rítmico moderno y una textura táctil que acerca el romanticismo del siglo XIX a géneros actuales como el jazz o el rock. Para Palma, este álbum representa un manifiesto donde la tradición no es una pieza de museo, sino una conversación viva. El enfoque prioriza la emoción y el sentido melódico sobre la mera acrobacia técnica, logrando que el instrumento respire de forma distinta al piano original. Con el respaldo de figuras como Al Di Meola, el disco destaca por su originalidad sorprendente, transformando la estructura armónica de Chopin en un lenguaje musical orgánico, personal y profundamente humano.

En esta emisión proyecto musical Adam Palma Meets Chopin propone un diálogo innovador entre la obra clásica de Federico Chopin y las posibilidades sonoras de la guitarra acústica de cuerdas metálicas. Lejos de ser una simple transcripción, el guitarrista polaco-británico Adam Palma reinterpreta valses, preludios y nocturnos utilizando técnicas contemporáneas como el palm muting y el uso de la púa. Esta aproximación busca dotar a las piezas de un matiz rítmico moderno y una textura táctil que acerca el romanticismo del siglo XIX a géneros actuales como el jazz o el rock. Para Palma, este álbum representa un manifiesto donde la tradición no es una pieza de museo, sino una conversación viva. El enfoque prioriza la emoción y el sentido melódico sobre la mera acrobacia técnica, logrando que el instrumento respire de forma distinta al piano original. Con el respaldo de figuras como Al Di Meola, el disco destaca por su originalidad sorprendente, transformando la estructura armónica de Chopin en un lenguaje musical orgánico, personal y profundamente humano.